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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Con Ceremonia de despedida, Marcelo Rioseco regresa a una escritura de orden metafísico, la cual sigue el hilo conductor de libros anteriores respecto a temáticas concernientes a la extranjería, donde se produce un desdoblamiento del hablante lírico por su condición de inmigrante radicado en Oklahoma, Estados Unidos. A partir de dicha irradiación surgen libros como La vida doméstica (2016) y Olivia en los suburbios (2020), por citar solo dos de sus últimas entregas. El poema que da inicio al volumen, es una clara muestra de ello y se titula, “También son extranjeros”. Allí escribe: “Para el desterrado no hay patria ni casa / ni forma de regresar. / Se ha caminado / demasiado y todas las ciudades se parecen”. Sin embargo, el poeta tiene un lugar en el mundo, y ese lugar es el lenguaje y Rioseco lo utiliza de manera maestra. Su país natal es la metáfora de lo que ya no se puede asir, y a la vez, se desmorona y linda con lo fantasmagórico, características propias de nuestra época. Por lo mismo, su obra es actual y nos podemos leer en ella. En “Regresar a la patria”, escribe: “Regresar a la patria, / arrastrando otro país a cuestas, sentados ahora alrededor de una mesa / rodeados de extranjeros”.La poesía de Marcelo Rioseco, en estas páginas, nos invita a reflexionar sobre la muerte, lo filial, dios y, finalmente, la existencia. Su mirada es incisiva y aguda, dejando en el lector más interrogantes que respuestas. Esto resulta singular, pues constituye, a fin de cuentas, el trasfondo de todo lo metafísico.
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Todos cargamos con sombras, pero también con ganas de volar, y con la esperanza de regresar siempre a un lugar de calma. Sombras, vuelo y regreso recoge vivencias tan intensas como cotidianas: el desgarro de la pérdida, la fuerza de reconstruirse, la reconciliación con uno mismo y con los demás. Aunque nace de la experiencia personal de su autora, cada página se abre para cualquiera que haya amado, perdido, recordado o vuelto a empezar. Es un viaje vital, imperfecto y luminoso, que recuerda que incluso en lo roto puede crecer belleza... porque hasta el mar más profundo guarda su orilla.
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Cómo lavar un corazón, premio T. S. Eliot de Poesía ‒considerado «el más codiciado de los premios de poesía» que se concede en Gran Bretaña‒ es el primer libro de Bhanu Kapil que se traduce al castellano. Andrew McMillan, poeta y miembro del jurado, dijo que «se trata de una obra única que ejemplifica cómo la poesía puede ponerse a prueba y rehacerse para dar cabida a verdades incómodas e irresolubles».Escritora británica de ascendencia india, en sus libros tanto si explora el racismo, la violencia o las experiencias de la diáspora, lo que emerge es una forma de decir lo que parece casi imposible de expresarse: «una literatura que no está hecha de literatura».En Cómo lavar un corazón ahonda a lo largo de cuarenta poemas ‒divididos en cinco partes‒ en las experiencias de una inmigrante acogida en la casa de una pareja de raza blanca, liberal y de clase media. En sintonía con la angustia, la ansiedad y las humillaciones que soporta una persona exiliada en situación precaria ‒el síndrome del «corazón roto»‒, Kapil explora cómo la hospitalidad puede rozar la hostilidad, y deja al descubierto la vacuidad de la inclusión y el cuidado. Cada poema refiere a un episodio, un acontecimiento, en la vida de la inmigrante, una respuesta emocional y tensa a un exceso o a la transgresión de su anfitriona.«¿Es poesía?» «No», respondió Kapil. «Es lo que desgasta el cuerpo mientras se escribe o se vive».
