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Libros de música
Descubre todo lo que tienes que saber sobre el arte de combinar los sonidos con nuestra variada selección de libros de música. Compra libros de música online. En la sección Libros de música encontrarás una amplia selección de lecturas sobre este arte en múltiples idiomas y sobre una gran variedad de temas que abarcan desde la historia de la música, instrumentos, géneros musicales, como rock, hip-hop o pop y conocidos cantantes y grupos de música como Alejandro Sanz, Queen, Freddy Mercury, Led Zeppelin o Bunbury entre otros. Asimismo, disponemos de kits para aprender a tocar la guitarra o el piano con ejercicios para practicar estos instrumentos.
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«El esoterismo musical gira en torno al hecho de que no toda la música se escucha solamente con los oídos. Hay otra música del alma y de las esferas, que da su razón de ser a la música audible, aquella que es cantada por voces o interpretada con instrumentos.» Sobre esta premisa, en el primero de los dos textos de esta edición, Joscelyn Godwin, uno de los grandes conocedores de la tradición pitagórica y de su influencia en la música occidental, desgrana a través de distintos periodos dicho poder: de los míticos Apolo y Orfeo a la música renacentista, barroca o romántica. Filósofos, historiadores y teóricos de la música, desde Escoto Erígena, Macrobio y Boecio hasta Goethe, Steiner o Gurdjieff, pasando por Marsilio Ficino y Robert Fludd, son algunos de los nombres que se cruzan en estas páginas en las que la inspiración poética y filosófica se alía al estudio de la «música de las esferas» y de su influencia en el ser humano a lo largo de los siglos, desde el lejano Paleolítico, en el que lo simbólico era algo palpable, hasta nuestros días. Completa esta publicación otro texto de Godwin: El resurgimiento de la música especulativa, aquella que hace «observar el cosmos de manera musical, y la música de manera cosmológica». Aquella que, como un espejo (speculum), ayuda a contemplar la arquitectura del cosmos e interiorizar ciertas verdades que no pueden ser miradas directamente, sino como Perseo hace, mediante el reflejo de su escudo, para dar caza a la Medusa.
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Un libro ameno y divulgativo que sorprende tanto por su descripción de las divinidades, musas y sacerdotisas de la Edad Antigua como las de las compositoras e intérpretes reales y también aquellas que habitaban en conventos y monasterios femeninos, las orquestas de mujeres y las que crearon óperas. Una obra magnífica que nos presenta otra historia de la música, en este caso en clave femenina. Del Antiguo Egipto a la España de la posguerra, de la mujer medieval encarnada en la figura de Hildegard von Bingen a la compositora operística Augusta Holmès, pasando por Clara Schumann o María Barrientos, este libro hace un recorrido por las circunstancias sociales, políticas y económicas a las que tuvieron que enfrentarse algunas de las mujeres cuya labor artística quedó ofuscada y que es necesario reivindicar. Las Tudor, reinas y músicas. Lluïsa Casagemas, una gran compositora que escribió más de trescientas obras, la mayoría para canto y piano, y dos óperas. Nadia Boulanger, un referente de la educación musical europea en el siglo XX. Compositoras de ópera en los años de la Revolución francesa.
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Las sonatas para piano de Beethoven constituyen una de las colecciones de obras más importantes de la historia de la música. Compuestas a lo largo de varias décadas de la vida del artista, no tardaron en ser consideradas el primer corpus de música importante para piano adecuada para ser interpretada en grandes salasde conciertos. En esta guía práctica tanto para el intérprete como para el oyente, Rosen comienza situando las sonatas en su contexto y explica los principiosformales de su interpretación, incluidos aspectos como la forma sonata, el fraseo y el tempo, el uso delpedal y los trinos, para, a continuación, analizar las sonatas individualmente. El CD que acompaña al libro, con interpretaciones del propio Rosen, va ejemplificando lo expuesto en el libro.
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Fue Sorozábal el músico más popular en el Madrid de mitad del siglo XX. Su música tenía gancho, era chispeante, castiza, muy madrileña. Era además original y moderna en su momento, sin que supusiera una ruptura con esa entrañable y larguísima tradición española dela zarzuela: o sea, tenía eso que hoy se busca en lasgeneraciones nuevas de compositores sin hallarlo nunca. El arte lírico de Sorozábal no cayó jamás en lasramplonas orquestaciones de otros músicos de zarzuelade su momento, período de franca decadencia artística del género. Y, por si fuera poco, tenía un agudo sentido teatral en la equilibrada mezcla de elementos cómicos y de carácter, con una fuerte vena lírica, enél tocada de humana cordialidad y nostálgica ternura.Junto a lo madrileño hay otro polo en la obra de Sorozábal, este más auténtico en su raíz: lo vasco, presente muchas veces en composiciones no teatrales paravoz solista o para coro.
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La música popular ha tenido un impacto sin precedentes desde su explosión en los años cincuenta. A través de décadas de cambio y evolución, esta música siempre ha ofrecido melodías pegadizas, definiéndose por su capacidad de proporcionar gratificación instantánea en canciones de tres minutos, y evolucionando o conviviendo con géneros como el folk, el country, el rhythm & blues, el hip hop, el heavy metal, el punk, el dance, el glam o el progresivo.
