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Libros de Arte, Cine y Música
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Ahora más pequeño, este completo estudio global presenta más de 300 extraordinarios proyectos arquitectónicos no construidos desde el siglo XX hasta nuestros días.The Atlas of Never Built Architecture presenta los proyectos no construidos más espectaculares de los siglos XX y XXI. A veces poco prácticos o fantasiosos, pero siempre imaginativos y ambiciosos, los proyectos incluidos revelan la increíble diversidad de ideas surgidas de los arquitectos más influyentes del mundo. Organizados geográficamente por continente, visiones futuristas de figuras como Frank Lloyd Wright y Le Corbusier se combinan con propuestas más contemporáneas de talentos como Norman Foster y Zaha Hadid para mostrar cómo nuestros entornos construidos podrían haber sido muy diferentes. Sam Lubell y Greg Goldin son escritores de arquitectura radicados en Los Ángeles. Expertos mundiales en el tema de la arquitectura no construida, son coautores y cocuradores de las exitosas exposiciones y libros complementarios ''Never Built New York'' y ''Never Built Los Angeles''. Ambos han colaborado con numerosas publicaciones, como el New York Times y Architectural Record, y Sam también ha escrito varios libros para Phaidon, entre ellos ''Life Meets Art and Drama''.
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Alternando ideas y anécdotas sabrosas, Alain de Botton nos ofrece un libro que habla de arquitectura, pero habla sobre todo de lo que nos falta y a menudo nos sobra para llegar a la auténtica felicidad. Si es verdad que somos lo que comemos, también es cierto que somos lo que habitamos, y basta con entrar en una casa para saber no solo qué posee, sino qué esconde y qué desea su dueño. La felicidad depende de la idea que tenemos de nosotros mismos, de la capacidad de casar lo que es con lo que debería ser, y eso se refleja en los objetos que nos rodean. Así es desde tiempos inmemoriales, y Alain de Botton nos lleva de la mano para que revisemos bajo esta óptica un tanto insólita los edificios que han marcado la historia de la arquitectura, desde la Villa Rotonda de Palladio hasta las casas funcionales de Le Corbusier y los rascacielos de Jean Nouvel. Stendhal dijo que la belleza es una promesa de felicidad, y cada cual tiene una idea de belleza de acuerdo con la época y las circunstancias en que le ha tocado vivir. Por eso lo que fue hermoso un tiempo, ahora no puede reproducirse tal cual sin que nos parezca inadecuado. Cierta innovación se impone, pero hay elementos arquitectónicos que se repiten a lo largo de los siglos porque responden a las necesidades hondas de los humanos, y el camino de la felicidad se apoya en ellos: en la simetría, por ejemplo, o en las curvas de ciertos objetos. Donde esté la disposición adecuada de líneas y trazos, estará nuestro hábitat ideal, ese lugar al que nos gusta volver porque ahí reencontramos lo mejor de nosotros mismos.Reseña:«Para Botton, la arquitectura y el diseño son algo intensamente personal. Los edificios tienen carácter, vicios y virtudes, miran al mundo con una cara casi humana.»William Grietes, The New York Times «De Botton tieneuna maravillosa habilidad para abordar temas de peso desde puntos de vista amenos y excéntricos.»The Seattle Times «Un libro elegante e [...] inusual, lleno de grandes ideas. [...] Rara vez ha habido un matrimonio más delicado de palabras e imágenes.»The New York Sun «Con originalidad, brío e ingenio, De Botton explica cómo encontramos reflejos de nuestros propios valores en los edificios que construimos.»San Francisco Chronicle«De Botton mantiene la arquitectura a una escala humana.»Los Angeles Times «Alain de Botton ha devuelto a la filosofía su propósito más importante: ayudarnos a vivir mejor».Christina Hardyment, The Independent
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Los jardines japoneses transmiten tranquilidad, armonía y comunión con la naturaleza. La simplicidad aparente de unas rocas o la elegante sencillez de unos guijarros son capaces de capturar la esencia evanescente del zen y elevar la jardinería a la categoría de reflexión filosófica.El arte de la jardinería en Japón alcanza un nivel de excelencia y refinamiento no superado por ningún otro país del planeta. Javier Vives da cuenta de su milenaria historia describiendo sus principales características y revelando los significados más profundos y metafóricos de esta expresión artística. El autor nos invita a recorrer más de cuarenta jardines tradicionales y modernos: villas imperiales, jardines de samuráis, templos budistas, casas de té, jardines zen…
