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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Los escritos emblemáticos del padre de la modernidad y poeta maldito por excelencia Edición de Andreu Jaume, crítico literario Traducción de Lluís Guarner y Andreu Jaume Baudelaire abrió las puertas a un mundo hasta entonces vetado a la literatura con Las flores del mal, una «ofensa a la moral» por la que fue procesado. En sus versos, la lírica dejaba atrás los paisajes bucólicos y las pasiones elevadas para hundirse en la bohemia parisina. Lejos de amedrentarse ante la incomprensión de sus contemporáneos, Baudelaire ahondó aún más si cabe en esos parajes oscuros con el florilegio de prosa poética de El spleen de París y el ensayo Los paraísos artificiales, en el que narra sus experiencias con el opio y el hachís. Tras ellos se revela la decadencia de unos ideales duramente criticados, la melancolía, el deseo de la inasible eternidad y el terrible miedo al paso del tiempo, jamás clemente. La presente edición presenta la soberbia versión que ofreció del autor el gran poeta valenciano Lluís Guarner, así como algunos poemas traducidos por el propio editor de este volumen, Andreu Jaume.
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26è Premi de Poesia Joan Duch per a Joves Escriptors de Juneda
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Les Fleurs du mal apareció en 1857 y enlaza con la poesía francesa que le precede, el Romanticismo, Victor Hugo y Théophile Gautier, sobre todo formalmente, pero por su estructura como libro y por su temática rompedora, urbana, contemporánea, al tiempo que erótica, necrofílica, demoníaca, rebelde, desafiante, abre caminos que pocos años más tarde seguirán Rimbaud, Verlaine o Mallarmé, cada cual a su modo, y llevarán a Apollinaire primero y a la gran eclosión poética francesa del siglo xx después. Es el primer libro de la modernidad, y sus constantes reediciones y lecturas indican claramente que sigue tan vivo como hace siglo y medio, cuando el maestro Hugo opinó sobre él en carta al poeta: «Dotáis al cielo del arte de no se sabe qué rayo macabro. Creáis un estremecimiento nuevo».Ese estremecimiento nuevo provenía de la mirada y la inteligencia de Baudelaire, de una visión omnicomprensiva de la realidad que abarcaba todas las facetas de lo humano, ampliando el campo de la lírica a aspectos y perspectivas que habían quedado fuera de ella hasta entonces, como el trabajo, la miseria, la vejez, la mendicidad, la prostitución o el lesbianismo, enriqueciendo la poesía con cuanto no se había considerado digno de figurar entre lo bello, de aspirar a la belleza del arte pese a su fealdad, su repugnancia o su maldad. Baudelaire nos enfrenta por primera vez en la lírica a la complejidad del ser humano y de la existencia sin censuras ni tapujos. Incorpora el mal a la poesía, pero lo hace en forma de flores, y «la energía con que nos pinta el mal y sus secuelas prueba la belleza de su corazón», como escribió él mismo de Daumier. Y su legado nos motiva y pervive.
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Agustín Fernández Mallo deconstruye, a través de su inconfundible y plástica prosa poética, la ruptura de una pareja. «Recluido en un hotel de una isla mediterránea, el hombre recuerda los avatares de aquel amor. Se despliega, así, un abanico de fotografías verbales, que se engarzan en las páginas como cuentas en el hilo de la memoria.»Eduardo Moga Un gin con limón. Una habitación de hotel. Una isla mediterránea. Un tipo al que su chica ha abandonado creyendo que una casa no agota todos los mapas. Y un monigote atornillado a la puerta del lavabo que no deja de hablar y que, en su largo monólogo existencial, aúna literatura, la belleza del caos que se extiende ante la ausencia infinita, con ciencia, la fría rigurosidad carnívora del número exacto, del azar entendido como obra de arte que se decapita a sí misma a cada instante. Agustín Fernández Mallo deconstruye, a través de su inconfundible y plástica prosa poética, la ruptura de una pareja, arrojando puñados de polaroids verbales ante el lector, asomándose al abismo del terrorífico, por simple, por vacío, mundo real. Un universo cuyos límites están definidos por el lenguaje, como dejó claro el filósofo Ludwig Wittgenstein, cuyo Tractatus homenajea, desde el título, este deliciosamente crudo texto: las palabras son armas que, al dispararse, dibujan la frontera entre lo que existe y lo que no existe porque simplemente no puede nombrarse. Brillante reflexión (físico) metalingüística sobre lo paradójico de la existencia.
