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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Se ofrece en este volumen la poesía completa de Rosalía de Castro. Sus cinco libros: La flor (1857), A mi madre (1863), Cantares gallegos (1863), Follas novas (1880) y En las orillas del Sar (1884), más un Apéndice con poemas sueltos, así como algunas canciones y poemas populares recogidos por la escritora, se reúnen aquí en un único volumen, en edición bilingüe a cargo de Juan Barja (traducción y notas) y con una introducción de Arturo Leyte. Como señala el traductor, para la edición castellana «se ha optado por una versión rítmica y rimada, siguiendo los modelos originales -tal como seguramente hubiera preferido Rosalía-, mas tratando de guardar al máximo la semejanza, aun a riesgo de afear el resultado, sustituyendo, supliendo, variando en contadísimas ocasiones ''lo que dice'' el poeta, para respetar mejor lo que el poeta ''canta''. Además, siendo esta edición bilingüe -como quizá siempre deberían ser, al menos, las de todas las traducciones de libros de poesía-, la insuficiencia de mis logros queda más que favorablemente saldada y corregida. La versión castellana es así el trampolín donde se podrán apoyar los que no alcancen a desenvolverse directa o enteramente en gallego. Y con esto basta».
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Las citas de Sylvia Plath y Charles Olson con las que la autora abre este espacio poético (fosa y comuna) dibujan temprano el quiasmo fundamental de su obra: la imposibilidad de encontrarse (el tú y el yo) antepuesta a la voluntad insaciable de la intimidad. Emocionarse con, emocionarse en, instancias sucesivas de lo sensorial participado, desde ese colocarse en el sitio del otro que Edith Stein analizara por la vía de la fenomenología, al Proprioception (1965) del mismo Charles Olson y su «sensibilidad interior del organismo».A todo esto, María Belén Milla Altabás (Lima, 1991) desemplea la tradición corporal (y corporativa) del imaginario medieval —sangre, sudor, lágrimas— para embestir el cuerpo del otro, asistida de una diestra risotada, entre la bulla de Vallejo y el bullicio de Rabelais.La operación de la autora es tan libre como intrincada: en la intimidad de la afrenta amorosa el sentido de nuestro cuerpo se desplaza más allá de la piel, lo genital o lo capilar, a una zona peripersonal deseante que busca su expansión por el otro. En esa frontera competida, la violencia de los géneros desestabiliza nuestra ubicación y confunde los límites de nuestra identidad.Es lo preliminar a la emoción común de la cópula, que rescata al sujeto de su reciente desvarío y, atravesado por el otro, potencia su sentido de la interioridad, eso que ha dado en llamarse interocepción.Adéntrate aquí, lector, «ahora que mi multitud te espera».
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Esta obra es una introducción sencilla y eficaz a la poesía española, desde las primeras jarchas y el Cantar de Mio Cid hasta «Palabras para Julia», de José Agustín Goytisolo. De manera cronológica, y siguiendo los sucesivos movimientos literarios –de los que se hace un breve, pero completo estudio–, José María Plaza reúne en esta edición los cincuenta poetas españoles más importantes y representativos de la historia, así como una selección de sus poemas más hermosos y accesibles. Entre el clavel y la rosa aúna el rigor histórico con el placer inmediato de la lectura, y supone una excelente iniciación a la poesía española y a la poesía en general.
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Los mejores poemas breves de William Wordsworth Wordsworth es el poeta romántico inglés por antonomasia. Junto a Coleridge, sentó las bases del movimiento que revolucionó la poesía inglesa del XIX y abrió un camino con el que todavía están en deuda muchos poetas del siglo XX. A pesar de su importancia, la obra de este autor no ha conocido en nuestra lengua la difusión que le corresponde. Gonzalo Torné, con excelente criterio, ha llevado a cabo una selección de los grandes poemas breves de Wordsworth -algunos nunca hasta ahora traducidos al castellano-, entre los que se cuentan algunas de las obras maestras de la poesía universal, como «La abadía de Tintern» o «Insinuaciones de inmortalidad en recuerdos de temprana infancia».
