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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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Este libro pretende subrayar y analizar una cuestión que, aunque fundamental, casi siempre ha quedado implícita o conscientemente ocultada en la producción académica, ya sea en la publicación de libros o artículos, en la disposición de las colecciones permanentes de los museos nacionales o autonómicos, en las exposiciones temporales o en otros dispositivos discursivos relacionados con las manifestaciones artísticas: la relación íntima que hay entre la historiografía, en este caso específicamente arqueológica y artística, desde la Antigüedad hasta los estertores de la larga Edad Moderna, y los discursos en torno a la identidad nacional. Para poder vertebrar un asunto tan complejo, rico y, de hecho, tan oportuno en la coyuntura política actual, el volumen toma como referente la publicación del Museo pictórico y escala óptica (1715-1724) de Antonio Palomino, considerado como vórtice de la tradición historiográfica hispánica y jalón de la construcción de la identidad artística española a partir del cual se abordan, entre otros, asuntos como la llamada cultura ibérica, la relación de la identidad nacional con ciertos hallazgos arqueológicos convertidos en anacrónicos símbolos nacionales, la relevancia del Camino de Santiago en la consecución de esos discursos identitarios, la problemática en torno a los tejidos andalusíes y su empleo por monarcas cristianos, el asunto del «mudéjar», los conceptos de «dibujo español», «veta brava» o «estilo trentino», la españolización de artistas italianos o la acentuación de los rasgos hispánicos de artistas españoles que culminaron su formación y trabajaron en Italia, la identidad artística nacional a ojos de los extranjeros, el papel desempeñado por las mujeres artistas o la lectura de la tradición por parte de la Ilustración española, por no hablar de la problemática inclusión -o exclusión- de la producción artística española como parte fundamental del canon que ha ido configurando un nada inocente discurso historiográfico.
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Pensar el pensamiento
El presente libro aborda la idea del pensar.Generalmente se considera que sabemos aquello que pensamos acerca de una idea determinada, pero quizá no sabemos aciencia cierta qué hacemos, cómo lo vamos haciendo ocómo hemos llegado a ello. Un interesante ejercicio psicológico, educativo, social, acerca de hacer, pensar y sentir. En definitiva, qué se piensa y qué se siente al ir pensando o al ir sintiendo.
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Con esta completa introducción a la pintura al óleo, aprenderá todo lo que necesita saber para ponerse manos a la obra. La artista profesional Estelle Day explica todas las técnicas principales con detalle, desde la mezcla de colores hasta el método del glaseado. Se incluyen dibujos para calcar de los 9 proyectos de bodegones clásicos a escala reducida, de manera que pueda empezar a pintar de inmediato. Cada uno se trabaja en un lienzo de 10 cm, perfecto para perfeccionar sus habilidades. Déjese seducir por el luminoso y vibrante mundo de la pintura al óleo.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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Las mujeres, protagonistas de la historia del arte Las artistas con talento siempre han tenido que luchar por abrirse paso en un mundo de hombres que las ha subestimado o ignorado. Las mujeres en la historia del arte nos guía en un viaje apasionante para descubrir las vidas, obras y legados de mujeres artistas excepcionales que en muchas ocasiones no han recibido el reconocimiento que merecen. Desde la monja ilustradora Ende, que dejó su huella en el siglo x, hasta Iaia de Cícico, autora del primer autorretrato documentado, pasando por la icónica Artemisia Gentileschi, ejemplo de resiliencia en el barroco, o Frida Kahlo y Maruja Mallo, símbolos de modernidad y valentía, María José Noain Maura recorre la historia del arte y describe magistralmente los tiempos y entornos que moldearon las carreras de las más extraordinarias creadoras. Las mujeres en la historia del arte es una invitación a redescubrir el talento femenino y ver la historia del arte de una forma nueva, más justa y más inclusiva.
