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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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En 2008 vio la luz Balmoral, uno de los discos más celebrados de Loquillo y un verdadero punto de inflexión en su carrera. Era su primer álbum tras abandonar los Trogloditas y en él consiguió hermanar el rock con la poesía, el jazz, la canción francesa y un sinfín más de influencias. En este libro se repasa la travesía que recorrió Loquillo para alcanzar su gran obra, un camino de aprendizaje y defensa de su libertad artística que volvió a situarlo en las puertas del inmenso éxito del que disfruta en la actualidad.Para narrarlo, Javier Escorzo ha contado con los testimonios directos del propio Loquillo, así como de quienes jugaron un papel destacado en la creación de Balmoral: Gabriel Sopeña, Igor Paskual, Jaime Stinus, Sabino Méndez, Jaime Urrutia, Luis Alberto de Cuenca, Juan Mari Montes, Andrés Calamaro, Carlos Segarra, Laurent Castagnet, Laura Gómez Palma, Thomas Canet y David Bonilla.
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Tothom pot cantar en una coral. Hi ha sempre una coral per a cada aspirant a cantaire que la busqui. En aquest llibre, Teresa Forns, se serveix de la seva llarga experiència com a directora de corals per a confeccionar un breu i entenedor manual per a cantaires. Hi trobarem una mica d'història del cant coral, nocions de tècnica vocal, exercicis, i també consells per a l'organització i la gestió d'una coral.
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Es de amplísimo interés para los lectores en general y para los amantes del rap en particular las memorias de Haze, ya que se trata de una figura señera en el mundo de la música. «Me he criado en el barrio de Los Pajaritos, uno de los más pobres de España. Mi infancia coincidió con el boom de la heroína, que me marcó musicalmente. De los pequeños delitos a la cárcel por no acudir a un juicio, el éxito de una maqueta que acabó en el top manta, entrevistas los medios más reputados... Esto llegó por mezclar el RAP y el FLAMENCO, algo único. De ahí vino mi contrato con una multinacional y los conciertos por todo el país. Con la crisis, pensé en un plan B. Decidí estudiar. Viví en una casa de ocupación y pasé malos momentos. Realicé la prueba de acceso a la universidad para mayores con 32 años, aprobé, hice filología hispánica con un 8,5 de nota media, luego un máster por el que fui premiado por la universidad por ser el mejor expediente. Por segunda vez había sido noticia a nivel nacional. Posteriormente, solo quedaba opositar, en pandemia, tras un año y medio saqué una plaza fija como profesor de Lengua y Literatura de Educación Secundaria».
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A finales de los 80, cuando los héroes de la Movida madrileña estaban de capa caída o habían sucumbido a la tentación del mainstream y las multinacionales, surge una nueva generación que, fuertemente influida por el pop-rock independiente británico y norteamericano y por la proclama del punk del «hazlo tú mismo», empieza a gestar un nuevo universo sónico que bascula entre el noise, el rock de garaje y el pop más naíf y etéreo. Al mismo tiempo, de los lugares más insospechados del territorio español, algunos jóvenes deciden montar su sello discográfico, a veces incluso en su casa, sin más medios que un fax, un teléfono y una estantería. También aparecen numerosos fanzines que, a base de corta y pega y fotocopias, se hacen eco de la nueva escena musical, la mayoría de veces para ensalzarla, pero también para parodiarla y denigrarla. Nace así el indie en España. El periodista musical Nando Cruz, tras un año y medio de trabajo y después de entrevistar a más de cien personas, compone por primera vez el apasionante retrato de una generación que, amplificada por una prensa especializada que acogió sus propuestas con un entusiasmo inusitado, se presentó como la alternativa musical de los 90. «Pequeño circo» es un recorrido por aquella década construido a través de las anécdotas, confesiones, epopeyas, ambiciones, errores, trapicheos, éxitos y fracasos de sus protagonistas. Pero entre los recuerdos y reflexiones de los entrevistados, también se cuela una mirada reflexiva y crítica, fruto del análisis y la distancia que proporcionan los más de veinte años transcurridos desde que empezó a cobrar forma aquella escena.