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Como el propio título indica, se trata de la exposición de la teoría estética del autor, en la que quedan recogidas todas sus ideas acerca del arte y de la filosofía del arte, en donde tiene cabida desde el análisis del origen, contenido de verdad y vida de las obras, hasta su relación con la política y la sociedad, la filosofía de la historia, la tecnología o la lógica, pasando por estudios clásicos de filosofía del arte, como la estética kantiana, la hegeliana o la psicoanalítica. Se ofrece una nueva traducción con la totalidad de los textos que constituyen la edición oficial de Suhrkamp.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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Joaquín Sorolla (1863-1923) es uno de los más grandes maestros de la pintura y uno de los artistas más influyentes y atractivos de todos los tiempos. Su obra siempre ha gozado de amplio reconocimiento internacional y de un elevado nivel de apreciación entre el público y entre los entendidos y artistas. Colecciones públicas y privadas de todo el mundo atesoran entre lo principal de sus fondos obras del creador valenciano, quien mantiene intacta su consideración de maestro indiscutible de la luz y el color.Desde muy pronto Sorolla logró proyectarse con inusitado éxito en la escena internacional, no solo en Europa, sino señaladamente en los Estados Unidos, donde ya sus exposiciones de principios del siglo XX congregaron un número de visitantes como nunca antes se había visto. Ese interés jamás ha decaído y permanece evidente en las siempre multitudinarias exhibiciones de sus pinturas, así como en la buena fortuna editorial de las publicaciones dedicadas al estudio y reproducción de las obras del maestro. Esto es así aun cuando tales publicaciones con frecuencia carecen de los niveles óptimos exigibles a una monografía artística de calidad.Con Sorolla. Obras maestras se acomete por fin la publicación de una obra de calidad extraordinaria, para la que se han empleado nuevas fotografías de gran resolución de las mejores pinturas del artista —especialmente de aquellas que han sido limpiadas recientemente—, cuya fidelidad ha sido cuidadosamente contrastada con la pieza original. Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista y máxima autoridad en el estudio de la obra de Sorolla está a cargo de certificar que cada reproducción se ajusta con el mayor rigor a la pintura. Igualmente, esta estudiosa ha realizado la selección del cuerpo de cien obras que forman la monografía y es autora del texto que las presenta.
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A centuries-spanning celebration of the timeless architectural staple.Discover 180 diverse and fascinating examples of works made with brick – from the Ziggurat of Ur to contemporary masterpieces by Mies van der Rohe and Kazuyo – in this illustrated homage to the ubiquitous red block.Brick highlights a surprising selection of structures dating from 3,000 BCE to the present day. Readers flipping through the vividly illustrated pages will enjoy a world tour of innovative, inspirational buildings from the most important architects of the past 100 years, including Alvar Aalto, Antoni Gaudi, Eero Saarinen, Frank Lloyd Wright, Frank Gehry, Jørn Utzon, Louis Kahn, and Ludwig Mies Van der Rohe. Each project is presented with a carefully selected image accompanied by an engaging and informative extended caption.This smart, stylish survey also includes an introductory essay by art historian and BBC television presenter Dan Cruickshank.
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Catálogo de la exposición en el meam «un lenguaje, dos acentos | retrato de una larga amistad» dedicada a la obra de dos artistas figurativos, kike meana y jaime valero, en la que se podrá ver diversas series creadas por los artistas a lo largo de sus trayectorias como pintores. una exposición con un mismo lenguaje, pero con dos acentos diferentes que ampliarán la visión del espectador sobre las diferentes corrientes del arte figurativo de nuestros días.