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Dibujo e imagen impresa ofrece al lector un texto sucinto y riguroso donde se muestra una panorámica del papel del dibujante en la ilustración impresa atendiendo a sus procesos y desarrollos técnicos. La gran abundancia de libros editados permite a los autores conformar un corpus donde nos encontramos con el manuscrito ilustrado, en los orígenes, para continuar con las ilustraciones de la literatura clásica, con la denominada ilustración infantil o, más tarde, con el cartel publicitario, en un recorrido que nos conducirá hasta el cómic, el álbum ilustrado o el ''concept art''. El dibujo es el motor intelectual de todos estos procesos, como medio de conocimiento, para mostrar y materializar narraciones, fijar las palabras y dar pie a la imaginación y creación de mundos posibles e imposibles en justa correspondencia con las evocaciones de la palabra escrita. Esta comunión de palabras e imágenes hace evidente una clara interdependencia, en ocasiones asimétrica en función de los requerimientos de elaborados lenguajes de comunicación que, desde tiempos inmemoriales, se hallan en continua evolución y sobre los que repercuten los propios condicionantes del medio impreso, de los públicos a quienes va dirigida la obra y los contextos de dónde nacen.
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La escena mundial emergente del street art: su estilo y el mensaje de una generación unida por un sentido de la responsabilidad social y a la que le mueve la necesidad de proteger el medio ambiente y a las minorías. Veinte estrellas en ascenso cuyas obras imaginativas y técnicamente brillantes las llevan a la vanguardia del género. Entrevistas y análisis meticulosos que le familiarizarán con un ámbito artístico que se halla en un estado de desarrollo continuo e intenso. Estos artistas abordan su trabajo con alegría: son creadores que llenan de energía positiva y felicidad las paredes de las ciudades, y creen en el hecho indiscutible de que el arte puede cambiar el mundo. Entre los artistas destacados figuran el londinense Ben Slow, cuyas tintas negras y rostros profundamente expresivos adornan varios edificios de la capital del Reino Unido, el parisino Ardif, cuyas criaturas híbridas fusionan máquinas con la naturaleza, Inti, cuya obra ha proyectado el imaginario latinoamericano en todo el mundo, y el estadounidense Vince Ballentine, cuya técnica combina elementos de rap y hiphop.
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«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Cómo la literatura y la pintura reinventaron este mito entre 1830 y 1930.Cleopatra VII, la última reina de Egipto, fue un per-sonaje histórico pero, a partir del Romanticismo, se convirtió también en un icono literario y de la cultu-ra popular. Este ensayo, escrito de forma documenta-da pero amena, recorre los textos y las obras plásticas que alimentaron una auténtica fiebre: Cleopatra como femme fatale, fruto de la misoginia y la mirada mascu-lina, pero también como símbolo de transgresión.Las máscaras de Cleopatra recupera y lee con mirada incisiva un conjunto de poemas, relatos y obras teatra-les de autores como Rubén Darío, Théophile Gaultier, Manuel Machado, Ramón Goy de Silva, Salvador Díaz Mirón, José María de Heredia, Victor Hugo, Enrique Gómez Carrillo o Rachilde. Además, establece un diá-logo con las pinturas que les sirvieron de inspiración: Moreau, Alma Tadema, Gérôme o Franz Von Stuck.
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Les Arts Aplicades a Barcelona
El llibre recull l'evolució de les diferents aplicacions artístiques que conformen un edifici. Des de lesestructures fins a detallsde fusta passant pels vitralls, ferros, paviments, campanes, jardins, rellotges,revestiments, escuts, etc. Està escrit p
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Este libro retrata la trayectoria vital y profesional de una pionera en su campo, Matilde Ucelay Maortua, la primera arquitecta titulada en una escuela de arquitectura española. La concesión del Premio Nacional de Arquitectura en 2006, el más alto galardón del país, fue un reconocimiento intencionado a su trayectoria que sembró una semilla en el camino a la plena integración de las mujeres españolas en el campo de la arquitectura. Además del exhaustivo estudio de Inés Sánchez de Madariaga, este libro recoge testimonios de quienes conocieron a Matilde en vida y una selección de las obras más importantes de la arquitecta.