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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«Depestre es un auténtico poeta o, por decirlo al estilo antillano, un auténtico maestro de lo maravilloso: ha logrado inscribir en el mapa existencial del hombre lo que hasta entonces no figuraba en él: los límites casi inaccesibles del erotismo feliz e ingenuo, los límites casi imposibles de una sexualidad tan desenfrenada como paradisíaca... Con asombro y ternura, imagino hoy a este poeta negro, con la cabeza llena de locas fantasías eróticas, atravesando el desierto comunista donde reinaba entonces un puritanismo inverosímil y donde la más mínima libertad erótica se pagaba terriblemente cara». Milan Kundera.
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Velarte es el primer libro de poesía de Carlos Bonnín. En él se traza un recorrido desde la pérdida hasta su superación, transitando el recuerdo y la memoria. Se abordan temas universales como la amistad, el amor, el olvido, el sexo, la muerte o la crítica social, utilizando un lenguaje simple y directo, priorizando la sinceridad. Son visibles tanto influencias del folclore andaluz como inspiraciones provenientes de la literatura contemporánea. En este texto podrás encontrar desde una lírica melancólica hasta una poesía mucho más soñadora y optimista, este contraste se acentúa con el transcurso de la obra, pues se propicia un ambiente solemne similar al que se experimenta al enfrentarse a un duelo.
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Publicat per primer cop el 1983, No hi érem acull uns quants dels molts sonets que Enric Casasses va escriure del 1983 al 1988. Amb motiu d'aquesta reedició, l'autor ha confessat: «Són els anys pitjors de la meva vida, quan dia sí dia també m'havia d'empassar llàgrimes amargues, amb l'esperança desfeta en dolor, el país embarrancat als rocs, el món abocat a la catàstrofe i ma casa feta un continu camp de baralles, mentre l'amor em propinava els seus mastegots més terribles i la meva consciència no era sinó estupor i inconsciència, que enrere no m'hi veia i endavant no podia, torturat pels diables de l'amor, del sexe, del diner, del reuma, de la droga, de l'art i de dins de l'ànima... Aleshores, d'amagat de mi mateix, em vaig posar a escriure com un desesperat un sonet darrere l'altre, fent encabir mals, penes i dolors en el motllo dels catorze versos amb un català alhora preindustrial i fabril, parlat i escrit, escalenc i barceloní, vallfogonesc i telegràfic...».
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Noviembre es el segundo poemario de María Regla Prieto, tras Diario de Babel que tan buena acogida tuvo entre sus lectores. Este canto al amor, a la infancia, a los recuerdos, a lo que fue, y a lo que pudo ser y no fue, está dedicado al padre de la poeta, Joaquín. Una vez más, la poesía nos redime del intenso dolor y de la soledad en la que nos sume la pérdida de un ser amado. María Regla Prieto Corbalán es doctora en Filología Clásica por la Universidad de Sevilla. Colabora en prensa con artículos de opinión. Junto con Salvador Daza, ha publicado cinco estudios históricos sobre Clérigos homicidas, siendo finalistas del premio nacional Así fue. La historia rescatada (2005). Ha dirigido cortometrajes basados en sus relatos. Entre sus obras literarias mencionaremos el Epistolario latino de Luisa Sigea, las novelas La esfera de lo divino y Magallánica, el libro de relatos La mirada de Perséfone, el poemario Diario de Babel y el ensayo Extraños pájaros, además de las obras de teatro, Dos mujeres bajo una misma luna(Premio de Teatro Breve Francisco Nieva 2019), y El encargo. Su novela Manos de trapo ha sido finalista de la octogésima edición del premio Nadal. Noviembre es su segundo libro de poemas.