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La música sempre ha tingut una relació especial amb la resta d’arts. És coneguda la relació amb el teatre, el cinema, la poesia, la dansa… però i les arts plàstiques? Només cal un cop d’ull a les carpetes dels discos ens demostra que ha estat una relació llarga que ha involucrat alguns dels grans artistes del sector: fotògrafs, dissenyadors, pintors…Art & Música mostra l’obra d’un centenar de dissenyadors que han tingut una tasca influent en el disseny de portades de discos: des d’una perspectiva històrica (Jordi Fornas, America Sanchez, Claret Serrahima, Frederic Amat, Pilar Villuendas, Sílvia Gubern, Antoni Tàpies, Joan Miró…) i contemporània (Josep Basora, Albert Romagosa, Cinta Vidal…).Un llibre gràfic que inclou textos d’especialistes com Tomeu Canyelles, Òscar Dalmau, M. Àngels Fortea, Carles Gámez, Òscar Guayabero, Oriol Lladó, Jordi Llansamà, Òscar Nin, Jaume Pujagut, Guillem Vidal i Joaquim Vilarnau.
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Adobant l'arquitectura és una invitació a repensar l'arquitectura des d'una mirada crítica, social i transformadora. Aquest quart volum de la sèrie SOSTRES recull reflexions i experiències d'alumnes i professionals que exploren com articular l'arquitectura i l'urbanisme amb l'Economia Social i Solidària. A través de temes com la gestió territori, els béns comuns, l'habitatge, la interseccionalitat i l'ofici, aquest llibre parteix d'una pregunta central: com pot l'arquitectura deixar de servir al capital per posar-se al servei de la vida?
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Primer volumen de la famosa Historia de la estética del gran teórico polaco. El libro incluye numerosos textos originales que -siempre presentados en edición bilingüe- constituyen el fundamento teórico de la obra.
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Una esperada y gran monografía publicada con motivo de la exposición en el Museo Guggenhiem de Bilbao. Lynette Yiadom-Boakye retoma la tradición del retrato de la pintura occidental pero también, su obra se inserta en la creación contemporánea ya que adopta una dimensión política y se convierte en un referente de la estética afro y queer. Este libro reúne unas 70 obras que invitan a adentrarse en las historias visuales imaginadas por la artista, retratos ficticios cuyos protagonistas se representan en momentos de intimidad y que cobran una vida de apariencia totalmente verosímil. Incluye textos de la propia Yiadom-Boakye, del escritor y cineasta Kodwo Eshun y de la conservadora del Museo Lekha Hileman Waitoller.
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Esta recopilación de frases sobre la espiritualidad de la música y la danza, que provienen de ámbitos culturales y épocas dispares,es un alegato a favor de la universalidad del lenguaje musical como expresión genuina del espíritu humano.
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Entre 1972 y 1980, Manel Armengol capta con su cámara las grandes transformaciones que experimenta nuestro país: el declive del sector industrial, la denuncia de sus efectos sobre el medio ambiente, las luchas de diferentes colectivos sociales, el éxodo rural a las grandes capitales o la caótica conformación del paisaje urbano por efecto de la presión demográfica y la ausencia de políticas públicas. El resultado es una colección de imágenes imperecederas que constituyen una parte fundamental de la memoria visual de esa época. Este libro recopila, por primera vez, ese proyecto fotográfico a partir de la selección y el estudio realizados por el autor. Con ello ha querido plasmar la diversidad de enfoques, planteamientos y temáticas que representan la Transición española como un fenómeno plural y turbulento.
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Andy Warhol fue un incansable cronista de la vida y sus encuentros. Acompañado siempre de una cámara Polaroid, desde finales de la década de 1950 hasta su muerte en 1987 reunió una enorme colección de instantáneas de amigos, amantes, mecenas, famosos y desconocidos, pero también de paisajes, de todo aquello que estaba de moda y de sí mismo. Creado en colaboración con la Fundación Andy Warhol, este libro presenta más de 150 de esas imágenes espontáneas.Se incluyen retratos de famosos como Mick Jagger, Alfred Hitchcock, Jack Nicholson, Yves Saint Laurent, Pelé y Debbie Harry junto a imágenes del entorno de Warhol, de su lujosa vida y sus paisajes, así como bodegones de muñecas Cabbage Patch o sus emblemáticas latas de sopa. Las polaroids, a menudo sencillas e improvisadas, documentan la era de Warhol del mismo modo que hoy Instagram relata la nuestra. Un testimonio único de la vida, el mundo y la visión del maestro de arte pop y de la modernidad.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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Aquest llibre és un sentit i documentat homenatge a la figura i al treball del cantautor català Lluís Llach. A través de testimonis directes dels que han compartit amb ell vida o escenari, els autors efectuen un recorregut minuciós pels esdeveniments polítics i socials claus per a la comprensió de la trajectòria d´aquest artista. Es tracta d´una obra en la qual participa el protagonista aportant la visió sobre la seva pròpia vida i el món en el qual li ha tocat viure.
