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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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En 1983, Luis Eduardo Aute protagonizó uno de los discos en directo más importantes de la historia de la música española: Entre amigos. Un álbum crucial, publicado en un momento álgido de su carrera, en el que congregó sobre el escenario a cuatro tótems de la canción a ambos lados del Atlántico: Joan Manuel Serrat, Teddy Bautista, Silvio Rodríguez y Pablo Milanés.Una noche histórica grabada en Madrid, en el antiguo teatro Salamanca, que aborda con precisión el escritor José Manuel García Gil en este libro.Entre amigos. Luis Eduardo Aute, queda la música es el resultado de una minuciosa labor de investigación, enriquecida con los testimonios de los protagonistas, en la que se contextualiza la preparación del concierto y se reconstruye con detalle todo lo que aconteció en aquel escenario. Un relato que el propio Aute quiso escribir en vida y que García Gil resuelve de manera brillante, logrando trasladar al lector hasta el epicentro de aquel momento musical, social y político y, sobre todo, al instante exacto en el que el cantautor pisó las tablas.Un libro que pone en valor un concierto único, que ha permanecido en la memoria sonora y emocional del público durante cuarenta años, y que marcó un punto de inflexión en el panorama discográfico, inaugurando el modelo de álbum en directo con invitados, inédito hasta entonces en España.Una lectura necesaria para comprender y descubrir las claves de un disco fundamental en la escena musical iberoamericana.
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L'obra es fonamenta en els textos que durant els darrers anys s'han treballat tant en el blog com en la pàgina web de l'autor, i consta de dos blocs diferenciats. En primer lloc presenta una ressenya autobiogràfica marcadament humorística però fidedigna a la seva trajectòria artística. El segon bloc és el dietari pròpiament dit, que constitueix el gruix de l'obra. El dietari és una barreja de textos diversos que ofereixen una visió àmplia de l'univers creatiu de l'autor i constantment guarnit de tocs humorístics: lletres de cançons, ressenyes de concerts, correspondència amb col·laboradors, comentaris d'actualitat, jocs lèxics i literaris, etc. Entre les entrades diverses destaquen les 17 parts de l'obra èpica inacabada Els amants de la Fatarella, així com la sèrie de textos Viatge a Egipte.
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Maryní Callejo comenzó en la producción discográfica (¡dirigiendo a Los Brincos!) en un tiempo en que era impensable que una mujer realizara ese trabajo. Fue la primera productora del pop español, y la única durante décadas. En este libro decide hablar casi por vez primera.Maryní Callejo es algo así como el secreto mejor guardado del pop español. Pionera en la producción discográfica, en 1964 lideró el lanzamiento de Los Brincos, un trabajo impensable para una mujer de aquel tiempo, en una industria dominada por hombres, cuando la propia figura del productor musical era toda una rareza. También arreglista, compositora y pianista de formación clásica, su meteórica carrera la llevó a colaborar con artistas como Massiel, Los Relámpagos,Marisol, Nino Bravo, Fórmula V,Mari Trini o Rocío Dúrcal.Su discreción iba unida a esa actividad que suele permanecer en la sombra, en los locales de ensayo o estudios de grabación, creando el arreglo que daba entidad a una canción, componiendo la línea melódica, ese detalle que la convertía en un hit o dirigiendo a músicos de primer nivel.Maryní Callejo, tras una vida dedicada a la música, se ha animado a rememorar en estas conversaciones con Esther Zecco la que es una de las trayectoriasmás asombrosas del pop. Y lo ha hecho consciente de que con sus palabras y recuerdos ayuda a sacar a la luz una parte esencial de la intrahistoria de nuestra música.Maryní Callejo no fue solo la primera productora del pop español—y de las pocas en la escena internacional—, sino prácticamente la única hasta tiempos recientes, cuando otras mujeres han reclamado su sitio en trabajos que hasta hace muy poco eran exclusivamente masculinos.Desconocida para el gran público es, sin embargo, una de las figuras imprescindibles de la música española.
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Entre todos los aficionados a la música norteamericana la herencia de Janis Joplin (1943-1970) permanece viva, conmoviendo aún a nuevas generaciones que, más allá del grito, identifican a la cantante sureña con la fuerza y la independencia femeninas. Enormemente vulnerable pero revestida de una coraza de escandalosa agresividad, sus ansias de triunfo la llevaron desde su hermético Texas natal al bullicioso San Francisco donde los beatniks comenzaban a dar paso a los hippies: un crisol abierto a toda clase de nuevas experiencias con la música, el sexo o las drogas. En esta ciudad, rival de Nueva York en la década de los sesenta y centro de atracción para los jóvenes más inconformistas del globo, Janis Joplin consiguió tocar el cielo de la fama con las manos, pero pocos años más tarde hallaría un final trágico y prematuro —como Jimi Hendrix o Jim Morrison— en perfecta coherencia con su época. En este libro Alice Echols transmite con acierto los tonos contradictorios de un momento irrepetible de la historia del siglo XX, en el que la juventud llevó a cabo una profunda revolución sociológica arropada por los acordes del folk, el blues o el rock'n'roll.