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Se recogen en este volumen las cartas de A. Rimbaud desde los años 1870 hasta 1875, fecha en la que decide alejarse definitivamente de cualquier vínculo con la literatura y buscar nuevos horizontes en los más recónditos lugares, lo más alejado posible de su anterior vida. En la primera carta el poeta solo cuenta con 16 años, pero ya es un muchacho inquieto, rebelde y exigente con el prójimo. Los textos hablan por sí mismo y nada tienen de edificantes ni de ejemplares. La grosería, el vocabulario maleducado, la desconsideración y el malestar con todo y contra casi todo es una constante. Lo más relevante y significativo de estas cartas son su sinceridad y prepotencia, son auténticas confesiones, y la manera que un joven, alejado de la educación y de la modestia, injurioso y prepotente, va evolucionando de la manera más misteriosa, hasta convertirse en un auténtico genio con apenas 20 años. «Quiero ser poeta, y trabajo por hacerme vidente... de llegar a lo desconocido por el desarreglo de todos los sentidos. Los sufrimientos son enormes, pero es preciso ser fuerte, haber nacido poeta, y yo me he reconocido poeta... YO ES OTRO». Incomprendido, malinterpretado, injuriado, aburrido y cansado de la civilización, el joven de rostro angelical pero depravado, genial y perverso, vidente y superdotado, decide olvidarse y renegar de su pasado y pasa de ser uno de los más grandes poetas, innovador y extraordinario, a un simple comerciante en Abisinia, un feliz y satisfecho traficante de armas. La sobresaliente escritura de Una temporada en el infierno o Iluminaciones la transforma en prosas de funcionario.
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La obra de Mariluz Escribano Pueo reclama un lugar propio en la poesía española reciente. Autora de aparición tardía, publicó su primera obra cuando pasaba ya de los 55 años, tras lo cual desarrolló una sólida carrera poética con un total de seis publicaciones: ''Sonetos del alba'' (1991), ''Desde un mar de silencio'' (1993), ''Canciones de la tarde'' (1995), ''Umbrales de otoño'' (2013), ''El corazón de la gacela'' (2015) y ''Geografía de la memoria'' (2018). El verdadero dinamismo de su actividad literaria, sin embargo, no se ve reflejado en estas fechas de publicación, pues su escritura se desarrolla ya desde la década de los 70 de la mano de su liderazgo cívico y sus actividades docentes. Esta edición reúne en un solo volumen el conjunto de la obra lírica de Escribano Pueo, quien, por su compromiso ético y su poderosa y original voz, es ya considerada la poeta de la memoria y la concordia civil.
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POETA, dramaturga y novelista, antes también profesora universitaria en Montreal (UQAM), Louise Dupré (Sherbrooke, Canadá, 1949) es miembro de la Academia de letras del Quebec y de la Sociedad Real de Canadá desde 1999. Es una reconocida autora en Quebec que plasma en más de una veintena de obras, tanto en verso como en prosa, las heridas que inflige la vida. Su escritura de la fragilidad, la vulnerabilidad, el sufrimiento y la esperanza, ha obtenido numerosos galardones, entre los que destacan el premio Ringuet, El premio del Gobernador General, uno de los más importantes concedidos en Canadá junto con el premio internacional Jaime-Sabines /Gatien- Lapointe o el Gran Premio Quebecor del Festival Internacional de la poesía obtenido en dos ocasiones. En 2014, recibe la Orden del Canadá por el conjunto de su obra. “Escribir empieza siempre por una traición” confiesa Louise Dupré en Muy cerca, la de la mano izquierda, continúa, ella que es zurda. Traición sutil, pudorosa, donde se dibuja una poeta de lo íntimo, reflexiva y comprometida con la subjetividad femenina cuyo imaginario esculpe —y renueva— poema a poema. A través de un lenguaje depurado que adopta el ritmo pausado de una respiración suave, los poemas de Louise Dupré se rinden al arte de la lentitud para exponer con voz de mujer la cotidianeidad y sus menudencias. Pero en este día a día, laten soledades y pesares que despejan las noches, despoblándolas de sus sueños, y convierten la escritura de Louise Dupré en una escritura de la herida. Su poesía, profunda e intuitiva en torno al ciclo de la vida, se instala en la durabilidad y nos acerca a las grandes verdades: “Tarde o temprano los humanos /se dejan caer al fondo de un hoyo/ donde sus cabelleras se enredan…”/ en un sólo despojo...