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En los años sesenta, el rock y el pop arrasaban en las listas de ventas, y en Nashville, la capital de la música country, los ejecutivos de la industria decidieron plantar batalla. Para ello desarrollaron un sonido que tomaba la esencia del country pero la adornaba con orquestaciones y arreglos pop que lo hacían más agradable para los mansos oídos urbanos. Y para lograrlo, debían controlar por completo lo que hacía cada artista. En ese contexto, Waylon Jennings, Willie Nelson y Kris Kristofferson lideraron una revolución artística en la que fue clave la singular idiosincrasia tejana, estado en el que hippies melenudos con camisetas y zapatillas convivían, bebían y bailaban junto a rudos vaqueros con sus botas y sombreros. Con Hank Williams como padre espiritual y Johnny Cash como referente directo, este grupo de artistas logró romper con lo establecido –desde la música a la forma de grabar o de vestir–, e incluso romper con los poderosos sindicatos. Hacían las cosas a su modo, y por ello les apodaron Outlaws: los forajidos de la música country. Bob Dylan, Gram Parsons, Merle Haggard, Emmylou Harris, Townes Van Zandt, Billy Joe Shaver, Jessi Colter, The Byrds, Guy Clark, David Allan Coe, Johnny Paycheck, Rosanne Cash o el “archienemigo” Chet Atkins son solo algunos de los artistas que se asoman a estas páginas, que recorren la historia de la música country desde la creación del programa seminal Grand Ole Opry, en 1925, hasta la última gira de los Highwaymen (el supergrupo de Cash, Nelson, Jennings y Kristofferson), setenta años más tarde.
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Carlos Sadness comparte en primera persona una mirada íntima y tierna sobre la creatividad, el arte y la imaginación. Carlos Sadness firma un relato luminoso sobre la creatividad como forma de vida. A través de recuerdos, confesiones y anécdotas que cruzan el arte, la infancia o la música, construye una declaración de amor a la imaginación. Su historia revela cómo lo cotidiano se vuelve extraordinario cuando se mira con ojos creativos, cómo el arte puede salvarnos del olvido y cómo lo imperfecto, lo subjetivo y lo emocional son el verdadero pulso de lo bello. Como en los versos de su tema Kandinski, «Eres la persona elegida entre un millón para explorar el mundo que hay dentro de mí», este libro es una invitación para los lectores, un canto poético a la memoria y la sensibilidad, escrito desde el corazón de un creador que nunca dejó de soñar. A partir de objetos como unas Ray-Ban heredadas o el sabor del helado de pistacho, el autor transforma lo cotidiano en pasadizos hacia la identidad. Arte, música y emoción se entrelazan en una narrativa que celebra la belleza y reflexiona sobre la creación como un acto vital. Un canto a la sensibilidad para quienes buscan inspiración en lo íntimo y lo inesperado.
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En Mozart, Patrick Mackie nos traslada al fastuoso y embriagador siglo XVIII para profundizar en la vida y obra de uno de los compositores más deslumbrantes e influyentes de la historia de la música. Desde su juventud en Salzburgo, su viaje a París con su madre, la difícil relación con su padre, sus aventuras amorosas, su matrimonio con Constanze Weber, sus óperas y composiciones para teclado, hasta sus últimos años y su prematura muerte acaecida en 1791, la vida de Mozart estuvo abocada casi por entero al trabajo como compositor, profesor, intérprete, director y productor. Sin embargo, no es posible comprender esa vida fuera del contexto de una Europa que está inmersa en las corrientes de pensamiento ilustradas, asiste al progresivo declive de Francia, a la inestabilidad de José II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, y, por extensión, de la Viena de los Habsburgo. En aquella época de transición musical del Barroco al Clasicismo, Mozart fue un innovador. Su producción abarca prácticamente todos los géneros musicales de su tiempo. Patrick Mackie abre una nueva vía de reflexión acerca de la vida y la obra del compositor y pone de manifiesto su talento para trascender las estructuras musicales tradicionales y crear melodías complejas, en las que aúna lo clásico y lo vanguardista, una de las muchas razones por las que, hoy en día, Mozart sigue siendo una fuente de inspiración para músicos y oyentes de todo el mundo.
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¿Cómo ocurrió verdaderamente el accidente que segó la vida de Bessie Smith? ¿Cómo era la ciudad de Chicago que dominaba la música de Joe Oliver? ¿Cuánto hay de realidad y de ficción en la figura de la gran Billie Holiday? ¿Por qué triunfó Benny Goodman? ¿Quiénes eran las personas desconocidas que impulsaron el jazz? ¿Cómo era el hombre que se escondía detrás del mito de Charlie Parker? ¿Era Chet Baker un demonio vestido de ángel?El autor ofrece a través de la voz de los protagonistas, un vívido reflejo de la historia del jazz hasta casi finales de siglo XX. Sus ciudades, sus clubes, sus gentes y su música. Son esos mismos artistas los que nos cuentan sus peripecias y cuitas.