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Paisajes para leer, poemas para mirar, dibujos para cantar. De la mañana a la noche. Del sol a la luna. Así se recorren las páginas de este libro de poemas y canciones de Federico García Lorca, ilustrado por Isol.
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El meu país: 50 odes a la pàtria
Per reivindicar l’orgull nacional o per expressar l’enyor d’èpoques millors, per manifestar amor a la terra, desencís, rauxa o seny, la poesia és sempre el millor camí. D’Ibn al-Abbar a Enric Casasses, de Verdaguer a Espriu i a Joan Brossa, una selecció dels millors poemes de tots els temps dedicats a la pàtria. Jaume Subirana (www.jaumesubirana.com) és escriptor i professor universitari. Ha editat reconegudes antologies “amb tema” com 50 poemes de Nadal per dir dalt de la cadira, Per dir sí. 50 poemes per a casaments, Que no mori la llum. 50 poemes per a funerals, i 50 poemes per saber de memòria.
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Vittorio Bodini (Bari, 1914-Roma 1970), además de un magnífico poeta, fue un relevante hispanista y un excelente traductor. Su voz poética, nacida al calor del hermetismo florentino e imbuida de amor por España, sugestiones lorquianas y meridionalismo, despunta como una de las más significativas de la literatura italiana del siglo. Rafael Alberti, con el que Bodini trabó una sincera amistad durante sus años romanos, dijo de él que era «un traductor genial, un hombre genial, un poeta genial», y Carmen Laforet lo definió simplemente como «un poeta muy grande, muy actual y ya de siempre». Sus versos rompen de un puñetazo la cotidiana monotonía del alma, aturdida de inercias, y nos invitan a sumergirnos en las entrañas de la vida, con sus colores y sus sombras, porque «solo cuando hayamos aprendido de los sauces / a acariciarnos lentamente / y de la luna a apostar en contra de nosotros / podremos decir que hemos vividos dos veces».
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El Romancero gitano (1928) es, con justicia, uno de los libros más célebres de la poesía en lengua española. Esta edición se enriquece, además, con los «Romances del teatro» de Federico García Lorca (1898-1936) y con el valioso complemento de todos los escritos del poeta -cartas, declaraciones, conferencias- en torno a esta obra. La cronología razonada que incluye puede seguirse como un diario de la creación del libro, que añade circunstancias de su edición y de su propagación hasta 1936.
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Megan Fox hace gala de su humor negro a lo largo de un poemario desgarrador y oscuro. A lo largo de más de setenta poemas, Fox hace una crónica de todas las maneras en que nos amoldamos a la forma de los que amamos, incluso si eso significa perdernos a nosotras mismas en el proceso. ''Estos poemas fueron escritos en un intento de extirpar la enfermedad que había arraigado en mí a causa de mi silencio. He pasado toda mi vida guardando los secretos de los hombres, me duele el cuerpo de cargar con el peso de sus pecados. Mi libertad vive en estas páginas, y espero que mis palabras puedan inspirar a otras a recuperar su felicidad y su identidad utilizando su voz para iluminar lo que ha quedado enterrado, pero no olvidado, en la oscuridad'', dice Fox. ''Los chicos guapos son tóxicos'' supone el poderoso debut literario de una de las mujeres más conocidas de nuestro tiempo. Pasa la página, muerde la manzana e híncale el diente al libro más deliciosamente convincente y adictivo que leerás en todo el año. Uno de los bestsellers del año según el New York Times. ''Desgarrador... Vayan todos a leer el libro''. -Alex Cooper, presentador del podcast Call Her Daddy.