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«El esoterismo musical gira en torno al hecho de que no toda la música se escucha solamente con los oídos. Hay otra música del alma y de las esferas, que da su razón de ser a la música audible, aquella que es cantada por voces o interpretada con instrumentos.» Sobre esta premisa, en el primero de los dos textos de esta edición, Joscelyn Godwin, uno de los grandes conocedores de la tradición pitagórica y de su influencia en la música occidental, desgrana a través de distintos periodos dicho poder: de los míticos Apolo y Orfeo a la música renacentista, barroca o romántica. Filósofos, historiadores y teóricos de la música, desde Escoto Erígena, Macrobio y Boecio hasta Goethe, Steiner o Gurdjieff, pasando por Marsilio Ficino y Robert Fludd, son algunos de los nombres que se cruzan en estas páginas en las que la inspiración poética y filosófica se alía al estudio de la «música de las esferas» y de su influencia en el ser humano a lo largo de los siglos, desde el lejano Paleolítico, en el que lo simbólico era algo palpable, hasta nuestros días. Completa esta publicación otro texto de Godwin: El resurgimiento de la música especulativa, aquella que hace «observar el cosmos de manera musical, y la música de manera cosmológica». Aquella que, como un espejo (speculum), ayuda a contemplar la arquitectura del cosmos e interiorizar ciertas verdades que no pueden ser miradas directamente, sino como Perseo hace, mediante el reflejo de su escudo, para dar caza a la Medusa.
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Recorre los cinco continentes a ritmo de música con este original atlas ilustrado.Hay ciudades que han sido testigos del nacimiento de géneros musicales y artistas extraordinarios, lugares que fueron la cuna de explosivas revoluciones en la historia de la música, que han albergado experiencias breves, pero de huella indeleble, o que nunca han dejado de generar talento e innovación. Juntas, todas estas ciudades dan forma a la intrincada geografía musical de los siglos XX y XXI. Desde Londres contado por Blur en el apogeo del Brit Pop, hasta las noches en Kingston marcadas por los ritmos reggae, pasando por el sonido underground de Seattle moldeado por Sub Pop, Las ciudades de la música, de Guia Cortassa, está salpicado de nombres conocidos y de ilustres desconocidos, de hitos históricos y de anécdotas para vivir y revivir con los ojos y los oídos. Solo queda subir el volumen, ponerse en marcha y disfrutar de la lectura.
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La inspiración suele entenderse como la presencia de un influjo extraordinario en la creación artística, como un elemento misterioso directamente vinculado al carácter perdurable de la obra tocada por este hálito trascendente. Además, la capacidad de la música de ahondar en este ámbito elevado, asociado a la divinidad, impulsa la obra artística a la categoría de revelación: ya era esta la intención última de los aedos de la antigüedad, y quizás también la ha sido para grandes compositores que, como Bach, Beethoven o Brahms, escribían conscientes de tocar con su arte los resortes de la intimidad humana y vigorizarlos. Como decía George Steiner, la música es la teología de los que no tienen ningún credo formal. En este ensayo, el musicólogo y cantante Josep Maria Gregori reflexiona sobre la relación íntima de la música con la inspiración, la sacralidad y el pensamiento simbólico. Y lo hace sumergiéndose en la experiencia trascendente de la creación de algunos grandes compositores, transmisores del vínculo que une el mundo humano y el arquetipal. Estudia el relato platónico de la armonía de las esferas y analiza su aplicación a los mitos de las sirenas y las musas. Por último, se adentra en la figura de Orfeo y en la obra que Striggio y Monteverdi le dedicaron, y propone un análisis afinado de este hito musical que conjuga sonido, número y palabra como expresiones de un único verbo.
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Las memorias de Billie Holiday, una de las voces femeninas del jazz más emblemáticas.Cuando Eleanora Holiday, más conocida por Billie, o Lady Day para los amigos, murió en un hospital de Nueva York en 1959, dejaba tras de sí una de las carreras más míticas y deslumbrantes de la historia del jazz. Desde los miserables inicios en Baltimore, los primeros trabajos como criada, el intento de violación a los diez años, la prostitución, la discriminación racial, la drogadicción, los múltiples pleitos y estancias en la cárcel, el engaño por parte de casi todos los hombres que la trataron, su vida aparece jalonada por una serie de episodios que fraguaron su leyenda. Billie Holiday nos cuenta con conmovedora sinceridad en estas memorias —escritas en colaboración con su amigo y pianista William Dufty—, en las que también se revive la más esplendorosa época del jazz en los clubes de Harlem, la radio y los estudios de grabación, las giras maratonianas y las jam-sessions al lado de músicos legendarios como, entre otros, Duke Ellington, Louis Amstrong, Benny Goodman, Count Basie, Lester Young o Artie Shaw.