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El Wu-Tang Clan es uno de los grupos de hip-hop másimportantes de todos los tiempos, y su impacto ha trascendido el ámbito meramente musical, sin embargo, ningún miembro del grupo había contado su historia hasta la aparición de En carne viva. Mi viaje con el Wu-Tang Clan, escrito por Lamont «U-God» Hawkins, quien aprendió a sobrevivir en los años setenta y ochenta enlas calles de los distritos más desamparados de la ciudad de Nueva York, donde la violencia era omnipresente y el futuro para un niño negro como él se cifraba, casi sin remedio, en clave de crack, armas y tragedia.
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La presente publicación reúne por primera vez la totalidad de las piezas que se conocen con música de Arañés sobre textos poéticos castellanos profanos, integrando criterios tanto musicales como filológicos. Bajo esta metodología interdisciplinar, se editan todos los poemas junto a un aparato crítico detallado —dando noticia de las variantes y testimonios de los textos— y con notas aclaratorias que acompañan su lectura y comprensión. En la edición musical se integran y consignan todas las enmiendas de los textos poéticos y se presentan las piezas acompañadas de los poemas en toda su extensión, para así reflejar su importancia a la hora de ser abordados en la práctica interpretativa. En el estudio introductorio se da noticia de las circunstancias históricas y culturales en el entorno de la embajada en Roma de Ruy Gómez de Silva, III duque de Pastrana, en el cual verá la luz el Libro segundo de Arañés. También se hace una inmersión al estilo poético, su contexto literario y su relación con la transmisión musical —con la guitarra como instrumento paradigmático de la música española del momento—, temáticas relevantes no solamente para músicos, musicólogos y melómanos, sino también desde una perspectiva filológica y literaria.Esta publicación es la oportunidad para un variado público de adentrarse más a fondo en la obra del compositor Juan Arañés, conocido aún escasamente gracias a su famosa —y no del todo comprendida— pieza «Un sarao de la chacona», así como a las circunstancias de su entorno y a la innegable calidad poética de sus obras.
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Franco Battiato fue una de las personalidades artísticas más eclécticas que ha dado Italia en las últimas décadas. Músico, productor, pintor y cineasta, fue además un librepensador que supo entender como pocos la vida terrenal y la espiritual. A lo largo del presente volumen se repasa una de las múltiples influencias del siciliano: la canción de autor. Por la trilogía de versiones FLEURs, FLEURS3 y Fleurs 2 desfilan desde Jacques Brel y Adamo a Fabrizio De André, Charles Aznavour, Ottis Redding o Simon & Garfunkel. También repasamos todas las versiones y juegos musicales de otros autores que incorporó a lo largo de su vasta discografía, siempre con detallada información y un guiño al coleccionismo discográfico. Presentamos un texto ideado para acompañar, sobre todo, la escucha de estos tres discos (se incluyen enlaces a listas de Spotify).
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No son pocos los [músicos] que confían la redacción de sus memorias a un escriba con el fin de relatar cuanto pervive en los recuerdos del artista. Pues bien, no es este el caso de este testigo de excepción -de casta le viene al galgo- de cuanto cocíase, entre dos aguas -y entre dos islas (Mallorca e Inglaterra) o, como afirma el propio autor, «con un pie en cada una»-, en la escena musical de la España tardofranquista -y la de las décadas que siguieron-, amén de arte y parte de una joven democracia que preparaba su despegue. Remembranzas que agrandan su significado con el paso del tiempo, y es que Afinando al alba fue escrita en los albores de este milenio por este inefable impresor, músico, corresponsal, fotógrafo, gastronauta, ensayista y etnógrafo, con el fin de informar -y alertar- al lector británico sobre los misterios de la idiosincrasia española y otras particularidades de la cultura insular, a través de la música popular. Son estos recuerdos trufados de andanzas con bohemios, beatniks, hippies, joteros, rumberos, músicos de hotel y mercenarios de orquestas verbeneras, pioneros del rock progresivo y trovadores de la nova cançó, cantautores, guitar heroes, poetas nómadas y revolucionarios de ultramar, mas también con los ilustres visitantes del padre del autor, el escritor y poeta Robert Graves, como Kingsley y Martin Amis, Jorge Luis Borges, Alan Lomax, Ava Gardner y de visitas a otros alumbrados grafómanos como Paul Bowles en su guarida magrebí e inesperados reencuentros, como con Julio Cortázar en la Nicaragua sandinista. Del deseo por rememorar lo vivido -y lo bailado- en el «Camelot bohemio de Deià», junto a luminarias como Gilli Smyth, Robert Wyatt, Daevid Allen, Kevin Ayers o Mike Oldfield, pero también con glosadors lugareños y otros ilustres paisanos de la ínsula como Toni Morlà o Joan Bibiloni, e hispanos de tierra firme como Kiko Veneno o Juan Perro, brota esta noticia de la isla que trae también causa del afán por compartir a las nuevas generaciones cómo nos veía un anglomallorquín [en la corte del rey Borbón] a este hatajo de ruidosos españolitos -a pie de calle, en fiestas patronales, festivales reivindicativos, bodas gitanas... y en otras muchas plazas-, y es que no es este país para sordos.
