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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Obra poética completa recoge la producción lírica, tanto en verso como en prosa, de una de las figuras cruciales de la cultura occidental. En Charles Baudelaire, lejos de una escritura bucólica y pastoril en la que se ensalzan y elevan las pasiones más puras, el bien o la belleza, nos adentramos en una atmósfera en la que germinan y proliferan la desesperación y la depravación de la humanidad.Con su «ofensa moral», nuestro intempestivo autor desvela que en el pecho de la modernidad florece un corazón maldito. La voz de Baudelaire supone la confesión más rotunda de una vida incontestablemente humana en un nuevo mundo que surgía, de modo que sus escritos y su propia biografía, enredados e indiscernibles, devuelven a la superficie las profundas raíces de la modernidad.Cualquier intento de disociar esta ambigua relación entre época, œuvre y vie genera oscuridades que conducen a falsas interpretaciones del poète maudit y que distorsionan la esencia de la bohemia parisina, punto de inflexión de la futura vanguardia.
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La casa sonora
Som també el lloc que habitem i els espais que vam habitar, els punts on han quedat gravades estampes dels nostres actes i inactivitats, de la història personal que ens confirma. A La casa sonora s'evoquen els cruixits, les dilatacions, les passes, els grinyols, els cops de porta i les roncors que omplen el silenci del poeta, que des de la distància temporal entre el seu sedentarisme actual i el nomadisme urbà dels anys passats ha volgut convertir en poemes. El misteri dels passadissos, el vertigen de les fugides, l'ansietat dels trasllats, la il·lusió i la desfeta d'anar d'aquí a allà. I la serenor de la nostàlgia, sempre tan creativa.
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De alguna forma, nos resulta familiar ese lenguaje secreto con el que hablan las madres a sus hijos. Un lenguaje no siempre entendido, en ocasiones incluso ininteligible, con su gramática, sintaxis, gestos, miradas, silencios, tonos, diccionario. Cómo descifrar ese enigma que acaso se inicie cuando, dando a luz, el tejido se desgarra y entonces puede que suceda un «Romper la madre dentro de la hija y la hija dentro de la madre». Almudena Sánchez interviene desde lo lírico en esa tensión irresoluble que, ya de niña, le ha marcado a lo largo de los años. Porque, como dice en este libro mestizo, «sinónimo de madre: no lo hay». «Siempre he intentado evitar a mi madre. Que no me viera. Recuerdo esto desde los once o doce años. Son recuerdos difusos, pero hubo un punto de ruptura, casi una línea de salida (en la que nos colocamos las dos, como atletas profesionales) a partir de la cual empezaron las diferencias, aunque siempre habían estado ahí. La línea de meta un posible entendimiento no ha aparecido aún. Quizá sea la muerte, la mía, la suya, la de las dos. Quizá esto que escribo». Almudena Sánchez
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El nuevo poemario de Florencia del Campo.El hombre del padre es un libro de poemas que podrían ser uno solo, un gran largo poema. El hombre es por lo menos dos: es el hombre que es padre, y es el padre que es hombre. Pero, sobre todo, la paranomasia del título nos interroga sobre su identidad: ¿quién es ese hombre? ¿Cómo se llama? ¿Son dos o acaso es el mismo? ¿Es él mismo? La voz poética, femenina, se pregunta por la identidad de él, pero también por la identidad de ella. ¿No es madre? ¿No es ser madre todo lo que hace también una mujer sin hijos? ¿Es hija la mujer del hombre que es padre y no es su padre? ¿O sí es su padre? ¿O él es ella? ''El hombre del padre'' nos recuerda a una oración, a un rezo. Por eso el poemario termina con ''amen'', sin tilde. Esta es la religión del libro: el espíritu del deseo.
