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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Ondulaciones recoge el conjunto de la obra poética de Ullán, proponiendo un nuevo itinerario de lectura que prescinde de una primera etapa de juventud, reorganiza los materiales de algunos libros, incluye numerosos textos inéditos e integra sus 'agrafismos', poemas dibujados por el gesto libre de la mano que en otras ocasiones escribe. La diversidad y el rigor de este volumen, paralelos, muestran la fluida conexión de Ullán con los movimientos y tensiones del arte en las últimas décadas y, también, sus estrechos vínculos con el espacio global de la lengua española, con el espacio latinoamericano. 'Dentro de una producción en la que suelen hacerse sentir demasiado las influencias y las corrientes a la moda, la poesía de José-Miguel Ullán se aparta resueltamente de lo trillado, incluso a riesgo de sorprender o escandalizar, y se sitúa en un nivel individual que le da su acento más profundo y valedero. Y esto sin que una entrañable filiación española deje de estar presente en toda su obra, en la que la libertad y la audacia son sus mejores armas para dar a la poesía de su pueblo y de su tiempo uno de sus acentos más hondos y hermosos.', Julio Cortázar.
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A flor de piel es, como su nombre indica, piel, sentimiento y verdad. Los poemas que contiene son de superación personal y amor, y en cada uno de ellos se puede sentir el desgarro y la emoción. Desde una mirada resiliente y sincera, los poemas relatan el dolor y la frustración que cualquier persona puede sentir en los momentos más trágicos de su vida, pero siempre desde la esperanza, la fe, el amor y la calma. Siempre intentando obtener un aprendizaje, conocerse más a sí mismo y encontrar la paz interior. Este poemario es un canto a la vida, la belleza, la fortaleza individual, el encuentro espiritual y el quererse bien, sin exigencias ni prisas. Es sentir y vivir sin miedo, sin límites y con intensidad, una primavera que ilumina y embellece tu camino, un corazón que late fuertemente A FLOR DE PIEL.
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Tomás Segovia nació en Valencia en 1927. Su poesía completa hasta 1976 fue recopilada y publicada en México. La producción poética de 1976 a 2000 quedó recogida en los volúmenes editados por Pre-Textos: Partición (1976-1982) (1983), Lapso (1986), Orden del día (1988), Noticia natural (1992), Fiel imagen (1995), Misma juventud (2000). En Galaxia Gutenberg apareció una antología poética del autor con el título En los ojos del día. En 2003, 2005, 2007 y 2008 vieron la luz en Pre-Textos sus cuatro siguientes entregas poéticas: Salir con vida, Día tras día, Llegar y Siempre todavía, respectivamente. Fue incluido en la antología El 50 del 50 (seis poetas de la generación del medio siglo), de Vicente Gallego (Pre-Textos, 2006). Ha traducido para esta editorial los Poemas franceses de R. M. Rilke y Estancias y El lenguaje y la muerte de Giorgio Agamben. Tomás Segovia fue premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo en su segunda convocatoria, premio Juan Rulfo del año 2005 y premio Federico García Lorca en 2008. Su obra narrativa: Primavera muda, Trizadero (Premio Magda Donato), Otro invierno (Pre-Textos, 2001) y Personajes mirando una nube ha sido reunida con el título de Personario en un volumen aparecido en México.
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X. L. Franco Grande adoita incluírse na chamada xeración das Festas Minervais, cuxos trazos distintivos, ademais de nacer entre 1930 e 1940, son estudar na Universidade compostelá, implicarse no galeguismo baixo o liderado de Ramón Piñeiro e apoiar o proxecto cultural de Galaxia. Nesta Poesía reunida inclúense os seus catro poemarios: Entre o si e o non (1967), O tempo á espreita (1987), Xoguetes do tempo (2015) e o Libro das abandonadas (2017). Un percorrido vital na procura da identidade, dende o existencialismo inicial e o fatalismo ata chegar á paixón e ao desamor, sempre coas inclementes agullas do reloxo do tempo presentes.