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Seis años, diez meses y dieciséis días después, Bruce Springsteen & The E Street Band se reencontraba con Barcelona. Fue en la primavera de 2023. Un año más tarde, con el recuerdo aún fresco y muy vivo, repetía visita a la ciudad. Aprovechando la coyuntura, también hacía parada en Madrid, actuando durante tres noches. Así pues, este libro cuenta, a través de once testimonios periodísticos y gráficos con mirada propia, los pormenores de esa gira 2023-24. ¿En qué momento llegaban? ¿Cómo había sido el viaje hasta llegar ahí? ¿Les iba a dar la energía y la condición física para estar más de tres horas sobre el escenario tocando rock n’ roll? Y, a todo esto, ¿por qué Bruce Springsteen es un referente vital y musical para tanta gente? ¿Qué valores transmite y qué legado deja el músico de Nueva Jersey? Con todas estas preguntas y un disco como Letter To You como excusa narrativa para salir de nuevo a la carretera, hay el convencimiento de que -una vez más- la experiencia con Bruce y los suyos fue mágica e inolvidable. Y, sobre todo, constatar de nuevo que la conexión con su público vence a cualquier marea y circunstancia. Ese es su gran qué, el gran secreto del Boss. Y en estas páginas, lo vamos a desentrañar y a descubrir. Con sonrisa pícara, un sentido analítico y emocional, y la electricidad propia e innegociable del escuadrón de la calle E. Porque, cuando la música toca, las almas se encuentran. Por eso siempre volvemos a él: Bruce Springsteen ha sido, es y será uno de los nuestros.
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Casado en 1908 con Eva von Bülow, la hija pequeña e ilegítima de Richard Wagner, el filósofo británico Houston Stewart Chamberlain (1855-1927), llegó a convertirse en el conductor espiritual de la Villa Wahnfried, la casa del clan de los Wagner en la colina de Bayreuth en Baviera. Dirigió la revista Bayreuther Blätter, y colaboró con entusiasmo en la hagiografía de Wagner. Estas páginas de Mi camino hacia Bayreuth –,pertenecientes a sus memorias y que se publican por primera vez en español de la mano del crítico musical Blas Matamoro–, están concebidas como un itinerario iniciático del discípulo hacia el maestro, yaunque es fácil advertir sus exageraciones e idealizaciones, no dejan de documentar la potencia carismática del compositor de El anillo del nibelungo y el hecho de que su figura resultara tan fascinante.
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A través de 71 entrevistas inéditas a Evaristo Páramos, Pako Eskorbuto, Fermin Muguruza, Loles Vulpes, Aurora Beltrán, Pablo Cabeza, Marino Goñi, Carlos Tena, Kirmen Uribe, Ramoncín, Mikel Erentxun, Anje Duhalde, Ruper Ordorika, Anari, Verde Prato o Chill Mafia, Jerry tira de los hilos que entretejen el relato de lo que fue el RRV, para recorrer orígenes, ascenso, caída, funeral y herencia del fenómeno. Las escenas más icónicas (e iconoclastas) de la historia de la música vasca en los ochenta: Los Clash enarbolando una ikurriña en Anoeta, los fanzines tomando la calle, la izquierda abertzale cambiando el kaiku por la chupa de cuero, una fábrica abandonada, las Vulpes en TVE cantando «¡Me gusta ser una zorra!», un chute de heroína o los chavales corriendo delante de la policía.
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La increíble historia de Gonzalo García Pelayo empieza hacia el final de los años sesenta en un pequeño pub de Sevilla (Dom Gonzalo), donde un puñado de músicos ansiosos por fusionar el rock con la idiosincrasiaandaluza se mezclan con los jóvenes políticos del nuevo PSOE llamados a protagonizar la transición a la democracia. Por allí pasan Felipe González y Gualberto,Alfonso Guerra y el malogrado Julio Matito, Amparo Rubiales y Henrik Michael. Allí se gestan las primeras, legendarias, grabaciones de Smash y allí arranca lacarrera pública (artística, empresarial, lúdica y cuantos adjetivos quiera uno adjudicarle) de Gonzalo García Pelayo, el auténtico factótum del sello Gong, una de las iniciativas editoriales más insólitas, ambiciosas y fértiles de la historia del pop español. Antes de su aventura como productor discográfico (artífice de los primeros discos de Triana y figura esencialdel rock andaluz), Gonzalo había creado y dirigido laprimera emisora musical (Radio Popular FM) con personalidad y criterio de nuestra historia, y después consolidó su carrera como director de cine y su reputación como jugador profesional. Muchas vidas en una sola, tan fértil como fascinante, que el propio García Pelayo ha rememorado, desde su niñez hasta ahora, a lolargo de muchas horas de conversaciones con Luis Lapuente plasmadas en este libro. Muchas vidas, en fin, que se resumen en una idea central que ha vertebrado todos sus actos: nunca mirar hacia el pasado, nostalgia solo del futuro.
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El sexto volumen de la serie dedicada al conocimiento del pasado musical de España e Hispanoamérica está dedicado a la heterogeneidad y la unidad de lo acontecido después de las independencias nacionales: la música religiosa, la nacionalista, la popular, la ópera, los conciertos, la enseñanza de la música y las publicaciones alrededor de estos temas. Aunque presentada con rigor, la obra está desarrollada con un lenguaje accesible para cualquier público y cuenta con una bibliografía general e índice onomástico, toponímico y de obras citadas.
