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Libros de Arte, Cine y Música
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El territori valencià conserva una gran varietat d'espais d'elevat valor ambiental, cultural i paisatgístic, en els quals podem trobar una flora i una fauna caracteritzades per la riquesa i la diversitat. Amb un text didàctic i unes fotografies espectaculars, Espais naturals. Terres interiors valencianes pretén contribuir a la divulgació d'aquest patrimoni. El primer volum d'Espais naturals mostra les serres o els massissos muntanyosos més representatius de l'interior valencià. Territoris extensos encara sense urbanitzar on han predominat, fins fa poc, les activitats pròpies de la societat tradicional i on es fonen, de manera subtil i harmoniosa, l'entorn físic i els elements culturals.
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Cómo plasmas la atmósfera de un cuadro concentrándose en el tipo y dirección de la luz: desde escenas intensamente iluminadas hasta edificios al anochecer. El estudio de la forma y el tono, y el planteamiento de la composición, explicados por medio de la realización paso a paso de tres obras.
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Un protagonista que es eterno, un hombre que viaja por el tiempo y el espacio descubriendo los lugares más bellos y también los más oscuros del universo. Nada escapa a su fantástica TARDIS y a la imaginación de sus guionistas.Eso y sus actores, villanos, sus fantásticas aventuras, su destornillador sónico y todo lo que sucedió desde 1963 hasta ahora ha hecho de ella un hito de la televisión.William Hartnell solo fue el primer Doctor, después vinieron muchos hasta la entrada de Tom Baker que por años fue el más conocido. En 2005 la serie volvió a vivir, pero hay mucho por contar antes de ese momento.Adéntrate en una historia que empezó en los sesenta y parece no tener fin.
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Fernando Botero es un artista con estilo propio. Durante más de seis décadas, la técnica del boterismo colombiano ha fascinado a coleccionistas, instituciones y espacios públicos de todo el mundo por su visión exagerada, rolliza y singular del cuerpo humano. A través de sus corpulentas creaciones, Botero se ha convertido en uno de los artistas más reconocidos de Latinoamérica, y sus obras se han expuesto en algunos de los lugares más emblemáticos de todo el mundo, como la Park Avenue de Nueva York y los Campos Elíseos de París. Esta edición de la serie Basic Art de TASCHEN ofrece una introducción esencial a esta destacada figura del arte contemporáneo. El libro, que recorre la obra de Botero desde sus primeras caricaturas de animales hasta las últimas esculturas en bronce a gran escala, analiza las diversas influencias del artista, de Paolo Uccello al expresionismo abstracto, y rinde homenaje al ingenio, la ironía, la perspicacia y la agudeza crítica que se ocultan tras las proporciones absurdas de sus composiciones.
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De su encuentro con Lajos Boros surgió el impulso para una didáctica del arte basada en los ''recursos pictóricos'', materia sobre la que escribió el libro ''Pintura y dibujo de 1º a 8º curso escolar''. Imparte cursos de perfeccionamiento dirigidos a profesores y padres, aconseja a maestros e iniciativas educativas ysociales en Europa, India, China, Centroamérica y Sudamérica. A partir de estos encuentros e investigaciones, desarrolló un nuevo impulso para el Diseño de Formas.
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* Un manual contemporáneo para navegar por el fascinante mundo del color, que es una de nuestras señales visuales más poderosas, pero es mucho más que simplemente lo que vemos. * Artistas y diseñadores saben que una utilización adecuada del color puede realzar la sensación o el mensaje que intentan transmitir. * Con reseñas de cien colores -los icónicos, los inusuales y los innovadores- le cambiará para siempre la forma en que ve, piensa y utiliza el color. Descompone los conceptos fundamentales de la teoría, la psicología y la tecnología del color en pequeños apartados, con historias resumidas que revelan la importancia histórica y contemporánea de cada color. Introduce ejemplos inspiradores del arte y el diseño de distintas épocas e incluye consejos para elegir colores de forma inteligente y sostenible para cualquier aplicación.
