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Libros de Arte, Cine y Música
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Teatro del Oprimido se publicó en 1974 como propuesta contraria a la especialización en la producción cultural, en la que los espectadores pudiesen intervenir activamente en la representación escénica y cuestionando la idea de que los actores son mediadores ideológicamente neutrales. Pronto se reveló un texto ineludible de referencia, tanto en el ámbito de la creación teatral como en el del activismo político, la psicoterapia, el arte y la educación social.
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Un fascinante recorrido por la historia, la cultura y el alma de España contada a través de sus paisajes visuales.La verdadera protagonista de este libro es España y sus escenarios cinematográficos y televisivos. Desde las superproducciones de Hollywood que inmortalizaron el desierto de Almería hasta las historias íntimas que narran el alma de sus pueblos, Un país en la pantalla te invita a recorrer España a través de la mirada única del cine y las series. En sus páginas, descubrirás los crímenes reales que inspiraron guiones, los rincones que fueron escenarios de clásicos mundiales y cómo nuestra historia ha sido reflejada en la gran y pequeña pantalla. Un viaje que mezcla nostalgia, actualidad, cultura y curiosidad, perfecto para quienes aman las historias bien contadas.
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Todo lo que necesitas saber para dibujar anime y manga Esta es la guía definitiva, que combina cientos de apasionantes imágenes con instrucciones paso a paso fáciles de seguir. Con este libro podrás crear enseguida tus propios personajes inolvidables. Se cubren todos los aspectos del anime: cómo dibujar caras con expresiones atractivas, atuendos elegantes, poses divertidas y mucho más. También aprenderás técnicas básicas de dibujo de figuras y composición, que te ayudarán a crear personajes dinámicos y escenas de anime y manga memorables. Desde cómo dibujar los tipos de personajes más populares del anime hasta los secretos de la narración visual, todo está aquí. ¡Anímate!
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La miscelánea de textos que reúne este libro rastrea, revisita y pone el foco sobre el trabajo de un «payaso conceptual, modelo poeta, cowboy de porcelana, narrador desatado y curador del placer», como se define él mismo: Juan Domínguez, una de las figuras más sobresalientes de lo que desde comienzos de los noventa se conoce como danza conceptual.La libertad que propone el entusiasmo de Juan Domínguez no se vislumbra teóricamente, sino que se hace, se practica, se recorre (Victoria Pérez Royo). Y en ese hacer destaca su perseverancia por desvelar los mecanismos de la representación con el humor y el delirio propios de un poeta que, jugando con el lenguaje, crea una nueva realidad, a veces claramente ficticia y, otras, extremadamente real (Isabel de Naverán). Un trabajo basado en una infatigable, obstinada, alegre y persistente producción de microclimas de intimidad (Giulia Palladini).
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L'àlbum fotogràfic de l'escena alternativa musical dels anys setanta és el cinquè títol de la col·lecció «Biblioteca Secreta», que reconstrueix un dels moments més apassionants de la Barcelona moderna, el pas del franquisme a la transició durant la dècada
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''Los españoles'' reúne el testimonio fotográfico y humano de Bernard Plossu y Luis Baylón, dos miradas unidas por la amistad, la complicidad y el amor a la vida en las calles. Más allá de la fotografía como disciplina, este libro es un viaje compartido: el de dos hermanos en lo bueno y en lo malo, que caminaron juntos por Madrid, Valencia, Oporto o Marsella, cámara en mano y corazón abierto.En estas páginas resuenan las huellas de un tiempo y una generación: la efervescencia cultural madrileña de los años noventa, la estela de Nueva Lente o el Canto de la Tripulación. Un mosaico de encuentros y complicidades —con Françoise Nuñez, Max Pam o Marc Riboud— que forman parte de una historia mayor: la de la fotografía vivida como hermandad, resistencia y celebración. Los españoles no es solo un libro de fotografías: es el retrato de una amistad y un legado compartido, una manera de mirar el mundo con intensidad, sin concesiones y con infinito cariño hacia la gente y los lugares que lo habitan.
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Joan Miró va trobar als Estats Units un espai de reconeixement i llibertat creativa. Aquest volum, igual que l’exposició que l’acompanya, situa l’experiència nord-americana de l’artista en un eix central de la seva trajectòria.Així, s’explica com, en els seus set viatges als Estats Units, Miró va artistes de diverses generacions que admiraven la seva obra i es van influenciar mútuament, tant en les seves obres com en les formes de treballar. A més, els encàrrecs que va realitzar a Cincinnati o Harvard, les dues exposicions monogràfiques al MoMA, així com també el suport i la complicitat del seu marxant Pierre Matisse i el seu amic Josep Lluís Sert, van ser fonamentals per a la trajectòria de Miró en aquell país.Amb textos de: Dawn Ades, Beatriz Cordero Martín, Marko Daniel, Matthew Gale, Patricia Juncosa, Robert Lubar Messeri, Teresa Montaner, Dolors Rodríguez Roig, Élisa Sclaunick, Elsa Smithgall i Anne Umland.