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La ''Guia catalana de la perfeta musica'' és un dels primers tractats teòrics de música en català que es coneix, i un dels primers testimonis de la didàctica musical. Amb la voluntat de proporcionar eines i bibliografia per a conèixer la rica col·lecció musical que conserva, que inclou una còpia manuscrita de la Guia, la Biblioteca de Catalunya ha editat aquest estudi, amb una introducció i una curosa descripció crítica.
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La biografía del legendario mánager, creador y arquitecto de los Beatles Nunca hubo ni podrá haber otro mánager musical como Brian Epstein, el joven vendedor de discos de Liverpool que estuvo detrás del romance más grande del siglo XX, el suyo con los cuatro Beatles. Tras lograr su tan criticado objetivo de hacer que fueran «más grandes que Elvis», él convirtió en algo todavía más grande aún de lo que nadie pudiera prever. Aunque solo les llevaba unos pocos años, se refería a ellos como «los chicos», protegiéndolos y mimándolos como a los hijos que nunca tendría. Su caída comenzó cuando ellos decidieron dejar de hacer giras y dedicarse, con total dedicación, a desarrollar sus álbumes en el estudio de grabación. Angustiado por pensar que ya no neccesitaban su cuidado paternal, buscó consuelo en las drogas y el alcohol. Murió solo, en 1967, con apenas 32 años, por su supuesta «sobredosis accidental», teoría aceptada hasta el momento, que esta obra aclara con un enfoque totalmente diferente. «Entonces estamos jodidos», dijo John Lennon al enterarse de la noticia. Y tenía razón. Y es que los Beatles no tuvieron ninguna duda de lo mucho que habían perdido con sus pérdida. En los años turbulentos que siguieron -el Magical Mystery Tour, el caos de Apple Corps, el amargo final de Get Back-, una frase se repetía constatenmente entre todos los que intentaban llenar su vacío: «Brian nunca habría permitido que esto pasara».
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«...Esta idea surge casi como un autorregalo para poder explicar mejor a nuestros nietos, dentro de mucho tiempo, la maravillosa aventura que fue La Oreja de Van Gogh. Hemos querido retratar al grupo desde dentro hacia fuera y contar con esos matices que
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Para algunos, el metal es poco más que ruido, una maraña de sonidos violentos que apenas merece el estatuto de música, para muchos, es una obsesión, una auténtica forma de vida. ¿A qué se debe esta discrepancia? ¿Qué hace del metal algo que suscita a la vez repugnancia y fascinación? Además de uno de los sociólogos más importantes de nuestro tiempo, Hartmut Rosa es también un metalero veterano. Desde que descubrió el género de joven, este ha marcado el compás de sus días: escucha cada disco, lee todas las revistas e incluso ha tocado en una banda. En este libro, Rosa bebe de su experiencia íntima con una música que le ha acompañado toda la vida para abrirnos las puertas del metal -de su historia, de sus rituales- y estudiar qué puede decirnos este fenómeno de nuestra forma de relacionarnos con el mundo. Con un estilo esmeradamente divulgativo, apto para lectores no especializados, Rosa encuentra en el metal, y en la música en general, un eje de resonancia con el mundo, un compañero que resiste al paso de los años y nos permite llamar «hogar» a algo tan abstracto como el riff de una guitarra o el grito de un vocalista.
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Mito erótico de la Transición, novia de España, imagen de la cultura comprometida con la justicia social, musa de dramaturgos, cineastas y compositores, Ana Belén encarna nuestra historia reciente. María del Pilar Cuesta Acosta, Ana Belén para el resto del universo, fue la última niña prodigio. Desde que empezó a cantar en los concursos radiofónicos, supo que quería ser artista, como Marisol, y darle a su familia una casa mejor que la que tenían en el madrileño barrio de Lavapiés. Lo consiguió a los trece años, cuando se convirtió en Ana Belén con Zampo y yo , su primera película. En esta conversación con el escritor y guionista Edu Galán, repasa su trayectoria vital y profesional, donde ha habido muchos éxitos y algún fracaso, y donde ha llevado en paralelo sus dos carreras artísticas: la de cantante, que ha desarrollado con su compañero de vida, Víctor Manuel, y la de actriz de teatro y de cine. Sus canciones y películas son hoy parte de nuestra memoria colectiva.En 2025 estrena nuevo disco, Vengo con los ojos nuevos , que presentará en la gira Más D Ana.
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Este ensayo fundamental ahonda en el análisis de su rica colección musical, que transciende las fronteras habituales entre épocas, géneros e instrumentos. Partiendo de una notable selección de piezas analiza en detalle el método compositivo de Bach. Wolff
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¿Podría concebir un devoto seguidor de los Rolling Stones que su ciudad natal, Dartford, sea considerada la capital de los ladrones en Inglaterra? ¿Imaginaban que una banda tildada de satánica grabara un blues que rescató de la indigencia a un ministro de la iglesia? En estas páginas no solo conoceremos historias y datos inimaginables sobre los Rolling Stones, sino que también se desentrañan numerosos hechos de la banda británica que, envueltos en una densa neblina de mitos, emergen ahora, matizados o aclarados. Desde el enigmático bulo de las hormonas de «mono» de Mick Jagger, hasta el verdadero origen de una canción como Angie, pasando por las asombrosas y nunca contadas historias que se esconden detrás de himnos como Jumpin Jack Flash, Street Fighting Man o Its Only Rock & Roll. Mariano Muniesa, ferviente seguidor, coleccionista y cronista de la historia de la banda desde la primera vez que los escuchó en el mítico Popgrama de TVE en 1978, ha rastreado todos sus archivos, ha indagado y rebuscado entre cientos de relatos, reportajes, libros y testimonios para dar forma a este libro. Lo hace junto a la memoria viva de su amigo y mentor, Mariskal Romero, el periodista de rock que los presentó en España desde su Musicolandia en 1968. Él, una vez más, aporta su experiencia personal, única e irrepetible, sobre el mundo Stone, compartiendo ambos una pasión que solo aquellos que la sienten pueden comprender: «I was born in a crossfire hurricane…!» «Solo los periodistas... perdón, los historiadores eternos, pueden escribir hoy en día de los eternos Rolling Stones. Otra cosa sería un anatema. Bienvenidos, pues, Mariano Muniesa y Mariskal. Y sí, lo que se cuenta en este libro no está en ninguna otra parte». Jordi Sierra i Fabra, escritor y musicólogo.