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Mujeres artistas. Ensayos de Linda Nochlin reúne treinta ensayos esenciales de la historiadora contemporánea más sagaz y provocadora publicados a lo largo de su carrera, entre los que se cuentan dos realizados específicamente para esta colección y una entrevista en la que repasa su trayectoria académica y reflexiona acerca del papel de la mujeres en el arte actual. Se trata pues de la antología definitiva de Linda Nochlin sobre teoría feminista y arte creado por mujeres.Entre los escritos seleccionados por Maura Reilly destacan un hito de la teoría feminista: «¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?», de 1971, junto a otros ensayos seminales: «Mujeres artistas después de la Revolución francesa» o «Partiendo de cero. Los comienzos de la historia del arte feminista». Para completar el enfoque teórico, el volumen contiene diversos estudios consagrados a importantes artistas modernas, como Artemisia Gentileschi, Berthe Morisot o Mary Cassatt, y contemporáneas, como Jenny Saville, Kiki Smith o Sophie Calle, entre muchas otras.
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El trabajo de Gilles Deleuze y Félix Guattari ha sido siempre inspirador para arquitectos y teóricos de la arquitectura, pero, de forma generalizada, no ha sido bien entendido. La colaboración de Deleuze y Guattari produjo, entre otras obras, El Anti Edipo: Capitalismo y esquizofrenia. El libro se asoció con el espíritu de las revueltas estudiantiles de 1968. Sus ideas promueven la creatividad y la innovación, y su trabajo abarca muchos campos. Su mirada sobre la filosofía, la política, el psicoanálisis, la física, el arte y la literatura ha cambiado nuestras percepciones sobre todo lo que se ha cruzado en su camino. Al tomar contacto con sus ideas, la arquitectura se convierte en parte de un entramado vital, enredada en las cosas que pensamos y hacemos.Este libro es una introducción perfecta para cualquiera que desee iniciarse en el pensamiento de estos autores y que esté interesado en el cruce entre arquitectura y filosofía.
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Fa més d’un segle, les pintures romàniques de l’absis de l’església de Santa Maria de Mur (Pallars Jussà) van ser arrencades i venudes als Estats Units, d’on no han tornat mai més. Aquest esdeveniment va suposar un punt d’inflexió en la preservació i la protecció de l’art a Catalunya, ja que, per evitar més casos com el de Mur, el Govern de l’època va ordenar arrencar la resta de pintures murals romàniques del Pirineu i d’altres zones del territori i les va dipositar a l’actual Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). ''Mur al descobert'' narra els fets de la redescoberta de les pintures i la seva arrencada i venda posterior. Tot de la mà de deu dels seus protagonistes: quatre excursionistes científics, un d’ells l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner, el president de la Mancomunitat, Enric Prat de la Riba, el col·leccionista Lluís Plandiura i Pou, Josep Farràs i Serradell, el mossèn que va vendre les pintures, els Steffanoni, els italians que van fer l’arrencament, Arthur Fairbanks, el llavors director del Museu de Boston, i Joaquim Folch i Torres, que va endegar la campanya de salvament.
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En esta nueva entrega de Anatomía artística, el profesor de dibujo anatómico Michel Lauricella nos invita a abordar el arte del retrato.Con su habitual enfoque sintético, este nuevo volumen nos adentra en el estudio de cabeza y cuello a partir de la observación de las proporciones, las formas sintéticas, las referencias óseas, la musculatura y los pliegues de la piel, además de brindarnos algunos consejos para dibujar pelo, barba y vello.Más de 300 dibujos y esquemas originales, complementados con una selección de rostros de los otros volúmenes de la colección. Una completa representación de las distintas morfologías, mestizajes y etapas vitales que nos permitirán abrazar la compleja realidad del retrato y ser capaces de plasmar la singularidad de cada persona.