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Libro maldito de un poeta maldito, los ''Sonetos lujuriosos'' de Aretino sacudieron a la curia cardenalicia en la Roma papal del siglo XVI. Basados en las imágenes eróticas realizadas al alimón por Giulio RomanoyMarcantonio Raimondi, conocidas como los Modi, vaninstruyendo a los amantes sobre cómo deben acoplar sussexos en las diferentes posturas amatorias para obtener mayor placer. Ajenos a la corrección política, esta nueva versión de Luis Alberto de Cuenca y ,Adrián J. Sáez, que se ofrece en edición bilingüe, incorpora los grabados originales e intenta ser lo másfiel posible al espíritu provocador de su autor, quehubo de refugiarse en Venecia para huir de la ira eclesiástica. Un documentado prólogo explica la historia yel sentido de esta obra heterodoxa.
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Ángel Petisme (Calatayud, 1961) ha publicado, entre otros, Cosmética y terror (1984), Constelaciones al abrir la nevera (1996), Buenos días colesterol (2000), Demolición del Arco Iris (2008), Cinta transportadora (2009), Poemails. Nuestra venganza es ser felices (2011), La noche 351 (2011), El lujo de la tristeza (2014) y El dinero es un perro que no pide caricias (2016). Su obra poética se reúne en Teoría del color (2006) y su poesía cantada en Canciones. Del corazón a los labios (2012). El faro de Dakar alumbra un viaje emocional por el corazón del continente africano para descubrir la esencia pura de la humanidad.
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Poeta singular cuya figura se ha engrandecido hasta la categoría de mito, Miguel Hernández (1910-1942) solo alcanzó a ver publicado en vida «El rayo que no cesa», que salió de las prensas pocos meses antes del estallido de la Guerra Civil. Poemario amoroso impregnado de fuerza, la obra, única del autor cuya distribución y venta toleró en la posguerra el régimen franquista, no tardó en convertirse, tanto por su valor intrínseco como por el simbólico que inmediatamente llevó aparejado, en un libro emblemático. «El rayo que no cesa (escribe Jorge Urrutia en el excelente prólogo que acompaña al texto) es un libro mayor, no sólo en la obra de Miguel Hernández, sino de la poesía española del siglo XX. Un libro en el que el poeta sabe aunar y personalizar las influencias clásicas y modernas... Un libro que provoca desde el principio la simpatía, la implicación del lector... por la atracción que ejerce un poeta perseguido siempre por un clima trágico.» Del mismo autor en esta colección: «Poemas de amor» y «Poemas sociales, de guerra y de muerte».
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HASTA DONDE NOS LLEVEN LOS ABRAZOS es una moneda al aire. Un libro de poemas en tres actos con el amor,el desamor y la vida dando la cara, siendo una cruzo cayendo de canto. Un paseo por las emociones a florde piel con las que cualquiera que haya estado, estéo vaya a estar enamorado, roto o vivo se sentirá identificado. Poesía desgarradora a corazón abierto, sinperos en la lengua, con la verdad por delantey el miedo por detrás. Un guiño al deseo, a la ansiedad, a la tristeza, a la locura, a lo prohibido, a laesperanza, a los abrazos que curan, a las noches envela, al pasado imperfecto, al presente escondido y al futuro. Un auténtico selfie sentimental, profundo y desenfadado.
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Es pot afirmar que Verdaguer fou un veritable poeta dels pobres, per la seva implicació, a través de la caritat, en l'ajuda dels indigents i miserables que en la segona meitat del segle XIX deambulaven per la Barcelona de la revolució industrial. Amb un primer un recorregut històric i literari per l'època del poeta, l'autor, Pere Tió, presenta una antologia de textos de Jacint Verdaguer sobre la pobresa i la caritat però també sobre la injustícia i el dolor amb textos, en bona part inèdits, sobre la persecució que sofreix i el patiment que les privacions econòmiques i les calamitats naturals provoquen a la humanitat. L'epíleg de la poeta Maria Sevilla clou el recull compartint ''la manera apassionada que va tenir [Verdaguer] d'expressar la desmesura'' i ens interpel·la sobre la nostra societat avui.