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Sobre tu pecho de sauco es un poemario que se modela y nace en las cumbres y barrancos de la Alpujarra granadina, observando la bella y solitaria genciana brotar, sobre encharcados borreguiles. Donde de la mano de él, de su amor, que no la suelta y anticipa su caída, Martha recorre y ahonda este agreste e indomable paisaje, y donde se recorren y ahondan ellos mismos durante largas y a veces exhaustas caminatas, cuando surgen profundas conversaciones y profundos silencios también. Y es aquí, donde la melancolía y la tristeza por un único hijo que se hace mayor y se va de casa, y una madre que pierde paulatinamente los recuerdos, se van transformando, transformando como óleo sobre lienzo, hasta su total aceptación. Es en estas cumbres, en el vacío que llenan sus precipicios, en sus valles y acequias, cuando sus versos cogen impulso y se precipitan, donde al fin le brotan poderosas alas. Y cuando cada noche, con dulces florecillas de sauco, él fabrica un nido sobre su pecho, donde ella se refugia y sueña.
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Silencio... Silencio... Y más silencio... Y más silencio... Y más silencio... Silencio, eterno silencio, ¿puedes oír su lejana llamada? En el viento de la hoz, en el tambor de la araña, puedo escuchar el violín roído de sus entrañas... ¡Toca mutilado rabino la marcha Radetzky o la ultima canción pagana! Toca sin hacer ruido, ¡qué el viento se ha llevado todas las armas! ¡Toca! Silencio, eterno silencio, y más silencio que de nuestros fríos labios escapa...
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Un poemario henchido de amor, pleno de sensualidad homoerótica, que se lee como un canto de cisne: una oda crepuscular a la juventud y la belleza para siempre perdidas. Amé a algunos muchachos con el alma / cuando yo era un muchacho como ellos / sin atreverme a confesarlo nunca. / El amor verdadero, su pureza, / se hace vulgar si median las palabras. / Elegí la amistad, la cercanía, / el estar juntos sin sospecha alguna, / hablar en los paseos de la tarde, / una mano en el hombro. Eso fue todo, / mucho para quien ama y no lo dice. / No me arrepiento del secreto. Pude / tener al lado la belleza viva / y el que me amaran de distinta forma. / Fui feliz por momentos y eso basta.
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Ulls alçats
Raquel Pena, Enric Casasses, Gemma Casamajó Solé, Mireia Calafell. Josep Pedrals, Greta Sibling, Míriam Cano, Xavier Mas Craviotto, Anna Carreras Aubets, Ferriol Macip, Marta Gispert, Ignasi Sabater, Alba Vilallonga, Esteve Plantada i Estel Solé. Quinze poetes que comparteixen la febre castellera. Quinze poemes per celebrar un amor comú. I un llibre per commemorar que fa quinze anys que els castells són Patrimoni Immaterial de la Humanitat. ''Ulls alçats'' és un llibre que recull quinze veus literàries del nostre país que han volgut pensar els castells des de la paraula, des de la imatge, des del símbol. És un homenatge i una celebració, un exercici col·lectiu de mirada alçada cap a allò que ens uneix, que ens emociona, que ens sosté. I potser també una invitació a seguir alçant els ulls, una vegada i una altra, cap a aquest espai compartit on la cultura, com els castells, es construeix des de baix i s'enfila cap al cel.
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En Una ópera sin coros la autora entrelaza sus dos grandes pasiones: la música y la poesía. A través de versos íntimos y reflexivos, aborda sin reservas la distopía de la sociedad actual y cómo el paso del tiempo transforma las vidas de una generación a otra. La estructura del libro emula los actos de una ópera del siglo XIX: no hay títulos convencionales, sino recitativos, arias y coros que dan voz a emociones universales. Inspirada en las obras clásicas, Natalia demuestra que el dolor, el amor, la pérdida o la esperanza son sentimientos que perduran, independientemente de la época. Esta obra invita a ser leída con una banda sonora personal: escuchar tus piezas favoritas mientras la lees puede convertir la experiencia en una catarsis, como si tú fueras la soprano de tu vida o el tenor de tus pensamientos.