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El riesgo radical de dar forma narrativa a las urgencias de un futuro tan soñado como temido.Una frase de Agota Kristof, que encandila por su misterio y delicadeza, da título a esta compilación de cuentos: «Tengo la impresión de que el cielo se prepara para la lluvia». Suaves palabras que nos anticipan una atmósfera, un lugar, un tiempo situados en el ancho territorio del porvenir. Breves narraciones, poéticas y perturbadoras, conforman este libro de Óscar Curieses que quiere darnos noticia, alertarnos y apercibirnos, acerca de un futuro posible, en Dirmad -anagrama de Madrid, un territorio fantasmagórico y mágico al mismo tiempo, una ciudad estado que representa a muchas otras capitales de nuestro mundo, especialmente de Europa-, el que estaríamos construyendo ahora mismo, y pone el foco sobre sus maldades y bondades, sobre las vivencias de sus habitantes, los protagonistas, que se afanan en realizar su existencia en ese escenario venidero, pero también presente y en cierto modo propio del pasado más cercano. Las narraciones van acompañadas por los incomparables dibujos de Andrés Rábago (bajo su firma como El Roto y Rábago), imágenes que inspiraron parcialmente estas historias inauditas, sorprendentes: pura poesía para el pensamiento.
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Edición, estudio y notas de Francisco Rodríguez Risquete.Aunque fraguadas sobre todo entre 1858 y 1861, las Rimas están integradas por piezas compuestas a lo largo de casi quince años, hasta el momento de la muerte de Bécquer, sin alcanzar una ordenación definitiva. Los temas dominantes son los propios de la poesía amorosa de todos los tiempos, como la melancolía y la incomunicación, modulados por toda la tradición aprendida (desde el clasicismo grecolatino hasta los romanticismos de escuela, pasando por la literatura del Siglo de Oro) y prestando atención a procedimientos propios de la literatura de consumo, como el sentimentalismo del folletín, la dramatización de la vida privada, la métrica de la zarzuela o el tono de la poesía alemana y de la balada de mediados de siglo. La edición de Francisco Rodríguez Risquete atiende a las diversas fuentes textuales de los poemas y lleva a cabo una nueva y minuciosa evaluación del origen, orden, validez y título del Libro de los gorriones, el autógrafo en cuya parte final se encuentran las piezas líricas. La rica anotación contextualiza lingüísticamente la aparente sencillez de Bécquer y documenta su capacidad única para convertir el lugar común en algo distinto e inolvidable.
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Mientras preparaba con Manuel de Falla el concurso de Cante Jondo que se celebró en 1922 en Granada, Federico García Lorca escribió el corpus de ''Poema del cante jondo''. Su pretensión inicial era publicar el libro coincidiendo con este certamen que deseaba combatir el «flamenquismo», fenómeno que para el compositor gaditano suponía la decadencia del género. Al final hubo de esperar hasta 1931, casi una década, para que viera la luz esta obra que busca la esencia del carácter andaluz. «Somos un pueblo triste, un pueblo estático», escribió Lorca, que encuentra las raíces del cante jondo en el mundo gitano, que para él es un puente de unión entre su tierra y el atávico «Oriente impenetrable». Raúl Arias ilustra esta edición fijada por Luis Alberto de Cuenca, donde se dan la mano el dolor y la pena, el amor y la muerte. Versos que son saetas, siguiriyas, soleás, poemas que transmiten la fuerza trágica del dolor, el llanto y la muerte.
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En estas páginas, el poeta hace un intento de vislumbrar luces en un momento en que las luces parecían haber abandonado el mundo. Se trata de una obra dividida en cuatro secciones que agrupan vislumbres sobre temas diferentes pero relacionados entre sí: nuestro mundo y la vida en nuestro mundo, y las palabras y el amor, sin los cuales no existirían ni mundo ni vida para el Homo sapiens. El lector encontrará versos y poemas que reflejan despiadadas observaciones, desde la soledad a la lucha, pasando por sufrimientos, alegrías, anhelos, colores y luces. Se revelan además ciertas notas de crudeza en las observaciones sobre el mundo y la vida, y, en ocasiones, irreverencia e ironía. En el fondo, sin embargo, siempre están —aun si a veces tan solo tenuemente— los vislumbres de esperanza.