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La arquitectura clásica es un lenguaje visual y, como tal, tiene sus propias normas gramaticales. Con esta premisa de partida, John Summerson nos introduce en los fundamentos y los orígenes de la arquitectura clásica y, por medio de un recorrido histórico, pone de manifiesto el sustrato clásico que se esconde en la arquitectura desde la Antigüedad hasta los tiempos modernos. Este libro compila seis programas radiofónicos emitidos por la BBC que Summerson realizó en 1963 para explicar la arquitectura clásica al gran público en un momento en el que la arquitectura moderna se encontraba en plena crisis. Académico erudito y experto en arquitectura británica, Summerson no solo fue capaz de aunar rigor y nivel divulgativo, sino que, a través de estos breves ensayos, ofreció una visión totalmente nueva de la arquitectura clásica que rápidamente se propagó y fue adoptada como uno de los argumentos de la arquitectura posmoderna. Esta nueva edición, totalmente revisada y con un nuevo diseño, vuelve a poner en valor todo un referente de la crítica de la arquitectura del siglo xx.
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Guía de bolsillo con los principales movimientos, edificios, elementos y materiales. Una nueva e innovadora introducción al tema de la arquitectura: un análisis de 50 edificios clave que van desde las pirámides a las biosferas, pasando por catedrales, templos, torres o edificios de bomberos. Accesible, conciso y ricamente ilustrado, este libro desmitifica la jerga técnica y proporciona al lector unos conocimientos rigurosos y un amplio disfrute del campo de la construcción, desde el antiguo Egipto hasta la actualidad. Cómo y por qué se desarrolló la arquitectura, quién introdujo las innovaciones, qué eran y dónde y cuándo tuvieron lugar: una obra que presenta edificios emblemáticos de la historia de la arquitectura y explica las distintas técnicas y materiales que se aplicaron en su construcción. El libro está dividido en cuatro áreas fundamentales de la arquitectura: estilos, edificios, elementos y materiales. Cada una está organizada cronológicamente, pero se puede leer en cualquier orden. Al pie de cada página, el lector encontrará referencias cruzadas que le proporcionarán conexiones útiles con otras secciones. En las cajas de texto se presentan ejemplos característicos y se proporciona información sobre los arquitectos.
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Este libro celebra los 25 años de investigación realizada por el grupo Ciudad, Arquitectura y Patrimonio Contemporáneos de la Universidad de Sevilla. Cuatro grandes ejes dan coherencia a su extensa e intensa producción: La historia de la arquitectura y de la ciudad Teorías de la ciudad contemporánea Patrimonio: conceptos y métodos Patrimonio: gestión e intervención.
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Environment relaciona cuatro ideas esenciales en la consideración social y ecológica del medio, para descubrir nuevos modos de proyectar y habitar la arquitectura. Bajo el concepto de ''medio'' (environment), la generación de artistas y arquitectos de los años sesenta del siglo XX aludía a un entorno que debía servir a las necesidades vitales del individuo y responder a las recientes preocupaciones ecosistémicas. Desde entonces, el aparato conformado por la atención al territorio, las técnicas de exploración del paisaje, los nuevos canales de información y el potencial colectivo se han constituido como las vías de trabajo más fructíferas hacia un hábitat sostenible.
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Una casa es posiblemente la inversión económica y personal más importante de nuestras vidas y, en la mayor parte de las ocasiones, tomamos la decisión a ciegas y olvidamos el requisito fundamental que deberíamos pedir a nuestro hogar: que este cuide de las personas y no al contrario.Tras haber cometido muchos de los errores más típicos en la construcción de su propia casa, que obtuvo el primer sello «low energy» de España emitido por el Passivhaus Institut, Koldo Monreal propone en El nido que eres la oportunidad de descubrir las herramientas necesarias para liderar la construcción de tu casa de forma sostenible y comprometida con los recursos del planeta.El sentido común y la ética, además de la generosidad y el amor al ofrecer conocimientos técnicos imprescindibles, son las bases de una obra que relata de forma fresca los problemas que tenemos que afrontar al edificar nuestro nido. Y quien lo lea podrá descubrir cómo la construcción o rehabilitación de un buen hogar puede también ser parte de una transformación personal y social necesaria.