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Un libro que nos acerca a los intentos de la humanidad por preservar la música y muestra cómo las diferentes formas de hacerlo han incidido en la creación musicalLa música es un arte efímero que existe solo cuando suena. Nuestro empeño por encontrar la forma de hacerla perdurar en el tiempo acaso haya sido casi tan ardiente como el de desvelar el secreto de la vida eterna.«¿Cómo sería poder escuchar las sonatas de Corelli interpretadas en su época? ¿O las primeras óperas de Monteverdi? ¿O comparar las interpretaciones de las orquestas del siglo xviiien París, Londres o Mannheim?». Clara Rico nos invita a imaginarlo en este libro, un viaje por la historia de los soportes y sistemas de escritura musical que han permitido salvar de la desaparición los sonidos cifrados de la historia. Son relatos que ponen el foco en los modos de conservación y difusión de la música ―desde la Edad Media hasta la era de YouTube, del París del rey Sol al Storyville de Louis Armstrong― y en cómo estos han sido determinantes no solo en la recepción de la música, sino en la misma creación musical.Una diversa galería de músicos y compositores (Maddalena Casulana, John Dowland, Vincent Dumestre, Sting, Bach, Zhu Xiao-Mei, Joe King Oliver…), junto con impresores, libretistas, bailarines, tratadistas y archiveros, pueblan este fragmento de memoria de la música en que se reflexiona sobre la fortuna y el olvido de algunas canciones o la evolución de distintos géneros musicales que van desde el madrigal, los airs de cour y la ópera, hasta los sonidos afroamericanos que están en la base de buena parte del jazz del siglo XX, sin olvidar una idea fundamental: que no se trata de lo que existió, sino únicamente de lo que se ha conservado.
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¿Quién no se ha sentido alguna vez conmovido, turbado, exaltado, hechizado o arrebatado por las emociones y los sentimientos que despierta y desata la música? Desde la noche de los tiempos, viene atribuyéndose al arte de las musas toda suerte de propiedades que pueden alterar o condicionar el estado de ánimo e incluso la conciencia de sus oyentes. Presuntas cualidades que intuitivamente advertimos y apreciamos en algunas de las grandes obras de la música clásica occidental, y de cuyas virtudes se hace eco (y también se mofa) la cultura popular, sobre todo la comedia —recuérdese a Woody Allen, en Misterioso asesinato en Manhattan (1993), proclamando: «No puedo escuchar a Wagner más que en pequeñas dosis. Si me excedo, enseguida me entran ganas de conquistar Polonia»—, y que ilustran cómo la música puede, en efecto, encarnar e inflamar toda suerte de pasiones y querencias.Melodías del alma nos invita a embarcarnos en un viaje musical a través del tiempo, apelando a los clásicos de ayer y de hoy —al compás de las estaciones del año—, y a sumergirnos en las resonancias musicales de las profundidades del alma —recorriendo la cartografía de las emociones que cada estación suscita en la autora a lo largo de las cincuenta y dos semanas del año—. En este singular ejercicio de maridaje, cada una de las trece emociones asociadas a cada estación se acompaña de una composición que la representa. Sin ampararse en un discurso lineal, Vega recurre a los ejemplos que ofrecen la literatura y otras expresiones artísticas sustanciando sus propuestas con didácticas acotaciones filosóficas e históricas al tiempo que revelándonos las interioridades del repertorio seleccionado para acompañar la lectura con la audición de sus recomendaciones —grabaciones a las que el lector puede acceder a través de los códigos QR habilitados para tal fin en cada capítulo, y con la selección completa al finalizar la lectura—.Un espléndido compendio, en suma, de la estética, la música y el pensamiento occidental a través de las emociones expresadas en la música clásica.
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Prince Rogers Nelson (1958-2016) fue un genio musical, resultado de una mezcla explosiva de talento natural y una obsesiva dedicación al trabajo. Detrás de éxitos universales como “Purple Rain” o “Kiss”, había un artista que rompía géneros, desafiaba etiquetas y reinventaba las reglas de la industria con la misma audacia con la que mezclaba funk, rock, soul y pop. Prolífico y provocador, el alquimista Prince, a través de la música –su particular piedra filosofal–, se convirtió en un icono cultural en los años ochenta y su legado continúa vivo, inspirando a generaciones enteras de artistas y a seguidores en todo el mundo. Prince. El alquimista púrpura no es una biografía al uso ni un libro enciclopédico sino un viaje por el universo creativo del artista, que ofrece claves tanto para disfrutar de su música como para descubrirla por primera vez. Una invitación a adentrarse en el misterio, la genialidad y la pasión que han hecho de Prince un icono eterno.
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Documento escrito y sonoro fruto de un trabajo de campo sobre la música popular catalana de tradición oral con la comarca de el Bages como territorio explorado y objeto de estudio. Se compone de un DVD, un doble CD y un librito. En el DVD se encuentran imágenes filmadas de bailes diversos ordenados de dos maneras diferentes: por su contenido o tipología y por su trayectoria geográfica. En el doble CD pueden escucharse documentos procedentes de la tradición oral ordenados a partir de una clasificación etnomusicológica cuyo criterio de base es la funcionalidad.Finalmente, el librito que acompaña a este producto audiovisual contiene las explicaciones imprescindibles para la mejor comprensión del discurso que ofrecen las imágenes y las canciones.