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![Una filogenia [in]verosímil](https://www.abacus.coop/dw/image/v2/BDLM_PRD/on/demandware.static/-/Sites-AbacusMaster/default/dw6f69c979/images/large/1531966.35.jpg?sh=240 "Una filogenia [in]verosímil")
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Este ensayo propone trabajar con la Filogenia como herramienta aplicada desde la analogía en la arquitectura que permite investigar cómo ciertas prácticas arquitectónicas pasadas participan en la construcción de los discursos presentes. En este proceso especulativo Óscar Rueda se pregunta si los alardes de las tecnoutopías del movimiento metabolista han permeado en la actualidad a través de la Big Roof de Osaka `70 hasta llegar a las propuestas inmateriales, pero hipertecnificadas de Junya Ishigami, y si los agentes principales de esta genealogía retroactiva han sido Kiyonori Kikutake y Arata Isozaki a través de las arquitecturas de límites difusos de Toyo Ito. El texto se distancia de un afán demostrativo, meramente documental e historiográfico y permite armar mecanismos de interpretación instrumental útiles para el desarrollo de la práctica arquitectónica.
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« Mlle Marie Laurencin, a su exprimer, dans l'art majeur de la peinture, une esthétique entièrement féminine. Dès ses premières peintures, ses premiers dessins, ses premières eaux fortes, bien que ces essais ne se signalassent que par une certaine simplicité naturelle, on pouvait deviner que l'artiste qui allait bientôt se révéler exprimerait un jour la grâce et le charme du monde. » Peintre au talent puissant, Marie Laurencin (Paris 1883‐1956), à ses débuts, exposa au Salon des Indépendants en 1907, fréquenta les cercles fauves de Matisse et les cubistes de Picasso, et fut la compagne et la muse de Guillaume Apollinaire. Après la Première Guerre mondiale, elle trouvera son style personnel ‐ élégant, délicat et intemporel ‐ qui lui ouvrira les portes du succès, devenant la portraitiste de la haute société parisienne, ainsi qu'une référence de la mode française
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Ethan y Joel Coen han cultivado una voz sombríamente cómica y reconocible en el cine estadounidense contemporáneo, regalando a los aficionados al celuloide clásicos de muy variada factura: comedia, historia, drama, romance... El tratamiento que este par de doctos cinéfilos imprime a sus películas, a caballo, diríase, entre la celebración y la parodia, es un tributo sin fin al séptimo arte en todas sus vertientes y géneros. Su obra contiene un amplio abanico de historias hilarantes, tristes, reflexivas, iconoclastas, románticas y críticas, y no son pocas las obras de su filmografía en las que se dan cita todos esos atributos. Cuando alguien proclama que una película «es de los Coen», todo amante del cine sabe exactamente a qué atenerse. Con su extravagante estética visual, sus no menos desconcertantes personajes, desopilantes diálogos y acompañándose siempre de un gran reparto, sus largometrajes son objeto de culto por parte de propios y extraños. A pesar de que sus películas han sido financiadas y distribuidas por grandes estudios, los Coen han logrado seguir trabajando como cineastas independientes sin renunciar nunca a su modo de entender este oficio. Esta antología de semblanzas biográficas, textos críticos, análisis cinematográficos y reveladoras entrevistas con sus colaboradores de confianza -ilustrada con una selección de imágenes de su ya extensa filmografía y otras curiosidades-, es el resultado de años de consagración al apasionado estudio de la obra de tan prolífica hermandad. El crítico de cine Adam Nayman, además de celebrar y diseccionar los logros de este singular contubernio, nos acerca a su obra para trazar, como él mismo proclama con la pompa que la ocasión merece, una gran teoría unificada de lo que el propio Nayman ha dado en llamar «coentáneo».