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Envuelta en escándalo en el momento de su aparición (la primera edición, en 1857, padeció la supresión delos seis célebres poemas condenados por el Tribunal Correccional de París), «Las flores del mal» inauguróuna poética innovadora que se traduce en la búsquedade la musicalidad del poema, en la audacia de la imagen y en el famoso sistema de «correspondencias» que habría de dar origen al movimiento simbolista. Desgarrada entre la sensualidad y el espiritualismo, entre la atracción de la belleza y el poder del mal, la poesía de Charles Baudelaire (1821-1867) -trasladada de forma exquisita al castellano en la presente traducción- se enraíza en la soledad del hombre contemporáneo.Versión de Antonio Martínez Sarrión
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¿Es posible enjaular un sol? ¿Estaría en su sano juicio quien se propusiera como tarea irrenunciable meter en una jaula un astro de tan descomunal tamaño? Pues aunque, dicho así, parezca una pretensión inútil, alucinantemente desaforada y propia de un ensueño, Alejo Carpentier no dejaba de intentarlo una y otra vez a lo largo de su vida. En esta breve pieza titulada Concierto barroco el autor consiguió transmutar esa pretensión en un bazar novelístico de singulares trampantojos para hacernos soñar, incluso, que podemos escuchar con nuestros ojos lectores una perdida música callada y asistir, en novelesca fantasmagoría, a la representación de una ópera vivaldiana. Estamos ante una obra en cuyas páginas se atesoran, con sorprendente capacidad de concentración, los más señalados virtuosismos propios del ingenio carpentieriano.
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Barbara Guest (1920-2006) es una de las figuras más prestigiosas y enigmáticas de la poesía experimental estadounidense. Única mujer entre los poetas de la Escuela de Nueva York (celebrada por nombres sobresalientes como John Ashbery y Frank O’Hara), la escritora recibió un reconocimiento tan esporádico como tardío.Hoy Guest representa un punto de referencia fundamental entre importantes poetas neovanguardistas como Charles Bernstein, Mei-mei Berssenbrugge, Susan Howe, Bernadette Mayer, Ron Silliman o Rosmarie Waldrop. No en vano Guest tendió un sutil pero insoslayable hilo de continuidad entre las mujeres que contribuyeron a la innovación de la literatura en inglés durante el siglo XX, empezando por escritoras señeras como Dorothy Richardson, Gertrude Stein, H.D. y Marianne Moore.Guest tanteó con curiosidad, cuidado e imaginación los medios y linderos convencionales de la poesía moderna: «El acto más importante de un poema es llegar más allá de la página para que seamos conscientes de otro aspecto del arte. Lo que nos proponemos es delimitar la obra de arte para que parezca que no tiene ni principio ni fin, para que desborde los límites del poema en la página». La escritora mantuvo su pulso explorador mediante una sostenida, pormenorizada y perspicaz indagación en el archivo de las artes de la modernidad: desde el simbolismo y el dadaísmo hasta el cubismo y el imagismo, pasando por el atonalismo.Partiendo sobre todo de los planteamientos espaciales del expresionismo abstracto y el surrealismo, la poesía de Guest se caracteriza por una singular retórica alusiva y elusiva: modula la tensión entre los bloques de texto de modo que su «apasionada habla» de poeta se expanda asociativamente por los espacios en blanco de la página, si bien de manera circunspecta, en un medido movimiento de contraste entre revelación y ocultación, como si el lugar de tal habla hubiera que ir definiéndolo a tientas, reticentemente, hasta «encontrarse con la oscura identidad de un poema».Daniel Aguirre Oteiza
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Las piezas que componen este libro pretenden aproximar el lenguaje poético a las estructuras de las fugas musicales. Para ello, Jesús Urceloy se vale del verso en prosa, la prosa poética o la rima libre. Dividido en tres apartados, ''En fuga'' supone un ejercicio de investigación, una indagación sobre los límites de la poesía que juega con multitud de estilos: lo prosaico, lo poético, el noir, el minimalismo sucio, lo social, la irracionalidad, el surrealismo y hasta la tradición sálmica de los poemas que, según su autor, «hablan con la llama interior». Este juguete poético, convertido en un mecano repleto de guiños que concilia la tradición clásica con la búsqueda del futuro desde la modernidad, ha obtenido el III Premio Nacional de Poesía Ciudad de Lucena Lara Cantizani.