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Bizarre Columns es un manifiesto sobre columnas que reivindican el protagonismo en la arquitectura de lo extraño, lo excepcional, lo osado, lo atrevido... lo bizarro.Bizarre Columns nació hace unos años como una colección digital de aquellos proyectos que utilizan columnas de maneras extrañas en proyectos olvidados o repudiados en facultades de Arquitectura de medio mundo.Comenzó como un TUMBLR, luego una cuenta famosa de Instagram y ahora se ha convertido en este libro ilustrado.
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Un manual básico de aplicación y legislación, una obra de consulta segura y completa, actualizada y ampliada, para facilitar el trabajo de los profesionales del sector.«… no voy a prestar oídos a quien afirmare que el arquitecto debe de ser persona entendida en leyes, por el hecho de que en el transcurso de su trabajo ande de por medio la legislación concerniente a la traída de aguas, el establecimiento de las lindes o el anuncio de las obras. Bastará con que no construya en terreno público o en terreno ajeno, que no quite la luz a nadie. No permitirá que sus obreros infrinjan la ley con los canalones, con la acometida del agua, con el paso por terreno privado...».Estas palabras del gran Leon Battista Alberti expresan con exactitud la intención de este libro: ofrecer al técnico una herramienta asequible para no sucumbir bajo la enorme cantidad de disposiciones legales con las que se encontrará durante su ejercicio profesional. Porque, en efecto, conseguir no dejar problemas legales tras una intervención inmobiliaria ya es todo un reto en el panorama legislativo actual.Este trabajo se ofrece al lector por primera vez de forma independiente, tras muchos años de editarse junto a El Arquitecto Práctico, y se ha aprovechado la ocasión para ponerlo al día, revisarlo y ampliarlo en gran medida. Supone, en suma, un verdadero concentrado de legislación, extractando en concreto todo aquello que pueda afectar al trabajo del profesional inmobiliario y de la forma más sencilla posible. Y este esfuerzo de concisión no resta a su contenido, sin embargo, un ápice de rigor y precisión, es más, se ha buscado facilitar siempre la consulta de la fuente original, para aquellos casos que requieran un alcance más amplio.Propiedad inmobiliaria para profesionales está destinado a ser, en definitiva, un instrumento básico en cualquier gabinete inmobiliario, y como reza en su portada, no sólo para arquitectos. Ingenieros, aparejadores, promotores, abogados, etc.: todos los profesionales del inmueble tienen aquí la obra de consulta segura y completa que mejor puede acompañarles.
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En 2016 el Museo Picasso de Barcelona adquirió el fondo fotográfico de Lucien Clergue relativo a Picasso: cerca de seiscientas fotografías en blanco y negro a las sales de plata, todas ellas copias de época. Este libro presenta, en forma de crónica, una selección de este conjunto: la narración en imágenes que Clergue hizo de Picasso a lo largo de numerosos encuentros que tuvieron lugar en el sur de Francia, donde ambos vivían.Picasso-Clergue es a su vez un álbum de familia y el diario de una amistad.Edición en francés.
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París a través de las Óperas que la han recreado: La Traviata, La Bohème y otras obras clásicas.La llegada del realismo, a mediados del siglo XIX, pondrá en el foco el mundo vigente, que así se irá abriendo paso a duras penas en un fenómeno artístico, el de la ópera, tradicionalmente abonado al pasado histórico, al exotismo ultramarino y a la fantasía. París, ciudad que ya encarnaba entonces el mito de la modernidad, se convertirá en escenario predilecto del espectáculo operístico, cada vez que este se atreva a representar la sociedad contemporánea. Y lo hará siempre con una marcada preferencia por lugares muy señalados, por espacios fronterizos propicios a la transgresión y a los contrastes, configurando de este modo un rico mapa de la ciudad que este libro recorre a través de obras emblemáticas de la historia de la Ópera, como La Traviata o La Bohème.