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La figura de Isidore Ducasse, conde de Lautréamont (1846-1870), se ofrece a los ojos de la crítica como un enigma que se resiste a los esfuerzos de historiadores, críticos y biógrafos. La primera edición completa de ''Los Cantos de Maldoror'', en 1869, fue secuestrada y sólo unos pocos ejemplares fueron encuadernados y entregados al autor. El lector deberá enfrentarse a unas ''páginas sombrías y llenas de veneno'' en las que sólo se dice lo que se está diciendo y frente a las que es superfluo el intento de amontonar palabras.
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Manuel José de Lara (Huelva, 1963) es catedrático de Historia Moderna en la Universidad de Huelva. En poesía ha publicado El libro de las primeras inseguridades (1986), El río detenido (1996), Restos de colección (2020), Libro de familia (2022), Retrato apócrifo (2022), Apenas (2023) y Pequeñito edén (2025). Ha obtenido, entre otros, el Premio Nacional de Poesía Salvador Rueda, el Premio Internacional de Poesía Ciudad de Pamplona, el Premio Nacional de Poesía Infantil del Museo del Niño de Castilla-La Mancha y el Premio Internacional de Poesía Juan Ramón Jiménez de Coral Gables, en Estados Unidos.
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Con un verso sencillo -libre en la primera parte, con metro y rima en la segunda- el autor nos invita al goce estético y, a un tiempo, a la reflexión profunda, con poemas de presencia y de ausencia, de lógica y de intuición, buscando sentido y no solo felicidad. Transcendiendo más allá de la realidad física que parece imponerse en su inmediatez: «Aprecié, de los ojos, el color, gusto ahora, de miradas, el calor.
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Una obra que refleja la madurez creativa de un poeta en pleno dominio de su voz y su oficioEn Estos nuevos tópicos —,textos escritos entre 2014 y 2023—, se tejen y destejen, a modo de hilos diversos, el ritmo de las estaciones en las calles de la ciudad o en la ribera del río contaminado, la miopía, las preguntas acerca de la revolución, la memoria de los padres, los seres que habitan junto a nosotros, la energía de su resistencia... Después de El sentimiento de la vista (2015) y Deseo de realidad (2023), los poemas crean el espacio en que pensamiento y escritura se forman a la vez, con los mismos componentes: la percepción de las cosas y los hechos, sus voces y conversaciones superpuestas, la síntesis entre el sentimiento y el sentido —,una forma de vida interior que no parece estar separada de las otras maneras de habitar el mundo—,. La palabra directa y ajena a ciertos usos retóricos, el verso libre y la voz, tan propia, de Miguel Casado vienen quizá a recordar que el movimiento del habla no empieza ni termina en las páginas del libro. «El descubrimiento de Miguel Casado me reconcilió de alguna manera con la poesía de mi propia generación.» Roberto Bolaño «Un meticuloso observador, que registra lo que contempla y no lo transforma, sino que lo desnuda.» Juan Antonio Masoliver, La Vanguardia «Miguel Casado representa esta corriente de afinación perceptiva y depuración formal, lo que le lleva a renunciar, en sus libros de madurez, a los chisporroteos metafóricos y a la evidencia rítmica.» Ángel Luis Prieto de Paula, Las moradas del verbo
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Avelina Valladares, a ''cantora da Ulla'', aínda que cunha obra maioritariamente en castelán, son as súas seis composicións en galego as que destacan, con poemas como: ''A Ulla'', dedicado á súa terra de nacenza, ''A pobre orfiña'', unha crítica á sociedade do seu tempo que condena os fillos fóra do matrimonio, ''Miña xoia'', un canto ao espertar da conciencia de Galicia, e ''Ós que emigran'', queixa amarga pola praga da emigración, vista desde os ollos das mulleres que fican na terra. Con motivo do Ano Cultural Avelina Valladares 2025, instaurado polo Concello da Estrada, ofrecemos a recompilación da súa obra poética, actualizada ortográfica e gramaticalmente, pequena homenaxe a quen foi unha muller senlleira do tempo do Rexurdimento.