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Una aproximación a la Historia de la música en España e Hispanoamérica, en ocho tomos, desde una perspectiva de nuestro tiempo, supone un ejercicio de reflexión, o de rigurosa divulgación, para comprender mejor, en términos musicales, de donde venimos y lo que somos. No pretende esta colección sentar cátedra sino invitar a pensar por qué la música ha evolucionado de una manera determinada y no de otra. Los criterios de acercamiento son plurales y abiertos, sin ningún tipo de dogmatismo, buscando más la sugerencia que la tesis, la información precisa que la especulación, el espíritu científico que la ficción. En el fondo pretenden estos sustanciosos ensayos suministrar claves para disfrutar más con la música, situándola en sus contextos, subrayando sus prioridades, indagando en sus rebeldías. Las aportaciones provienen de diferentes universidades o instituciones de España y América, y buscan en la diversidad un enriquecimiento de planteamientos y posturas. Hay una apertura a la brillantez de las nuevas generaciones pero sin prescindir de la sabiduría de los expertos. El resultado de todo ello es apasionante, tanto por su complejidad como por la resistencia a un encasillamiento. La Historia de la Música en España e Hispanoamérica no se agota, evidentemente, en estas páginas. La síntesis de los rasgos esenciales de la música del siglo XX en España plantea problemas específicos que sobrevuelan sobre cualquier enfoque. Está todo demasiado cercano para que las conclusiones sean definitivas. Hay un factor de riesgo añadido en las opiniones, al no haber entrado en juego la consolidación del paso del tiempo. Para evitar posturas determinadas en una u otra dirección se optó para este volumen por un coordinador joven que garantizase la frescura de una nueva mirada. La dedicación a la musicología y a la zarzuela de Alberto González Lapuente se complementa por el oficio de escribir y su dedicación periodística. Cuenta además con un equipo multidisciplinar en el que militan Jorge de Persia, Gemma Zalduondo, German Gan y Víctor Pliego. Con sus aportaciones el volumen se enriquece gracias a la variedad de propuestas que despliegan. Las bases de un acercamiento están, en cualquier caso, sobre la mesa y boca arriba. Es lo que se pretendía.
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'Sin música la vida sería un error'', he aquí el lema que preside este libro. La música nos ayuda a romper el silencio y el aislamiento a los que conduce la sociedad de nuestro tiempo, en la que el otro es percibido como una amenaza, un competidor o un enemigo. Frente a ello, la música llega desde afuera, requiere de nosotros el gesto de ponernos a la escucha, y nos permite así salir de nuestro encierro y ponernos en movimiento hacia lo Otro, hacia otros mundos, hacia otros seres. Este libro se detiene sobre todo en algunos de los principales creadores de rock, pop y jazz (The Rolling Stones, The Smiths, The Beach Boys, David Bowie, Frank Zappa, Raffaella Carrà, Kraftwerk, Radiohead, Sex Pistols, Nirvana, Phil Ochs, Cecil Taylor, Nina Simone y Laibach) que, desde finales de los sesenta del siglo pasado, nos han ayudado a soportar los tiempos de vacío existencial. Estos músicos nos han mostrado nuestras patologías, pero también nos han enseñado cómo debería ser la resistencia contra los males de nuestro tiempo. Incluso nos han permitido sentir y pensar los límites de una rebeldía juvenil que no nos emancipa. Esta obra nos recuerda que la música popular contemporánea nos vuelve conscientes de los quebrantos que sufrimos, pero también nos ofrece una esperanzadora alegría de vivir.
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Este tercer volumen de canciones de Bruce Springsteen recoge las letras en versión bilingüe de las 66 canciones publicadas en Tracks, cuatro discos que abarcan toda la trayectoria de The Boss: “Esta recopilación contiene todo, desde las primeras notas que canté en un estudio de grabación de Columbia, mis trabajos iniciales y posteriores con la E Street Band, hasta mi música de los noventa. Es la ruta alternativa a algunos de los destinos a los que viajé en mis discos, una invitación al estudio en una de las muchas noches que pasamos haciendo música en busca de los discos que finalmente os presentamos. Me alegro de, al fin, poder compartir esta música, aquí están algunas de las que se escaparon.” (Bruce Springsteen, septiembre, 1998)
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Aquest és un llibre d'amor a la música i sobretot als músics, que explica moltes coses del que hi ha darrere de cada cançó. L'autor, a través d'un pòdcast emès a Ràdio Ciutat Tarragona, titulat _Pentinant el gat_, va conduir un seguit de diàlegs amb persones rellevants del món cultural i científic de Tarragona. El format fluid era tan senzill com innovador. El presentador portava una gran cançó i una gran versió, sempre molt contrastada, i el convidat hi contribuïa oferint un tema que podia tenir relació amb l'original, amb la versió o amb la temàtica general. Un quart tema acomiadava el programa fent de corol·lari de què s'havia parlat. Entremig s'establia un diàleg del qual afloraven històries, moltes vegades poc conegudes i sorprenents, que ens ajudaven a entendre els personatges i el context en què van desenvolupar les seves carreres. Alhora s'establien relacions gairebé màgiques entre estils musicals ben diferents, en què la música i les lletres actuaven com una mena de sistema neuronal sempre actiu. En aquest volum hi trobarem l'edició dels diàlegs -no són entrevistes- a partir de grans peces de Nick Cave & The Bad Seeds, The Velvet Underground, Leonard Cohen, Janis Joplin, The Rolling Stones, Toots & The Maytals, Jimi Hendrix, Deep Purple, Lou Reed, Pink Floyd, M.I.A., Sly & The Familiy Stone, per acabar amb The Beatles. Totes les cançons reproduïdes les podeu trobar a la llista de Spotify _Pentinant el gat._
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La música viaja en Tren explora el entrelazamiento del ferrocarril y sus canciones a través de la historia. Las melodías con inspiración ferroviaria se extienden por los cuatro puntos cardinales y llegan hasta el infinito (y más allá). Los más grandes de la música contemporánea se suben al tren desde hace un siglo. En estas páginas se narra la herencia del caballo de hierro en la vida y obra de gigantes como Bessie Smith, Jimmie Rodgers, Sister Rosetta Tharpe, Duke Ellington, Woody Guthrie, Johnny Cash, Bob Dylan, Beatles, Rolling Stones, Tom Waits o Van Morrison, entre otros. Muchos artistas han utilizado los recursos expresivos del ingenio mecánico que abrió las puertas al mundo moderno, iluminando los mil ángulos del alma humana. Su poder metafórico despertó incontables canciones por donde viaja sin desmayo la savia ferroviaria primigenia que alumbró la música de nuestro tiempo. El autor describe la coincidencia de la época dorada del tren con los años en que blues, jazz, góspel o el soul forjan su identidad en Estados Unidos y Europa, a partir de un tronco común afroamericano. También se abordan los hitos musicales del tren español, desde su origen en Cuba hasta hoy. La era ferroviaria sembró el planeta de inéditas relaciones económicas, sociales y culturales. La música y las sociedades crecen gracias a mezclas de lo existente, y casi nada entre las invenciones humanas ha contribuido tanto al mestizaje cultural como los trenes. Las locomotoras y vagones desdibujaron la frontera entre razas y rompieron confinamientos sonoros que transformaron las formas de entender la vida. La presencia del tren en el cancionero ha menguado con el paso de los años, aunque las melodías actuales siguen nutriéndose del tren, al igual que las de mañana y las de ayer. Aquí se cuentan cientos de historias sobre ese viaje que une en el infinito las vías paralelas sobre las que avanzan la música y el tren.