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Si hay algo por lo que Toledo se siente orgullosa es por su catedral. La Catedral Primada de España, la Dives Toletana (la Rica toledana). Así denominada por la cantidad de obras de arte de todo tipo: pintura, rejería, orfebrería, arquitectura, escultura, cantorales y demás artes que alberga el templo primado. Multitud de escritores e historiadores han escrito sobre esta singular catedral. Vicente Blasco Ibáñez la definió como una ciudad dentro de la propia ciudad en su novela La catedral. Le proponemos a través de estas páginas un fascinante recorrido por el interior y exterior de este magnífico templo que le hará enamorarse de cada rincón.
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Paisajes de interacciones estético-artísticas en proyección de futuro constituye el subtítulo de este libro colectivo que viene, precisamente, a destacar no solo como palabras-clave sino como ideas-concepto fundamentales el paisaje y su concepción estética que se relanza hacia el futuro en el marco de las ciudades ante la época de las post-utopías. La estructura del monográfico se compone de tres partes articuladoras que en total, contienen ocho capítulos gracias a las aportaciones muy generosas de otros/as tantos/as autores/as, con propuestas que derivan claramente de las experiencias y trayectorias investigadoras que poseen, tratándose de trabajos de carácter más puntual o prolongado pero que en todo caso, sus valores de originalidad e innovación les han hecho merecedores de integrar los ejes temáticos del volumen. Las páginas de Ciudades-(post)-utópicas, recogen y acogen contribuciones seleccionadas y contrastadas, enfocadas desde las disciplinas de la arquitectura, la historia, las artes plásticas, el urbanismo, la sociología y la antropología, distribuidas sobre la base de los imaginarios urbanos, los territorios simbólico-signitivos así como las quimeras y ficciones de urbes insólitas. Un estudio introductorio y ensayístico además de un epílogo reflexivo que combina texto y dibujos como imagen gráfica-artística, ofrecen la apertura y el colofón de la edición.
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A lo largo del siglo XX, el comunismo tomó el poder en Europa del Este y rehizo la ciudad a su imagen y semejanza. Destruyendo la planificación urbana del pasado imperial, se propuso transformar la vida cotidiana, sus amplios bulevares, sus épicos rascacielos y sus vastas urbanizaciones fueron una declaración enfática de una idea no capitalista. Ahora, los regímenes que los construyeron están muertos y desaparecidos, pero de Varsovia a Berlín, de Moscú a la Kiev post-revolucionaria, los edificios, su legado más evidente, permanecen, poblados por personas cuyas vidas se dispersaron y pusieron en peligro con el colapso del comunismo y la introducción del capitalismo. 'Paisajes del Comunismo' es un viaje de descubrimiento histórico que nos sumerge en el mundo perdido de la arquitectura socialista. Owen Hatherley, un joven crítico urbano brillante e ingenioso, muestra cómo se ejercía el poder en estas sociedades rastreando los bruscos y repentinos zigzags del estilo arquitectónico oficial comunista: el rococó supersticioso y despótico del alto estalinismo, con sus monumentos conmemorativos patrioteros, sus palacios y sus castillos secretos para policías, la obsesión de Alemania Oriental por los paneles prefabricados de hormigón, y los sistemas de metro de Moscú y Praga, una espectacular reivindicación del espacio público que fue más allá de lo que cualquier vanguardia se atrevió a hacer. Es una historia íntima de la Europa comunista del siglo XX contada a través de sus edificios, es también un libro sobre el poder y lo que el poder hace en las ciudades. Sobre todo, 'Paisajes del Comunismo' es un revelador viaje de descubrimiento que nos sumerge en la vorágine de la arquitectura socialista. A lo largo de sus viajes por el antiguo imperio soviético, Hatherley se pregunta qué es lo que puede recuperarse de las ruinas del comunismo, si es que hay algo que pueda servir de base a nuestras ideas contemporáneas sobre la vida urbana.