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En ¿pasarás a despedirte? Belén Soto estudia el catálogo emocional alrededor de las relaciones, sus apariciones, desapariciones y resistencias sobre la fina línea de la vida, Las analiza, las disecciona, evalúa sus causas y consecuencias y todo esto lo hace con un lenguaje en el que no faltan los registros de la ternura, el amor, el desamor, el desamparo, las amistades. La poesía de Belén Soto interroga la precariedad material y afectiva de una generación que se enfrenta a un mundo caótico al tiempo que elabora teorías desde y sobre lo posible a partir de sus fortalezas, Los poemas de ¿pasarás a despedirte? se apoyan en el presente y se disparan hacia un futuro en el que no faltan las esperanzas, pero en el que tampoco se disipa la incertidumbre,
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'Versos para América Latina'' es un puente que une a los países de América Latina ensalzando su espíritu y sus raíces en un solo canto emocional, poético e inteligente.Versos para América Latina es una antología emocional, sensible e inteligente. Por sus páginas deambulan multitud de temas de forma más o menos velada, aunque destacan algunos, como el análisis introspectivo de las emociones y los sentimientos, el amor, las relaciones humanas, la reflexión existencial, la naturaleza y la nostalgia, entre otros. Resalta especialmente por su lenguaje sencillo, cotidiano y vital y por la extraordinaria capacidad del autor para describir sentimientos, emociones y reflexiones en pocas palabras.
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José Luis Vidal Carreras (Vitoria, 1954). Es autor de los siguientes libros de poesía: Al rojo amarillo (1991), Señor de los balcones (1992), Perenne flor (1997), Abalorios (2001), Álamo (2002), Horas y uvas (2007), Donde nunca hubo nada (2010), la antología Señor de los balcones (Renacimiento, 2013), Caja oscura (2018), En el sueño dorado (Renacimiento, 2018), Flores de la inocencia (2020) y Luz que regresa (Renacimiento, 2022). El buen suelo es el soporte que sostiene nuestro drama de existir. Seres y cosas aparecen y desaparecen con nosotros en un escenario cuya belleza es una tristeza que sonríe y que abriga la semilla de la paz.
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Sostiene Aristóteles en su poética que el metro yámbico es especialmente adecuado para el diálogo. Sale de forma espontánea al hablar, es más natural que los versos heroicos, pero no por ello exento de cadencia, ritmo y armonía. Esta métrica atañe sobre todo al ámbito privado, a la subjetividad de los sentimientos. ''Rumores yámbicos'' constituye el particular homenaje de su autora a las Heroidas de Ovidio. Un poemario epistolar de mujer a mujer, cartas escritas en la más estricta intimidad, muchas clandestinas, se diría que susurradas al oído. Se trata de confidencias rumorosas que atraviesan fronteras, surcan el Mediterráneo de orilla a orilla, conectan a cada una de estas mujeres de agua y tierra que otean, incansables, el horizonte.
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Tras su éxito en el Festival de Otoño de Madrid de 2009, y en el Festival de Aviñón de 2010, donde fue recibida como toda una revolución («Cinco horas trabajadas hasta la exasperación por unas ganas furiosas de entender por qué todo va tan mal», según Le Monde), la editorial La uÑa RoTa publica La casa de la fuerza, inédita hasta hoy. El volumen se completa con otros dos textos inéditos, tan sugerentes como intensos, Anfaegtelse y Te haré invencible con mi derrota. Tres obras en las que Angélica Liddell, una de las escritoras más emblemáticas de lo que va de siglo xxi, se interna por infiernos raramente visitados por la literatura española, con un estilo turbador y vibrante, sin concesiones, y haciendo uso de un hondo intimismo. La casa de la fuerza nos habla sobre cómo «el amor fracasa, la inteligencia fracasa, y nos destrozamos los unos a los otros, por cobardía, y humillamos y somos humillados hasta el final», según la autora. Es una descarnada reflexión sobre la condición de la mujer en este siglo XXI y sobre el machismo cotidiano. Y en concreto, sobre los asesinatos y violaciones de niñas y mujeres que aún hoy tienen lugar en Ciudad Juárez (México). Todo ello dentro