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Hugh Macdonald ahonda en la vida cotidiana de los protagonistas de su relato para mostrar cómo la internacionalización de la escenamusical hizo posible que se gestaran las innovaciones que caracterizarían la música de las siguientes décadas. Una vívida
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Este manual es el primer programa didáctico completo escrito en castellano que aborda con profundidad y rigor todas las áreas de la industria musical. Estructurado en dos volúmenes complementarios y con la colaboración de más de una treintena de especialistas del sector, ofrece una visión transversal, actualizada y didáctica de uno de los sectores más dinámicos, complejos y apasionantes del ecosistema cultural y creativo.La caja incluye además una colección de infografías en una carpeta aparte que recorren la historia de la industria musical de forma gráfica.A través de 35 capítulos organizados en seis bloques temáticos, el manual analiza tanto los pilares fundamentales —como la figura del artista, los derechos, el marketing o las fuentes de financiación— como los grandes retos contemporáneos —desde la salud mental y la innovación tecnológica hasta la sostenibilidad y el impacto del Big Data—. En sus páginas se exploran también las realidades específicas de la música grabada, la edición musical y la música en directo, con especial atención al marco legal, las audiencias, la producción y los modelos de negocio del futuro.Con un enfoque pedagógico pero accesible, cada capítulo está acompañado de gráficos, imágenes y recursos visuales que facilitan la comprensión lectora, convirtiendo esta obra en una herramienta esencial tanto para quienes se inician en el sector como para profesionales que deseen actualizar conocimientos.Nacido del espíritu colaborativo y del respeto por quienes hacen posible la música, este manual se proyecta como semilla para desarrollos futuros, consolidando un punto de partida sólido para la profesionalización, vertebración e internacionalización del sector musical en el ámbito hispanohablante.
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¿Quién fue ese músico, historiador y poeta, suerte de performer punk con aromas de folclore? ¿Quién era el que navegaba con parada rockera entre Antonin Artaud, el teatro de la crueldad, Juan Manuel de Rosas, los vampiros y Leonardo Favio? ¿Cómo habrá sido eso de permanecer y querer ser un secreto? Militante de ciertas causas justas, documentalista de su época. ¿Quién fue Gabo Ferro?Los periodistas Lalo Ugarte y Sergio Sánchez parten de estas y muchas otras preguntas que dejó la obra de Gabo Ferro y su temprana muerte en 2020. Estas páginas son una invitación a redescubrir su trayectoria. En este libro hablan sus cómplices, las personas que estuvieron presentes en la vida artística de Gabo y que fueron importantes en la construcción de su obra. Un derrotero que incluye la música, la poesía, la historia, el teatro y la performance. Un tornado dulce comienza por sus orígenes en el barrio popular de Mataderos y dibuja todo el arco de sus pasos como artista que lo llevaron a encontrar su propia voz, única y personal, pero a la vez estar sintonizado con el espíritu de su época. Recorrer el trayecto artístico de Gabo, desde su banda Porco hasta su etapa solista, también es describir la escena de una Buenos Aires que estallaba de creatividad en los primeros veinte años del siglo XXI. La originalidad de la obra de Gabo Ferro descansa en la decisión política y estética de ser un artista libre, audaz y rebelde. De no tener miedo a romper la voz y provocar con las palabras.''Su cuerpo tenía algo elástico, de bailarín y de fauno, la barba y el pelo en los brazos, los ojos oscuros y filosos, de párpados pesados, la sonrisa gigantesca: un animal mitológico, sexual y antiguo. [...] Gabo cantaba como un joven dios.'' - MARIANA ENRÍQUEZ''Este libro, riguroso y emotivo, nos permite conocer en detalle la aventura de un artista insumiso cuya obra, a no dudarlo, no dejará de crecer en importancia con el transcurso de los años.'' - SERGIO PUJOL, del prólogo del libro
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El mundo está lleno de canciones. Todas las culturas del mundo las componen y no hay ser humano que no haya cantado alguna vez. Componer canciones no es difícil, pero que resulten interesantes dependerá de sus cualidades técnicas y, sobre todo, del i
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Actitud es un libro de historias humanas al ritmo de sonoridades alternativas, un homenaje a todas aquellas personas que organizan festivales musicales para el disfrute propio y de los demás, desde el romanticismo, la autogestión y los fines puramente artísticos. El volumen recoge una veintena de minifestivales y microfestivales con querencia por las guitarras distorsionadas, del Actitud Fest de Vidreres que inspiró el título del libro al Perro Perdiguero Sound Festival de Don Benito pasando por el Madrid Popfest, el Can't Keep Us Down de Barcelona, el Sugar Il·legal de Vic, el Felicia Pop de Limodre, el Palante Fest de Jerez y el Andoaingo Rock Jaialdía, por citar algunas de las iniciativas reunidas en este ensayo. A diferencia de los macrofestivales, con carteles casi clónicos, no hay dos festivales pequeños iguales. La personalidad de los organizadores, en su gran mayoría individuos y colectivos sin ánimo de lucro, pesa mucho. Participan con sus reflexiones y recuerdos más de setenta personas, incluyendo miembros y exmiembros de bandas, entre otras, como Lisabö, Viva Belgrado, Cala Vento, Crim, G.A.S. Drummers, Toundra, No M re Lies, Za!, Triángulo de Amor Bizarro, Exxasens, Mujeres y Airbag.