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Ese tilo dice que volveremos, que no hay miedo en el camino hacia la cuna en que ya fuimos, ese tilo repite cuanto somos sin saber lo que somos. Nada nos cuesta ser raíz, intuir los dedos que fueron hojas, huesos que golpeaba el viento, parpadeos del sol. Ese tilo dice que volveremos, que nunca es pronto o tarde, que las leyes no sirven al misterio, que el tiempo no te explica, que somos ese olvido que nada necesita siquiera una esperanza o un poema. «Tilo», Bruno Mesa Bruno Mesa (Santa Cruz de Tenerife, 1975) es autor de los libros de poemas El laboratorio (2000), Nadie (2002), El libro de Fabio Montes (2010) y Testigos de cargo (Pre-Textos, 2015). En prosa ha publicado dos libros de cuentos, Ulat y otras ficciones (2007) y Literatura fantasma (2022), la novela El hombre encuadernado (2010), el volumen de ensayos Argumentos en busca de autor (2009), el diario romano No guardes nada en tus bolsillos (2015) y el libro de aforismos Planes de fuga (2021). Ha traducido El diario de Kaspar Hauser (2015), del escritor italiano Paolo Febbraro, además de poemas de autores como Eugenio Montale, Camillo Sbarbaro, Giorgio Vigolo o Salvatore Toma.
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Para una mujer escribir poesía ha sido durante siglos una condena al silencio. Y, sin embargo, desde el sigilo, las mujeres han sabido marcar la historia déla literatura.Paula Carbonél nos invita a recorrer en Inesperadas los silencios déla geografía hispana y latinoamericana. Un viaje que recupera la voz de grandes creadoras relegadas a un segundo plano durante siglos y, que hoy merecen ser escuchadas, no por ser mujeres, sino por ser grandes poetas, tan inesperadas como imprescindibles.Una añología poética que alberga diversidad de temas, estilos y sensibilidades que han inspirado a la ilustradora Alejandra Acosta para crear una historia propia que acompaña esta muestra.
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El presente volumen de la colección «Poesía portátil» es una antología de la obra poética de Anna Ajmátova, una de las principales voces de la poesía rusa de principios del siglo XX. Una obra maestra contra la represión y el terror estalinista. La obra de Anna Ajmátova (1889-1966), prohibida durante muchos años en Rusia, es uno de los principales testimonios literarios de la turbulenta historia del país. En 1934 su primer marido, el también poeta Gumilev, fue acusado de actividades contrarrevolucionarias y murió fusilado. Muchos de sus amigos poetas fueron enviados a los gulags estalinianos y Ajmátova vio cómo la mayoría de sus seres queridos morían, eran condenados o enviados al exilio. Entre ellos, su único hijo. Tras años en el centro de la diana del terror estalinista, Lev fue encarcelado en 1938 acusado de terrorismo. Durante diecisiete meses, Ajmátova hizo cola todas las mañanas ante la cárcel de Leningrado para saber si seguía con vida. De esta experiencia nacería uno de sus poemarios más hermosos: Réquiem, recogido en este libro y publicado en 1963, el mismo año en que se le concedió el Premio Internacional de Literatura. Esta selección, en la versión del Premio Nacional de Traducción José Luís Reina Palazón, también incluye otros poemas en los que Ajmátova desnuda el espíritu ruso mientras canta al desamor, al paso del tiempo y al dolor de ver la propia patria sometida al terror más feroz. -------«- ¿Y usted puede describir esto?Y yo dije:- Puedo.Entonces algo como una sonrisa resbaló en aquello que una vez había sido su rostro.»-------
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Entre finales délos años cincuenta y principios délos sesenta Nueva York desplazó a París y Londres como capital cultural del mundo: cines, museos, librerías, salas de exposición, teatros... Todo convergía en la fabulosa isla de Manhattan. Y la poesía no iba ser menos. Presentamos una extensa añología de poemas refractarios a la solemnidad y la trascendencia, entregados a la innovación formal, la elegancia y el humor. Porque en palabras de Ashbery: «No quedaba nada por decir, pero teníamos que decirlo de alguna manera».
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Tres poetas de nuestro tiempo (Raquel Laneros, Francisca Gata y Marisa López Soria) escriben sus propios versos a veintiún predecesoras que son su genealogía. Es este un libro homenaje a las poetas pioneras del siglo XX en español, que abrieron un espacio inédito al ôyoö poético femenino y abrieron también el camino a otras poetas posteriores. Antes de ellas, las mujeres poetas eran casos excepcionales. Delicadamente ilustrado, intimo y confidente, ellas vuelan nos adentra en un diálogo entre poetas de ayer y de hoy, voces de mujer siempre. Lanseros, Gata y López Soria recuperan veintiún nombres referentes de la poesía femenina, de España e Hispanoamérica. Se incluyen sus veintiún biografías.