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Este libro recoge las «Siete Lecciones de Arquitectura» que el arquitectoAlberto Campo Baeza impartió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, RABASF, en febrero y marzo de 2023, con motivo de la concesión de la Medalla de Honor de la RABASF a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Madrid, ETSAM-UPM.Los siete textos en los que se basan las clases presentan los temas clave del pensamiento y la obra de Campo Baeza —Belleza, Sabiduría, Renuncia y universalidad, Disfrute intelectual, Memoria, Tiempo y Luz—. Siete temas que han sido esenciales en su trayectoria como arquitecto y profesor y que sirven al autor para presentar las ideas en las que se apoya su obra.Además, el libro incluye una cuidada selección de imágenes con los ejemplos de arquitectura abordados en ellas y una bibliografía con recomendaciones de teoría arquitectónica y literatura comentadas por el propio autor.
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Fachadas onduladas, musas que nos llaman desde las paredes, espectaculares cubiertas brillantes bajo el sol, farolas, bancos, puertas, parques y monumentos increíblemente bonitos embellecen la ciudad del 1900. En Barcelona: 50 maravillas del modernismo el lector se paseará desde la Sagrada Família y el Park Güell hasta casas particulares como la Pedrera, el palacio Güell o las casas Batlló y Amatller, pasando por fábricas, hospitales, iglesias y escuelas que modernizaron la capital de Cataluña, fusionando belleza y funcionalidad. En el siglo XXI Barcelona todavía es modernista, llena de símbolos identitarios que encontraréis descritos en los textos de Tate Cabré y recogidos en las magníficas fotografías de Miquel Badia.
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¡NUEVA EDICIÓN AMPLIADA Y ACTUALIZADA! Monstruos gigantes del cine japonés es la cartografía definitiva del universo del kaiju eiga, el territorio donde la imaginación alcanza proporciones colosales y las ciudades tiemblan bajo el peso de criaturas imposibles. Este volumen reúne, uno a uno, a todos los titanes que compartieron pantalla con Godzilla, Gamera, Rodan, Mothra y el resto de deidades atómicas que marcaron la historia del fantástico. Desfilan ante el lector bestias de dientes lacerantes y corazas impenetrables, dragones tricéfalos, titanes alados, colosos mecánicos y criaturas abisales capaces de lanzar rayos de energía de todos los colores imaginables. Cada monstruo es un estallido de imaginación y simbolismo: metáforas del miedo nuclear, del trauma bélico, del vértigo tecnológico y de la fuerza indomable de la naturaleza.
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Esta es una publicación que habla de modos de hacer arquitectura, de cómo los arquitectos y las arquitectas se posicionan en el mundo contemporáneo. La actitud de amanncanovasmaruri referida al patrimonio obsoleto parte del concepto de la intervención. No son restauradores sino arquitectos que apuestan por la arquitectura contemporánea como instrumento para conferir un valor complementario a las estructuras antiguas. Desde esa premisa, su trabajo en patrimonio tiene un carácter contextual, es decir, cada problema tiene una solución específica, una posición que alguien podría definir como ecléctica, aunque esa definición se remita a condiciones formales y a entender el proyecto como una afirmación personal de estilo. En este caso, el de amanncanovasmaruri, el proyecto se entiende como un instrumento de resolución propositiva, es decir, como un mecanismo que propicia un avance de la arquitectura como disciplina y que de manera específica ofrece un servicio contemporáneo a la sociedad a la que se sirve. La arquitectura es para ellos y en esencia un compromiso social.
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A todos nos gustan las historias. Pero, ¿por qué las contamos? ¿Y por qué todas las historias funcionan de un modo inquietantemente similar?John Yorke, creador de la BBC Writers Academy, nos propone aquí una apasionante travesía histórica, filosófica, científica y psicológica por el arte de la narración hasta descubrir que existe una estructura común de las formas narrativas que recuerda al viaje de los cuentos de hadas a los bosques, y que aquel, como todo gran arte, surge de lo más profundo.El autor explora y despliega en este libro la extraordinaria belleza de esa estructura, aborda su desarrollo histórico y trata de comprender cómo y por qué se manifiesta en todos los aspectos de la ficción, desde el personaje hasta el diálogo, pero también más allá. Con ejemplos que van de El Padrino a Breaking Bad, de Mad Men a Macbeth, y de los relatos mitológicos a The Wire, John Yorke utiliza el modelo shakesperiano en cinco actos como clave para analizar la narración en todas sus formas, desde el cine y la televisión hasta el teatro y la novela.
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La Nova Cançó és una de les màximes contribucions a la cultura literària, musical i espectacular del país i d'Europa des de mitjans segle XX. Des de la reivindicació augural entre els anys 1959 i 1962, les tendències de rebel·lió i de modernitat a partir del 1968 es diversifiquen en diàleg de successives generacions amb els moviments poeticomusicals internacionals. Amb la cançó des del Mediterrani com a màxima referència històrica, a través de la interpretació original i la musicació de poesia clàssica i contemporània. El llibre estudia el panorama dels creadors-intèrprets i les diverses creacions en el context geogràfic i social: la relació entre la cançó popular antiga i la moderna, les musicacions dels poetes de referència, la relació amb la chanson, la canzone i el folk, el pop i el rock, i els procediments estilístics i temàtics, a través de les metàfores cantades 'al vent del món'.