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La conmovedora e hilarante historia del genial (y demencial) líder de Felt, Denim y Go-Kart Mozart Lawrence es el mejor ejemplo de la estrella del pop que nunca llegó a triunfar, con sus sueños de gloria frustrados durante las últimas cinco décadas por culpa de la mala suerte, aunque también por una buena dosis de autosabotaje. A los sesenta y un años se embarca en una nueva misión: escapar de la pobreza, el olvido y la humillación de los niños que se ríen de él en la parada del autobús componiendo un gran éxito. En 1980, Lawrence formó Felt, que publicó diez álbumes y diez singles de un pop preciosista antes de separarse, diez años después. Si bien fue un grupo de culto que solo tuvo un momento de gloria fugaz con el single ''Primitive Painters'', su influencia es innegable y llega hasta nuestros días. En 1991, Lawrence dio un cambio de rumbo total y se reinventó con el grupo de pop electrónico Denim. En 1997, la canción «Summer Smash» -que podría traducirse como ''éxito veraniego'' pero también como ''verano hecho pedazos''- se convirtió en el single de la semana de Radio 1 y parecía que sería un éxito rotundo. Sin embargo, la muerte de Lady Di en un accidente de coche en París propició que la discográfica destruyera todas las copias del disco por respeto a la princesa de Gales. Para Lawrence, supuso el enésimo fracaso y desembocó en una depresión de caballo, la adicción a la heroína y el desahucio. Pese a todo, nunca se rindió. En ''Superestrella de las calles'', el periodista y autor de best-sellers Will Hodgkinson hace un deslumbrante y emocionante retrato de este genio loco en un periplo a través de las calles de Londres mientras Lawrence reconstruye su vida -o lo que queda de ella- mientras un jubilado lo confunde con una anciana, se ve obligado a arrastrar sacos de monedas de dos peniques hasta el banco local y deambula por los lejanos suburbios de Londres en busca de inspiración lírica. Mientras caminan juntos por calles empapadas por la lluvia, Will cuenta la historia de la estrella de culto más excéntrica de Gran Bretaña mientras emerge con fuerza una pregunta acuciante: ¿vale la pena sacrificarlo todo -familia, relaciones, salud, cordura- por el arte?
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Roy Orbison (1936-1988) está reconocido como uno de los mejores intérpretes de todos los tiempos El presente volumen desvela, por fin, muchos aspectos poco conocidos de Orbison y da la justa medida de cómo era en realidad aquel hombre misterioso que duran
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Aprenden música! Una programación por sesiones en educación infantil pretende ser un manual de referencia para los maestros de música y que en un solo libro tengan material para trabajar todos los niveles de educación infantil. En un planteamiento in
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Colorea sus rostros, sus expresiones ante un micrófono, sus movimientos en el escenario? y descubre al mismo tiempo aspectos de su vida y su trabajo que quizá desconocías.» «Un reto en forma de pregunta acompaña cada ilustración para que conozcas la historia de algunas de las mejores bandas de todos los tiempos.»
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La disputa entre puristas y renovadores es frecuenteen todas las disciplinas científicas o artísticas, pero en pocas ocasiones alcanza tanta intensidad como en el mundo del flamenco. José Luis Ortiz Nuevo, con un título que no deja lugar a dudas sobre su posición,explora la naturaleza mestiza de un género que estávivo precisamente por resistirse a vestir la camisa de fuerza que imponen los puristas. Sin negar a los maestros, Ortiz Nuevo defiende entender el flamenco como un género que se reinventa constantemente, que se nutre de varias fuentes, que está vivo precisamente porque se va matando poco a poco para ofrecer algo nuevo cada vez. Se trata de una visión provocadora y luminosa que augura larga vida a nuestro estilo musical más exportado.
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Un hombre con hambre espiritual y potencia musical hasta los huesos, Robert Nesta Marley llegó a representar la esencia de la música jamaicana desde los primeros años 60hasta su muerte por cáncer a la edad de 36 años. Mezclando ska, reggae y rockste
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David Bowie. Elegía no es una biografía sobre David Bowie, sino un respetuoso repaso a su obra para el que Juanjo Ordás ha contado con la participación de importantes músicos y periodistas nacionales e internacionales, además de colaboradores del propio
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Se ofrecen más de 100 juegos de música y sonido que desarrollan capacidades diferentes (juegos de confianza, juegos de audición, de concentración, de expresión e improvisación,...).