de un mundo «colorido por fuera y podrido por dentro», en palabras de Liddell. En la lectura de La casa de la fuerza se superponen multitud de historias que están en juego al mismo tiempo: el desamor, la dominación de género, el dolor, el suicidio, la resistencia, la locura, mientras de fondo suenan rancheras, mariachis, pop y música clásica… En definitiva, una trama marcada por el dolor y por la fuerza, como una forma de llegar a la calma espiritual. En Te haré invencible con mi derrota, asistimos a un diálogo interno de la autora con Jackie du Pre (1945-1987) –una de las mejores chelistas del siglo xx, fallecida a los 42 años–. Un emotivo texto que trata el conflicto entre la materia y el espíritu, cuando el cuerpo y la enfermedad están por encima de la voluntad. Y ahonda en la belleza y en el dolor, un dolor personal que aquí se hace universal, y en la imposibilidad por parte de Jackie de seguir tocando el chelo a causa de una esclerosis que empieza a atrofiar sus manos antes de cumplir los treinta años. Por último, Anfaegtelsees un canto afónico al amor en su versión más cruda, con su luz y sus tinieblas, al amor ya imposible que siente hacia David, un niño de diez años, mientras ajusta cuentas con la figura de la madre y del padre.«Anfaegtelse», que podría traducirse por «angustia«, «horror» o «inquietud» se repite como un mantra a lo largo de la obra. «Cuando amamos entramos en guerra, es decir, entramos en “Anfaegtelse”, y cada uno de nosotros será grande dependiendo de aquel con quien batalló», como dice Kierkegaard en Temor y temblor. «Escritora inalcanzable, nombre de referencia» Escritora, directora teatral y actriz, la trayectoria de Angélica Liddell traza, desde principio de los años noventa, una curva de crecimiento sin parangón en la escena española. Sus obras oscilan entre el expresionismo desgarrador, la crítica social, la pureza y la búsqueda del significado a través del dolor y la subversión. Como escritora, directora y actriz ha estrenado una veintena de creaciones, entre las que destacan El matrimonio Palavrakis (2001), Y cómo no se pudrió Blancanieves (2005), Perro muerto en tintorería: los fuertes (2007) y Maldito sea el hombre que confía en el hombre (2011). Ha obtenido numerosos premios, como el Premio de Dramaturgia Innovadora Casa de América por La pasión anotada de Nubila Wahlheim, el Ojo Crítico Segundo Milenio a toda su trayectoria y el Valle Inclán por El año de Ricardo. Sus textos han sido traducidos al inglés, francés, rumano, ruso y portugués. Con La casa de la fuerza, Te haré invencible con mi derrota y Anfaegtelse, la decidida voluntad de Angélica Liddell de traspasar las fronteras de la ficción, le ha permitido acercarse a la realidad física y social del lector y del espectador. La crítica ha dicho de su teatro que es «vanguardista y político, lleno de sentido, absolutamente necesario». Para Luis María Anson, estamos ante una «escritora inalcanzable, [que] es hoy el nombre de referencia del teatro español». El volumen se cierra con un breve y sugerente ensayo de Óscar Cornago, titular de Lengua y Literatura del CSIC, y especialista en la obra de Angélica Liddell. Cornago es autor, entre otros libros, de Ética del cuerpo y Políticas de la palabra (editados en Fundamentos) sobre destacados creadores escénicos españoles de las últimas décadas. El diseño del libro incluye en su cubierta una ilustración realizada ex profeso por el pintor catalán Ramon Sanmiquel.
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Roberto Juarroz fue uno de los poetas argentinos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Desde la publicación de su primera ''Poesía vertical'' (1958), le sucedieron otras doce en vida. Todos sus libros mantuvieron ese título al que solo añadía el ordinal, lo que supone una declaración de intenciones: profundizar en la poesía como una forma de pensamiento, no buscar la originalidad entendida como experimentos formales, huir de las modas y de la consideración de la poesía como un ''arte'' sometido al juicio y al aplauso del crítico. Su rigor extremo se manifiesta en la semejanza de cada uno de sus libros: similares símbolos, estilo y temas (el mundo, la realidad, la poesía, el hombre), siempre filosóficos, nunca anecdóticos, biográficos, históricos o sociales.