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Fotoperiodismo y arte: dos formas de mirar el mundo, dos formas de contar la realidad. Santi Palacios y Laia Abril reflexionan sobre el lenguaje que usan para descifrar lo que ven. En una cosa están de acuerdo: las imágenes, como las palabras, deben ser leídas.Palacios y Abril abordarán la necesidad de cambiar la mirada: de las víctimas a las estructuras de poder. Abril se centra más en su serie Una historia de la misoginia para reflexionar sobre la vulneración de los derechos de las mujeres en todo el mundo, y Palacios en los dilemas de su trabajo sobre fronteras, migraciones y conflictos.
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'Todo es de color'', uno de los himnos de Lole y Manuel, bien podría aplicarse a la obra de Elena Blasco, una de las artistas más singulares y versátiles del arte contemporáneo español, que gusta de explorar los límites entre la pintura, la escultura, la instalación y el objeto artístico. Desplegando la misma miradairónica, crítica y profundamente personal que aplica a su obra, en esta ocasión se adentra en el mundo de la escritura con una serie de textos que se leen de un tirón, en los que vuelca una visión de la vida tan luminosa como surrealista, tan naíf como por momentos descacharrante. Su creatividad le lleva a inventarse palabras como las que dan título al volumen y a esbozar situaciones que parten de sucesos reales para elevarse hacia lo fantástico, por medio de un lenguaje visual cargado de humor, provocación y referencias a la cultura popular.
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UN RECULL DE TEXTOS RELACIONATS AMB LES ARTS I ELS SEUS CREADORS. Eulàlia Bosch ens ofereix un recull de textos relacionats amb les arts i els seus creadors. L'art pot ser objecte d'admiració i d'estudi, però encara més, segons la seva experiència personal, quan l'art forma part de la vida quotidiana, pot mostrar la bellesa, ensenyar a veure les coses de manera diferent i copsar allò indefinible que batega en el dia a dia. Aquests textos són una invitació estimulant i entusiasta per no desconnectar l'art de la vida. «Les històries que he reunit en aquest llibre han estat escrites al dictat de l'experiència viscuda i juntes volen ser un homenatge a aquesta presència del món de les arts que em permet ampliar els horitzons de la meva vida quotidiana. És quan recordo el Giacometti desesperat per no trobar la manera d'aconseguir l'expressió del rostre que busca des de fa anys, o quan noto com m'interroga Rembrandt des de la paret del museu on viu la seva eternitat, o quan sento què pot passar en esdevenir per un moment un personatge teatral, és quan recordo la mirada de llop de Jorge Oteiza, els versos de Jorge Luis Borges o les pel·lícules de Carlos Saura..., és aleshores quan m'adono que cada dia tot torna a començar de bell nou.»
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¿Sabes qué ajustes necesitan tus fotografías? ¿Eres capaz de preparar una imagen para impresión? ¿Sigues subiendo tus fotografías a internet con una resolución de 72 ppp? ¿Sabes cómo eliminar los halos de una imagen? ¿Dominas las máscaras de luminosidad? ¿Has explorado las posibilidades del relleno generativo? ¿Sabías que puedes usar inteligencia artificial en Photoshop para generar imágenes completamente nuevas o mejorar las existentes con un nivel de detalle sorprendente? La postproducción fotográfica es una parte fundamental del proceso creativo. Gracias a la fotografía digital y las herramientas avanzadas que incorpora Photoshop, no solo podemos revelar y retocar nuestras fotos, sino también aprovechar la inteligencia artificial para ser más eficientes, creativos y originales. Este avance nos convierte en protagonistas de un proceso cada vez más accesible y emocionante. El propósito de este libro es que desarrolles un flujo de trabajo eficaz, comprendas todas las etapas del proceso y explores cómo integrar las herramientas de IA para alcanzar un nuevo nivel de calidad y creatividad en tus imágenes. Daniel Arranz, experto certificado por Adobe (ACE) en Photoshop y en Lightroom, pone a disposición del lector su amplia experiencia docente para alcanzar este objetivo. A través de numerosos ejemplos y prácticas, establece un método de trabajo en el que prima que el lector entienda los conceptos y el porqué del uso de cada herramienta. De este modo, construirá una base sólida y será capaz de profundizar en el programa sin miedo a equivocarse. Hoy, más que nunca, el proceso fotográfico se encuentra en nuestras manos.