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Álvaro Valverde, nos ha escrito sobre el libro: García Mera podría hacer suyos los versos de Sophia de Mello Breyner Andresen: Escrevo para entender a mim mesmo. De raíz meditativa, su poesía atiende a la humildad y la lentitud. Sus versos se inspiran en la naturaleza y, desde la contemplación, construye metáforas cargadas de belleza y verdad: «El poema es una majada /donde se refugia el sol de los rebaños». Es alguien a la busca de «un mundo limpio», el que se atisba a través de este lenguaje deliberadamente intemporal, de resonancias clásicas, que indaga en el «misterio de lo humano». «Para evitar la demasía de las palabras / vivo adentro», precisa. Aspira a «Quedarse en uno mismo, / sentarse ante la mesa /que el silencio dispone». Introspectivos y lúcidos («Somos Ícaros abrasados por el idioma de la luz»), gracias a un ritmo que revela su formación musical, estos fragmentos de un único, extenso poema, se ajustan a lo expresado por la poeta portuguesa: Digo para ver.Basilio Sánchez, nos ha escrito sobre el libro: La poesía de Carlos García Mera es la palabra del retorno, la de la vuelta a la casa del origen. A ese mundo esencial que conforman la naturaleza y las manifestaciones cotidianas de la vida sencilla. Un lugar que es también el de la desmemoria, el de las pérdidas, el de las raíces que se aprietan contra la tierra para ofrecernos el tallo de la ternura y de la compasión. La vida del recuerdo es la vida del silencio, la de la claridad que vive dentro de lo invisible, la que nos dice de otro modo. En medio de una noche que sólo habla con el lenguaje de la noche, la escritura es la herida del afecto, el espacio en el que la semilla de lo insignificante se abre al milagro de lo que somos, de lo que nos rodea. Una forma de entrega que perdura en el granero fértil de los días para ensancharnos el horizonte con el idioma limpio de la luz.
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Tras un reflexivo y enriquecedor silencio de cinco años, Seronda, el esperado nuevo poemario de Ana Pérez Cañamares, es la celebración de la caída y el asombro que alberga cada hoja de otoño, despojada y cobriza. Fruto tardío, este libro respira lenguaje, compromiso. Articulado en cuatro secciones -Haz, Limbo, Envés y Nervadura- es un viaje que nos incita a hacer balance, desde el recogimiento y la introspección, sobre el bosque interior de lo vivido. Es la raíz que late como herida y se nutre de la propia experiencia en un permanente diálogo con la naturaleza. Aquí están la exhortación a la pausa, a la simplicidad, a lo pequeño, a la belleza diaria y cotidiana, a lo que pasa desapercibido, a lo que pudo ser y aún podría, a la humildad del ''no sé'', dos pequeñas palabras, pero dotadas de alas para el vuelo, como dejó escrito Wislawa Szymborska en su discurso de aceptación del Premio Nobel, allá por 1996. Aquel que piensa que lo sabe todo/mejor dé media vuelta/y se enfrente a su sombra, nos alerta Pérez Cañamares en uno de sus poemas. Seronda también quiere ser una invitación a la ternura, a la empatía, a prestar atención a lo más vulnerable a través de un minucioso trabajo con la palabra y las imágenes poéticas. Canto de madurez, valiente y lleno de aciertos formales, sin añoranza ni espejismos, este libro de poemas es una invitación a alejarse de un mundo que duerme acuclillado y a desprenderse de lo superfluo para recuperar el pulso natural de la existencia. ROSANA ACQUARONI
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Velarte es el primer libro de poesía de Carlos Bonnín. En él se traza un recorrido desde la pérdida hasta su superación, transitando el recuerdo y la memoria. Se abordan temas universales como la amistad, el amor, el olvido, el sexo, la muerte o la crítica social, utilizando un lenguaje simple y directo, priorizando la sinceridad. Son visibles tanto influencias del folclore andaluz como inspiraciones provenientes de la literatura contemporánea. En este texto podrás encontrar desde una lírica melancólica hasta una poesía mucho más soñadora y optimista, este contraste se acentúa con el transcurso de la obra, pues se propicia un ambiente solemne similar al que se experimenta al enfrentarse a un duelo.