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En 1969 los Beatles se reunieron en sus estudios Apple para grabar un proyecto inicialmente llamado Get Back, título homónimo de la canción que debíadar nombre a su último álbum publicado, y que finalmente se acabó llamando Let It Be. Durante veintiún días, y sin precedentes en su trayectoria, se rodearon de cámaras, grabadoras y fotógrafos que archivaron sus últimos días como cuarteto y documentaron sutrabajo diario, así como el ensayo de nuevas y antiguas canciones para la preparación de su legendario último concierto en la azotea del edificio de Apple el30 de enero de 1969. Estas sesiones dieron lugar al álbum y la película Let It Be, lanzadosen mayo de 1970, con el grupo ya disuelto, y que representan el único momento en la historia de los Beatles que fueron grabados durante tanto tiempo creando música. Todas las fotografías y las grabaciones tomadasen exclusiva (más de 120 horas) han estado almacenadas durante más de 50 años. Ahora, por fin, y tras todo este tiempo, Get Back revela, por primera vez, el contenido de esas sesiones.
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El ensayo que el lector tiene en sus manos reúne treinta y tres voces y cincuenta y una imágenes, la mayoría inéditas, de grandes músicos cubanos que nos hablan, en primera persona, de su trabajo musical, de Cuba y de la vida en general. Para ser retrata
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Arvo Pärt es uno de los compositores más importantes e interpretados dentro de la música clásica de nuestro tiempo. Su obra, después de un primer periodo de experimentación de corte vanguardista bajo el régimen soviético, transitó hacia temáticas de hondo carácter místico y religioso en las que el maestro estonio profundizó gracias a la creación de un estilo minimalista, por él denominado «tintinnabular», que no tardaría en convertirse en inconfundible y ejercer una enorme influencia en otros músicos. El hermoso itinerario que aquí despliega Mercedes Menchero Verdugo -la maravillosa voz de Radio Clásica- por las músicas de Arvo Pärt se podría equiparar al camino que el propio autor de Tabula rasa o Spiegel im Spiegel tuvo que transitar para alcanzar las cimas y valles de sus composiciones. Ilustrándolo con diez obras que recorren otros tantos capítulos, la autora asume el acendrado ideario de Pärt, quien concibe a sus oyentes como prismas en los que la Luz sonora, esa claridad blanca originaria que son sus partituras, se separa en colores en cada escuchante, según la sensibilidad de cada cual, para reflejar su personal audición y experiencia. «Dios entra en mi vida a través de la música», afirmó el músico al recoger el Doctorado Honoris Causa en Teología por la Universidad de Friburgo, y es esa la ofrenda que se recoge y se vuelve a ofrecer en esta obra íntima y emocionante.
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Ismael Serrano en un libro diferente, en el que toma la palabra por medio de conversaciones en las que habla de admiraciones, afectos, vivencias, músicas, su pasión por el cine... En un diálogo abierto, dejándose llevar por los temas que van surgiendo durante las charlas, conversando con sinceridad y pasión. Desde 1997, en su estreno con el disco «Atrapados en azul» y la iniciática æPapá, cuéntame otra vez', Ismael Serrano reivindica con dignidad, talento y fortaleza la canción de autor. Un género inteligente, conectado con su tiempo y la memoria. Fascinante en lo musical al bucear entre la tradición y la modernidad, sensible a la dificultad y la esperanza de lo cotidiano, bien humorado, inconformista y repleto de emociones. Su continuo éxito durante más de veinte años, tanto en España como en Latinoamérica, es una clara prueba de su conexión con un público atento, y de los enormes beneficios del uso de la palabra cuidada y la libertad de expresión, sin censuras. De alguna forma, Ismael Serrano, desde la contemporaneidad que siempre ha guiado su obra, enlaza los caminos abiertos por Silvio Rodríguez, Víctor Jara, Serrat, Aute, Víctor Manuel o Sabina con los de las nuevas generaciones de cantautores surgidos en los últimos años. En estas conversaciones, Ismael Serrano va desgranando admiraciones, afectos, vivencias, músicas, su pasión por el cine... En un diálogo abierto, dejándose llevar por los temas que van surgiendo durante las charlas, conversando con sinceridad y pasión.
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UN LLIBRE ÍNTIM I ALHORA COL·LECTIU. Amb la mirada serena, tendra i observadora d'un músic que ha sabut escoltar la vida, Arturo Gaya retrata tota una generació a través de trenta-set relats de memòria. Hi trobem la innocència de l'infant, l'humor subtil del pare sastre, els somnis en blanc i negre d'una família de postguerra, l'arribada clandestina de Hair al Paral·lel, un 23F entre estudiants atemorits al barri de Sants, l'accident nuclear de Vandellòs, la primera víctima d'ETA a l'Ebre, el naixement de ''Lo riu és vida'' o la recerca del mite de Dylan a Formentera, tot recorrent una geografia emocional que va de Tortosa a Barcelona, d'Andorra a Beseit o de Canet de Mar a Lisboa. AMB ESTIL FRESC, DIRECTE I GENUÍ, L'AUTOR TRANSFORMA RECORDS PERSONALS EN HISTÒRIES UNIVERSALS I CONVERTEIX LA VIDA QUOTIDIANA EN LITERATURA HONESTA. Un llibre íntim i alhora co?lectiu, en què cada record és també una pregunta: què vol dir, realment, fer història?