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El acontecimiento cinematográfico de la década, Star Wars: El despertar de la fuerza reunió a las audiencias de nuevo con Han Solo, Leia Organa y Luke Skywalker, además de presentarnos a una nueva generación de héroes y villanos: Rey, Finn, Poe Dameron, Kylo Ren, la Capitana Phasma, BB-8 y muchos más. Adorada por críticos y aficionados por igual, El despertar de la fuerza destrozó récords de recaudacióny se convirtió rápidamente en una de las películas con mayores ingresos de la historia. En StarWars: Los últimos Jedi, la apasionante secuela, la lucha entre la Resistencia y la Primera Orden continúa donde quedó en la anterior película: con la orientación de Luke Skywalker, Rey debe aprender a controlar la Fuerza o lo perderá todo ante la ira de Kylo Ren y sus despiadados aliados. Escrita y dirigida por Rian Johnson (Looper, Los hermanos Bloom, Brick) y con diseño de producción deRick Heinrichs (Piratas del Caribe, Pesadilla antes de Navidad, Capitán América: El primer vengador), este nuevo capítulo en la saga de Star Wars debe su lenguaje visual y el paisaje cinematográfico enteramente imaginado a un incomparable departamento de arte de ''Visualistas'' de Lucasfilm, queregresaron para esta película, y a veteranos de la industria. Con asombroso detalle, El arte de Star Wars: El último Jedi, explora su trabajo y esclarece su proceso creativo. Al presentar arte conceptual,bocetos de vestuario, storyboards y diseños para criaturas? e incluso ideas ''blue sky'' y sendas no seguidas? los aficionados se zambullirán profundamente en el desarrollo de los fantásticos mundos y personajes, antiguos y modernos, de Star Wars: Los últimos Jedi. Desde ilustraciones inolvidables a entrevistas exclusivas con los cineastas, este archivo visual destaca lo más selecto de la magia de lacreación cinematográfica.
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For fifteen years, Francis Meslet explored urban landscapes as a photographer of the poetry of ruins. Drawing on this experience, with the aid of artificial intelligence, he now takes us on a journey to discover an abandoned world in a not-so-distant future. Nature relentlessly reclaiming Europe’s largest deserted libraries, the open-air ruins of the most beautiful theatres, vast industrial remains frozen in time, Paris under the threat of missiles and the ashes of Notre Dame Cathedral which has succumbed to the flames…Meslet’s work is much more than merely imaginary iconographic documentation. It is an attempt to reconcile the future and the past, a meditation on the fragility of collective memory. As a hunter of ephemeral moments, his generative art images reveal the duality of time, the coexistence of decay and splendour. With his keen eye, he has taken on the guise of a poet of decrepitude, capturing the soul of neglect, turning each image into a silent cry in the desert of contemporary indifference.
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SWIFTIE STORIES es un homenaje único a la comunidad de fans de Taylor Swift, escrito por decenas de Swifties que han querido compartir su pasión, sus recuerdos y la forma en que la música de Taylor ha marcado sus vidas. El proyecto, coordinado por Bauke van den Bossche, nace del amor sincero de una fan que descubrió a Taylor en YouTube con ''You Belong With Me'', se enamoró definitivamente con ''Shake It Off'', y encontró en ''Folklore'' y ''Mirrorball'' un espejo emocional durante los días de confinamiento. Pero este libro no es solo la historia de una persona: es el reflejo de una comunidad global. Desde fiestas improvisadas en habitaciones hasta eventos multitudinarios como ''Swiftieverse'' en Amberes, donde se agotaron 1.100 en¬tradas en diez minutos, las experiencias compartidas muestran cómo Taylor no solo compone canciones, sino que crea vínculos entre miles de seguidores que se reconocen entre sí. En sus páginas encontrarás testimonios llenos de autenticidad, amor y gratitud. Cada fan aporta su propia voz, convirtiendo SWIFTIE STORIES en un gran mosaico de emociones: risas, lágrimas, sueños cumplidos y amistades nacidas al calor de una misma pasión. El resultado es un libro que late como un hogar común para Swifties, un lugar donde sentirse acom¬pañado y comprendido. Si Taylor Swift es parte de tu vida, SWIFTIE STORIES será tu libro de cabecera. Aquí están tus (nuestras) historias, y la confirmación de que ser Swiftie significa nunca estar solo.