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Medi aquàtic
Perímetres exactes Els arbres també es posicionen, amb les seves copes cenyides com casquets, semblen atletes a punt de llençar-se a l’aigua. Però l’autèntica cursa se’m juga als braços: són dos insectes, amb les seves bossetes de líquids, que necessiten com equips de supervivència. No us heu vist, vosaltres? També esclataríeu, amb totes les vostres substàncies, entre els dos dits de qualsevol poeta. La costa és una nena consentida que no es cansa d’obrir i tancar la boca, amb les seves comissures plenes de nata...
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Esta edición reúne, por primera vez, los siete poemarios de Marina Romero nunca reeditados y prácticamente desconocidos para el público español. Publicados desde 1935 hasta 1999, entre España, treinta años de exilio en Estados Unidos y veinte de regreso, fueron editados por instituciones y editoriales dedicadas, ya en su tiempo, específicamente a rescatar voces marginales como era la suya, en tanto que mujer intelectual y exiliada republicana. Se rescatan así las experiencias amorosa y exiliar que atraviesan sus versos desde la delicadeza más bella hasta una crudeza desgarradora, a veces simultáneas. Romero traza un doble duelo: por la patria y la amante perdidas y jamás reencontradas. De la evolución estética de Romero podemos deducir el principal patrón de su época, que va desde las poéticas de principios de siglo xx hasta la poética propia del exilio y la del regreso a una patria que marca un nuevo estadio para el sujeto: el de exiliado doble, de la España que conoció y del país que la acogió durante tres décadas y ahora se abandona. Rescate de la poesía jamás reeditada de una mujer intelectual, republicana y exiliada en Estados Unidos, cargada de sencillez y complejidad conceptual, de delicadeza y desgarro. Marina Romero (Madrid, 1908-2001) fue autora de poesía y literatura infantil. La suya se inscribe en la historia cultural de la mujer moderna española de principios de siglo XX, intelectual, feminista, republicana y emancipada, en torno a instituciones como la Residencia de Señoritas y una red femenina internacional de intercambios y apoyo. Exiliada en Estados Unidos, fue catedrática de Literatura Española en Douglass College (New Jersey). Allí mantuvo sus vínculos de juventud con otros exiliados republicanos: mujeres de la Residencia, las familias García Lorca, de los Ríos, Zulueta, los poetas Jorge Guillén, Pedro Salinas, etc. Regresó a Madrid en los años 70 para descubrir, quizás, que nunca se regresa al sitio del que se fue arrancada. Lucía Cotarelo Esteban es Doctora en Filología Española por la Universidad Complutense de Madrid y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona. Miembro del Grupo de Estudios del Exilio Literario (GEXEL), se especializa en la historia cultural y la poesía del exilio republicano en Estados Unidos, a la que la experiencia y obra de Marina Romero pertenecen. A este respecto, publicó el volumen Spain in the Hudson. Los poetas del exilio republicano español en Estados Unidos (2022). Actualmente, focaliza sus estudios en mujeres intelectuales y artistas exiliadas en el mismo país.
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Este poemario nos invita a explorar la dualidad de la vida y la muerte, la resistencia y la renovación en el contexto del mundo natural.En el poemario «¿De qué muere un buitre?» Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, la autora teje una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y las complejidades de la existencia.
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Un libro sobre la relación entre dos personas en particular que se vuelve una meditación sobre la amistad, el compañerismo y la construcción de dos vidas literarias.Es saxofonista, se mueve en el ámbito del jazz. Dirige el aula-taller de improvisación en la Escuela Municipal de Música de León, donde también es profesor de saxo. Fue miembro fundador de las revistas Cuadernos leoneses de poesía y El signo del gorrión.