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Com diu Ester Pinart en el pròleg: ''Tothom sap el nom de les notes musicals, però potser no tothom sap d'on venen, aquests noms''. L'autora ens descobreix quela trompa marina no és cap trompa, que l'os de la música no és un os i que la tarantel la era una teràpia. Gaudiu de l'ànima de la música amb aquests textos interessants, frescos, pedagògics i amb petites dosisd'ironia i de reivindicació.
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La primera biografía en castellano sobre My Bloody ValentineJusto cuando se cumplen 35 años de su influyente álbum Loveless (1991), piedra angular del shoegaze y una obra maestra indiscutible, Convierte mi cabeza en sonido: Una historia de Kevin Shields y My Bloody Valentine narra la historia de uno de los grandes innovadores en términos sonoros de finales del siglo XX y principios del XXI.My Bloody Valentine solo han publicado tres álbumes a lo largo de sus cuarenta años de carrera, pero cada uno de ellos ha tenido un impacto cultural sísmico y no se había publicado ningún estudio exhaustivo sobre su obra ni la trayectoria de la banda. Hasta ahora.Convierte mi cabeza en sonido es el resultado de investigaciones recopiladas a lo largo de décadas, así como de entrevistas con personas que fueron testigos aquellos momentos, algunas de las cuales hablan por primera vez. Quienes hayan seguido a la banda desde sus inicios encontrarán aquí mucha información nueva, incluida la historia completa de su tortuosa etapa en Island Records tras el lanzamiento de Loveless.Kevin Shields es, sin duda, un músico único en su género, y este libro —que llena vacíos, corrige errores y ofrece una visión objetiva de toda su carrera y la de su banda, con todos sus defectos— dibuja un retrato completo de uno de los artistas sonoros más revolucionarios de nuestro tiempo, incluyendo su trabajo fuera de My Bloody Valentine como ingeniero, productor, remezclador y miembro de Primal Scream, así como sus contribuciones a varias películas de Sofia Coppola.
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Mito erótico de la Transición, novia de España, imagen de la cultura comprometida con la justicia social, musa de dramaturgos, cineastas y compositores, Ana Belén encarna nuestra historia reciente. María del Pilar Cuesta Acosta, Ana Belén para el resto del universo, fue la última niña prodigio. Desde que empezó a cantar en los concursos radiofónicos, supo que quería ser artista, como Marisol, y darle a su familia una casa mejor que la que tenían en el madrileño barrio de Lavapiés. Lo consiguió a los trece años, cuando se convirtió en Ana Belén con Zampo y yo , su primera película. En esta conversación con el escritor y guionista Edu Galán, repasa su trayectoria vital y profesional, donde ha habido muchos éxitos y algún fracaso, y donde ha llevado en paralelo sus dos carreras artísticas: la de cantante, que ha desarrollado con su compañero de vida, Víctor Manuel, y la de actriz de teatro y de cine. Sus canciones y películas son hoy parte de nuestra memoria colectiva.En 2025 estrena nuevo disco, Vengo con los ojos nuevos , que presentará en la gira Más D Ana.