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Este libro aporta con rigor -desde diferentes líneas de investigación- tres nociones de proyección ética: “esperanza”, “confianza” y “lealtad”. Precisamente por ser activos intangibles y, por tanto, no susceptibles de observación y experimentación, han quedado -durante décadas- relegadas a la marginalidad en las ciencias humanas y sociales, así como en las tradiciones filosóficas en las que ha prevalecido el naturalismo y el positivismo. La esperanza, la confianza y la lealtad no constituyen un invento -fruto de una imaginación desbordante-, sino que devienen en condición de posibilidad para adentrarnos en el quicio de las relaciones humanas, sin las que no resulta viable una vida sana. Es precisamente a través de su despliegue en la acción humana como resulta posible planear y comprometerse en proyectos a largo plazo, como condición necesaria para encontrar sentido a la vida.
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Este libro analiza las similitudes y diferencias queexisten entre dos prácticas musicales, la interpretación y la docencia, aparentemente contrapuestas pero íntimamente relacionadas, y pretende servir de guía alos profesores en su labor cotidiana. Es seguro que un buen intérprete posee todas las herramientas que lepermiten expresarse con libertad mediante su instrumento, pero quizá no sea capaz de trasmitir plenamenteese conocimiento a sus alumnos. Por otro lado, un buen profesor puede que no esté sacando el mejor partido a lo que sus alumnos le están aportando para enriquecer su propio bagaje como instrumentista. A fin de facilitar el trabajo de quienes se inician en la enseñanza de su instrumento se estudian los siguientes temas: La interpretación y la enseñanza y la necesaria adaptación. ¿Sabemos cómo tocamos realmente? ¿Cómo organizar el día a día en clase? ¿Cómo preparar la partepráctica docente de una prueba para un puesto de trabajo?
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Rocky Balboa es el icono de Filadelfia que se enfrentó al mundo y ganó. El auténtico ''semental italiano'', el luchador con agallas que triunfó como boxeador contra todo pronóstico, y una auténtica leyenda del negocio del cine. Desde que Sylvester Stallone diera rienda suelta al apasionado personaje que daba título a la película en 1976, el fornido boxeador se ha hecho un hueco en la historia como símbolo de la tenacidad y el coraje y como leyenda del éxito cinematográfico.La historia de la película Rocky es igual de apasionante que la del boxeador que la protagoniza. Rodada con un presupuesto muy ajustado, con un Stallone prácticamente desconocido como guionista y protagonista, la película se convirtió de la noche a la mañana en un fenómeno y generó recaudaciones millonarias. Obtuvo tres premios Óscar y convirtió a Stallone en un actor, guionista y director de fama mundial. El fenómeno Rocky dio para una saga de seis películas, incluida Rocky Balboa en 2006. En colaboración con Sylvester Stallone y la MGM, esta edición saca a relucir todas las agallas y la fama de la historia de Rocky. Las numerosas imágenes, incluidas muchas fotografías tomadas durante el rodaje por el prestigioso fotógrafo deportivo Neil Leifer, se acompañan de valioso material procedente de la biblioteca de la Academia y el archivo de la MGM que hablan del nacimiento de un héroe de acción inolvidable y de una obra maestra del cine. Un prólogo de Stallone y extractos de las entrevistas que ha concedido a lo largo de su carrera permiten descubrir los entresijos de la creación del personaje y de la saga, además de ofrecer una imagen privilegiada de la tenacidad, el arrojo y la pasión que caracterizaban a Rocky entre bambalinas y en la pantalla.ROCKY, ROCKY BALBOA, and all related ROCKY Trademarks, Logos and Materials © 1976-2025 Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. All Rights Reserved.
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Darkness on the edge of town es el disco con el que Bruce Springsteen, en 1978, consolidó su mundo, su sonido y, sin duda, su leyenda. Diez canciones sobre las que pivotaría el resto de su obra. Publicado después de la consagración que supuso Born to run, llegó tras la traumática ruptura con su antiguo mánager y el consiguiente juicio, que mantuvo a Springsteen sin editar material nuevo, malviviendo de los directos. El resultado de este periodo de tres años fue una obra rotunda e incuestionable que clausuraba las fantasías adolescentes de sus primeros elepés para definir su nueva escritura.Pero Springsteen en el corazón de la tormenta va mucho más allá, adentrándose en The promise, que en 2010 recogía gran cantidad de canciones descartadas del disco original. Lejos de limitarse a reeditar el texto descatalogado de 2009 (American madness: Bruce Springsteen y la creación de Darkness on the edge of town), la presente edición lo reescribe, actualiza y amplía radicalmente, incorporando todo el caudal de información que ha aflorado desde entonces. Incluye entrevistas a personalidades claves del entorno de Springsteen, como su primer biógrafo, Dave Marsh, su mánager, Jon Landau, o los fotógrafos Frank Stefanko y Eric Meola, entre otros muchos.En Darkness on the edge of town. Springsteen en el corazón de la tormenta, Julio Valdeón ilumina las influencias literarias y cinematográficas y el contexto personal y biográfico, histórico y político que posibilitó la creación del disco. El resultado es un libro hipnótico y visceral, informado, vertiginoso y elegante, con el estilo inconfundible de un escritor tan consolidado como Valdeón. Un volumen que ofrece, por vez primera, la fotografía completa de la obra maestra con la que Springsteen supo reinventarse.