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Lo que se incluye en esta obra es una buena muestra del boletín que la poeta Beatriz Minaya (Villanueva de la Jara, Cuenca, 1988) envía a sus numerosos suscriptores desde hace un tiempo. Veinticuatro entregas bimensuales que acompañan al lector durante un año con reflexiones muy valiosas sobre la vida y poemas de la propia Beatriz, junto a versos de otros autores. Estos Retales de poesía (así se llama el boletín) nos invitan a formar parte de los asuntos más íntimos de la autora para contarnos todo eso que le pasa y, con ello, ayudarnos a en-tender mejor la vida diaria en general y nuestros sentimientos más concretos. Asunto: Poesía es un nuevo acercamiento a la poesía de Maresía con el objetivo de que quien busque iniciarse o profundizar en ella lo pueda hacer de forma sencilla y alentadora.
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A quién pueden interesar mis poemas, se pregunta con escepticismo una de las ensayistas más leídas y citadas en los últimos años. Y la pregunta revela por sí sola no solo la potencia de los mecanismos de autorización sino el papel mismo que parece destinarse habitualmente a la poesía: cosificada en extremo y reducida a menudo a experiencia artística despegada tanto de lo mundano como de la tierra que habitamos. A lo largo de su vida Silvia Federici ha volcado sobre la poesía fuegos sociales e inquietudes compartidas, apoyándose en ella para reflexionar de otra forma, girar la realidad y revelar la fuerza vital de lo que nos rodea. Llegada la gran pandemia de principios del XXI, esa misma poesía reaparecería en un diálogo a distancia con las acuarelas de Begonia Santa-Cecilia, que enraizaban y daban materialidad con sus pigmentos al cuidado de la vida. Este libro, elaborado en varias lenguas y con muchas manos, da cuenta de ello e intenta abrir de par en par todas las puertas que otorgan color a la existencia.
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'El individuo y su ceniza intenta desentrañar el viaje ontológico prescindiendo de coordenadas geográficas y temporales. Cada poema se aproxima ''sin llegar a la cumbre'', sin prisa por una identidad, insaciable, degustando el no llegar, la espesura de fugas, el laberinto. Es un libro que habla en la holgura del instante tocando el cuerpo - cápsula de percepción - preñado por el hambre y su consciencia de ceniza''. ÁNGELA GARCÍA Estás siempre acercándote a la cima de lo que no comprendes. Viajas hacia lo que tiene que pasar como si vivir ya sucedió y estamos repitiendo sin esfuerzo el destino de la memoria. Te aproximas sin llegar a la cumbre estás viajando sin parar en la muerte de ese momento.
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Al borde del borde es un libro introspectivo que transita por lugares que hemos recorrido en algún momento de nuestras vidas: la contemplación de la naturaleza, las posibilidades e imposibilidades del amor, la velocidad implacable del tiempo, la muerte presente y la que se avecina. Con un lenguaje conciso y claro, y el uso de recursos líricos no exentos de humor e ironía, Rebeca Geffin nos hace partícipes de su proceso reflexivo. A través de los textos en este libro la poeta lleva al lector de la mano por un viaje íntimo donde el fulgor del camino es compartido por todos.
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Deixar de fer peu
Poemari amb el que Marina de Cabo ha guanyat el premi Ciutat de Palma Joan Alcover de poesia 2023.Els poemes de Marina de Cabo parlen de piscines internacionals, de lectures i de pel·lícules. Ens transporten a la relaxació dels estius infinits i ens banyen amb paraules delicades, curades i precises. Un poemari que acompanya i refresca el panorama poètic i que ens recorda que la superfície del poema oculta profunditats desconegudes.
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Aunque el cenit de la literatura polaca suele estar asociado a sus grandes autores románticos, ya en el siglo XVI Jan Kochanowski (1530-1584) había elevado al más alto nivel literario la lengua del país. Y es que, verdadero humanista y hombre del Renacimiento, Kochanowski desplegó a lo largo de toda su obra una abrumadora erudición filológica, filosófica e histórica que supo combinar perfectamente con una sutilísima expresividad artística. Entre toda su producción, los ''Trenos'' (1580), un delicado conjunto de elegías dedicado a su hija Úrsula, muerta con solo dos años y medio, brillan con especial intensidad, y es que no habrá en toda la literatura polaca otras voces o sensibilidades que puedan equipararse a su ingenio, calidad expresiva y maestría compositiva hasta que Adam Mickiewicz, ya en el XIX, haga su aparición.