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Reescribir es como afinar un poema, donde cada estrofa y cada palabra, bien acordadas, pueden decirnostras su afinación mucho más y sonar mucho más claro.Como el afinar un instrumento musical que, siendo elmismo, adquiere después de afinado, la capacidad de sonar mucho mejor. Cuando dudaba en tomar la decisiónde reescribir mis textos, pensaba en lo complicado que iba a ser todo este proceso. Pero debo confesar, sorprendido, que me ha pasado todo lo contrario. Ha sido una ocasión de disfrute inesperada, un regalo, estelimpiar y afinar mis textos reescribiéndolos.Reescribir es volver a empezar, como volver a nacer,renacer. Con ese espíritu positivo, he acometido estalabor que me está dando tantas satisfacciones. Podercorregir los errores, ¡volver a empezar! ¡qué gran regalo de la vida!
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La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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El libro demuestra que, a pesar de que se ha evolucionado a lo largo de muchos siglos, la Catedral de Notre-Dame ha persistido como una piedra de toque para parisinos y cristianos en todas partes, y como un emblema del carácter francés a lo largo de la historia de la nación. Sus períodos de construcción, destrucción, abandono y restauración se describen aquí en términos accesibles. La restauración decisiva del edificio a mediados del siglo XIX por los arquitectos E.E. Viollet-le-Duc y J.-B Lassus -que le dieron al edificio su aguja característica- hace evidente que contribuyó, en gran parte, a dotar a Notre-Dame de su forma medieval familiar, trágicamente dañada en el incendio del 15 de abril de 2019.
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Este libro es una compilación de ensayos donde el arquitecto Uriel Fogué reflexiona, desde la arquitectura, acerca de algunos de los desafíos más urgentes de nuestro tiempo. En un tiempo amenazado por el cambio en el régimen climático, los retos ecológicos o el horizonte de un posible fin del mundo, la arquitectura se revela como un marco crucial no (solo) para encontrar soluciones, sino para, desde el deseo, explorar, experimentar y ensayar otras fantásticas potencias de vida.Las arquitecturas del fin del mundo no son las arquitecturas de un mundo que va a terminarse, sino las de uno del que no se conoce (aún) su fin. Son las arquitecturas que nos permiten imaginar otros futuros y especular acerca de otros fines, otras finalidades, otros motivos comunes para otros mundos.Uriel Fogué forma parte de una generación de arquitectos que están replanteando el papel de la arquitectura en nuestros días desde una aproximación cosmopolítica. En diálogo permanente con otras disciplinas —como la filosofía, la sociología o el arte—, combina su práctica arquitectónica en la reconocida oficina de arquitectura elii con la investigación en el Gabinete de Crisis de Ficciones Políticas y la docencia de proyectos arquitectónicos en escuelas de Lausana y Madrid.
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Juhani Pallasmaa, arquitecto y teórico de la arquitectura de gran reconocimiento inter¬nacional, se dirige a estudiantes y jóvenes arquitectos para compartir con ellos sus pensamientos acerca del propósito de la arquitectura y su relación con otros ámbitos culturales. Concebidos inicialmente como una serie de conferencias, los textos que componen esta obra construyen una idea de la arquitectura basada en la autoconciencia, la reconexión con el medio ambiente y la responsabilidad ética, reflexiones profundas y sinceras que resultarán inspiradoras no solo para estudian-tes y arquitectos, también para diseñadores y otros profesionales de las industrias creativas.