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El periodista Fernando Navarro ha escrito, después de años de entrevistas con los cuatro protagonistas y todo su entorno, la bella y conmovedora historia de Supersubmarina: el relato de su éxito y su tragedia. Esta es la historia de cuatro amigos que subieron al cielo y bajaron a los infiernos. Cuatro niños que empezaron jugando al fútbol bajo el sol en el paseo de la Constitución de Baeza y que acabaron jugando a hacer música con su propio grupo en el quiosco de ese mismo paseo bajo la luna pocos años después. Un relato acerca de cómo los sueños se hacen realidad, pero también de su fragilidad. Supersubmarina ha sido y es una de las grandes bandas de pop-rock nacional de las últimas décadas. Su éxito fue abrumador, su talento, inconmensurable, su caída en desgracia tras un gravísimo accidente, inesperada y triste. El periodista Fernando Navarro les da voz a los cuatro y, después de escucharlos a ellos y a sus familias y amigos narrar sus recuerdos durante meses, ha escrito este libro para llenar sus silencios. Un testimonio de amistad, creación, éxito, dolor y superación. Una historia fieramente humana cuyo final es un enigma.«Este libro es un acontecimiento». Manuel Jabois «Emociona, duele y da esperanzas». Jordi Évole «Te conectacon una de las mejores cosas que te pueden pasar en la vida (si tienes suerte): tener buenos amigos». Victoria Martín «Un rugido de vida y emoción. Un gran libro». Aimar Bretos «No voy a ser capaz de resumir todas las emociones que este libro me ha causado. Un libro necesario». Dani Rovira «Confieso que, por momentos, la emoción no me permitía seguir leyendo este libro mágico». Elvira Lindo
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La música pop no empezó con los Beatles en 1963, ni con Elvis en 1956. Ni siquiera con los primeros sencillos de siete pulgadas en 1949. Hubo una prehistoria que se remonta a la primera música grabada, a principios del siglo XX...¿Quiénes fueron las primeras estrellas discográficas? ¿Eran, en algún sentido, «estrellas del pop»? ¿Para quiénes componían canciones figuras como George Gershwin? ¿Por qué el swing, el sonido que triunfó durante una década o más, se volvió casi invisible después de la Segunda Guerra Mundial?La precuela de «Yeah Yeah Yeah», Let’s do it, de Bob Stanley, es el primer libro que narra la historia definitiva del nacimiento del pop, desde la invención del disco de 78 rpm a finales del siglo XIX, pasando por la primer vez que se usó el término (un anuncio de 1901 en el Stage para una biblioteca de préstamo de partituras prometía ''toda la música pop más reciente''), hasta el auge del rock'n'roll, desde el music hall hasta Muddy Waters.Incluyendo a superestrellas como Louis Armstrong, Bessie Smith, Duke Ellington y Frank Sinatra, junto con los compositores y arreglistas desconocidos responsables de algunas de nuestras canciones más perdurables, Stanley pinta un retrato auditivo de los años de formación de la música pop con una claridad asombrosa, desvelando los hilos de plata y las agujas de oro que unen la forma.Admirablemente sencillo en su enfoque, Stanley hace uso de un lenguaje ingenioso y tiene un ojo fantástico para los hechos oscuros y llamativos, dotando a su narración de un entusiasmo contagioso que nos hace correr al servicio de streaming más accesible para descubrir a qué se debía tanto revuelo. La maestría de Let's do It para revivir el pasado reside en su capacidad para establecer paralelismos con el presente o, al menos, con la historia más contemporánea.
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1962, un chaval lee en La Vanguardia un anuncio que demanda jóvenes para formarlos como técnicos de sonido en La Voz de su Amo, la discográfica más importante de España. ¿Qué hubiera pasado si Joan Surribas, ese día, no hubiese comprado el periódico? Seguramente la historia de la música de este país sería diferente. Muchos discos no gozarían del sonido que tienen y otros tantos ni siquiera existirían.Joan Surribas no es ningún desconocido para los buenos melómanos, los que gustan de leer la letra pequeña de los discos. Desde su mesa de sonido grabó —y también produjo— a multitud de grupos y solistas: de los británicos The Shadows al muy autóctono Antonio Molina, en un arco temporal y artístico de seis décadas en el que trabajó con Joan Manuel Serrat, Cliff Richard, Rafael Farina, Peret, Cecilia, Lone Star, Los Mustang, Dyango, Los Canarios, Luis Eduardo Aute, Burning, María Dolores Pradera, Los Salvajes, Los Burros, Parchís, Manolo Escobar, Los Chunguitos, El Fary, Mojinos Escozíos, Sergio Dalma, Loquillo, Manzanita, Paco de Lucía, Parrita, Joan Baptista Humet, Gato Pérez... Se quedó en shock al ver a los Beatles grabando en Abbey Road, grabó el himno inmortal que unió a Montserrat Caballé y a Freddie Mercury, ha visto a Paco de Lucía hacer magia con una guitarra medio rota, de su inquietud surgió el disco Cuba le canta a Serrat, puso por primera vez en España un micro al bombo de una batería, descubrió a los Mojinos Escozíos, rechazó convertirse en el técnico de sonido fijo de Julio Iglesias... A sus 85 años, conversa con César Prieto Álvarez y recoge cientos de anécdotas, haciendo justicia a un oficio apasionante. El de grabar discos. Con su personal estilo y naturalidad, Joan Surribas relata historias que por momentos rozan la novela negra y que sacarán al lector más de una carcajada, pero así es la trastienda del «negocio de la música». Un anecdotario impagable forjado en los mejores estudios de Barcelona, Madrid, Londres, París, Miami, Los Ángeles o La Habana y un libro que es la Historia de la música de un país a través de la mente de un técnico brillante que lo vivió todo con tanta pasión como compromiso con su oficio.
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No puede ser aún, Myra. Quiero que diga la verdad, acerca de las drogas, acerca de todo. Quiero decir, realmente la verdad.” Janis Joplin habló de este modo a su amiga y colaboradora, Myra Friedman, en un bar de Nueva York, mediado agosto de 1970, sobre la biografía que Janis esperaba que Myra escribiese algún día. Esa biografía es Enterrada viva.Su muerte prematura, acaecida por una sobredosis de heroína a los 27 años, convirtió a Janis Joplin en una leyenda. Y en todas las leyendas aparecen irremediablemente falsedades. Enterrada viva escrita por esta periodista tan cercana a Janis refleja la dura verdad que la cantante conoció en su corta existencia y que quiso compartir con su público.Su vida es material ideal para una gran biografía: fue una mujer solitaria y extraordinariamente insegura, cuyo estilo de vida suicida —alcohol, drogas, deprimentes e indiscriminadas relaciones sexuales y una agotadora ambición— le proporcionó gran éxito, riqueza, felicidad momentánea y hasta la muerte. Esta es su historia descrita del modo más fiel posible. Y es también la historia de su tiempo, los locos, violentos, cargados de droga, años sesenta, a los que ella representó tan bien y de los que apenas vio el final.Enterrada viva emocionará e impresionará a aquellos que aman a Janis y a aquellos que nunca le hayan oído cantar una sola nota. Además, la versión bilingüe de sus canciones está disponible en Janis Joplin, canciones, el número 58 de esta misma colección.