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El primer llibre de poemes de Mariàngela VilallongaEls poemes de Mariàngela Vilallonga van ser escrits entre Girona i Nova York durant els anys 2003 i 2009 i tancats en un arxiu de l'ordinador. Avui que l'autora ha abandonat algunes responsabilitats professionals dona a conèixer el fruit d'una etapa de la seva vida, el retrat interior de la seva cinquantena. El llibre de Vilallonga sorprendrà per l'elegància, la força i la lleugeresa esmolada dels seus versos.
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Premi Ausiàs March de poesiaColombaire gira al voltant d'un doble eix: la malaltia terminal del pare d'una banda, i de l'altra l'afició a la colombicultura, que és també una forma de lligam amb el passat, amb la terra i amb la llengua. Colombaire és, doncs, un llibre molt íntim, però també una reivindicació pública de l'ancestralitat i de la poesia. La qualitat extraordinària d'aquest conjunt travadíssim de poemes en vers i en prosa ha suscitat la unanimitat del jurat del LXIII Premi Ausiàs March de poesia. Quan tot ocórregaseré al teu costatper abraçar-te. Ni l'universni el cosmosni Déu. Cap astrofísic. La meua mànoméscom un tractorde llum i la paraula.
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El Barroco, como todos los grandes cambios culturales, está ocasionado por múltiples y variadas causas de todo tipo: políticas, religiosas, estéticas y de pensamiento que conducen a una nueva actitud del hombre ante el mundo. Todo cambia y sólo «lo fugitivo permanece y dura» según el conocido verso de Quevedo. La mudanza va unida al tiempo y por eso es el Tiempo el «verdadero protagonista del Barroco» al decir de Emilio Orozco. De lo fugitivo de la existencia derivará la melancolía del Barroco, que lleva a que la vida es sueño o «simplemente nada», al decir de Quevedo.En el segundo tomo de esta ya clásica Antología, el profesor Blecua reúne una cuidada selección de los poemas de los mejores representantes del periodo barroco: Lope, Góngora, Argensola, Quevedo, Villamediana, Rioja... Poesía que ha sufrido a lo largo de los siglos los vaivenes de la crítica literaria y de la que la Generación del 27 supo hacer su mejor revalorización.
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En esta, su primera colección de poemas, Gerard Bertran Burgueño ha seguido con éxito los pasos necesariospara hacer una buena fogata poética: ha cavado un hoyo (ha tomado la determinación de convertirse en poeta y esta publicación y su reciente XIV Premio de Poesía Antonio Gala implican un buen hoyo del que, felizmente, ya no podrá salir), ha rodeado la fogata con unas contundentes y sólidas lecturas, ha dividido el material inflamable en tres partes, para que respire, yha preparado una pila de yesca en la que no falta laaguda observación de lo cotidiano, la ironía, la incertidumbre del joven poeta y la osadía del primer libro. No será difícil que este poemario prenda en ti, querida lectora, querido lector, y puede que lo haga sin que te des cuenta pues, como dice uno de los versos más hermosos (y hay muchos): “las flores arden en silencio”. Gerard Bertran Burgueño tiene un gran futuro como poeta, lo demuestran estas llamas, lo ratificael calor de esta primera luz.Ben Clark
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Uno de los libros más revolucionarios de la poesía del siglo XX. «Un libro considerado revolucionario de la lírica del XX, por su singularidad, complejidad y riesgo.» ABC Ted Hughes, uno de los grandes poetas ingleses de nuestro tiempo -poeta laureado, famoso por su tormentosa relación con la escritora Sylvia Plath-, escribió Gaudete, uno de los libros más singulares y experimentales de la poesía del siglo XX, en la cúspide de su madurez poética y volcó en la obra toda su experiencia y su capacidad de riesgo. Gaudete logra rebasar las fronteras de la poesía para convertirse en un libro indefinible, poliédrico. Es a un tiempo un guion cinematográfico, una novela y una secuencia de poemas que además experimenta una transformación estilística, desde el alucinado poema en prosa del prólogo, pasando por los poemas narrativos centrales, hasta los últimos, breves y oscuros poemas del epílogo. Se trata sin duda de una obra maestra, capital, inclasificable, ahora por primera vez traducida al castellano.