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Durante los últimos seis años de la vida de Pablo Picasso, Roland Dumas fue su abogado y su amigo. Más allá de esta relación íntima, Picasso también le encomendó la misión de supervisar el destino del Guernica tras su muerte, en particular el traslado del cuadro a España cuando las condiciones políticas fueran las adecuadas. Conocedor de la vida privada del artista que había depositado en él toda su confianza, Dumas conserva numerosos recuerdos de esa época, anécdotas inéditas y abundante documentación. Por primera vez, el historiador del arte Thierry Savatier tuvo acceso a todos los archivos de Roland Dumas sobre Picasso. Durante sus conversaciones, los dos autores se acercan al genio a través de la obra del artista, la gestación del Guernica y la abundante creación de los últimos años. Estos diálogos revelan también aspectos menos conocidos, como la relación de Picasso con los maestros del pasado y sus contemporáneos, sus opiniones políticas, el lugar a menudo controvertido que ocupó su última esposa, Jacqueline, los procesos en los que estuvo involucrado o los tumultuosos episodios de su sucesión. De estos intercambios entre un historiador y un gran testigo surge el perfil, a veces inesperado y siempre fascinante, del último Picasso.
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Catalunya és una nació mil·lenària, que s'ha enriquit pel pas i les aportacions de cultures molt diverses al llarg de la seva història. El llibre proposa un viatge per totes les comarques catalanes, amb l'ànim de transcendir els llocs comuns i els tòpics habituals.
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Situado en doce acres de exuberantes jardines, el Jardín de Esculturas Walda Besthoff y Sydney del Museo de Arte de Nueva Orleans alberga importantes esculturas neoclásicas, modernas y contemporáneas, que van desde los siglos XIX al XXI.Desde su creación en 2003, el jardín ha crecido hasta incluir 100 esculturas, donadas por la Fundación Sydney y Walda Besthoff. Uno de los jardines de esculturas más reconocidos a nivel mundial, que cuenta con un pabellón de esculturas, un anfiteatro y un puente que une el canal de importancia arquitectónica, el Jardín de Esculturas Sydney y Walda Besthoff es gratuito para el público. Durante todo el año, NOMA organiza programas al aire libre en el jardín que incluyen festivales, actuaciones, conciertos, giras y más.Una celebración de más de 20 años de la colección, este vibrante estudio examina la historia del jardín galardonado y perfila las magníficas obras de arte de uno de los jardines de esculturas más importantes de los Estados Unidos.Los artistas que aparecen en el libro y la colección incluyen a Auguste Rodin, Henry Moore, Louise Bourgeois, Fred Wilson, Ursula von Rydingsvard, Claes Oldenburg, George Segal, Frank Stella, Sean Scully, Maya Lin, Do Ho Suh, Ugo Rondinone, Wangechi Mutu, Pierre-Auguste Renoir, Hank Willis Thomas, Robert Indiana, Frank Gehry y muchos otros.
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A finals del segle XIX, Sitges va viure un període de gran esplendor. A la tornada de comerciants pròspers d'Amèrica, s'hi va sumar el desembarcament d'artistes modernistes. Des de llavors, Sitges s'ha convertit en un pol d'atracció cultural, lúdica i turística. La presència actual de museus i festivals la mantenen a primera línia.
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A lo largo de su vida creativa Leonardo da Vinci reflexionó sobre la figura de san Juan. Tuvo que ver en él resabios o máscaras de mitos antiguos, provenientes de otras culturas, que remarcaban su relación con la naturaleza y lo divino. Seguramente relacionó esa figura con la de Orfeo y la de Dioniso o con la de José, el hijo de Jacob, y, aunque, por su biografía y sus escritos, parecería que Leonardo tuvo poco que ver con preocupaciones de orden religioso o místico, sus cuadros sobre Juan indicarían lo contrario.
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Ya sea saltando las grietas, saludando a las urracas o tocando madera, todos buscamos la buena fortuna realizando curiosos rituales. Pero, ¿hay algo de saber ancestral tras el folclore de las supersticiones?En este recorrido, exquisitamente ilustrado, a través de siglos de tradición, Willow Winsham explora los misteriosos orígenes de cien de las supersticiones más enigmáticas de todo el mundo.