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Cúspide, desde la perspectiva de la plenitud de la edad, de la poesía amorosa nerudiana, estos Cien sonetos de amor sorprenden ante todo por el contraste entre la palpitación de la palabra y la imagen, y la deliberada elección de una desnudez que rehúye los prestigios sonoros o constructivos del soneto clásico. «Con mucha humildad—,escribe Neruda—,hice estos sonetos de madera, les di esta opaca y pura substancia», que contrapone a las «rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo» de los poetas que anteriormente abordaron el soneto. Del mismo modo, es evitado el principio del mantenimiento de un patrón métrico y rítmico invariable, y, con mayor razón todavía, la estructura silogística y simétrica en la exposición de lo contenido en cuartetos y tercetos. Pero este despojamiento voluntario es un medio para dejar expedita la más soberana libertad en la visión: se conquista una nueva y poderosa cohesión, la de una palabra de tierra, agua, aire y llama, la de una voz que es el metal y el elemento y oye el latido de un mundo en el latido del cuerpo amado. Himno a lo tangible, el amor en Neruda es también vía de acceso a la fusión con el núcleo último donde la conciencia reconoce su ser en el ser del mundo.
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Este volumen abarca una gran época de la poesía española renacentista y barroca y en él se ofrece una amplia muestra, seleccionada por Elías Rivers, de la obra de sus principales representantes desde Garcilaso de la Vega y Herrera, pasando por Fray Luis de León y San Juan de la Cruz hasta los más importantes barrocos como Lope de Vega, Góngora, Quevedo y muchos otros. La presente antología puede servir como un primer acercamiento a obras y autores cuyas ediciones críticas y comentadas han aparecido o aparecerán en esta misma colección Letras Hispánicas.
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*VERSIÓN BILINGÜE* ''El hermoso país donde los hombres desean a los hombres'' es, probablemente, uno de los poemarios homoeróticos más explícitos de la literatura catalana. Su recorrido es sin duda único: en 1974 el texto se distribuyó de manera clandestina en un juego de fotocopias grapadas. Los poemas trataban el deseo homosexual masculino, la belleza de sus cuerpos, la perversión sexual, el cruising, el sexo anal. Todo ello a través del lenguaje, un expresionismo para lo reprobable. [...] ha sido celebrado como un libro transgresor. Y sí, lo es en lo que concierne a la temática, pero lo es sobre todo en el nivel lingüístico. «Transgresión», «infracción», «desobediencia». Una postura que se sitúa en el borde y que finalmente lo traspasa. Una crítica social, una crítica política, una crítica lingüística. Un enfrentamiento directo con los valores institucionalizados, pero también con los adquiridos. (Sergio Fernández Martínez)
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Flamarades sortiran: Antologia de la poesia catalana feminista
Antologia de la poesía catalana feminista.
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Julia Castillo (Madrid, 1956) es una de las poetas más destacadas de su generación a pesar de su poca visibilidad y este es su último experimento verbal.Dice Malévich que es difícil establecer una línea entre lo que es arte y lo que no lo es. La poesía nos fuerza a detenernos y extrañarlo todo, también lo conocido. Si el mundo no es objetivo, como también quiere Malévich, ¿no es la poesía la que hace que el mundo sea otra cosa? Seguramente, algo mental, pero no voluntario, no deliberado, sino forzoso.La materia no-objetiva del mundo sería también, en virtud de la magia de la poesía, ubicua, pero indetectable si no fuera de forma indirecta, como es la materia «oscura» del universo.El poeta seguramente aspira a llegar al punto en que poder hacer con esa materia «cualquier cosa», como dice Riley de su música. «Got to the point where I could do anything I wanted».Es de suponer que la poesía seguirá aprendiendo de la música, como en su origen. Quizás le toca volver atrás por haber desconocido no reconocido el valor de las vanguardias del siglo pasado Y creo que la poesía se reconducirá a lo que no tiene valor psicológico, a la simultaneidad de tiempos, rápido y lento, a la indeterminación en el proceso, no en el resultado, a poner el acento en las partes, no en el todo. En busca de una incertidumbre que alcance el equilibrio en la acumulación, el continuo, la reiteración, las variaciones, el silencio.Seguramente en Countdown el verso se ha desplegado en la página y se han quebrado palabras, y sílabas, como forma de reinterpretar, expandiendo y contrayendo, la memoria de lo familiar que opera al escribir, e intencionadamente para no incurrir en lo melódico, y facilitar así la ambigüedad de una lectura transversal. O diagonal.Y probablemente en 8011* ese empeño no hace más que prolongarse y persistir.