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Curtis Mayfield fue uno de los intérpretes y compositores más influyentes de la historia de la música popular estadounidense. Sus letras reivindicativas tuvieron sobre el soul y el rhythm & blues un efecto liberador, pero fue aún más importante su papel como referente social y el peso que su música tuvo sobre el Movimiento por los Derechos Civiles.
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QUE RULE EL AMOR es una ferviente y sentida invocación al principio activo que enhebra la vida y obra delroquero judeoantillano acaso más ecléctico que dieraaquella quinta estadounidense, mas también un alto enel camino que anuncia tiempo de reflexión. De ese afán por echar la vista atrás y desgranar las esenciasde una obra tildada de extemporánea en sus primeros compases, y encumbrada ahora a lo más alto del pedestal roquero, emerge este pausado alegato —no exento decierta candidez, inopinada psicogeografía, autoanálisis panteísta e inmisericorde humor—, narrado a capela, y escrito a cuatro manos, con la inestimable ayudade David Ritz, escriba y confesor, entre otros, de Ray Charles, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Etta James yB. B. King. No corrían buenos tiempos para el rock cuando, tras unos primeros tientos inciertos, Kravitzenfrentábase —a contracorriente, para mayor gloria— alas modas del momento: en la cresta de la ola, rugíala incipiente insurgencia que, a hombros de sus conversos, hacía que el hip hop arrasara con los cimientos de la propia industria discográfica y, en el extremo más conservador, se resistía a fenecer la despampanante opulencia de las reliquias del rock más duro y grandilocuente que gastaban por aquel entonces sus máspálidos coetáneos. «Mi vida tiene que ver con los opuestos», subraya. «Blanco y negro. Judío y cristiano.Jackson Five y Led Zeppelin. Puro Géminis.» Es estala historia de una vocación temprana que, pese a unamuy lenta germinación —rechazaría contratos con las más grandes discográficas hasta dar con su propia voz—tendría final feliz: Lenny, mientras se curtía tocando por doquier, y sobrevivía pinchando en fiestas, rebozando pescado y alquilando el asiento trasero de unauto como vivienda, encontraría la salvación en la música, en el Todopoderoso (Little Richard mediante) yen el amor incondicional de los suyos.
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Mediterráneo, el disco de Joan Manuel Serrat —que sinduda figura en lo más alto del pop español—, es homenajeado en Hijos del Mediterráneo, un álbum ideado ydirigido por Amaro Ferreiro y producido por Ricky Falkner. Pero más que de un homenaje, se trata de una recreación bien singular: se ha seguido no solo el orden original de las canciones, sino que se ha sido absolutamente respetuoso con los arreglos de la grabaciónde 1971, en un trabajo laborioso y milimétrico que incluye, además de grupo eléctrico, una orquesta sinfónica. De las voces se han encargado diez intérpretes,uno por canción: Jorge Drexler (“Mediterráneo), EvaAmaral (“Aquellas pequeñas cosas”), Xoel López (“La mujer que yo quiero”), Depedro (“Pueblo blanco”), IvánFerreiro (“Tío Alberto”), Miren Iza (“Qué va a ser de ti”), Andrés Calamaro (“Lucía”), Santi Balmes (“Vagabundear”), Sílvia Pérez Cruz (“Barquito de papel”) yJosele Santiago (“Vencidos”). Hijos del Mediterráneo, editado por Warner, se pondrá a la venta el próximo15 de noviembre. Antes llegará el primer single, “Lucía”, interpretada por Andrés Calamaro.