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La imagen cinematográfica se halla en el quicio de la dialéctica entre vida e historia. Ella es como una membrana entre la vida quese agota o desvanece y el sepulcro donde la historia se acumula. Imagen liminar, también de resistencia ?su resistencia rad
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Stories presenta las voces de algunas de las principales figuras de las artes visuales y, en particular, del campo de los libros de artista. A través del diálogo, Stories busca desentrañar la historia y los problemas actuales que rodean el libro del artista, un medio que históricamente ha sido adoptado por artistas yque solo recientemente ha ganado el reconocimiento de museos y coleccionistas de arte contemporáneo. El libro incluye entrevistas con Marina Abramovic, ManuelBorja Villel, David Campany, Mariana Cook, Juan Cruz, Thomas Demand, Cai Guo-Qiang, Jenny Holzer, Cristina Iglesias, William Kentridge, Maya Lin, Óscar Mariné, Manuela Mena, Shirin Neshat, Hans Ulrich Obrist, Elena Ochoa Foster, Cornelia Parker, Thomas Struth, Richard Tuttle, Isidoro Valcárcel Medina y Ai Weiwei, entre otros.
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* Una recopilación de las ideas del legendario artista británico David Hockney sobre el arte, la vida, la naturaleza, la creatividad y mucho más. * Una visión encantadora y envolvente del espíritu, la personalidad y las opiniones inconfundibles del artista. * Desde observaciones cotidianas, «El ojo siempre está en movimiento, si no se mueve, estás muerto», hasta reflexiones artísticas como «El color pintado siempre será mejor que el color impreso, porque es el propio pigmento», pasando por comentarios sobre otros creadores de imágenes como Caravaggio, Cézanne y Hokusai, Hockney tiene el don de captar verdades profundas en frases breves y certeras. «Tienes que vivir en el aquí y el ahora. Es el ahora lo que es eterno». David Hockney En un formato de bonito diseño e ilustrado con obras de arte de toda su carrera: un regalo perfecto para amantes del arte en cualquier parte del mundo.
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Catàleg il·lustrat de l'exposició sobre el mestre llombard Michelangelo Merisi '' Caravaggio'' i d'altres pintors europeus de tall realista amb anàlisis detallades de cadascuna de les peces exposades i la posada al dia de la qüestió caravaggista. Textos en català i anglès.
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Una mujer desvalija los almacenes de los museos madrileños tras la guerra civil. LLeva una tarjeta de visita con un título aristocrático que se ha inventado. Expolia tapices de seis metros, cientos de cuadros y todo tipo de bienes culturales. No es la única, también lo hacen los vigilantes del arte, monjas, anticuarios, directores de museos... Esta es una increíble historia real sobre el mayor robo de obras de arte sucedido en España, que la ficción no se había imaginado y en la que aparece una presunta espía soviética, que vende al Museo del Prado por una millonada el autorretrato falso de un gran pintor holandés. Aquí tienes un episodio oculto de la posguerra.
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Interiores con Alma es un inspirador libro de diseño de interiores que se centra en crear espacios elegantes, funcionales y alegres en apartamentos urbanos. El libro ofrece a los lectores inspiración para aprovechar al máximo el espacio, mejorar la comodidad e incorporar el estilo personal, incluso en las viviendas urbanas más compactas. Con apartamentos de bonito diseño, destaca soluciones ingeniosas, muebles y distribuciones creativas adaptadas a las exigencias de la vida urbana. Centrándose en el equilibrio entre la practicidad y la estética, el libro también hace hincapié en la importancia de crear un entorno tranquilo y personalizado para contrarrestar el ritmo acelerado de la vida en la ciudad. Un libro ideal para los habitantes de la ciudad que buscan sacar el máximo partido a sus apartamentos, ofrece inspiración para convertir cualquier espacio en un hogar urbano acogedor y feliz.