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El vent farà dissabte celebra la feminitat, i desafia i explora els orígens de la Màtria a través de la figura de Lilith: mite, primera dona, primera Mare. Aquests poemes, com conjurs, invoquen la presència de la deessa i la seva veu es rebel·la incendiària i reconfortant, cantant i bategant a cor obert amb els versos de 28 veus més, creant una harmonia poètica explosiva.La simbologia, el llenguatge poètic, la imatge, la metàfora i els recursos plàstics hi són molt presents fet que afegeix contundència al contingut però amb una plasmació formal d’enorme bellesa. Aquest és un dels molts aspectes remarcats pel jurat, format per Carla Fajardo, Laia Noguera i Queralt Morros.Sigui a través dels versos o de les referències, a El vent farà dissabte s’hi reconeixen de manera transversal una reivindicació de la naturalitat, de l’autenticitat. Afegeix una reflexió molt necessària sobre el bé i el mal, allò acceptable i allò inacceptable, la pròpia veritat i l’estigma social, la necessitat de pertinença. La pressió sobre allò que s’espera de nosaltres i com ens pot portar dolorosament a representar durant tota la nostra vida un personatge que no som.
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Edición bilingüe Español-Portugués.En Burnoutopía, el autor João Ernesto explora la cruda realidad del agotamiento laboral y la alienación a través de una colección de poemas. Los versos, escritos en español y portugués, capturan la experiencia de un trabajador que lucha por encontrar un propósito más allá de su empleo.
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Poesía reunida (1977-2023) tiene el valor incalculable de reunir casi cinco décadas de trabajo literario en un solo volumen. Incluye una decena de poemarios y ofrece al lector una visión integral del estilo de Coral Bracho, al mismo tiempo que permite indagar en la evolución de su obra.
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William Blake poeta, pintor y grabador, nació el 28 de noviembre de 1757 en el barrio londinense de Soho. Expuso sus primeras acuarelas y grabados en 1771, y un año después entró como aprendiz en el taller de grabado de James Basire, donde pasó siete años. Del final de esta estancia data su etapa de simpatías revolucionarias. En 1782 contrajo matrimonio con Catherine Boucher y un año más tarde publicó su primer libro de poemas, Esbozos poéticos, al que siguieron Canciones de Inocencia (1789) y Canciones de Experiencia (1794), en las que expresa su creencia apasionada en la libertad de la imaginación. Esta fe visionaria se plasma de manera exuberante en El matrimonio del Cielo y el Infierno (ca. 1790) y en sus poemas proféticos, entre los que destacan El libro de Thel (1789), Visiones de las hijas de Albión (1793), las «profecías continentales»: América (1793) y Europa (1794), Milton (1804) y Jerusalén (1804- 1818). Blake dio a conocer estos poemas en pequeñas ediciones ilustradas con grabados de hermosa y sorprendente factura. Ignorado por sus contemporáneos, trabajó como grabador profesional hasta su muerte, el 12 de agosto de 1827. William Blake es una de las figuras centrales del romanticismo europeo, pero a la vez ocupa un lugar visiblemente excéntrico por el carácter disidente de su obra. Heredero de las corrientes más contestatarias del puritanismo inglés y de la tradición hermética y visionaria de Jacob Böhme y Emanuel Swedenborg, Blake fue el autor de una seria de «poemas proféticos» en los que, valiéndose de una mitología de su invención, reinterpretó los grandes sucesos de su época y la historia misma de la humanidad. Frente al materialismo que abstrae y generaliza, Blake reivindica el detalle, lo concreto, lo singular, la diferencia, el carácter sagrado de toda vida humana, frente al materialismo que solo cree en aquello que percibe por sus cinco sentidos, Blake reivindica una purificación de las «puertas de la percepción» que nos permita verlo todo tal como es, infinito y eterno. Su poesía denuncia el corazón narcisista del mundo moderno, productor de seres que vagan perpetuamente insatisfechos, cegados por una idea de progreso y bienestar material que pospone una y otra vez la plenitud vital. Este volumen recoge en edición bilingüe y en una traducción rigurosa el grueso de su obra, incluyendo el tratado El matrimonio del Cielo y el Infierno, sus memorables Canciones de Inocencia y Experiencia y sus principales poemas proféticos: El libro de Thel, Visiones de las hijas de Albión, Europa y América, entre otros.