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Hubo un tiempo en el que las entradas de conciertos, impresas en papel, se compraban en tiendas de discos, en el que algunos recitales empezaban a medianoche en salas en las que se podía fumar, en el que no había zonas VIP ni precios dinámicos, y en el que los espectadores no pasaban buena parte del show viendo a los músicos a través de una pantalla de móvil. Esa época que nos parece ahora tan lejana fue hace apenas dos décadas. Jorge Arenillas capturó los últimos coletazos de aquella era en las crónicas de conciertos que escribió para su propio blog y para la edición española de Rolling Stone, y que ahora, reunidas en un solo volumen, cobran un valor añadido como documento de su tiempo. Redactadas con ambición literaria, con subjetividad orgullosa y con mucha ironía, dichas crónicas radiografían el momento de artistas nacionales y anglosajones imprescindibles. Algunos de ellos han desaparecido ya, otros continúan en activo, pero en una etapa distinta de sus carreras que los textos aquí recopilados ayudan a contextualizar. Acompañadas de excelentes fotografías y de otros materiales gráficos, las palabras de Arenillas nos permiten vivir (o revivir) la emoción de pisar la arena de Las Ventas, el césped de Hyde Park o las gradas del Madison Square Garden para ser parte de conciertos que pasarán a la historia.
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La gente ama u odia este libro, o nunca ha oído hablar de él. Bansky es lo más parecido al Che Guevara que nos ofrece el siglo xxi. Excepto, por lo que sabemos, que nunca cursó medicina, participó de la Revolución Cubana, ni viajó al Congo ni a Bolivia. El lector encontrará en este libro, amorosamente reunida, la única y mejor colección de fotografías del arte callejero de Banksy que jamás se haya editado. Para gran pena de todas las escuelas de arte, es probable que se recuerde a Banksy como el mejor artista británico post-milenio-depresión. Su capacidad para llamar la atención, enviar un mensaje, a menudo con una frase contundente o de sentido ambiguo, le hubiera significado un puesto altísimo en una agencia publicitaria, la pérdida para Madison Avenue es nuestra ganancia. Cuando Banksy comenzó a pintar, el panorama político era desolador. Hoy es diez veces peor. Así que aunque la entrañable y agresiva obra política de Banksy se hace cada vez más importante, nos pareció relevante presentar su arte en el contexto de la época a la que correspondía, considerando los temas de los que se ocupaba. Si el lector nunca ha escuchado hablar de Banksy, este libro es todo lo que necesita para meterse en una discusión de bar acerca del hombre y de su leyenda.
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David Pintor presenta un “viaje ilustrado diferente”por las calles y las plazas de Barcelona, una ciudaddonde “la magia puede aparecer detrás de cualquier esquina”. Su alter ego recorre una treintena de espacios, desde Montjuïc al Barrio Gótico, pasando por el Ensanche o Gràcia: los edificios históricos con el sello inconfundible de Gaudí, las modernas edificacionesde los museos, los cafés emblemáticos, las plazas recónditas y otras más concurridas, los áticos y los balcones, los suelos de baldosa tan representativos de las viviendas de la ciudad... Las gaviotas -elemento simbólico predominante- revolotean a su alrededor o lellevan en volandas, mientras contemplamos el atardecer, las torres de la Sagrada Familia sobresaliendo entre los tejados y las palmeras, la iglesia de Santa Maria del Mar surcando las olas o la fachada modernista de la Casa Batlló sumergida en el fondo marino. Porque el mar es, precisamente, uno de los elementos máspresentes en estas páginas, junto con la arquitectura modernista: ambos consiguen convertir al lector/a en visitante virtual de la ciudad, sin temor a aglomeraciones.