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Panóptico es el teatro del ojo. Una vaca, un cuchillo y Argos disputan la realidad sobre una página que es potrero y frigorífico: el blanco respira, el negro marca a fuego. Entre biología y mito, los poemas cortan y suturan una gramática de acero —ganchos en S, rieles en H, carne al vacío— hasta oír mugir a la letra. Argos observa y, al parpadear, pierde: la carne piensa, el lenguaje sangra, el vacío se curva. Del estampido negro al mugido blanco, el libro convierte el despiece en partitura. No es un experimento frío: laten cuatro kilos de corazón, hay pan tibio, jabón de madre. Al cerrar, persiste una respiración mínima —un ∅ que nos mira— y la pregunta que abre todos los bordes: ¿quién observa al observador? Leer con todos los ojos: ese es el rito
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Neruda canta a los asuntos más cotidianos y se entrega a la épica doméstica en un poemario para todos los públicos.«El poeta más importante del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez «Nadie como Neruda para lograr un insólito centelleo poético mediante el simple acoplamiento de un sustantivo y un adjetivo que antes jamás habían sido aproximados.» Mario Benedetti «Neruda renace todos los días porque siempre hay alguien que lo lee por primera vez y hay otro que lo relee con nuevos ojos. No hacerlo empobrecería nuestra vida.» José Emilio Pacheco «Ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él.» Harold Bloom En este libro de 1954, Pablo Neruda asombró a los lectores que no habían previsto la variedad de registros que el poeta alcanzaría. Hoy sigue cautivando por su capacidad para celebrar los pequeños acontecimientos diarios. Neruda le canta al aire y a la cebolla, a la esperanza y al caldillo de congrio, a la madera y a la alegría, al vino y al pan, a los poetas populares y al fuego, al libro, al traje, a la lluvia, a la vida. Sabe comunicarnos con la magia de su palabra la novedad de redescubrir cada momento como inaugurando la mirada. Los vastos temas y el caudaloso ritmo que caracterizaban su obra anterior ceden paso al metro breve y fragmentado, a la visión microscópica, al protagonismo de aquello que verdaderamente es elemental: el encuentro con los anónimos y desconocidos que transitan las calles, el descubrimiento del corazón que habita en las cosas más sencillas, el valor oculto de lo verdaderamente genuino, la silenciosa sensación de estar rodeados por seres invisibles que estallan en el esplendor de la poesía. Versos que escapan de toda retórica, objetos cotidianos transformados por la voz poética e imágenes de un magnetismo sensorial que coloca en primer plano la intensidad del lenguaje hacen de Odas elementales un conjunto de textos antológicos.
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La luz que habito se escribe desde la verdad de quien abre las puertas de su interior de par en par. Son pequeños trocitos de vida, reflejados en versos e inspirados en un despertar interior. Es el fruto de las vivencias que me ha tocado experimentar. Mi intención es conmover a los lectores y plasmar la humanidad de mis sentimientos. Quiero servir de ayuda para sanar los corazones de quienes hemos querido con una brutal honestidad.Ojalá pueda este poemario acompañarlos, sin importar la circunstancia que estén atravesando. Aquí, entre estas páginas, se encuentra deletreada mi alma.
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Apología del desamor es un viaje poético por los paisajes del dolor, la memoria y la ausencia. Con una voz íntima y honesta, Pepe Gálvez explora los rincones más oscuros del amor que no pudo ser, los besos que nunca llegaron, las promesas incumplidas y las despedidas que se pronuncian en silencio. Este libro es una reflexión sobre el desamor como parte esencial de la experiencia humana: lo que nos quiebra, nos despoja y, sin embargo, nos construye. Cada poema es un recordatorio de que, aunque el olvido duela y la nostalgia abrace con fuerza, siempre queda la palabra como salvación. Apología del desamor no es solo un canto a la pérdida, sino también un homenaje a la dignidad de quienes, a pesar del desgarro, siguen creyendo en la vida y en la belleza. Un poemario imprescindible para quienes aman la poesía que rasga y cura, para quienes no temen mirar de frente sus cicatrices. Porque el desamor, en sus versos, deja de ser derrota para convertirse en arte.