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La pesada carga de la conciencia culpable de Ana Llurba la persigue entre las calles de Berlín y Cracovia mientras se sumerge en la compleja cuestión del paso del tiempo. Su objetivo principal es capturar lo que sucede entre su educación sentimental, la memoria familiar y la Historia en general. Partiendo de su primer poemario (''Este es el momento exacto en que el tiempo empieza a correr'', ganador del Primer Premio de Poesía Joven Antonio Colinas), Ana entrelaza hábilmente varios temas recurrentes en la filosofía de la historia, tales como la teleología, la teodicea, la dialéctica hegeliana y el fin de los grandes relatos, con la rutina y la vida diaria, explorando así la constante tensión entre lo solemne y la frivolidad. Y, a través de su voz poética, descubrimos el denominado ''primer mundo'' desde la lente de lo banal y el remordimiento, revelando así una mirada única sobre nuestra realidad contemporánea.
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L'illa amb llunes
Il·lusions i fantasies, decepcions i ràbia, dolor i esperances, recorren els poemes que conformen aquesta Illa amb llunes que expressa a través del cant i de la crítica les passions i els dubtes que provoca en nosaltres un món cada vegada més deshumanitzat i inhòspit.
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Leyenda viva de las letras españolas, desobediente del clasicismo, voz luminosa y pausada en un mundo de oscuras turbas, Caballero Bonald representa la poesía en un estado poco puro: el de los grandes descontentos porque la vida se imponga en sus aspectos más indecentes. [.] Sus vuelos no exigen más compañía que la de quienes quieran compartir uno de los más hermosos testimonios vitales de un poeta capaz de no renunciar ni siquiera a lo que niega. - Mariano Antolín Rato Aunque José Manuel Caballero Bonald es mayoritariamente conocido como novelista, es en el terreno de lo poético donde se encuentra el centro motor de toda su obra. En efecto, aunque participa de todas y cada una de las líneas dominantes que caracterizan a la generación del 50 -en la que historiográficamente se le suele incluir- no es reductible a ninguna de ellas. Pese al tono quevedesco de muchos de sus fragmentos, a la musicalidad a veces lopesca de su dicción, es en Góngora, y en su inmediato antecedente, Juan de Mena, donde encontramos los orígenes de una poética que, tanto en lo que se refiere al utillaje formal de la escritura, como en lo que remite a la concepción crítica del hecho literario, asume plenamente el carácter retórico, es decir, verbal, de nuestra relación (mediada) con el mundo.
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De la mano de algunos de los mejores poetas de los siglos xx y xxi revisitamos en verso cuentos de hadas tan conocidos como La cenicienta, Caperucita Roja o Rapunzel. Algunos de los ilustradores que han trabajado en la editorial en estos 15 años de andadura dialogan gráficamente con los poetas en un volumen maravilloso que es también un muestrario del concepto de libro ilustrado que tenemos en Nórdica.
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José Hierro es uno de los poetas españoles del siglo XX con una cosmovisión más personal. Casi todo en su poética se vincula de forma directa o indirecta con el movimiento, con el dinamismo. Por eso su enfoque de lo rítmico adquiere tanta complejidad y he ahí asimismo la raíz de que la música y las figuras vinculadas a ella constituyan referencias claves en su poesía. En Hierro, ritmo y vida van siempre de la mano. Estamos sin duda ante un poeta que hizo del conflicto un motor de expresión, mediante el que bombeaba energía a todos los planos del lenguaje: el fónico, el sintáctico y el semántico. La imagen del ritmo como sangre del poema, cuyo alcance investiga este ensayo, ayuda a comprender en qué consiste la clave de bóveda de este universo poético, qué importancia tienen las palabras vivas. Lorenzo Oliván (Castro Urdiales, Cantabria, 1968) se licenció en Filología Hispánica en la Universidad de Oviedo. Es autor de los libros de poemas Visiones y revisiones (Premio Luis Cernuda), Único norte (1995), Puntos de fuga (Premio Internacional Fundación Loewe, 2001), Libro de los elementos (Premio Internacional Generación del 27, 2004) y, en la editorial Tusquets, Nocturno casi (2014, Premio Nacional de la Crítica 2015 y I Premio de las Letras Ciudad de Santander), Para una teoría de las distancias (2018) y Los daños (2022). Reunió sus libros de aforismos y fragmentos poéticos en Dejar la piel. Pensamiento y visión (2017). Ha traducido a John Keats y a Emily Dickinson. Fue coeditor de Espacio Hierro. Medio siglo de creación poética de José Hierro (2001). Codirigió la revista de literatura y arte Ultramar y es responsable de la edición de tres volúmenes de Poesía con Norte. Los poetas y sus poéticas.