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El libro está compuesto esencialmente por dos escritos en los que Adorno expone el cambio de función experimentado en la música hacia la segunda mitad del siglo XX, señalando para ello las modificaciones internas que los movimientos musicales en cuanto tales sufren al quedar subordinados a la producción comercializada de masas, e indicando cómo ciertos desplazamientos antropológicos en la sociedad estandarizada penetran hasta la estructura de la audición musical. Se trata de mostrar cómo la violencia de la totalidad social se ejerce incluso en ámbitos aparentemente separados como el musical.
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Estas sentidas remembranzas nacen de una pasión precoz por la música infusa (a lomos de ondas radiofónicas y entre discos heredados). El resultado es un amenísimo y sagaz catálogo de perplejidades sonoras (dejémoslo en canciones) que, sin razón aparente, pasan a tejer la banda sonora de sus vivencias y recuerdos. Y en este viaje a lo más recóndito de la memoria musical, allí donde aún resuenan las vibraciones de nuestras canciones favoritas, trata la autora de comprender por qué la música goza de tan profunda raigambre en nuestros sentimientos, pero también cómo llega a desempeñar un papel de tanta importancia en nuestras vidas -hay quienes sostienen que desde avanzada ya nuestra gestación hasta los últimos días que pasamos entre nuestros congéneres-. La propia historia de la autora, con meridiana y ejemplar claridad, así lo atestigua: cómo las canciones la ayudaron a lidiar con el dolor de la pérdida de su padre, a forjar su propia identidad como adolescente solitaria, a alimentar sus relaciones, tanto las reales como las imaginarias, durante los primeros años de su madurez amatoria, y también a impulsar su propio viaje iniciático rumbo a la vida laboral, la edad adulta y la maternidad, y a barruntar incluso cuánto le deparaba el futuro... Estructurado en torno a doce canciones, que van de «Super Trouper», de ABBA, a «Buffalo Stance», de Neneh Cherry, pasando por «Radioactivity», de Kraftwerk, «Heat Wave», de Martha Reeves and the Vandellas o «Drive», de R.E.M., la crónica de esta precoz adicción a la música aúna recuerdos y análisis históricos, científicos y culturales a fin de ilustrar cómo esta puede moldear diferentes versiones de nosotros mismos, cómo dependemos de ella para hallar consuelo, para la conexión sexual y física, cómo crecemos con las canciones y cómo estas crecen dentro de nosotros, ayudándonos a aceptar el dolor, la vejez y los recuerdos. Versa, en suma, sobre el inefable poder de la música para ayudarnos a contar nuestras propias historias, sean cuales sean, y hacerlas cantar.
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Quizá sea Joy Division el grupo que más haya influido en la evolución del rock. Nacida de las cenizas del punk, y llevando su furia nihilista a terrenos más introspectivos y oscuros, la formación adquirió un estatus de culto. Cuando el éxito parecía estar cerca, tuvo lugar el trágico suicidio de Ian Curtis, shock al que tuvieron que sobreponerse los otros miembros de la banda para fundar New Order, uno de los grandes grupos de los ochenta, pioneros y maestros del pop electrónico. En estas apasionantes memorias, Bernard Sumner (guitarrista y fundador de Joy Division y líder de New Order) revela los secretos, vivencias y anécdotas que se esconden detrás de tantas canciones y discos memorables.