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La denuncia de Bob Dylan. La nostalgia de Rocío Jurado. La soledad según los Beatles. Los hechos reales que inspiraron a Nirvana y The Cranberries y las leyendas inventadas sobre Silvio Rodríguez y Luis Eduardo Aute. Las disputas de Oasis. Leonard Cohen y Enrique Morente unidos por García Lorca. Una historia de amor de Joan Baez, otra de Joaquín Sabina. La malinterpretación de Bruce Springsteen. Las coplas de Carlos Cano, Concha Piquer y Joan Manuel Serrat. El suicidio de Alfonsina Storni en la voz de Mercedes Sosa. Y mucho más.Hasta donde le alcanza la memoria, Jorge Decarlini siempre quiso escribir palabras para ser cantadas, pero tuvo que conformarse con escribirlas para ser leídas: el músico frustrado devino en escritor. De ese deseo incumplido surge esta declaración de amor y curiosidad hacia el delicado arte de ponerle palabras a una melodía. Decarlini desmiga veinte canciones emblemáticas, les aporta contexto, identifica referencias, deshace mitos y malentendidos, descubre secretos, valora prosodias, les aplica la ciencia de la métrica de la poesía, escarba en entrevistas y hemerotecas, y de cada letra construye una pieza precisa de arqueología social y mitomanía melómana. Un libro para escuchar en el sofá, mientras lees canciones. «Igual que cada persona tiene una historia que contar, cada canción tiene la suya. Gracias a este libro divertido y sorprendente podemos conocer íntimamente 20 canciones, su biografía y su árbol genealógico», Leonor Watling
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En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad.Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico.En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.
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Lino Tagliapietra has been described as the world’s greatest glassblower, a figure born from the five-hundred-year-old culture of Venetian glass, but one who also revolutionized glass as a discipline, inventing new techniques to create his masterful works. Even more astonishing, as Tagliapietra hit his full stride, he has become a notable figure in the unfolding story of modern sculpture – an artist whose distinctive works are coveted by collectors of contemporary abstract art and whose vision makes us think about art history in new and profound ways.
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La exposición Tina Modotti(Údine, 16 de agosto de 1896-Ciudad de México, 5 de enero de 1942) recupera la figura de esta artista a la que se ha venido conociendo paulatinamente desde la década de 1970. Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza por vez primera una reconstrucción sin fisuras de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista. Gracias al extenso trabajo de investigación de la comisaria de la muestra, Isabel Tejeda, y debido a la escasa producción de la fotógrafa, la exposición que hoy presenta Fundación MAPFRE reúne alrededor de 240 fotografías a lo largo de un recorrido cronológico que se divide en cuatro secciones. Se exponen en su mayoría copias de época y una extensa muestra de material documental. Además, se presentan obras de fotógrafos de su entorno cercano como Edward Weston, así como una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.El catálogo de la exposición recoge las fotografías y material documental expuestos, además de los ensayos de la comisaria Isabel Tejeda y diversos autores, Jorge Ribalta, Rosa Casanova, David Caliz, Laura Branciforte, Claudio Natoli, Eva M. Vives.
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EMI fue el motor de la carrera de bandas y solistas tan míticas como Beatles, Pink Floyd, Kate Bush, Blur, Radiohead, Spice Girls y otros muchos. Pero en 2007, a merced de la revolución digital, experimentó una crisis sin precedentes, desde su fundación en 1931, que la dejó al borde de la extinción. Para entonces, la más veterana de las multinacionales discográficas y una de las cuatro grandes discográficas globales, EMI, necesitaba desesperadamente ventilación asistida, y Terra Firma se la dio: el fondo de buitre adquirió la discográfica por 3.600 millones de euros.Sin embargo, la empresa no pudo hacer frente a los numerosos créditos de los acreedores, y tuvo que desaparecer tres años más tarde.