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Si te buscas, eres sensible al dolor, te mueven los marginados, corpiño de hojas te viste en primavera, la naturaleza te hace trascender y crees que para el amor nunca es tarde, espero te encuentres en estos poemas y termines haciéndote preguntas más que encontrando respuestas. ¡Ojalá atisbes la poesía en alguno de sus versos! No puedo prometerte más, pero la lucha por conseguirlo habrá merecido la pena. La autora, en este su primer poemario, y con referencias al científico y teólogo P. Teilhar de Chardin y al poeta J. M. Martín Portales, desde la religión y desde la búsqueda de la experiencia poética (ambas «tremendas y fascinantes») entreteje un mundo lírico de emociones y sentimientos encontrados, en cuya trama, el nudo, a veces áspero como el esparto, se reblandece hasta diluirse, al fin, con las aguas mansas «que van a dar a la mar al morir». Siendo la muerte y el dolor temas recurrentes en sus textos, es la soledad la protagonista principal, pero cuyo antídoto es fácil de encontrar y tan al alcance de la mano como es una humilde maceta de ventana. La hierba entre adoquines, con sus poemas y textos en prosa, trasmite confianza en la manera de entender, siempre desde lo pequeño y el asombro, la eterna pregunta del sentido de la vida.
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POESÍAS EN EL TÚNEL-Un viaje extraordinario cuenta la experiencia de la autora desde el año 2018, cuando contrae un cáncer de colon, hasta la actualidad. Arranca con una poesía sobre su experiencia cercana a la muerte (ECM) y continúa en siete capítulos: «La enfermedad», «El abatimiento», «La confianza», «La sensibilidad», «La determinación», «El amor verdadero» y «La trascendencia». No se trata de un poemario duro en el sentido del drama, sino un relato lleno de sinceridad y conciencia, también de sencillez y de amor por el cuerpo y el alma que nos sostienen durante la vida y a los que no agradecemos lo suficiente su ayuda. Su lectura es una oportunidad para elevar la mirada más allá de lo material, de lo propio y del personaje. Para ver que todas esas pequeñas cosas que nos rodean y todas las personas con las que nos relacionamos cobran una presencia y una importancia preciosa y especial cuando pasamos por una enfermedad tan difícil.
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Este conjunto de textos, redactados con una prosa poética minuciosamente hilvanada ―y no por abrumadora menos consciente―, constituye la ópera prima de Antíara Barona. Una selección de reflexiones llevadas a cabo en aquellos ásperos ―y universales― momentos de introspectiva soledad. Crudas meditaciones que nos asaltan y embisten con una fuerza implacable y arrolladora, que atrapan nuestras cavilaciones y elucubraciones en un bucle inagotable ―y que siempre retorna―. Meditaciones que unas veces nublan el juicio, y otras, en cambio, lo iluminan. Pensamientos circulares que ―exíjase la redundancia― nos impiden salir de su eterna e intrínseca circularidad. Las «Repeticiones» no deben ser tomadas como una propuesta epistemológica o metafísica ―ni mucho menos―, sino como una sencilla amalgama de pasatiempos, una secuencia de divertimentos en forma cíclica cuya lectura puede realizarse a distintos niveles, según se fije la atención en las palabras, oraciones o párrafos, según se analicen los capítulos aislados en su in(ter)dependencia, o la obra tomada en su totalidad.
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Una mirada poética que une el arañazo de la historia colectiva con la emoción de la vivencia más íntima.Hay poemas que nacen en las redacciones, entre las noticias de última hora, otros, envueltos por la calidez del hogar. Algunos hablan de lo que supone migrar, varios de la severidad de la Historia. La mayoría no hacen diferencia entre la experiencia personal y la colectiva. En Bululú, Jaime Santirso -corresponsal en China y testigo de grandes sucesos del siglo xxi- ofrece poesía sin barreras: cotidiana, certera, social. Con el mismo ímpetu de sus crónicas desde Wuhan, dando cuenta del primer confinamiento del mundo ante una pandemia, Santirso escribe aquí sobre su madre, sus abuelos, sus viajes, los vínculos, la distancia y el recuerdo, su país. Cada poema es una delicada estampa, que hace de Bululú un acto de resistencia: una poesía que observa, escucha y deleita.