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La música ha sido una herramienta habitual en la política exterior de los Estados para mejorar su imagen internacional desplazando melodías, artistas, agrupaciones e instrumentos que representaban simbólicamente la nación y que permitían alcanzar a la ciudadanía de otro país. Esta acción exterior ha sido denominada diplomacia musical. Estados Unidos y el jazz, la Unión Soviética y el Ballet Bolshói o Corea del Sur y el K-pop son prototipos conocidos de esta acción exterior, pero existen otros ejemplos en los que los géneros musicales, los avances culturales, las relaciones internacionales y las transformaciones políticas convergieron en un mismo momento, como fueron los casos de Reino Unido y España. Las características de la diplomacia musical británica y española en la segunda mitad del siglo xx sufrieron una importante modificación en consonancia con los cambios políticos internos y los reajustes de las prioridades exteriores. El análisis de las acciones musicales desarrolladas de forma bilateral entre ambos países permite esclarecer los géneros musicales proyectados internacionalmente, la influencia del estado de las relaciones bilaterales en la calidad y la cantidad de las iniciativas y la confluencia de factores internos y externos para la formulación de la diplomacia musical de cada país.
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Pocos sabían que Freddie Mercury escribía un diario. Cuando falleció en 1991, dejó diecisiete cuadernos manuscritos que relataban su vida y su época, desde 1976, cuando Queen ya era una banda de éxito mundial, hasta unos días antes de su muerte. Solo cuatro personas de su círculo más íntimo supieron qué fue de esos diarios. Justo antes de morir Freddie, se los confió a «B.», su hija secreta. En 2021, «B.» se puso en contacto con Lesley-Ann Jones, la biógrafa más reconocida de Freddie, ofreciéndole algo sin precedentes, el sueño de todo biógrafo: acceso completo y sin límites a las confesiones más íntimas de Freddie Mercury. Durante tres años y medio, Lesley-Ann Jones se ha sumergido en las revelaciones personales de Freddie, creando una historia que transformará todo lo que creíamos saber sobre él y su legado. En conjunto, además de una lectura impactante, constituyen lo más cercano a una autobiografía de Freddie Mercury que el mundo jamás conocerá. LOVE, FREDDIE revela secretos impactantes de su infancia, muestra sus miedos más profundos y sus deseos más apasionados, explora el origen y la inspiración de sus composiciones, rememora sus relaciones más cercanas y revela quién fue el gran amor de su vida.
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Este libro es un viaje apasionado al corazón de las sevillanas, un género que late con la fuerza de la tradición andaluza y que ha tejido, a lo largo de los siglos, una historia de emociones, fe y arte. Feliciano Pérez-Vera Hernández nos invita a descubrir cómo estas coplas han sido testigo de amores, devociones y costumbres populares, desde su infancia en Hinojos hasta los escenarios más emblemáticos de la cultura flamenca. Con un estilo cercano y lleno de vivencias personales, el autor nos comparte anécdotas entrañables, el proceso creativo tras sus composiciones más icónicas y su lucha por preservar la esencia de un género que une generaciones. Además, el libro ofrece un homenaje a las figuras que marcaron el auge de las sevillanas y una reflexión sobre su transformación a lo largo del tiempo.
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Desde su clamoroso redescubrimiento mediada la pasada centuria, la figura de Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678-Viena, 28 de julio de 1741) no ha hecho sino ganar adeptos, provocar estudios, protagonizar ciclos de conciertos, propiciar ingentes grabaciones discográficas, suscitar, en suma, una creciente, justificada fascinación que aún hoy, recién comenzado el siglo xxi, parece estar lejos de su techo. Vivaldi –también conocido como el Prete Rosso (el cura rojo) en virtud de su condición sacerdotal y del color de sus cabellos– no fue sólo uno de los compositores más prestigiosos e influyentes de su generación, un formidable maestro del Barroco Italiano, sino que fue ante todo un genio vanguardista y visionario que renovó el lenguaje Barroco para dotarlo de una exuberancia dramática sin parangón entre sus contemporáneos. El libro que el lector tiene en sus manos, el primero en lengua castellana dedicado in extenso a la música de Vivaldi, constituye un profundo estudio de la obra instrumental vivaldiana, la parcela más emblemática y revolucionaria de la producción del Prete Rosso. Para ello se ha prestado una atención pormenorizada a todos los géneros instrumentales cultivados por Vivaldi, desde la música de cámara a la obra concertante y sinfónica, de la sonata al concierto, de las obras publicadas a las páginas manuscritas, de las piezas más famosas a las páginas menos frecuentadas. Pese a estar consagrado a la obra instrumental, el presente volumen no pierde de vista, naturalmente, la igualmente extraordinaria obra vocal vivaldiana, tanto sacra como profana, cuya referencia se antoja imprescindible para un conocimiento pleno del inmortal legado instrumental del compositor veneciano. El texto presta también especial atención al célebre «autoprestamismo» del Prete Rosso, y revela de hecho algunas conexiones temáticas hasta ahora inéditas, concernientes tanto a la música instrumental como a la vocal.