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* 456 temas de leyenda en la obra de uno de los artistas más significativos de la historia del pop, desde su primer single ''Liza Jane'' bajo el nombre de Davie Jones with The King Bees en 1964, hasta su álbum testamento [Blackstar], publicado el 8 de enero de 2016, dos días antes de su muerte. * Rainbow Man, Ziggy Stardust, The Thin White Duke o Nathan Adler. Aunque David Bowie siempre supo ocultarse detrás de numerosos personajes y convertirse en el camaleón del pop británico, el mundo entero conoce sus éxitos atemporales. * Desde ''Space Oddity'' a ''Changes'', de ''Young Americans'' a ''''Heroes'''', pasando por ''Let's Dance'' y ''Absolute Beginners'', todos tenemos al menos un recuerdo vinculado a estas canciones. Todo un maestro en el arte de disimular referencias en unos textos accesibles o insondables, el cantante de las mil caras desgrana guiños en toda su discografía, una de las más excepcionales de su siglo. Bowie siempre se adelantó a sus contemporáneos: su composición, sus métodos de grabación, la elección de sus colaboradores (Mick Ronson, Tony Visconti, Brian Eno), son una demostración de su genio musical.
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Libro ilustrado que permite introducirse en el departamento de arte de Lucasfilm, encargado de crear mundos fantásticos, personajes inolvidables y criaturasinimaginables. Desde el inicial fichaje de artistasy diseñadores de producción en la sede central de Lucas pasando por los Pinewood Studios hasta la fase depost-production en Industrial Light & Magic. Todo con un acceso sin precedentes. Incluye entrevistas exclusivas al equipo creativo que ha hecho realidad la visión del director J.J. Abrams.Lleno de cientos de impresionantes imágenes de los trabajos de arte (decorados, borradores conceptuales, storyboards...), es una fiesta visual para los fans de Star Warsy los futuros cineastas. El Arte de Star Wars: El Despertar de la Fuerza es la expresión definitiva de cómo el último y esperado capítulo de la saga ha sido concebido. Los autores son testigos de excepción. Phil Szostak, trabajó como archivista de imagen en LucasFilms desde 2012 hasta el fin de la producción de la nueva película. Rick Carter, también partedel equipo de Lucas, es un reputado diseñador de producción, ganador de dos Oscars de Hollywood.Título original: The Art of Star Wars: The Force Awakens.
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Explore la vibrante historia y la profunda resonancia cultural del arte feminista de Corea y la diáspora.El libro de la reconocida curadora y académica Dra. Kim Hong-hee es el primero en profundizar en el impacto de las artistas feministas coreanas en el panorama cultural del este de Asia.Este estudio visual sin precedentes celebra el trabajo de 42 artistas contemporáneas, desde estrellas en ascenso hasta nombres mundialmente reconocidos, incluidos Theresa Hak Kyung Cha, Kyungah Ham, Kimsooja, Lee Bul, Mire Lee, Minouk Lim, Haegue Yang y Yun Suknam.Organizado por temas que incluyen política queer, ecofeminismo, diáspora y abstracción, Korean Feminist Artists presenta obras de arte que abarcan pintura, escultura, fotografía, cine, video, instalaciones, artesanías y performance. A través de ricas imágenes y textos, el libro explora la búsqueda de estas artistas pioneras por la igualdad social, cultural y sexual, desde sus confrontaciones con el establishment artístico dominante hasta la importancia de sus intervenciones estéticas y políticas.Ricamente ilustrado con casi 260 imágenes bellamente reproducidas y finalizando con un ensayo personal y estimulante de la influyente poeta surcoreana Kim Hyesoon, este estudio vital y oportuno revela el impacto de las mujeres artistas en la cultura coreana en general.