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La historia de Mikel Erentxun y Diego Vasallo es una de las más apasionantes del rock español. A mediados de los ochenta formaron Duncan Dhu junto a Juanra Viles, grupo con el que alcanzaron el estrellato para después seguir sus propios caminos en solita
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Paco de Lucía no nació siendo una estrella. Vivió de joven a veces en las giras, una vida de aventurero. Aprovechó una reyerta en un restaurante en México para echar mano a dos helados con un amigo e irse sin pagar el almuerzo. Pisó muchos camerinos cutres con espejos rotos y olor a humedad, pero lo recordaba como una época de juventud y libertad. Desde ahí, en un abrir y cerrar de ojos, su nombre en la marquesina de un teatro de ópera en cualquier ciudad del mundo era garantía de colgar el ''no hay billetes'' dos meses antes de la actuación. Alonso Escacena explora la personalidad del guitarrista a través de cientos de anécdotas, al mismo tiempo que analiza las habilidades tanto humanas como técnicas que hicieron posible su ascenso a la categoría de figura mundial destacada. “Paco atrae enormemente a las mujeres. Atrae a la gente, se mete en su piel. Esa expresión seria, los ojos cerrados, ese aire de misterio lo hace atractivo para los jóvenes. Tiene una inteligencia superlativa. Ha conocido la fama, pero lo irrita. La necesita, pero le ha robado la paz y la soledad. Puede tocar durante horas. Pero nunca dice: ¡Hoy he tocado bien! Disfruta de las pequeñas cosas. Busca la compañía de gente sencilla, de Bartolo, un perro sin raza ni pedigrí. De su papagayo brasileño que le canta flamenco, por canasteras” (Casilda Varela, primera esposa de Paco de Lucía, en una entrevista en 1978). “Me parece magnífica, pero magnífica, la sensibilidad con la que están reflejados los matices. Creo que has intuido muy bien los rasgos de Paco. Difícil en un hombre con tantos matices” (Casilda Varela, al autor).''
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La biografía más personal y original de uno de los grandes genios de la música española de todos los tiempos.Paco de Lucía es uno de los músicos españoles más populares en todo el mundo. Expandió los límites del flamenco y lo fusionó con músicas como el jazz sin abandonar sus raíces. Fue pionero y guía de la revolución musical de los setenta. Aprendió a tocar la guitarra con un ambicioso plan parecido al que siguió Mozart y se convirtió en un virtuoso que superó a todos sus maestros. Hizo su primera gira mundial con catorce años y formó pareja artística con el mítico Camarón de la Isla. En 2024 se cumplen diez años de su muerte y, con ese motivo, este libro recorre su vida con un enfoque narrativo, aportando material inédito y profundizando en su atormentada personalidad, su necesidad creativa y su permanente insatisfacción. Con ustedes, el fabuloso Paco de Lucía.
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Este libro es la perfecta introducción a la música y al estilo de vida que desde el Bronx neoyorquino de finales de los 70 ha revolucionado el arte, la cultura y la modacontemporáneos. La fascinante historia del Hip Hop para toda la familia, ilustra
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En tiempos recientes, los corridos tumbados han emergido como un fenómeno musical sin parangón. Su extraordinario éxito radica en la ingeniosa fusión de tradiciones que van desde los corridos tradicionales al rap y el trap, con íconos como Peso Pluma, Natanael Cano, Fuerza Regida, Luis R. Conriquez y Eslabón Armado, todos arraigados en las ricas y a menudo polé¬micas narrativas de la narcocultura. Sin embargo, más allá de su carácter musical, los corridos tumbados son un reflejo del deseo y el anhelo de una generación. Son la voz de millones de jóvenes que buscan, a través de sus melodías y letras, un escape a las aspiraciones frustradas, y que ven en estos ritmos la promesa de un estilo de vida soña-do, pero a menudo inalcanzable. Estas canciones hablan un lenguaje coloquial y presentan fusiones musicales que no solo resuenan en los oídos de aquellos familiarizados con el rap o lo regional, sino también en aquellos para quienes la violencia y el universo del narco son paisajes cotidianos. Este libro revela la potente influencia social de la narcocultura, poniendo de manifiesto cómo el narcomundo se ha convertido en un referente esencial en la construcción de la vida, la muerte y, sobre todo, la identidad. Como el reconocido corridista y musicólogo Juan Carlos Ramírez Pimienta menciona en el prólogo: «en México, el corrido es cosa de jóvenes».
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'Mi proyecto -escribe el autor- es exponer la historia de la filosofía, desde sus inicios hasta la actualidad, a través de los principales temas y autores de cada período, utilizando las letras de canciones de los principales grupos de heavy metal español. Pese a todas sus limitaciones, espero que el resultado de este libro sea satisfactorio. Su objetivo es difundir yprovocar interés y curiosidad por la filosofía y porel heavy metal a la vez: que los aficionados a esta música o los integrantes de esta tribu urbana, movimiento o como queramos llamarlo, puedan acercarse a la filosofía y su historia (si no lo han hecho ya), y quequienes disfrutan de la filosofía puedan conocer unpoco más de cerca a esos melenudos que se llaman heavies. Si es así, para mí es suficiente''.