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El presente volumen reúne una colección de textos procedentes de la obra dispersa de Román Gubern, uno de los más brillantes teóricos de la comunicación audiovisual de nuestro país, centrados en temas relacionados con la imagen y la cultura audiovisual y escritos entre 1981 y 2011, con destino a periódicos, revistas, conferencias, simposios o congresos, catorce de los cuales (es decir, cerca de una cuarta parte de los ofrecidos en este libro) han permanecido hasta ahora inéditos. El volumen está dividido en cuatro apartados: el primero dedicado a teoría e historia del cine, el segundo centrado en el cine norteamericano, el tercero -y más extenso- sobre cine y cultura de masas en España, y el último sobre cultura de la imagen en general y sobre aspectos diversos de las industrias audiovisuales y sus tecnologías. En el período abarcado por esta antología se asistió al nacimiento de la televisión global, a la explosión de las televisiones privadas en Europa, a la despenalización de la pornografía en muchos países occidentales, al tránsito de la imagen analógica a la imagen digital, a la difusión de la telefonía móvil, a la comercialización de la realidad virtual, a la expansión meteórica de Internet y de las redes sociales, al ascenso en el mercado de los videojuegos y a la emergencia de las «tablets» y del libro electrónico. Todos estos temas, y algunos más -como la revolución robótica-, aparecen tratados en algún momento en este corpus heterogéneo de reflexiones, que balizan aspectos fundamentales del tejido cultural en nuestra sociedad posmoderna.
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''Bond, James Bond.'' Desde que Sean Connery pronunció esas palabras inmortales en 1962, el agente secreto más apuesto de la historia del cine ha cautivado y emocionado a espectadores de todo el mundo. Este impecable personaje británico creado por el autor Ian Fleming ha protagonizado 25 películas producidas por EON, interpretadas por seis actores diferentes a lo largo de seis décadas.EON Productions abrió sus archivos de fotografías, diseños, guiones gráficos y materiales de producción a Paul Duncan, quien recopiló este volumen que abarca todas las películas de James Bond, desde Agente 007 contra el Dr. No (1962) hasta Sin tiempo para morir (2021), pasando por la parodia Casino Royale (1967) y Nunca digas nunca jamás (1983).Un tesoro de fotografías, diseños de escenarios, guiones gráficos y notas de producción inéditos que homenajea al legendario Bond, James Bond.
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Billy Wilder ocupa un lugar de honor en el imaginario y la educación sentimental de los aficionados al cine de todo el mundo. Su talento y fantástica versatilidad le permitieron espantar cualquier etiqueta y aportar obras clave en géneros muy diversos: el cine negro (Perdición), la comedia (Con faldas y a lo loco), el drama (El crepúsculo de los dioses), el cine bélico (Berlín Occidente), el romántico (Sabrina), el de intriga (La vida privada de Sherlock Holmes), el de juicios (Testigo de cargo), el de periodistas (Primera plana) o esa clase de películas que carecen de género porque son como la vida (El apartamento).
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Si la memoria es un elemento creativo, que constantemente genera y desmantela semejanzas, en lugar de un mero reconocimiento de lo ya conocido, entonces una gran obra de arte puede siempre parecer extraña, incluso después de un largo periodo en el que el público se ha habituado a ella hasta el punto de la indiferencia: siempre conserva el potencial de convertirse en algo nuevo, extraño y conmocionante cuando es rozada por la memoria creativa. (…) Osip Brik posee un principio rector que le indica siempre de manera infalible qué camino debe seguir: anteponer siempre lo colectivo a lo individual y lo continuo a lo discreto. Michal Mrugalski.Formalismo, productivismo, factografía es una recopilación de los escritos de Osip Brik sobre arte publicados entre los años 1917 y 1944. Los textos han sido seleccionados para ofrecer una visión panorámica lo más amplia posible de las diversas concepciones teóricas del autor, de la evolución de su pensamiento y de su interés por varios géneros artísticos, desde la poesía a la fotografía, el teatro, la pintura, la publicidad, el diseño textil y el cine.