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Un libro revolucionario de un pensador revolucionario para todas aquellas personas interesadas en la música, en las ciudades y en hacer de nuestro mundo un lugar mejor.La ciudad donde quiero estar analiza de forma accesible la relación de la música con las ciudades. No se trata de la influencia que los entornos urbanos tienen en la música, sino del poderoso impacto que esta puede tener en cómo se desarrollan, construyen, gestionan y gobiernan los espacios en los que vivimos. Shain Shapiro, experto en políticas musicales y culturales, a través de sus trabajos en ciudades de todo el mundo —como Londres, Melbourne, Nashville, Austin o Zúrich—, adopta una perspectiva global sobre las formas en las que la música es parte integral de la vida cotidiana pero es descuidada por las políticas públicas.Este libro examina el poderoso impacto que la música puede tener en nuestras ciudades y constituye una caja de herramientas para reinventar las comunidades.
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La música es uno de los patrimonios más valiosos y decisivos de la cultura occidental. Conocer sus raíces nos conduce al origen de un arte tan profundo como enigmático, y a familiarizarnos con nuestro propio pasado como civilización. La idea que preside la presente obra, original y única por su naturaleza, es ofrecer al lector la historia y evolución de los instrumentos musicales desde la Antigüedad hasta el meridiano del siglo xviii, instrumentos que han sido y son trascendentes para el devenir de la música.Prologadas por John Eliot Gardiner, estas páginas son un verdadero rescate en el que muchos compositores y obras de primera magnitud, constructores de instrumentos y teóricos que dieron el mayor esplendor al bien llamado arte de las Musas, se erigen como protagonistas de un inigualable tesoro cultural. Este valioso diccionario, que ofrece una ingente información, cuenta, además, con unos detallados apéndices que muestran la relación entre música, pintura y literatura. Una obra de referencia imprescindible para los amantes de la música que, además, incluye no sólo la presencia de instrumentos cultos, sino también los folclóricos, que han contribuido a ese inestimable bien de los pueblos que es la música.
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Fascinantes, enigmáticos, inquietantes, hipnóticos incluso, los desiertos son lugares de extremos. Del Sáhara al desierto de Gobi, de Atacama a los desiertos rojizos de Australia, descubra estos grandes espacios y deje que su imaginación se pierda en la infinita belleza del espectáculo.
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Este libro ofrece una fotografía de España a través de sus ciudades más importantes: Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Oviedo, A Coruña, Santiago, Santander, Granada, Toledo y Palma. La belleza de sus monumentos, plazas, jardines y museos se complementa con textos sobre la historia, el arte y la gastronomía.
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A lo largo de la historia, la humanidad ha creado decenas de miles de instrumentos musicales. Sin embargo, la filosofía ha desatendido este campo de estudio. Aceptando el desafío que representa un estudio filosófico del tema, Bernard Sève demuestra e
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La obra de Richard Wagner es fuente de continua inspiración artística y de controversia ideológica, tanto en literatura y filosofíacomo en las artes visuales, además dela música. El cine no es una excepción. En esta obra un grupo de historiadores c
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Catalunya és una nació plena d història, escenari de fets importants en el vell continent europeu, lloc per on han passatdiferents civilitzacions i cultures, que han deixat una empremta palpable en la nostra geografia. El llibre que el lector téent
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El presente libro se ocupa de la creación musical en uno de los periodos más fértiles y populares de su historia, el que va del Congreso de Viena en 1815 a la irrupción de la modernidad en los años noventa del siglo. A lo largo de sus capítulos, el autor traza una compleja red de relaciones en las que están implicados compositores, intérpretes, editores, tradiciones orales, el público (o, mejor, los públicos), ciudades y naciones. Entre los temas a los que dedica especial atención se cuentan la implicación de la clase media en el ámbito musical, el rico pero esquivo concepto de Romanticismo, el culto al virtuosismo interpretativo y el equilibrio, en continua transformación, entre intereses musicales y comerciales. Todo ello pone de relieve, frente a visiones reduccionistas y simplificadoras, la naturaleza poliédrica y la riqueza de análisis de una época sin la que no podríamos entender el modo en que hoy concebimos la práctica y el consumo de música.