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El acceso al mensaje poderoso y transformador de la música exige una cierta pedagogía, que no siempre se ha sabido cultivar de la manera adecuada. Desgraciadamente, sucede muy a menudo que el enfoque de la enseñanza musical en las escuelas (e incluso en los conservatorios) no es el correcto. Como consecuencia de esto, una gran parte de la población más joven (y no tan joven) no siente ninguna afinidad hacia la gran música, la consideran una realidad lejana, incomprensible, propia de gente aburrida o extraña. Otros quizás albergan la sospecha de que se trata de un mundo fascinante y enriquecedor, pero les parece que no disponen de las claves para acceder a él, no saben cómo se han de acercar a las grandes creaciones musicales, y pronto se rinden con la amarga sensación de que han perdido ese tren. Escrito en un registro cercano y amable (tan lejos de la erudición como de la divulgación insustancial), Música para leer es una guía para iniciarse, profundizar y llegar a amar (hasta la completa adicción) el mundo de la gran música.
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La biografía largamente esperada de una de las figuras más incomprendidas, reconocidas y estigmatizadas («la bruja que separó los Beatles») de los últimos años. Yoko Ono, con la participación directa de la protagonista. Descrita por John Lennon como la artista desconocida más famosa del mundo, «todo el mundo conoce su nombre, pero nadie sabe lo que hace», la biografía definitiva de David arrojará nueva luz sobre este individuo tan complejo, permitiendo un replanteamiento de la narrativa que ya conocemos. La balada jamás contada de Yoko y John. David describe cómo el arte de Yoko «doblega las mentes, haciendo que el espectador o el público piensen en sí mismos y en el mundo de forma diferente», y eso es lo que promete hacer este libro. Nos hará pensar en Yoko bajo un nuevo prisma, al tiempo que pensamos en nosotros mismos y en el poder de la percepción pública a la hora de distorsionar e incluso destruir una vida.
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.El segundo volumen se estrucura en 14 capítulos organizados en tres bloques temáticos, donde analiza aspectos relacionados con la música grabada, la edición musical y la música en directo.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Diego A. Manrique es Historia Mayor del Periodismo, y en El mejor oficio del mundo se abre para contar lo que ocurre en la trastienda, lo que nunca se explica. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad a la profesión, este es un libro necesario y esclarecedor. Presentar al autor de este libro es innecesario. Diego A. Manrique es, desde hace cuatro décadas, el periodistamusical en activomás respetado de nuestro país. Una trayectoria como la suya ha estado, inevitablemente, jalonada de vivencias de toda condición. Muchas de ellas las relata en El mejor oficio del mundo. Anécdotas profesionales y encuentros con grandes figuras de la música internacionales y nacionales a través de las que desvela las interioridades de un apasionante oficio vocacional. En estas páginas descubre el funcionamiento de la industria musical en momentos de vacas tanto gordas como flacas, y del siempre precario periodismo especializado. Con un estilo único, patentado y totalmente reconocible que atrapa desde la primera página, alejado de la vanidad y desde la posición de quien fue un desconocidomelómano «de provincias» con vocación enciclopédica y hambre de saber y conocer, nos relata, sin pretenderlo, cómo se fue labrando un espacio propio en los medios. En El mejor oficio del mundo sabremos del disco de Dylan en español que no fue, de entrevistas frustradas y otras de las que, sin esperar demasiado, acabaron siendo legendarias. Subiremos con él a un avión y aterrizaremos en Canadá a la búsqueda de Leonard Cohen o viajaremos a su lado en un autobús para asistir a un concierto desangelado en una cárcel que nada tiene que ver con los de Johnny Cash… Conoceremos su negativa a sentarse en la silla de un despacho porque su sitio está en las salas de conciertos, en las emisoras de radio, tecleando en la máquina de escribir y, también, en aquella televisión de los programas musicales que, hoy desaparecidos, le llevaron a la construcción de nuevos y sorprendentes formatos. Todo ello relatado con veracidad y algo de sorna, necesaria para rememorar los tiempos en que para algunos la música era cosa de melenudos que solo tenían ganas de molestar.Diego A.Manrique esHistoriaMayor del Periodismo de este país, y en Elmejor oficio del mundo se abre para contar, desde la perspectiva de la distancia, lo que ocurre en la trastienda, aquello que nunca se explica, homenajeando de paso a compañeros de profesión que anduvieron con él caminos paralelos. Desde la lucidez, la honradez y la fidelidad al oficio, este es un libro tan necesario como esclarecedor.
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En esta antología, cuidadosamente seleccionada, el autor de La música clásica ha elegido setentas y seis obras representativas del siglo XVIII y comienzos del XIX, que constituyen una completa ilustración de los géneros, estilos y combinaciones instrumentales del periodo, de la sinfonía al cuarteto, pasando por el concierto, la sonata o la ópera. Los grandes genios de la época, Haydn, Mozart y Beethoven, están representados con ejemplos de las formas musicales que utilizaron. Y junto a ellos, el lector encontrará una generosa recopilación de la obra de esos compositores «menores» que trabajaron diligentemente en toda Europa para proveer a un público cada vez mayor de las últimas tendencias musicales.
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Tens algun amic islandès? Has estat mai a Islàndia? Saps que és considerat un dels millors països del món?I si això és cert, com és que Halldor viu a Catalunya? EL MÓN SEGONS HALLDOR ens permet descobrirqui és aquest músic islandès, cèlebre per les versions en anglès de grans hits de la Nova Cançó i ara presentador de televisió, que viatja pel món entrevistant persones que també s'han deixat seduir per la nostra cultura. Savi, observador, irònic, humil, planer i feliç, Halldor ens explica la seva història i, alhora, fa que ens enamorem d'aquest peculiar, aspre, salvatge i preciós petit país anomenat Islàndia.