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Aquesta FotoGuia explica amb detall els orígens de la presència grega i romana a Empúries, lloc d'arribada del món clàssic a la península Ibèrica. La puixança d'ambdues ciutats va convertir Empúries en un gresol de cultures. Un recorregut visual, il·lustrat amb les principals peces que allotja el Museu, que permet conèixer la bellesa del Conjunt Arqueològic d'Empúries. Un tresor clàssic al cor de l'Empordà.
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¿Te gustaría incorporar la música en el aula de una manera divertida y educativa? En este libro, Paloma Bravo Fuentes te ofrece un método accesible, práctico y efectivo para aprender a tocar el ukelele, sin necesidad de tener conocimientos previos de música. Pensado especialmente para maestros y maestras de Infantil y Primaria, este libro te enseñará a tocar este instrumento y, lo más importante, te mostrará cómo integrarlo en tu práctica docente de forma sencilla y atractiva. A lo largo de sus páginas, aprenderás a dominar los conceptos básicos del ukelele. Desde cómo elegir el instrumento adecuado para tus necesidades, afinarlo correctamente y leer acordes de manera fácil y rápida. No te preocupes si nunca has tocado un instrumento, ya que este método está diseñado para principiantes, con explicaciones claras y ejercicios adaptados para que puedas tocar canciones en poco tiempo. Aprenderás ritmos y acordes básicos, y descubrirás cómo transformar este aprendizaje en un recurso valioso para tus estudiantes. El ukelele no es solo un instrumento musical, sino una herramienta educativa poderosa. Este libro explora los beneficios pedagógicos del ukelele en el aula, demostrando cómo puede fomentar la creatividad, mejorar el ambiente de clase y fortalecer la relación entre docentes y estudiantes. A través de canciones adaptadas, actividades grupales y ejercicios prácticos, el ukelele se convierte en una vía para dinamizar el aprendizaje, involucrar al alumnado de forma activa y ayudar a que desarrollen su capacidad musical y emocional.
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El presente libro rastrea y compila las posiciones en torno a la idea de lo popular en las obras de Manuel de Falla (1876-1946) y de Béla Bartók (1881-1945) teniendo en consideración tanto las ideas musicales como sus connotaciones políticas.Poner en comparación a Falla y Bartók nos permite observar y describir la máxima distancia posible que con respecto a la cuestión de lo popular se puede encontrar en la música culta del siglo XX. Falla y Bartók son las dos posiciones fuertes más alejadas que ha habido dentro de este campo de juego social. Se reúnen aquí una selección de los textos de ambos autores donde se apuntan o desarrollan las ideas clave sobre el tema y un estudio preliminar que trata de poner esos textos en su lugar histórico.
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Avalancha, el último disco de estudio de Héroes del Silencio, una de las bandas más legendarias de nuestro rock, representó su amarga despedida en la cumbre de su carrera. Un final que ni ellos mismos esperaban y que fue fraguándose a medida que la grabación de su álbum más maduro avanzaba. Producido por el histórico Bob Ezrin (Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper ... ), Avalancha cristalizó la evolución artística y personal de Héroes del Silencio y dejó himnos como ''La chispa adecuadá: ''Iberia sumergidá' o 'J.valanchá'.Los demonios de la memoria de Héroes del Silencio transita desde la reclusión inicial del grupo en la soledad de las montañas de Benasque a la grabación definitiva en Los Ángeles, sin olvidar hacer parada en las canciones inéditas así como en la intensa gira posterior, con una producción y puesta en escena innovadoras. Relatando y analizando minuciosamente, con un estilo directo y ameno, los detalles, anécdotas y circunstancias que hicieron de Avalancha un disco tan fundamental como impactante, este volumen revela su creación.A modo de relato oral, Carlos H. Vázquez une a la perfección sus reflexiones con declaraciones de los principales protagonistas (Enrique Bunbury, Juan Valdivia, Joaquín Cardiel, Pedro Andreu y Alan Boguslavsky) y quienes pivotaron a su alrededor: productores, mánagers, técnicos e incluso algunos seguidores esenciales para entender la mítica que rodeó al grupo. Con las palabras de todos ellos -recogidas especialmente para este libro y otras recuperadas de la hemerotecaconforma un brillante puzle que reconstruye el recorrido de Avalancha, cuando todo estaba dicho y, al mismo tiempo, todo parecía a punto de estallar.