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La radical autenticidad de la poeta Alicia Aza, toma forma personal e inimitable en su nuevo poemario, Despertar en la aurora, que supone una celebración de la dignidad de la derrota, del amor que se revela por momentos en su inmensidad compleja y pluriforme y de la necesidad de nombrar para construirse un hogar confortable con las palabras verdaderas, esas que se convierten en un espacio de resistencia incluso en las circunstancias más adversas y en los momentos de mayor oscuridad. Precisamente ahí, cuando todo es noche y tinieblas encadenadas, es el instante preciso en que se produce un prodigio que nos salva porque es luz: el despertar de la aurora. Remedios Sánchez.
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Revolcarse en la materia siempre da una perspectiva certera. Lo puramente físico y sensitivo es una garantia de veracidad a las bravas. Querer acercarte melosa al placer y que este te dé una revés es el mejor acicate para escribir poesía. Este poemario es un conglomerado ecléctico y, por momentos, surrealista. ¿No es acaso eso la vida?. Dejarse llevar por lo concupiscible y arrastrar lo conspicuo por el lodo. Dejarse el alma a jirones para llegar a algún sitio recóndito y desconocido aún. Eros y Thanatos sobrevolando por encima de las cabezas como el leimotiv imperante que embadurna todas las letras de la autora. La muerte, la enfermedad, la madre…y, al final, el amor. Amor que subyace siempre por debajo de la carcasa dura y pétrea que nos empeñamos en vestir.
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Poemario de la autora Ana Cristina Esteban.Crisantemos para mí es un libro que florece en la penumbra. Ana Cristina Esteban abre las puertas de sus miedos más íntimos y los convierte en palabra, en imagen, en confesión. El temor a olvidar quién fuiste, a no saber quién eres, a no reconocerte en el espejo, se transforma aquí en un espejo compartido: el lector se descubre en cada página, enfrentando sus propios fantasmas.Este libro es un ritual de exposición y liberación. Los miedos dejan de ser secretos, se desprenden de la autora y se entregan al mundo como crisantemos: flores que nacen en la frontera entre la vida y la muerte, entre la vigilia y el sueño.En estas páginas, el miedo al futuro, al silencio, al no despertar, se convierte en poesía pura. Cada verso es un recordatorio de que la vulnerabilidad también es fuerza, de que nombrar lo oscuro es la única manera de iluminarlo.Crisantemos para mí es un testimonio y una ofrenda: un libro que se abre como un ramo de flores nocturnas, destinado a acompañar a quienes buscan reconocerse en la fragilidad y hallar belleza en lo inevitable.