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Antonio Machado ha sido considerado como el poeta español más importante del siglo XX por el poeta Ángel González. Una de sus grandes aportaciones a la historia de la literatura es la necesidad de contar con “elotro”: “O escribimos sin olvidar al pueblo, o solo escribiremos tonterías”. Siempre será un referente paralas generaciones venideras, para que no olviden la palabra, y mucho menos al ser humano y su sentido cívico.
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Francisco López Serrano (Épila, Zaragoza, 1960). Ha obtenido prestigiosos premios literarios entre los quese cuentan el «Blas de Otero» y «Luis Cernuda» de poesía, «Setenil» y «Ciudad de San Sebastián» de cuentos, «Generación del 27» de narrativa y «Ciudad de Salamanca» y «Ciudad de Badajoz» de novela. Habitualmentecolabora en revistas literarias y periódicos como Clarín, Turia o Heraldo de Aragón.
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Papa, no vull que et tanquin a la presó. A cor obert és una conversa de caràcter intimista, entre pare i fill. Construïda en un doble llenguatge (poesia i fotografia), on es fonen imatges i paraules, ens convida a una lectura pausada i reflexiva, mitjançant la qual cadascú es pugui fer les seves pròpies preguntes i trobar les seves pròpies respostes.
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El título alude al séptimo sello del mensaje del Apocalipsis en la Biblia, que significa el silencio, y sirve de pretexto a la autora para sumergirnos en su estimulante universo poético, donde se abordan los límites entre real e irreal, sagrado y profano, banal y absolutamente necesario, plasmado aquí con gran talento. Los poemas en prosa de Elénkova nos acercan al mundo de todos los días: una tubería de agua, un viajeen coche, un túnel, los cambios de estación, la dulzura del sol... y lo trasciende, de pronto, para conducirnos a un sorprendente cierre de poema que nos aboca, irremediablemente, al silencio y la reflexión. El corazón del lector palpita y se ve inmerso, sin haberlo previsto, en temas como la muerte, el amor, la familia o la teología cristiana ortodoxa, tan necesitadade ser comprendida por todas y todos los lectores enel establecimiento de un diálogo con la insospechadabelleza de la Europa del Este.
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Otras maneras de usar la boca habla, de una forma contundente y poderosa, de cómo superar los golpes déla vida: el abuso, el desamor, la pérdía y las ideas preconcebidas sobréla feminidad. Siempre impactantes, los versos de Kaur llenan de fortaleza al lector, que siente esas palabras como suyas y la necesidad de transcribirlas y compartirlas.
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El recull Intent de poemari ha estat mereixedor delprestigiós Premi Amadeu Oller 2021. L'obra es vertebraen el joc, la ironia i la transgressió de les formestextuals. Amb Joan Brossa com a autor de capçalera,lapoesia visual d'Irene Gómez Diéguez planteja al lector un joc de paranys i enigmes per desxifrar.
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En este poemario Rich habla del poder de las mujeres, de los amores entre ellas, hermosos y prohibidos, yretoma una de las metáforas más antiguas de la tradición literaria: la naturaleza y su semejanza con el cuerpo femenino. Pero sobre todo es un libro que cuestiona la opresión y el silencio de las mujeres, y queimagina lo que sólo los grandes poetas han soñado: lacreación de una lengua común que permita comprendernos de forma verdadera, sin herirnos, sin violentarnos, donde la existencia no sea una batalla entre todosnosotros sino la afirmación de una nueva armonía, entre hombres y mujeres, entre el ser humano y la naturaleza, una lengua para soñar por fin juntos nuestra humanidad común.
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El nuevo poemario de Blon versiona en formato poema los mitos clásicos más populares y nos recuerda que siguen siendo metáforas certeras de nuestros instintos, nuestras crueldades y nuestros anhelos. El cincel del tiempo ha ido modelando el mundo desde sus inicios, pero el ser humano sigue siendo dueño de las mismas debilidades, esclavo de los mismos miedos y verdugo de las mismas víctimas. Como el de Sísifo, su castigo es repetir una y otra vez idéntico destino sin aprender ni una sola lección de sus errores. A lo largo de este tercer poemario, Blon relata en formato poema algunos de los mitos más populares de la antigüedad, historias con las que los clásicos explicaban el origen del mundo y las desgracias de la humanidad y que, aún hoy, siguen siendo metáforas certeras de nuestros instintos más primarios, nuestras crueldades y nuestros anhelos.