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La etiqueta «indie» se ha convertido en un término cotidiano y problemático, objeto de eternas discusiones entre melómanos sobre su legitimidad como género musical. Más allá de lo estrictamente musical, el público, periodistas especializados, promotores de conciertos y festivales, discográficas y académicos también consideran que el «indie» es, al mismo tiempo, una postura autónoma en la industria de la música, una actitud frente al hecho musical y una huida del mercado comercial y masivo. Sin embargo, rara vez se cumplen todas estas premisas en un grupo o artista musical considerado «indie». Además de que estas características no son exclusivas de esta «categoría» musical. Artistas de «rap», «heavy metal», música electrónica o adscritos a cualquier otra etiqueta musical pueden ser igualmente independientes, minoritarios, innovadores, musicalmente ambiciosos y no llegar a considerarse «indies». Entonces, ¿qué es el «indie»? Este ensayo aborda los orígenes, características, usos y funciones de un concepto confuso que despierta simpatías y recelos a partes iguales. Con un enfoque académico pero muy accesible, la obra propone una lectura crítica sobre cómo los diferentes agentes que intervienen en la industria musical, pero, sobre todo, la prensa musical especializada y generalista, conforman los significados de los que hacemos uso y que, en el caso del «indie», se vuelven difusos e incluso contradictorios, dando lugar a un debate fascinante.
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Las memorias del líder de la legendaria banda de heavy metal más grande de todos los tiempos: Iron Maiden.Dickinson recuerda con su voz singularmente anárquica las explosivas hazañas de su excéntrica niñez, el ascenso meteórico de los Maiden, la trayectoria, los conciertos y las giras del grupo junto a su inseparable Eddie, pero también cuenta la filosofía de la esgrima, la experiencia brutal de pilotar un Boeing o su firme victoria contra el cáncer. Unas memorias muy esperadas que captan la vida, el corazón y la mente de un auténtico icono del rock.
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¿Quién fue ese músico, historiador y poeta, suerte de performer punk con aromas de folclore? ¿Quién era el que navegaba con parada rockera entre Antonin Artaud, el teatro de la crueldad, Juan Manuel de Rosas, los vampiros y Leonardo Favio? ¿Cómo habrá sido eso de permanecer y querer ser un secreto? Militante de ciertas causas justas, documentalista de su época. ¿Quién fue Gabo Ferro?Los periodistas Lalo Ugarte y Sergio Sánchez parten de estas y muchas otras preguntas que dejó la obra de Gabo Ferro y su temprana muerte en 2020. Estas páginas son una invitación a redescubrir su trayectoria. En este libro hablan sus cómplices, las personas que estuvieron presentes en la vida artística de Gabo y que fueron importantes en la construcción de su obra. Un derrotero que incluye la música, la poesía, la historia, el teatro y la performance. Un tornado dulce comienza por sus orígenes en el barrio popular de Mataderos y dibuja todo el arco de sus pasos como artista que lo llevaron a encontrar su propia voz, única y personal, pero a la vez estar sintonizado con el espíritu de su época. Recorrer el trayecto artístico de Gabo, desde su banda Porco hasta su etapa solista, también es describir la escena de una Buenos Aires que estallaba de creatividad en los primeros veinte años del siglo XXI. La originalidad de la obra de Gabo Ferro descansa en la decisión política y estética de ser un artista libre, audaz y rebelde. De no tener miedo a romper la voz y provocar con las palabras.''Su cuerpo tenía algo elástico, de bailarín y de fauno, la barba y el pelo en los brazos, los ojos oscuros y filosos, de párpados pesados, la sonrisa gigantesca: un animal mitológico, sexual y antiguo. [...] Gabo cantaba como un joven dios.'' - MARIANA ENRÍQUEZ''Este libro, riguroso y emotivo, nos permite conocer en detalle la aventura de un artista insumiso cuya obra, a no dudarlo, no dejará de crecer en importancia con el transcurso de los años.'' - SERGIO PUJOL, del prólogo del libro
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En 1928, Federico García Lorca escribió e impartió la conferencia sobre las «Canciones de cuna españolas» que ahora presentamos. Toda una obra de orfebrería literaria a la par que mapa melódico y social -muy respetuoso y tierno- de los pueblos de España y de sus múltiples entresijos. Vaya por delante que no es esta una edición crítica, sino popular y de lujo, que cuenta con una hermosa presentación del escritor José Javier León. «En esta conferencia no pretendo, como en las anteriores, definir, sino subrayar, no quiero dibujar, sino sugerir. Animar, en su exacto sentido. Herir pájaros soñolientos. Donde hay un rincón oscuro, poner un reflejo de nube alargada y regalar unos cuantos espejos de bolsillo a las señoras que asisten». Con estas palabras iniciaba el poeta granadino la que posiblemente fuera su conferencia más hermosa, más lograda. Una obra que deslumbra por su sensibilidad y rigor tanto en el contenido como en la forma y que seduce con su arrullo recordándonos, una vez más, por qué Lorca es uno de los escritores de nuestro país más importantes de todos los tiempos.