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La nueva y esperada reedición de uno de los debut poéticos más deslumbrantes de los últimos años. Ocho años después de su aparición, Lae Sánchez regresa a este poemario íntimo, valiente y luminoso. Una edición revisada y actualizada con poemas inéditos. El poemario es un viaje emocional hacia la reconstrucción personal, una carta abierta a la vida, al amor y al renacer tras la pérdida. En sus páginas, la autora nos habla del duelo, del desamor, del aprendizaje y de la resiliencia, con una voz cercana y poderosa. Este libro no busca contar una historia de amor, sino una historia de crecimiento. Es un recorrido que parte del dolor -de las despedidas, del «ya no estás»- para llegar a la calma de quien aprende a quererse sin condiciones. Los versos se mueven en tres ejes -vida, felicidad y tiempo-, que forman el triángulo esencial de su mensaje: todo pasa, todo vuelve y siempre hay belleza en volver a empezar y abrazar lo nuestro. Con una poética de lo cotidiano, Lae Sánchez convierte cada herida en una lección, cada caída en impulso y cada final en un nuevo principio. Así que si lees desde el cansancio, la oscuridad, la duda o bajo la tormenta: «Todo va a salir bien», repite la autora como un mantra. Y al cerrar el libro, cualquier lectora confiará en que no queda otra que pelearlo porque todo acabará bien. ¡Qué bueno que vinisteis de nuevo!
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Poemas que encarnan la conciencia de una mujer de nuestro tiempo y una rabiosa reivindicación de la escritura y del deseo.Cara de antigua es un poemario íntimo y vigoroso que pone palabras a la experiencia de crecer en un ámbito que vulnera los cuerpos y la subjetividad desde la niñez. Lucía Baskaran traza un itinerario de la construcción de una identidad marcada por el amor, el deseo, el género, el aborto, la culpa y la violencia patriarcal. La infancia, los afectos, la maternidad, los dictados de belleza y la disidencia corporal aparecen entrelazados con imágenes del cuerpo de una honestidad conmovedora. A través de sus versos, que oscilan entre la furia y la ternura, la autora desmonta mitologías domésticas, religiosas y sociales, y denuncia con ironía el discurso patriarcal que pretende reglar los afectos, el deseo y los cuerpos. El poemario Cara de antigua supone la conciencia encarnada en una mujer de nuestro tiempo que ha habita los márgenes, y que desde allí construye una poética de la resistencia: rabiosa reivindicación de la escritura como forma de volver a nacer.
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Benjamín Prado (Madrid, 1961) ha publicado trece novelas, entre otras las siete de su serie protagonizada por el detective Juan Urbano —Mala gente que camina (2006), Operación Gladio (2011), Ajuste de cuentas (2013), Los treinta apellidos (2018), Todo lo carga el diablo (2020), Los dos reyes (2022) y El anillo del general (2024)—, libros de relatos, ensayos y tomos de aforismos. Su obra poética está reunida en el volumen Acuerdo verbal (2018), al que siguió Paradero desconocido (2023). Este es un libro de fantasmas, unos amados y otros espectrales, unos temibles y otros aleccionadores, todos ellos convocados a la casa de la memoria con la certeza de que recordar puede producir consuelo o dolor, pero es la única forma de plantarle cara al olvido. Aquí hay espíritus familiares y literarios, seres hipnóticos que viven en las sombras, maestros desaparecidos que de noche se le aparecen al autor —Juan Marsé, Carmen Laforet o Javier Marías—, doctores que no crean un monstruo de Frankenstein pero dan una mala noticia en sus consultas, hombres-lobo de traje y corbata... El más allá no existe, está todo aquí, como dice la cita de Marguerite Yourcenar que abre estas páginas: «¿No has entendido que si los fantasmas / son invisibles es porque los llevas dentro?».