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Una autora que se reivindica, fundamentalmente, poeta. La recuperación -con una reescritura profunda, casi un texto nuevo- del libro de poemas que funciona, en cierto modo, como semilla de La mala costumbre. En esta habitación viven Safo y Erina, Sylvia Plath, Adrienne Rich, y viven también mujeres encarnadas en mito -Ofelia la hermana, Gorgona con su poder como castigo- que construyen la realidad, y otras que existieron tanto como las de la imaginación, y que quizá no tengan nombre todavía, pero sí poseen historias. Y vive una misma buscándose, encontrándose múltiple y diversa, «la habitación de una mujer ahogada antes de nacer cuyo espíritu aún no ha dicho la última palabra».Alana S. Portero propone en La habitación de las ahogadas una cosmogonía de las mujeres que fueron para que nosotras fuésemos, una conversación con sus voces y con sus significados, y desde ella traza un espacio simbólico que libera cuando propio, y encierra cuando ajeno. Estos poemas visionarios reclaman «su legítimo lugar en la tormenta», hablan sobre la identidad, y despliegan una escritura de finísimo poderío lírico, furiosa y extática, que apuesta por la belleza como celebración y refugio.Esta edición de La habitación de las ahogadas presenta la reescritura profunda -casi un texto nuevo- de un libro de poemas que reivindica la trayectoria literaria de Alana S. Portero. Una mirada poética que se nutre de la tradición clásica, que la aprende y que la afronta, y desde ella -con ella- cuenta y canta.
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Todos mis poemas han sido inspirados por la realidad y en ella tienenfundamento y hacen pie. Los poemas que nacen del aire no me interesannada, escribe Goethe en septiembre de 1823 a Eckermann. La ocasión, lacircunstancia es la que, en opinión de muchos, da origen a la poesía.-La obra lírica de Brecht es, en todo caso, comparable con la de Goetheen la historia de la literatura alemana, y ello tanto cuantitativa como,sobre todo, cualitativamente. Todas las formas poéticas le eranfamiliares a Brecht desde su juventud. Muchos de sus más de dos milquinientos poemas, desde Hauspostille / Devocionario doméstico hasta lasBuckower Elegien / Elegías de Buckow son obras maestras de valorperdurable.Más de cien poemas recoge la selección de un centenar largo de los másimportantes poemas de Brecht hecha, en el centenario del nacimiento delpoeta, por un gran conocedor de la obra brechtiana que lleva muchasdécadas publicándola y disfrutando de ella: su amigo y editor SiegfriedUnseld. Aunque se declara subjetiva y parcial, esta selección tiene, sinembargo, el mérito de mostrar una imagen muy completa de uno de losescritores de mayor influencia de este siglo.La traducción castellana, como ya ocurriera con el volumen Poemas deamor, también publicado en Hiperión, es el resultado de la colaboracióny el trabajo en equipo de Vicente Forés, Jesús Munárriz y Jenaro Talens.
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Les hores ferides parla de com sobreviure a les absències de les persones estimades i de saber anar-se'n i afrontar el propi final de vida. El volum, que inclou tres parts, destaca per la seva combinació de prosa poètica i poemes en sentit estricte, subratllant la diversitat i l'equilibri en l'ús de diferents formes poètiques per part de l'autor. A més, cal destacar la capacitat de l'autor per construir el poema a partir d'imatges colpidores i il·luminadores que potencien el simbolisme de cadascuna de les peces. Un llibre on hi ha una interrogació constant sobre quin és el sentit del dolor que ens deixen les morts properes i sobre què n'hem d'aprendre de les hores difícils on els desordres de la vida ens atrapen per recordar-nos la nostra condició finita.