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Un estudio que intenta clarificar el panorama de la Didáctica del Flamenco, entendida como propuesta y método para acercar el flamenco a los alumnos de los distintos niveles educativos, especialmente de secundaria, donde ha trabajado el autor más de treinta años. Se aporta una visión didáctica interdisciplinar (aspectos lingüísticos, literarios, históricos, filosóficos, etc.) partiendo de las propias letras del cante, de las que se ofrece un amplio y variado recorrido. El profesor encontrará prácticas de acercamiento en el aula, además de una abundante bibliografía, webgrafía, actividades, etc., y el lector en general un ameno y rico ensayo centrado en la riqueza de las letras. Se aspira a la difusión de la buena nueva del flamenco, su enjundia existencial y estética, su valor literario, su esencia básicamente andaluza pero universal. «Todos aquellos que sientan la inquietud, desde las escuelas e institutos, de contribuir a la divulgación del Flamenco por medio de un proceso sistemático, secuenciado e integrado en el currículum escolar, pueden hallar valiosas estrategias en esta obra, un camino trazado, experimentado ya por el propio autor y, por tanto, solvente y seguro, a través del cual enriquecer el trabajo con sus alumnos utilizando una aportación no solo artística, sino vital, que, sin dudarlo, les acompañará durante toda su vida». Catalina León Benítez Un libro que responde a la necesidad de orientar a profesores y lectores en general sobre la enseñanza del flamenco a partir de las letras flamencas. José Cenizo Jiménez (Paradas, Sevilla, 1961). Licenciado y Doctor en Filología Hispánica. Ha sido profesor de Educación Secundaria y de la Universidad de Sevilla. Coordinó el Programa de Doctorado de la Universidad de Sevilla «Estudios avanzados de Flamenco» (2012-2014). Crítico literario y autor de artículos de investigación y de opinión aparecidos en diversos medios. Ha publicado libros sobre la poesía de Rafael Porlán, Javier Salvago, Manuel Gahete, Ángel Sánchez Escobar, Emilio Durán, Francisco Peralto y Juan Carlos Rodríguez Búrdalo, así como sobre la sextina y grupos y tendencias de la poesía sevillana. Investigador de flamenco, con libros sobre la copla flamenca y su didáctica, Antonio Mairena, Miguel Vargas, la alboreá y la petenera, etc. En el apartado de creación, es autor de Otra vez septiembre (1999), Con pocas palabras. Coplas flamencas (2007), Tipos de interés (Relatos breves, 2020) y Antes del porvenir (2025).
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El títol del llibre en suggereix el to: una introducció amable per endinsar-se en la personalitat humana i artística del músic que representa el Noucentisme català, tant per a neòfits com per a coneixedors del tema. Primera notícia, també, perquè es tracta de la primeríssima biografia del mestre Toldrà, publicada un any després de la seva mort per Eugeni Molero i Pujós, aleshores un jove periodista de només dinou anys. El text aporta dades inèdites, de primera mà, tractades de forma detallada i rigorosa, però amb un to poètic irresistible i entranyable. És només amb un amor vertader cap a l'home que es pot escriure el retrat del gran artista Toldrà.
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Los libros de música son obras impresas que exploran la historia, la teoría y la práctica musical desde diferentes enfoques culturales y educativos. Los libros sobre música permiten comprender estilos, compositores, movimientos y técnicas interpretativas a través de contenidos estructurados y documentados. En formato papel, facilitan una lectura atenta, la consulta de partituras y esquemas, y una experiencia editorial que invita al estudio pausado.
¿Qué son los libros de música?
Son publicaciones dedicadas al análisis, la divulgación o la enseñanza de aspectos relacionados con la creación e interpretación musical.
Definición
Incluyen ensayos históricos, biografías de compositores, manuales de teoría musical y guías prácticas para el aprendizaje instrumental.
Perspectiva cultural
La música se analiza como fenómeno artístico y social, atendiendo a su evolución y a su influencia en diferentes contextos culturales.
Cómo elegir libros sobre música
Seleccionar libros de música implica considerar el nivel de conocimientos previos y el interés específico en teoría, historia o práctica.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca una obra divulgativa, un estudio especializado o un manual didáctico para el aprendizaje musical.
- Historia de la música por periodos y estilos.
- Biografías de compositores e intérpretes.
- Manuales de lenguaje musical y armonía.
- Guías prácticas para instrumentos específicos.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de música en formato papel presentan contenidos organizados de manera didáctica o temática.
Tipos de libros y contenido
- Explicaciones teóricas con ejemplos musicales.
- Partituras comentadas y análisis de obras.
- Estudios sobre géneros musicales contemporáneos.
- Recorridos históricos por movimientos artísticos.
Estas publicaciones permiten profundizar en el conocimiento musical y desarrollar una escucha más consciente.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros sobre música en papel favorece la comprensión del lenguaje musical y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Formación artística
Estos libros contribuyen a adquirir conocimientos técnicos y a contextualizar obras y composiciones.
Apreciación cultural
Fomentan el conocimiento de tradiciones musicales diversas y su impacto en la cultura contemporánea.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de música están dirigidos a lectores y lectoras interesados en la creación, interpretación y estudio musical.
- Estudiantes de conservatorio y escuelas de música.
- Docentes y profesionales del ámbito musical.
- Aficionados interesados en historia y teoría.
- Personas que desean ampliar su cultura musical.
Preguntas frecuentes sobre libros de música
¿Qué incluyen los libros sobre música?
Incluyen contenidos históricos, teóricos y prácticos, como análisis de obras, partituras y estudios de estilos.
¿Cómo elegir un libro de música adecuado?
Es recomendable considerar el nivel de conocimientos y el interés específico en teoría, historia o práctica instrumental.
¿Qué ventajas ofrece el formato papel en música?
El formato en papel facilita la consulta de partituras, esquemas y análisis con una lectura concentrada y estructurada.
¿A quién van dirigidos estos libros?
Van dirigidos a estudiantes, profesionales y personas interesadas en ampliar su conocimiento musical.