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En Madrid, en los años noventa, coincidieron una serie de nombres que conformaron una generación de jóvenes artistas flamencos. Herederos de dinastías gitanas, los Carmona, los Heredia o los Carbonell se relacionaron con artistas plásticos como Ceesepe, Ouka Leele, Alberto García-Alix, Barceló o Mariscal. Fue una explosión creativa que revitalizó el final de la llamada movida madrileña -en su aspecto plástico- con la corriente musical de un flamenco mestizo, abierto a otras músicas, aunque sin perder el patrón de origen. A partir de un cuadro de Barceló que se utilizó como portada para el último disco de Camarón, Montero Glez va revolviendo el pasado hasta llegar a los orígenes de una música donde el ritmo flamenco se fusiona con otras melodías, una fusión que se daría a conocer a finales de los años sesenta cuando el guitarrista flamenco Sabicas, exiliado en Nueva York, graba con el guitarrista eléctrico Joe Beck el disco Rock Encounter. Este trabajo marcará el inicio de una música que finaliza treinta años después con la grabación del disco Omega por parte del cantaor Enrique Morente. Escritas desde la primera persona, las páginas de La imagen secreta son, entre otras muchas cosas, un paseo por las calles del Madrid secreto y el relato de la desconocida historia del movimiento Jóvenes Flamencos que tuvo su hegemonía durante los años noventa.
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En 2019 fue elegida miembro de la Academia de Bellas Artes de Francia y nombrada directora de los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid.Ciudadana del mundo nacida en Granada y pionera de la danza contemporánea, Blanca Li es una artista total. Bailarina, coreógrafa, directora de su propia compañía, realizadora cinematográfica y gestora cultural, con 17 años se fue a Nueva York, donde estudió danza contemporánea con Martha Graham. En esa ciudad conoce las danzas urbanas, entre ellas el hiphop , que llevará a escenarios de todo el mundo en obras propias, pero también en clásicos como El cascanueces.Esta conversación con el periodista Luis Martínez nos acerca a sus creaciones, aventuras artísticas que mezclan la danza con las artes plásticas, el videoarte, el cine, la moda, la realidad virtual y la robótica. En todas ellas ha perseguido la perfección, al tiempo que plantea al público, a veces desde el humor, una reflexión sobre temas que se inspiran en su propia biografía y en la actualidad, como el cambio climático o la convivencia entre humanos y máquinas.• Una mujer rompedora y avanzada a su época.• En todos sus espectáculos ha apostado por la multiculturalidad y la mezcla de estilos y géneros.
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«Hay que hacer camino ignorando todo lo que sabemos, para tener -al menos- la oportunidad de conocernos un poco más. El cuerpo no es sólo un medio ni un instrumento: es el objetivo.» Ante la incertidumbre y el miedo a lo desconocido, Andrés Corchero propone la modestia: aceptar que no sabemos hacia dónde debemos ir y confiar. Así aparece la intuición y nos indica el camino para seguir adelante. Este bailarín, coreógrafo y docente, que ha dejado una impronta imborrable en la cultura coreográfica de nuestro país, tuvo que marcharse a Japón para encontrar a sus maestros, Min Tanaka y Kazuo Ohno, con quienes aprendió a bailar arraigado en el cielo tanto como en la tierra y se hizo consciente de la constante mutabilidad del paisaje y de la vida incluso más allá de la muerte.
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El mètode Albert Serra segons Jaume C. Pons Alorda. «Caos. Descontrol. Desorganització. No planificació. No forçar. Improvisar i enregistrar aquesta lassitud. El punt bàsic de viure en la crisi constant, el desordre absolut. Qualsevol cosa pot passar en qualsevol moment, per tant cal estar atent sempre. No hi ha talls. No hi ha principi ni final. Des del primer dia es filma tot. Els no-actors haurien d’estar caracteritzats i a punt sempre. No són actors, són titelles. No hi ha interpretació sinó creació. Una personificació. I obeeixen la crueltat de la dictadura de l’art fins a les màximes conseqüències. Tals són les ordres del gran magnànim Serra. I això és perquè l’art exigeix sacrificis.» És a l’Albert Serra que hem d’agrair l’encert d’encarregar a Jaume C. Pons Alorda aquest magnífic writing of de la pel·lícula Història de la meva mort, guardonada amb el Lleopard d’Or al Festival de Locarno i reconeguda com una de les millors pel·lícules de l’any per The New Yorker, que també destaca la interpretació de Vicenç Altaió en el paper de Giacomo Casanova.