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César Vallejo es, indiscutiblemente, uno de los mayores poetas en lengua castellana del siglo XX. En su famoso poemario Trilce (1922) anticipó gran parte del vanguardismo que se instalaría en la literatura a partir de entonces, con exponentes tan significativos como el poemario Altazor de Vicente Huidobro o el Finnegans Wake de James Joyce. En Trilce, Vallejo lleva a la lengua española a límites insospechados: inventa palabras, fuerza la sintaxis, emplea la escritura automática y otras técnicas utilizadas por los movimientos dadá y surrealista. Sin embargo, su obra narrativa tomó otro camino, directamente emparentado con el realismo social. Así sucede en El tungsteno, novela a la vez indigenista y proletaria, de sabor amargo pero teñido, al final, de esperanza. Novela de denuncia, comprometida con la defensa de los más humildes, El tungsteno es un alegato contra los abusos de todo tipo cometidos contra los indios y a favor de una toma de conciencia de los trabajadores sometidos a una brutal explotación. Vallejo partió a París en 1923, y nunca regresó a Perú. El tungsteno fue escrito en Madrid, según contó su viuda, en sólo tres semanas, aunque probablemente algunos fragmentos habrían sido redactados mucho antes, cuando aún vivía en Perú. En España fue testigo de la caída de la Monarquía y de la proclamación de la República, con la que se comprometió. Frecuentó a los escritores españoles de la época, entre ellos Unamuno, García Lorca, Alberti, Gerardo Diego y Bergamín. Falleció en París en 1938. El tungsteno es, sin duda, la novela más relevante de César Vallejo. En este volumen se incluye, además, su cuento más célebre: Paco Yunque.
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Los poemas de Las flores del mal despliegan una arquitectura verbal resplandeciente mientras nos introducen en el lado más oscuro de la naturaleza humana, esa raíz maldita que, según Baudelaire, nos alimenta a todos. Desde su primera edición en 1857, este libro «maldito» —ahora nuevamente traducido por el poeta Pedro Provencio— ejerció una enorme influencia en la poesía posromántica y, hasta bien entrado el siglo xx, su trascendencia es equiparable a la del Cancionero de Petrarca en el Renacimiento.
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Quan les coses es torcen és quan cal que estiguem més desperts, més forts i amb més ganes de canviar el nostre present. Teniu a les mans una sèrie de poemes (també en podeu dir consells, ànims o pensaments) que creuen fermament en les portes obertes, els gots plens i els llenços multicolors. Els compartim?
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Un poemario que invita al lector a colarse, a través del amor, los vegetales y la ironía, en diferentes territorios. La cocina, la alcoba, la pradera, la ciudad como puntos de partida y ejes de la vida cotidiana.
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Svetlana Cârstean (Botoșani, Rumanía, 1969) es una de las voces poéticas actuales más auténticas de su país. Ha publicado los libros La flor del tornillo de banco (2002), Gravitación (2015) y Trado (2016), escrito con la poeta suecoiraní Athena Farrokhzad. Ha recibido, entre otros, el Premio para Poetas Noveles de la Unión de Escritores Rumanos y el Premio Nacional de Poesía Mihai Eminescu. Soy otra (2021), su libro más reciente, ha sido un éxito de ventas en Rumanía. Se trata de un poemario que actualiza en femenino la célebre afirmación rimbaudiana «Je est un autre» a través de una incursión en las relaciones que conforman la identidad. Como si llevaran incorporada una cámara que se acerca y se aleja constantemente, estos poemas analizan, desmontan y reconstruyen desde todos los ángulos posibles lo que significa la pertenencia, el territorio, las fronteras, las perspectivas múltiples y el sentimiento de enajenación. Un libro en el que la poeta se aleja de sí misma y del otro, de los miedos y de los traumas propios y colectivos, para transformarse y transformarlos en construcciones textuales. Leer Soy otra de Svetlana Cârstean es entrar en un universo real y ficticio a la vez («esto es ficción y no va sobre ti», dice uno de sus poemas), donde se puede tocar con cuidado y asombro la madera de unas matrioshkas lingüísticas que se abren, se multiplican al infinito, y nos muestran sutilmente que somos siempre una ficción para nosotros mismos y para los demás.
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Un dels grans poetes catalans de tots els temps i un dels grans poetes europeus del segle xxA l'Obra poètica en vers s'hi recull, és clar, tota l'obra canònica de Foix: els cinc llibres que va publicar entre 1947 i 1964, més un opuscle del 1957 —un diàleg poètic amb Joan Ferraté— i els poemes dispersos que va incloure el 1974 en el volum que recollia la seva poesia en vers. Però l'edició inclou també un amplíssim apartat de poemes dispersos i que inclou textos fins ara mai divulgats.