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Tretas del débil es uno de los libros más representativos de la colombiana Piedad Bonnett. Su obra, arraigada en la vida, da muestra de la existencia en un mundo lleno de violencia, desigualdades y decepciones. Sus poemas nos hacen reflexionar sobre la importancia que concedemos a las emociones y sobre los diferentes papeles que nos vemos obligados a representar en la realidad.
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Poemario de la autora Paulina SantamarinaEl ser humano es un coleccionista de recuerdos, un adicto a su pasado para no caer en el olvido y el anonimato. Lo guardo en las venas es un recorrido por los ríos y lagunas de la memoria, tan vitales e imparables como el paso de la sangre en nuestras venas. Hay momentos que bombean al corazón y otros que tapan las arterias, pero son esos instantes los que nos mantienen con vida: el amor, la traición, la soledad, la desilusión, la incertidumbre, el sin sentido. Este libro es para navegar de regreso a uno mismo con la poesía como barco.
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Ángel fieramente humano adensa tanta sabiduría extraída de toda la historia de nuestra poesía más alta que se ha constituído en un hito. Prólogo de Lorenzo Oliván.Cuando en 1950 se publican los poemas de Ángel fieramente humano, Dámaso Alonso escribe: «Este poeta tiene un extraordinario dominio de su palabra. Su verso es áspero, pero no por otra cosa, sino porque se corresponde con el derrumbamiento en huida». Poco después, irá entregando libros fundamentales como Ancia, Pido la paz y la palabra y, de manera póstuma, Hojas de Madrid con La galerna.Blas de Otero es sin duda uno de los poetas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.Esta edición de Ángel fieramente humano, segunda entrega de la Biblioteca Blas de Otero auspiciada por la Fundación del poeta, se corresponde rigurosamente con la primera publicada por Ínsula en Madrid.
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Un homenaje y una reescritura de El Diván del Tamarit de Federico García Lorca, libro fundamental de la poesía española del siglo XX.Reinterpretar El Diván del Tamarit cobra un especial sentido en el día de hoy, según la mirada de la poesía contemporánea. El autor, Ernesto Pérez Zúñiga, lo hace a la luz de un espejo cóncavo, que invierte aquello que refleja, según la inspiración otra grande de las letras españolas, Valle Inclán. Se trata de invertir el orden establecido por uno de los poetas más desestabilizadores de nuestra literatura y proponer una nueva lectura de su obra, pero siempre respetando la esencia de su legado. Los poemas están reescritos invirtiendo el orden de las palabras y el orden de los versos.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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Recoge poemas escritos desde la escucha de quien oye voces tras la puerta, y sabe que no la puede abrir: límite que invita a un silencio desnudo, a la contención que potencia este modo de decir la crisis del mundo desde una crisis del lenguaje donde cada flor ha dejado de ser flor, la estrella, estrella, la luz, luz que ahora resbala en cada poema reinventándose y recogiéndose hasta expresarse -ya pulida- en un tono nuevo que roza lo devocional. Un momento y un tiempo compartidos, donde Méndez Rubio se ha puesto a observar, con necesario dolor, y desde un espacio imposible, el mundo de los otros. Se expresa así una comunión, en su sentido más profano: hemos sido abandonados, y sólo la renovación de la flor/voz, sólo el despojo, pueden acercarnos una renovada esperanza.
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W es la letra con la que Javier Pérez Walias concilia su álbum familiar, enfrenta distintas formas del dolor humano y pretende saldar algunas cuentas con los ausentes. Para lo cual, urde un discurso descarnado que va desde la elegía a la crónica, desde lo íntimo a la mesurada celebración de lo vívido. Acerado todo por un vertiginoso ritmo y una imaginería que desemboca en hallazgos deslumbrantes: «Gime la rabia en mis ojos porque otrora gimió como un cordero en los ojos de mi madre+. El pasado y el presente, la memoria y los recuerdos, el olvido y la vida se entrecruzan creando mundos que trascienden para volver a otorgar presencia a lo que ya no está. Julio Cesar Galán
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