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Esta Historia del cine de Román Gubern, aparecida en 1969, ha sido traducida y repetidamente editada, en versiones sucesivamente revisadas, convirtiéndose en un clásico, utilizado como texto docente en muchas universidades, como obra de consulta o como relato ameno de la historia del nacimiento de un nuevo arte y medio de comunicación que se ha convertido en un lenguaje artístico novedoso, un imaginario colectivo, un moldeador de costumbres sociales, un medio de propaganda ideológica y una forma de entretenimiento masivo. En ella se describe la historia de un espectáculo popular que nació como una derivación de la instantánea fotográfica, creció en barracas de feria o espectáculos de music hall y llegó a convertirse en fábrica de sueños en templos de mármol y suntuosos cortinajes, para recluirse luego en minisalas, pantallas de televisión o soportes informáticos. El libro describe tanto su evolución estética como su evolución técnica y sus implicaciones socioeconómicas e ideológicas. Agente activo de propaganda política, supo entablar un fructífero diálogo con los movimientos de vanguardia del siglo XX e inscribirse en las revoluciones estéticas e intelectuales desarrolladas a lo largo de más de un siglo. Pero de su cantera imaginativa surgieron también historias de aventuras en parajes exóticos, dramas amorosos, sátiras del poder político o económico, gestas heroicas y tenebrosas intrigas criminales. Por no mencionar sus arquetipos de atractivo erótico y sus modelos de seducción, que influirían en los gustos de las masas.
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Un libro inteligente y ágil, queprofundiza en lascomplejas relaciones entre moral y ficción, que vuelven a estar –o acasonunca han dejado de estarlo– en el centro del debate.¿Hay arte moralmente condenable? ¿O es el arte inmune al juiciomoral? Las respuestas más socorridas que se ofrecen en la esfera públicaa estas cuestiones parecen acorralarnos para que elijamos entre lasopciones de un solemne dilema. O bien se reclama la suspensión total deljuicio moral acerca de la obra de arte o bien se mimetiza el veredictopropio del derecho penal: culpable o inocente.En esteensayo, PauLuque sostiene que ese es un falso dilema. El juicio moral es máscomplejo y desordenado de lo que esas dos posiciones dan a entender. Laobra de Nick Cave, la Lolita de Nabokov y El mar, el mar, de Iris Murdoch, hilos conductores de este libro, sugierenque eljuicio moral más fecundo es el que se encarama a la imaginaciónliteraria, no aquel que busca la absolución o la condena. Al mismotiempo, y sobre la base de la comparación entre las escenas clave deIrreversible de Gaspar Noé y La pianista de MichaelHaneke, tiene sentido hablar de arte moralmente indecente. La diferenciaque mediaría entre el arte imaginativo y el arte indecente es la mismaque mediaría entre la narración imaginativa de personajes abyectos y lanarración abyecta de personajes imaginados.El ensayoexploratambién otras cuestiones relacionadas con la imaginación: cuál es ellugar que deberían ocupar los literatos y artistas en los periódicos ymagacines por qué cultivar la imaginación literaria es una manera deimpugnar un cliché misógino cómo podemos entender mejor qué es el podercuando lo imaginamos o de qué modo la tan idolatrada e invocada empatíapuede esconder intenciones innobles.Un librointeligente y ágil,que profundiza en las complejas relaciones entre moral y ficción, quevuelven a estar –o acaso nunca han dejado de estarlo– en el centro deldebate.
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