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En una arquitectura minuciosamente estudiada, este poemario entrelaza voces y temas diversos. En un primer plano, se encuentra una persona cualquiera de las ciudades del mundo occidental, un individuo que experimenta el vacío, la soledad y la extrañeza hacia sí mismo y los demás. Luego están los otros: los individuos con los que el yo se encuentra o a los que observa desde lejos, y que en algunos casos toman la palabra para hacer visible la complejidad de los destinos personales. Por último, a su alrededor, está el plano de los destinos generales, los grandes acontecimientos colectivos que condicionan nuestras vidas y que se manifiestan en forma de experiencias directas o, más a menudo, de espectáculos: los conflictos de los años setenta evocados en el transcurso de una conversación, el G8 de Génova, el 11 de septiembre visto en la televisión, los vídeos del ISIS... Un poemario que parte de las superficies (las ventanillas de trenes y aviones, las pantallas de los medios de comunicación, los rostros de los demás) para buscar la profundidad, alternando verso y prosa para ofrecer una imagen plausible de lo que significa estar vivo en el siglo XXI.
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Darío Quesada Hurtado, también conocido como el Marinero de los versos, traza en Mi cantar vuelve a plañir la travesía íntima de un joven poeta que zarpa en el inicio de la adolescencia, surca las aguas inciertas del primer amor y encalla. A partir de ahí buscará un refugio en la contemplación y la reconciliación con el mundo a través de la poesía, donde se cobijará su alma. Esta obra es un regreso al dolor que canta, al amor que se recuerda, una expresión lírica de la memoria, el deseo y la pérdida. A través de sus páginas, el lector respirará el aliento clásico de los Poemas de fresa, la fragilidad sentimental de los Poemas de cristal, la reflexión literaria de Un himno gigante y extraño, la reconciliación con la naturaleza de los Poemas del olivo y el eco persistente de un sentimiento en Allá donde muere el mar. Hay cantos que no cesan, por eso resucita un verbo casi olvidado, «plañir», para mostrar que aún es posible llorar cantando.
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Blau pàl·lid és un viatge a la immensitat de l'univers a través de la mirada íntima del planeta Terra. En aquest poemari, l'autor explora la contradicció entre la petitesa del nostre món i la infinitat del cosmos. Dividit en tres parts -Radiació còsmica de fons, El principi antròpic i Enfonsament i curvatura- el llibre navega entre l'espai i el temps, anant de la creació de la matèria, fins a l'evolució de la humanitat i la seva fi. Els poemes aborden la recerca de sentit en un món sovint incomprès o l'impuls humà per entendre el seu paper. Cada text esdevé part d'un trencaclosques que, sense judicis morals, intenta observar un univers que es desintegra i es reconstrueix incessantment. Amb una llengua que balla entre la imatge còsmica i la quotidianitat més visceral, Blau pàl·lid ofereix una experiència on matèria, esperit i univers es fonen en un sol vincle. Tot plegat amb l'esperança que, fins i tot dins d'una diminuta engruna de color blau pàl·lid, hi hagi lloc per a la poesia.
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El poemario Caléndulas es una obra de gran carga emocional y estilística, organizada en secciones que exploran diversos aspectos de la experiencia humana: el amor, la naturaleza, la resiliencia y la conexión con las raíces. El lenguaje poético es visual y evocador, rico en metáforas que conectan los sentimientos con elementos de la naturaleza y del cosmos. La escritora emplea un tono íntimo y directo, creando un diálogo implícito con el lector. Su uso de imágenes como «el bosque de las palabras» o «el gemido frágil y desnudo nadando en la pecera de tu boca» destaca por su originalidad y fuerza sensorial. Caléndulas es una obra que celebra la vida en todas sus formas: el amor, el dolor, la pérdida y el renacimiento. Su escritura honesta y emotiva invita al lector a reflexionar sobre sus propias cicatrices y logros mientras se sumerge en un mundo de imágenes vibrantes y profundamente humanas. Verónica nos recuerda que, como las flores, siempre hay un momento para florecer, incluso después de las tormentas más duras. En resumen, lo que diferencia a Caléndulas es su capacidad de ser universal y personal al mismo tiempo mientras guía al lector a través de un viaje emocional y estético profundo. La autora ofrece una perspectiva que equilibra la delicadeza poética con la fuerza de los sentimientos, logrando un poemario que no solo se lee, sino que se siente y se vive. ¡Es una obra con alma!
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