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El elefante, oh rey de los tiempos y La cabeza del esclavo Yábir son dos piezas de teatro escritas por uno de los mayores dramaturgos de la literatura árabe. En ellas, Saadallah Wannús nos habla de la urgencia de “hacer algo” frente a la injusticia, el miedo y la miseria, ofreciendo una crítica severa del autoritarismo y del oportunismo, por un lado, y de la sumisión de los pueblos y de su cobardía, por otro. Como afirma Waleed Saleh en el estudio introductorio, El elefante, oh rey de los tiempos es un reflejo fiel de la situación actual de los gobiernos y los pueblos árabes y musulmanes, sometidos y temerosos, que aceptan las injusticias como si de dictámenes divinos se tratara. Por su parte, La cabeza del esclavo Yábir es una de sus obras más aclamadas, tanto en lo formal, aprovechando el café tradicional árabe como escenario, como en lo textual, abordando a partir de un antiguo relato bagdadí el tema del poder y su corrupción. Ambas obras son absolutamente representativas del pensamiento del autor. Hasta su prematura muerte, Saadallah Wannús continuó creyendo que “el teatro es el mejor lugar para el diálogo entre las personas”, y que “por más en contra que soplen los vientos, estamos destinados a vivir con esperanza”. Abundantemente traducido al inglés y francés, ésta que ofrecemos es prácticamente la primera publicación representativa en español de su amplia producción.
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Un breve, delicioso e imprescindible tratado lleno de sugerentes ideas para comprender qué es el arte, qué utilidad puede tener para nosotros, cómo creamos, cómo el arte abre mundos y cómo puede transformarnos para imaginar un futuro diferente. ¿Qué hace el arte por nosotros? ¿Y para qué lo necesitamos? Podríamos decir que el arte es uno de los principales atributos del ser humano, como el lenguaje. Es fácil entender por qué el lenguaje es universal, pero no parece ser tan sencillo imaginar que el arte también lo es. En este libro, Brian Eno y Bette Adriaanse nos llevan de la mano mientras exploran esta vital cuestión a la vez que animan al resto del mundo a ser más abiertos y atrevidos con el arte y con la vida. El arte es una forma de hacer que los sentimientos sucedan
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Sumérgete en la emocionante acción cinematográfica de DC Conoce las pioneras series de los años 40 que llevaron a Batman y Superman a la gran pantalla, las emocionantes aventuras del Cruzado Enmascarado de los 60, el icónico Superman de los 70 y las innovadoras reinvenciones del siglo XXI del Caballero Oscuro, el Hombre de Acero y la Mujer Maravilla. Una guía imprescindible para recorrer la historia del cine de DC. Descubre cómo los personajes, las localizaciones, el vestuario y las armas se han adaptado de las páginas a la pantalla y cómo han evolucionado a lo largo de las décadas. Algunos de los mejores actores del mundo, como Marlon Brando, Jack Nicholson, Christian Bale, Nicole Kidman, Joaquin Phoenix o Viola Davis han participado en muchas películas, algunos como superhéroes o supervillanos. Adéntrate en el fascinante mundo de las películas de DC y descubre datos poco conocidos mientras examinas impresionantes fotogramas, diseños de personajes, escenarios y guiones. ¡El libro que todo fan del cine de DC estaba esperando! © &, ™ DC. (t24)
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En una sociedad como la actual, para la que los valores han cambiado tan rápido, una obra que nos conecta de nuevo con nuestra naturaleza humana resulta esencial e iluminadora. Amor y arte es un ensayo fascinante de Ellen Dissanayake que nos devuelve la mirada hacia nuestro origen, y nos lleva a descubrir cómo el arte, lejos de ser una mera creación cultural, es una necesidad biológica profundamente arraigada en los seres humanos. A través de una propuesta revolucionaria, la autora muestra cómo el arte y el amor comparten un origen evolutivo común, ambos nacidos de la necesidad de establecer conexiones emocionales para garantizar nuestra supervivencia. Dissanayake explora cómo los primeros intercambios entre madre e hijo, basados en ritmos y movimientos sensoriales, dieron lugar a expresiones artísticas como la música, la danza y los rituales. Y, partiendo de esta premisa, realiza la que sea quizá la afirmación más controvertida e interesante de su pensamiento: que llevar a cabo actividades artísticas habría llevado a nuestros antepasados homínidos -tanto como socializar, obtener alimento u otras destrezas ancestrales- a ser seleccionados y a prosperar en sus vidas. Un ensayo que desafía nuestras concepciones sobre el arte y nos invita a reconocerlo como un elemento vital que sigue siendo esencial hoy para mantenernos conectados con lo que realmente importa.
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Aprende de una forma fácil a emplear las distintas técnicas para dibujar los animales con sus formas, conducta y expresión
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