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Antología poética para una gestión afectiva es un archivo sensible que traza una cartografía íntima del amor, la memoria y la identidad. Reúne poemas y fragmentos que revelan a un sujeto en transformación: un yo que se observa, recuerda, desea, pierde y recompone mientras aprende a habitar sus márgenes. El libro se organiza en cinco estaciones como fases de un proceso vital: el descubrimiento emocional, la pulsión y el deseo, los territorios que nos moldean, las sombras de la serenidad y una miscelánea final que acepta la deriva afectiva como forma de vida. El cuerpo aparece como una máquina de traducción donde el sentir se vuelve materia y el poema, un modo de pensar y transformarse. La obra construye una voz honesta y reflexiva donde la vulnerabilidad, la belleza y la duda adquieren textura.
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En Ella lee Kepa Murua explora temas profundos como la incertidumbre, la nostalgia y la singularidad de cada experiencia y sentimiento, todo tejido a través de metáforas que reflejan emociones humanas y la complejidad de la verdad personal. La nostalgia y el dolor tienen matices que no pueden cuantificarse ni compararse. Cada persona y cada vivencia son únicas, imposibles de encajar en una fórmula exacta. La incertidumbre es presentada como parte vital de la condición humana, con sus luces y sombras.
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Gusta que cruja al morder, el primer poemario de Lorente García, una obra plasmada de lo que él bautiza como «poesía de percepciones», a causa de su espontaneidad para escribir. En este viaje el joven granaíno a través de sus poemas toca temas como la crítica social, el clasismo, el amor y el existencialismo alternando entre verso libre y métrica clásica con un lenguaje cuidado y directo, valiéndose en el proceso de un despliegue de recursos estilísticos que no dejarán indiferente a nadie en esta expedición a las catacumbas de los pensamientos del autor.
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La banda sonora poética de una generación hiperconectada y exhausta.Millennial cantabile construye una cartografía de la conciencia millennial en el momento en que el deseo, la cultura, el trabajo, el amor y la identidad han sido ya atravesados por internet, la estetización de la vida y la precariedad. A través de una escritura fragmentaria, irónica y muy musical, el libro mezcla alta cultura y cultura pop, referencias literarias y memes, mística y redes sociales, filosofía, erotismo y economía de plataforma. Sus poemas avanzan como glitches: fallas que no interrumpen la experiencia, sino que la deforman y la vuelven extrañamente legible. Lo que emerge es una autobiografía lateral, generacional y espectral: la de quienes viven «en la máquina que lo borra todo», buscan una forma de comunidad y siguen cantando incluso cuando el trabajo los vuelve silenciosos. Un poemario generacional, afilado y muy contemporáneo que convierte el universo millennial en materia poética: redes, ansiedad, relaciones fantasmales, música, precariedad, postureo, nostalgia y cultura visual. Martín Rodríguez-Gaona firma un libro de gran inteligencia verbal y fuerte personalidad estética.
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En la poesía de Juan Bufill , la palabra aparece como un elemento descubridor y creador de visión ofrece luz para las zonas oscuras de la experiencia. Si su anterior libro , 'Antinaufragios' invitaba a una celebración vital a pesar de los desastres de la Historia, 'Palabras ojos' aborda de un modo distinto , pero en un sentido igualmente antinihilista , la posibilidad de una vida verdadera. 'Palabras ojos' es un elogio de la imaginación y de la experiencia de la poesía , compartida con el lector. Y un elogio del libro como medio de expresión y conocimiento .
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Este libro es un viaje a través del mar de la culpa, el miedo, la frustración y el dolor. Siendo en este una barca el único transporte, remándolo el amor, el único que impide que quede a la deriva. En otras palabras, una historia de amor, pero sin final feliz. Un amor que se quedó suspendido en el tiempo, perdiéndose mucho antes de lo debido. Sin razones, justicia, previo aviso y, sobre todo, sin consuelo. Es una evocación de su risa, sus locuras, altibajos, y nuestros sueños rotos. La historia de cómo dos almas se perdieron la noche en la que te perdí a ti.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