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Entre la semblanza personal y el ensayo, el «relato biográfico» que Agustina Bessa-Luís dedicó a su compatriota y amiga la gran artista María Helena Vieira da Silva es un libro excepcional que reúne a dos creadoras incontestables del siglo XX. Publicado por primera vez en 1982 e inédito hasta ahora en español, Tiempo al tiempo (el título original, Longos dias têm cem anos, alude a lo dilatado de su gestación, de acuerdo con el adagio portugués) es fruto de la estrecha relación que mantuvieron desde que se conocieron a comienzos de los sesenta en la casa lisboeta de otra figura capital, la poeta Sophia de Mello. Tres décadas de trato íntimo y un profundo afecto mutuo le dan especial intensidad a este hermoso texto que refleja dos o incluso tres presencias, pues tanto el marido de la pintora, el también artista Arpad Szenes, como la propia escritora (tan unida a ambos) comparecen igualmente en el retrato. Las reflexiones sobre el arte y la vida de Vieira da Silva se ven reforzadas por la fina inteligencia y el original estilo de Bessa-Luís, siempre denso y elíptico, que persigue a menudo la sorpresa o el salto, el giro inesperado o misterioso en el desarrollo del pensamiento. Su discurso es comentado en los márgenes por la protagonista y a veces replicado por la biógrafa, en una especie de irónico y bienhumorado duelo que reproduce los términos de una conversación memorable.
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¿Cómo y por qué pintan los niños? Cómo podemos facilitar su desarrollo de la expresión plástica? ¿De
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S'invoca joglaria
Pròleg de Jordi Martí FabraUn llibre d’aventures d’un dels músics més lliures, Xavier Baró.«Aquest llibre conté tones d’alè poètic, abocades a la prosa i a la memòria. A la vida. Inspireu-les amb calma», del pròleg de Jordi Martí Fabra.S’invoca joglaria és un llibre d’aventures d’un dels músics més lliures. Xavier Baró canta a la vida sense mapes i aquí trobem la seua aventura existencial, la geografia de les seues cançons i una manera d’entendre el món sense rutes fixades.Seria fàcil dir que aquest és un dietari del jo. Un periple a través d’idees, lletres, melodies. Un viatge de raons i sentiments travessant oceans i deserts de vida i música. Però aquí el que hi ha és l’home que toca de peus a terra per assenyalar al cel: el caminant que camina per deixar les petjades de l’ofici i l’art joglaresc.Des de una capital universal, que és la seua Almacelles, Xavier Baró ens fa veure i sentir el Madrid de la movida, el Rif africà, l’Eïvissa prehippie, el Vigo revelador... El centre del món sempre ets tu. El viatge sempre ets tu. Però les cançons són de tots, del món, de la humanitat. Perquè en aquest llibre, com el tresor que es cerca, albirem que les cançons, les bones cançons, són bona literatura. Cal resistir, cal comprometre’s, cal caminar. Per això aquest mapa seu no el trobareu enlloc més que en aquestes pàgines.
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¿Cómo podemos hablar de arquitectura sin hacerlo del ambiente en el que habitamos? La dimensión ambiental está enraizada en el origen de la arquitectura. Esta publicación busca aproximarse a dicha condición desde una realidad contemporánea, entendiendo lo ambiental en el sentido más amplio del término: desde lo meteorológico hasta la intervención sobre el entorno construido, pasando por lo fenomenológico, lo experiencial o lo atmosférico entre otros asuntos.Para llevar a cabo dicha aproximación se pone en valor el diálogo como instrumento de conocimiento, invitando a diez autores a compartir sus puntos de vista sobre estas cuestiones. Sus planteamientos nos descubrirán distintos recursos para vivir de forma más respetuosa con el planeta, al mismo tiempo que nos revelarán sugerentes alternativas a la hora de pensar la arquitectura, reivindicando el interés por lo medioambiental y la reutilización de lo existente como temas centrales en la redefinición del paradigma arquitectónico y cultural de nuestro tiempo.En su conjunto, tal y como apunta en el prólogo del trabajo Philippe Rahm, podemos afirmar que «estas entrevistas reflejan un cambio de paradigma, un acondicionamiento climático generalizado de la disciplina arquitectónica, la cual, más allá del fugaz paréntesis de los combustibles fósiles, retorna al corazón del oficio: el de diseñar formas que abriguen cuando hace mucho frío y que refresquen cuando hace demasiado calor».
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