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Figura emblemática del Romanticismo español, Espronceda tuvo una vida irregular y aventurera que lo llevó al exilio y a la lucha contra el absolutismo de Fernando VII. Y así, cuando regresa a España, trae consigo las ideas y las formas de una nueva literatura, gracias a la que sus poesías, entre los años 1835 y 1842, alcanza un nivel y calidad a la altura sólo de unos pocos genios de las letras. En esta edición se reúnen todos sus poemas conocidos, tanto líricos como épicos, incluida su famosa ''Canción del pirata''. Ya dijo en su día Antonio Machado: ''Grande, muy grande poeta es Espronceda''. Y en verdad lo es.
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Nueva York fue, para Federico García Lorca, el descubrimiento de la vanguardia, el capitalismo y la vida moderna. El choque de su gran sensibilidad con los contrastes de la realidad neoyorquina desató su creatividad y fue el génesis de una obra incomparable, llena de admiración, dolor y surrealismo, que trascendió los límites estéticos de su época.Escrito entre los años 1929 y 1930, Poeta en Nueva York se ha afirmado como uno de los clásicos indiscutibles de la literatura modernista y una de las más hondas meditaciones poéticas sobre la ciudad, la multitud y la soledad, cuya influencia sigue extendiéndose más allá de la lengua y del género.
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La dona aproximativa
«Ripoll mobilitza en aquest llibre la tradició que comença amb Baudelaire i acaba amb Mallarmé, amb referències explícites a Rimbaud. Així mateix, dialoga amb l’antiart dadaista, del qual Tzara és un dels màxims exponents, i, en particular, amb el surrealisme. En el llibre s’esmenta el bar Meliton de Cadaqués, freqüentat, com és ben sabut, per Marcel Duchamp, que solia jugar-hi a escacs –en alguna ocasió, amb Salvador Dalí» (de l’epíleg de Caterina Riba).
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En Puerto sin mar Esther Abellán explora temas profundos como la desolación, la tristeza, el dolor o la pérdida. La metáfora del mar seco (como es el mar de Aral) lleva a la poeta a entender la desaparición de la vida y que la belleza se pueda convertir en algo peligroso e inalcanzable ante la barbarie de la sociedad. Esto genera en la voz poética un miedo al vacío que permanece cuando la vida desaparece. La autora refleja un paralelismo con la experiencia humana y este espacio desolador de un puerto sin mar. Para ello habla de un lugar de seguridad donde poder sentirse humano y protegido en momentos de desolación y desesperanza. Y ahí es donde nace la esperanza.
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En Ella lee Kepa Murua explora temas profundos como la incertidumbre, la nostalgia y la singularidad de cada experiencia y sentimiento, todo tejido a través de metáforas que reflejan emociones humanas y la complejidad de la verdad personal. La nostalgia y el dolor tienen matices que no pueden cuantificarse ni compararse. Cada persona y cada vivencia son únicas, imposibles de encajar en una fórmula exacta. La incertidumbre es presentada como parte vital de la condición humana, con sus luces y sombras.
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Una carta abierta a la vida escrita con el alma en carne viva. Un recorrido íntimo por sentimientos y emociones: el amor, la pérdida, la identidad, la lucha contra la enfermedad, la justicia, la igualdad, la literatura y el arte como salvavidas. Una historia hecha espejo en el que verse reflejado, encontrarse, entenderse y ojalá sanarse. Una invitación a caminar por los rincones más frágiles y luminosos de la existencia de cualquier humano. Un trozo de vida. Una lección de amor propio. Una revolución escrita a versos.