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El astuto Pradera ha tramado en este libro un ardid diabólico (y muy propio de su ya inveterada perfidia): primero nos encandila con la añagaza de unos misterios sibilinos que algunos tacharían de capciosos: ¿sabéis cuáles eran las canciones favoritas de melómanos tan delicados como Sadam Huseín, Francisco Franco o Adolf Hitler, de sensibilidades tan exquisitas como Lauren Bacall, Audrey Hepburn o Isabel II (reina del Reino Unido)? Muñida esa intriga, el intrigante procede a saciar nuestros apetitos con una deliciosa (y, por cierto, divertidísima) catarata de anécdotas, calamidades y portentos que arrojan una luz nueva o hasta ahora inédita sobre varias decenas de piezas musicales (veinticuatro para ser exactos). ¿Sabíais, por ejemplo, que «As Time Goes By» debe su inmarcesible presencia en Casablanca al inoportuno corte de pelo que padeció la icónica Ingrid Bergman? (No hemos hallado adjetivos más vulgares.) Pues bien: ese incidente es apenas el principio de la fiesta. Después vienen cuantiosos despelotes. No obstante, debemos señalar que esta obra magna no se arredra frente a ciertas observaciones algo sesudas y muy musicológicas, pero su taimado autor las viste de tal modo que brillan por su claridad hasta en los oídos más obtusos. Milagros de la divulgación bien entendida.Aquí se nos ofrece un opíparo banquete musical (ya lo hemos dicho) cuyo rasgo más insólito es su riguroso catolicismo (eso no lo hemos dicho): imbuido de un admirable espíritu ecuménico, el padre Máximo acoge en su seno un tumulto de obras casi pecaminoso y desde luego insolente por su variedad: baja a las cabañas y sube a los palacios, transita desde lo cutre (e incluso lo chungo) hasta lo sublime sin mover una ceja displicente. Todo le interesa, nada humano le es ajeno. Así, de «Mambrú se fue a la guerra» pasamos a Lohengrin con pasión wagneriana, de Juanita Reina a Shostakóvich con folclórica alegría, de La marsellesa a «Like a Rolling Stone» con ardor guerrero y mala leche dylanita. Etcétera, etcétera. Los gustos que maneja el señor arzobispo (ya lo hemos ascendido) son severamente eclécticos porque las músicas del mundo son severamente heterogéneas: si la verdad puede brotar en cualquier sitio, la belleza brota en las melodías más dispares y el interés en los rincones más inesperados. Hasta ellos nos conduce el astuto Pradera. Que Dios se lo pague.
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Un ensayo original e inédito en español, que nos propone un recorrido por los principales hitos de la dirección orquestal: de los compositores-directores, de Richard Strauss a Leif Segerstam, los titanes, como Toscanini, Furtwängler, Walter, Kemplerer, los Kleiber o Celibidache, los artífices del Festival de Bayreuth, de Knappertsbusch a Janowski, los directores europeos emigrados a Estados Unidos, de Koussevitzky a Dorati, la edad de oro de la música grabada, con Karajan a la cabeza, las grandes batutas de Radio, de Jochum a Haitink, los directores italianos, los rusos, los «sires»... o los especializados en el Barroco. Están, sin duda, todos los grandes nombres, pero también unos cuantos más que lo merecen por su interés y, como apunta Martín Llade en su prólogo, «el juicio que sus autores nos proponen, podrá ser compartido o no, pero nunca dejará de ser justo, o de tratar de serlo». Un libro plagado con casi 1000 referencias onomásticas, 200 biografías de directores -no falta mención a las directoras de orquesta: las pioneras, las que ya han triunfado y las emergentes-, y un capítulo especial dedicado a las principales figuras de la dirección en España, que no renuncia a la concisión y que pone por encima de todo la honestidad. En efecto, los temas espinosos, que no escasean, no se eluden pero se enfocan siempre desde el respeto, «alejándose de esos chismes que tantas veces han llenado algunos libros con la pretensión de hacer historiografía a golpe de chascarrillo», apunta Llade. Un libro del que va a disfrutar cualquier amante de esa lengua universal que es la música clásica.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.