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Pocos discutirán que Thomas Stearns Eliot (1888-1965) se cuenta entre los escritores más influyentes del pasado siglo. Su poesía, que conjugó propuestas radicalmente innovadoras con un riguroso cuidado formal, abrió numerosas puertas a la exploración creativa y causó un hondo impacto entre los escritores de su tiempo. Figura mayor, junto con Ezra Pound, del modernismo angloamericano, entre sus obras poéticas destacan, además de La tierra baldía (1922), Miércoles de ceniza (1930) y Cuatro cuartetos (1943). La publicación de La tierra baldía (1922), de la que se cumple ahora un siglo, supuso un verdadero hito para el experimentalismo en poesía. Cruce de géneros y estilos, fragmentario, deliberadamente extraño, enigmático y plurilingüe, el poema simboliza el viaje del alma hacia la trascendencia a través del desierto de la ignorancia, del sufrimiento y de las aspiraciones terrenales. Esta edición presenta una nueva traducción, que se acompaña de un extenso aparato crítico actualizado y de un Apéndice con una selección de los textos a los que Eliot hace referencia en el poema.
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George Gordon Byron (1788-1824), más conocido como Lord Byron, es una figura prominente del Romanticismo, A diferencia de la mayor parte de los grandes poetas de su tiempo, ya en vida gozó en toda Europa de una fama equiparable a la actual, Pero no solo su obra, también su estilo de vida coadyuvó a la creación de una imagen y un mito ya plenamente modernos. De entre sus célebres poemas narrativos, quizás el más apreciado por la crítica actual sea El prisionero de Chillón, por el fino análisis psicológico que ofrece de un ser humano reducido a un duro confinamiento, similar interés despierta El lamento de Tasso, basado en los años que pasó asimismo en prisión el gran poeta del Renacimiento italiano, Mención especial merecen también sus «lyrical dramas», en donde Byron, tal vez influido por su amistad con Percy B, Shelley, se nos muestra en toda su grandeza y con una maestría y una hondura shakesperianas, Equiparable a «Manfredo» o «Caín», El cielo y la tierra, una obra que nos habla de la imposibilidad de acotar el deseo, se presenta en este volumen por vez primera en español. «No escribo, He vivido demasiado tiempo cerca de Lord Byron, y el sol ha extinguido a la luciérnaga», Percy B, Shelley
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Esta edición reúne los cuatro libros que, con excepción de ''La mujer y el vampiro'', recogen la producción poética de Luis Alberto de Cuenca entre 1996 y 2012: ''Sin miedo ni esperanza'' (2002), ''La vida en llamas'' (2006), ''El reino blanco'' (2010) y ''Cuaderno de vacaciones'' (2012). A lo largo de los mismos se constata no solo la maduración de su estilo de ''línea clara'', sino también la consolidación de un talento especial para contemplar la vida y trasladarla al poema de esa manera cómplice, emotiva y formalmente impecable que ha hecho de la poesía de este autor una de las más reconocibles y apreciadas del momento actual.
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Lo que el lector puede hallar en esta antología es una selección de poemas sobre los hijos escritos por mujeres, en concreto, 42 poetas que escriben en español sobre su maternidad real o deseada. El criterio de esta selección es tan estricto y tan subjetivo como el de cualquier otra antología literaria: estricto por la exigencia de equilibrio en la calidad y en el número de poemas de cada autora, primando el hecho de dar a conocer algunos textos cuya escasa divulgación los convierte en una rareza, subjetivo porque, como la antóloga ha dejado claro en el prólogo, son poemas en los que «la maternidad como don de vida, como iluminación de la existencia humana es una realidad co-creadora que a una se le antoja fundamental en lo que tiene de amor desinteresado, de donación». La delicadeza y la valentía, la sutileza cotidiana y el asombro conviven en estas páginas que no pueden dejar impasible a ningún lector.