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Ir al médico es con seguridad una acción integrada en la cotidianeidad de nuestro mundo y, de alguna manera, desvela aspectos esenciales del ser humano como la necesidad de compartir con otro una experiencia, una preocupación, un cambio en nuestro cuerpo o en nuestro modo de percibirnos. Derivado al especialista recoge en sus poemas vivencias enmarcadas en el ámbito de la salud desde diferentes ángulos y trata de trascender a través de ellas y reflexionar sobre aspectos del ser humano como la identidad, el amor, el paso del tiempo, la paternidad o la misma naturaleza humana.Está inspirado en nuestra necesidad de contarnos y en que, a su vez, haya alguien que escuche y nos ayude en un diagnóstico que no es más que una ayuda para conocernos mejor. Así, el juicio clínico pasa a un segundo plano porque lo que verdaderamente importa es la propia búsqueda del sentido en síntomas reveladores, y porque en la interpretación de esos síntomas está en juego comprendernos a nosotros mismos.Como sostiene Pablo Bujalance, quien prologa esta obra: «La apuesta no es precisamente menor: en una época marcada a fuego por la supremacía del yo poético, acaso síntoma de cierta vanidad que parece consolarse en su presunta calidad intransferible, Cansino brinda un nosotros sostenido con firmeza en la evidencia de que, maldita sea, a todos nos duele algo».
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Transmutación', la segunda obra de Isaac Álvarez Félix, llega como una declaración de intenciones. Un libro que se atreve a convertir la poesía en un territorio de riesgo, crudeza y revelación. En estos versos, la culpa, la ansiedad, el origen y la desestructuración familiar se convierten en motores de cambio y en fuerzas vitales que empujan al autor a mirarse de frente. Al abandonar máscaras y patrones aprendidos, emerge un nuevo ser que es, al mismo tiempo, él mismo y otro distinto. Con una escritura que fluye como una música punzante, Isaac recoge la herencia de los beats y la lleva a un terreno propio: directo y visceral. Transmutación es un viaje de descenso y renacimiento, una exploración de las sombras para alumbrar una identidad renovada. Un poemario poderoso, cuya voz poética incomoda, remueve y, sobre todo, transforma.
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Pablo Neruda, uno de los mayores poetas contemporáneos en lengua castellana, ejerció una decisiva influencia en poetas como García Lorca, o Rafael Alberti, con quienes mantuvo una estrecha amistad. Precisamente fue Alberti quien se encargó de hacer esta selección (acompañada por un prólogo), en la que se hace un detallado recorrido por las principales obras del poeta chileno.
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Existen dos visiones opuestas sobre el destino. Hay quienes sostienen que nuestro camino ya está trazado, una historia ya escrita que solo nos queda descubrir y vivir. Por otro lado, hay quienes defienden que el destino es algo que vamos creando con la libertad de nuestras decisiones y la manera en que actuamos. Ahí surge El destino se escribe en vertical, un poemario íntimo, honesto y valiente, donde Jorge Férmez abre las puertas de su memoria emocional, explorando el amor y el desamor, la lealtad de la amistad, la melancolía de la nostalgia y la belleza viva en lo cotidiano. Un viaje a través de ciudades, estaciones y personas que han marcado su vida, convirtiendo sus experiencias más íntimas en un espejo universal donde el lector puede reconocerse y donde, tal vez, se atreva a mirar diferente.Con un lenguaje que es cercano y a la vez poético, Férmez nos enseña que cada vivencia, por pequeña que sea, deja una huella. A veces puede ser la caricia que nos eriza la piel, una herida que nos duele, una cicatriz que nos fortalece o la arruga que nos recuerda el paso del tiempo. Este libro es más que una colección de poemas, es una invitación a la introspección, un espacio para detenerse y sanar. Es un recordatorio de que, aunque hay veces que el destino no se escribe a nuestro favor, siempre podemos escribirlo en vertical.
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Certeza del amanecer es una secuencia de Blanca Eslava pensamientos poéticos que buscan la luz en la naturaleza, desde una senda cotidiana, determinada en el círculo que compila los ritmos del tiempo que miden nuestras vidas. Las luces que me envuelven cuando bajan por la piedra y se multiplican entre las margaritas del camino me llenan de emoción. Su belleza auténtica no estaba en los catálogos ni en los escaparates. Me hago grande al comprender el origen de lo que soy y mi paso se hace más suave, soy leve y recibo la luz cerca del corazón, me curo. Mi atuendo se ha vuelto básico, palabras en soledad por el camino al amanecer, esfuerzo de mi cuerpo en recorrer los espacios que conozco y quiero. Íntimo disfrute de sentirme parte del fluir en la naturaleza.
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