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Liburuak inaugura una nueva colección de producción propia, BURUHAUSTE, en la que explorará en textos breves temas de actualidad en torno a la industria cultural.En su primer título, ANTINEUTRAL, Pepo Márquez disecciona la adquisición de promotoras y catálogos musicales por fondos de inversión vinculados con empresas que desarrollan tecnología usada por Israel en el genocidio de Gaza.El proceso de financiación que vive la música en directo —en especial los macrofestivales y los conciertos multitudinarios—, debería ser la señal de alarma definitiva para la industria cultural, porque sus efectos son devastadores: genera desigualdad, penaliza la sostenibilidad ambiental y social y minimiza los beneficios culturales, simbólicos y emocionales en favor de los beneficios empresariales.La polémica se ha generado por la adquisión de algunas promotoras y catálogos musicales por parte del fondo de inversión estadounidense KKR, que tiene participación en empresas que desarrollan tecnología utilizada por el Ejército israelí en el genocidio contra la población de Gaza con la connivencia de la mayoría de los gobiernos occidentales.En un texto lleno de rabia pero también de esperanza, Pepo Márquez nos ayuda a entender cómo hemos llegado a esta coyuntura, reconocer a los diferentes actores implicados y señalar posibles alternativas para la resistencia.
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La amistad entre Friedrich Nietzsche y Richard Wagner dio lugar a una de las relaciones personales e intelectuales más sorprendentes y trascendentales de la moderna historia cultural alemana y europea, tal como queda reflejado en esta Correspondencia, de la que publicamos la edición más completa y definitiva.Todo comenzó en noviembre de 1868, y aunque su relación nunca fue simétrica, en poco tiempo aquel joven brillante y desgarbado que apenas comenzaba su andadura intelectual logró tal grado de intimidad con aquel genio polémico, consagrado y admirado por su música como para crear una «alianza» intensa y fructífera, que duró cerca de una década. Como apunta Miguel Ángel González Barrio en su prólogo, las consecuencias de aquel encuentro dejaron en Nietzsche una impronta indeleble y estuvieron presentes el resto de su vida, pese a la ruptura posterior y a la muerte del compositor.
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Artistas malditos, músicos de culto. ¿Qué nos atrae tanto de esos creadores incomprendidos por sus contemporáneos? La historia del rock está salpicada de grandes talentos a los que el éxito les fue esquivo. Vidasentregadas —y truncadas prematuramente, en muchos casos— a un oficio a menudo ingrato, grandes compositores o intérpretes injustamente olvidados a los que solo ha hecho justicia poética el paso del tiempo.
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El llibre documenta un corrent de transmissió de coneixements i apropament a la cultura i a la música que deu molt a la comunitat jueva de les illes: tant als xuetes assenyalats com a tals com als descendents dels jueus conversos que no sabien res del seu origen.
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A finales de los setenta, un grupo de jóvenes decidió mezclar los ecos árabes de la cultura andaluza con la potencia del rock progresivo y psicodélido de los 70. Así nació Mezquita, una banda que creó algo nunca antes escuchado. Este libro te invita a recorrer su historia desde dentro. Conocerás la historia de cuatro jóvenes inquietos: Randy López, José Rafa Rosso, Paco López «Roscka» y Rafael Zorrilla «el Pelu» mucho antes de que el mundo los descubriera, cuando aún ensayaban como el trío Expresión, soñando con un sonido propio. Descubrirás cómo la base naval de Rota se convirtió en una puerta inesperada hacia nuevos horizontes musicales, y cómo Andalucía latía al ritmo de una escena efervescente que pocos conocen con otros grupos que empezaban a triunfar como Medina Azahara en Córdoba o Triana en Sevilla. Mezquita lanzó al mercado dos LPs clave en aquel momento: Recuerdos de mi tierra y Califas del rock... Discos que hoy se veneran en Japón, en Italia, en cualquier rincón donde el rock progresivo se tome en serio. Aquí encontrarás las historias que hay detrás: las noches de estudio, las giras agotadoras, los encuentros con figuras como Mariskal Romero, y también las batallas perdidas frente a una industria que pronto miraría hacia Madrid. La autora ha buceado en archivos, ha conversado con los protagonistas y ha corregido errores que se arrastraban desde hace décadas. El resultado es un retrato íntimo y riguroso de unos músicos que transformaron su mundo a golpe de experimentación y talento. Una obra que da testimonio de uno de los momentos más potentes y creativos de Andalucía en el siglo XX.
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¿Qué es la música andalusí? ¿Es una música árabe? ¿Música ibérica? ¿Por qué hay fragmentos de melodía andalusí que son sospechosamente parecidos a otros del canto litúrgico medieval occidental? ¿Acaso los musulmanes llegados a al-Ándalus se encontraron con un desierto árido, un pueblo primitivo y ningún rastro de herencia cultural? ¿Dejaron los mozárabes de cantar sus canciones de bodas o cantos litúrgicos durante toda la época andalusí? ¿Acaso los andalusíes «árabes» nunca oyeron el canto autóctono de los hispano-romanos hasta que lo revelara Avempace a principios del siglo XII? ¿Olvidaron los musulmanes de origen hispánico sus canciones y sus inclinaciones musicales ancestrales? Y por otra parte ¿por qué no existe una definición del modo musical andalusí? ¿Es cierto que la música andalusí vive una grave degeneración en la época actual? A todas esas preguntas contestará Amin Chaachoo en este libro, que divide en tres capítulos: «Historia de la música andalusí», la primera historia de la música andalusí que contempla las componentes no árabes antes y durante la época andalusí, «Conceptos», definiciones, explicaciones y crítica de la situación actual de la música andalusí y «Teoría de la Música Andalusí», donde por primera vez se propone una teoría musical andalusí completa y coherente con la realidad cultural de al-Ándalus.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