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John Carpenter, es uno de los grandes referentes delcine de terror, sobre todo a raíz de haber filmado latranscendental La noche de Halloween (Halloween, 1978), filme de bajo presupuesto que cambió el subgéneroprotagonizado por asesinos en serie. Pero, este director americano entró en la industria con la intenciónde imitar a Howard Hawks o John Ford, de los cualesrecogió lo mejor de sus recursos técnicos para presentar su propio estilo, un talante único y propio que lo ha servido para enfocar cualquier género como si fuese una película del Oeste. Enfrentando de forma constante con los grandes estudios, el maestro representala figura del outsider que ha sabido exprimir escasos recursos para sacar adelante proyectos que necesitaba de un gran presupuesto, haciendo del minimalismo artístico una virtud. En plena efervescencia alrededorde la cultura retro, Carpenter es un director de culto al que se alude también cuando se habla de la iconografía presente en el arte de los años ochenta, y esadorado dentro del mundo musical ligado a los sintetizadores porque utilizó estas máquinas de un modo original dentro del cine, componiendo sus propias bandassonoras para sortear el hecho de no poder contrataruna orquesta. Siendo ahora un venerable decano, del que se espera que algún día vuelva a la gran pantalla,Carpenter sigue en la brecha dando conciertos de música y promoviendo los cómics de ciencia-ficción que publica su esposa Sandy King.
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La gran historia de una de las mejores y más peligrosas bandas de rock & roll de todos los tiempos. Formada en 1985 en Sunset Strip, el barrio más libertino de Los Ángeles, Guns N' Roses construyó su carrera desde la escena nocturna hasta convertirse en una de las bandas más eléctricas y exitosas de la historia del rock. A lo largo del camino, los elogios también estuvieron acompañados de polémica, mucha polémica... En esta obra, el reconocido biógrafo del rock, Martin Popoff, destripa 40 grandes momentos en la carrera de la banda formada por Axl Rose, Izzy Stradlin, Slash, Duff McKagan y Steven Adler. Popoff habla de su protohistoria, sus conciertos más destacados, los cambios de sus miembros, los proyectos posteriores a la banda, y mucho más... Analiza también sus increíbles álbumes de estudio y ofrece entrevistas en primera persona realizadas ex profeso para el libro con Duff McKagan, Slash y Tommy Stinson, así como con Manny Charlton, el hombre que produjo las primeras demos de la banda. Todo esto y mucho más... Welcome to the jungle, baby!
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José Luis Garci ha seleccionado sus 19 obras maestras del cine del siglo XXI y ha encargado a varios especialistas de prestigio queden su visión de ellas. Se ha encargado también de la iconografía del libro.
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La intervenció de Josep Maria Jujol als edifcis d'Antoni Gaudí va marcar un abans i un després en l'obra gaudiniana de manera decisiva. El fill de Jujol, Josep Maria Jujol junior, en aquest llibre, retrata les relacions personals i artístiques dels dos genials arquitectes al llarg dels 20 anys de col·laboració, iniciada a la façana principal de la Casa Batlló, el 1906, i que va acabar de forma tràgica per la mort accidental de Gaudí el 1926. Gràcies al seu treball de recerca tant de fonts directes (el seu pare mateix, entrevistes amb ajudants i deixebles de Gaudí...) com documentals, pot assenyalar i posar en valor les intervencions determinants de Jujol en l'obra de Gaudí, i per les quals (grafismes d'enèrgica vibració, «tempesta cromàtica» de gran potència i lirisme, avantguardistes collages en el trencadís...) s'identifiquen avui moltes creacions de Gaudí.
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Barcelona tiene una historia de imágenes que se escondieron en su momento y que nunca salieron a la luz porque no convenía difundirlas. Hablamos de cosas prohibidas, actos que oficialmente no existieron, acontecimientos que quedaron silenciados en lo
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