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Les coses d'un home sol
'Les coses d'un home sol recull poemes escrits entre 2007 i 2010. Disposats en tres seccions, la primera aplega els que tenen per motiu els objectes que m'acompanyaven en aquells anys de la meva vida. La segona recrea i dialoga amb algunes obres d'art que havia anat col·leccionant. En la tercera, s'hi apleguen els poemes que parlen més directament del propi subjecte: l'home que va viure sol.''
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¡Qué hermosa es la caída de la tarde, la luz del cielo en tierras como estas, oh, Italia, paraíso de exiliados! ¡Tus cordilleras, mares y viñedos, las torres que rodean tus ciudades! Qué dicha disfrutar de aquella vista bajo tu cielo. En el lugar preciso donde descabalgamos, los criados de Máddalo esperaban con la góndola. Igual que un peregrino se detiene para poder gozar de un buen paisaje, así nos demoramos a admirar el crepúsculo, el cielo entre Venecia y el Lido reflejado en la laguna…, *** Julián y Máddalo es un poema del gran poeta romántico inglés Percy Bysshe Shelley, quien imagina una conversación entre él mismo (optimista e idealista) y su amigo Lord Byron (pesimista y escéptico) sobre la condición humana y la posibilidad de remediar los males de la sociedad. A instancias de Byron, visitan a un interno en el manicomio de la laguna veneciana, cuyo atormentado monólogo contrasta con la conversación fluida de los dos amigos. Julián y Máddalo invita a reflexionar sobre el valor de la palabra en las interacciones humanas, y lo sombrío de la existencia cuando el diálogo deviene imposible. Esta versión, que sepamos, es la primera que aparece en español y trata de rendir homenaje a estos dos poetas en el bicentenario de la muerte de Byron y de la publicación de los Poemas póstumos de Shelley en 1824, donde por primera vez apareció publicado Julián y Máddalo.
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Carolina Esses (Buenos Aires, 1974). Poeta y novelista. Ha publicado los libros de poemas Temporada de invierno (2009, finalista del Premio Olga Orozco y traducido al inglés) y Versiones del paraíso (2015). Como novelista ha publicado Un buen judío (2017) y La melancolía de los perros (2020). Colaboró durante muchos años en Ñ, la revista cultural del diario Clarín, y ahora escribe en el diario La Nación. Trabaja desde hace quince años en la Red de Bibliotecas Públicas de la Ciudad de Buenos Aires, donde programa actividades y dicta talleres. «Un libro en el que lo poético no renuncia a lo narrativo, tiñendo de cotidianidad e intimidad los versos que lo componen». Luis Alberto de Cuenca
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Este libro se escribe a partir de la exploración de ocho municipios del Estado de Puebla, México. Lugares donde se retoma el concepto de eco, de la reflexión sonora que tras chocar con alguna superficie regresa hacia su emisor, este movimiento, ir y venir que no se separa del todo de su fuente, pero tampoco es el mismo. El eco es dar cuenta de que no son sólo facetas o roles con los que cumplimos en los distintos momentos de nuestra vida, sino que hay otros factores en donde nos vamos quedando, en donde vamos dejando algo de nosotros, en donde nos reflejamos y, por ende, también somos la superficie reflectora que permite el devenir de alguien más, de algo más. En este texto, los paisajes que habitamos no son sólo el medio que nos permite desenvolvernos, son también los espacios que volvemos nuestros, que nos envuelven, que nos vuelven suyos, de este volverse dentro de él, devenirse parte de uno y del otro, y por tanto uno y por tanto de todo.
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Poesia completa II
SEGON I ÚLTIM VOLUM DE LA POESIA COMPLETA DE VALERIÀ PUJOL, AMB ELS SEUS TRES DARRERS LLIBRES. Valerià Pujol crea la seva obra poètica entre els anys setanta i vuitanta, i esdevé un dels protagonistes de la revolta estètica de la literatura de l'època. Però, tot i ser considerat un renovador, avui els seus vuit poemaris són difícils de trobar. Per això, l'Any Valerià Pujol culmina amb l'edició de tota la seva poesia en dos volums. Aquest segon, amb un epíleg de Jaume Creus, recull els tres darrers llibres: La trista veu d'Orfeu i el tornaveu de Tàntal, Premi Carles Riba, La xarxa del númida i Els breus estius. La recuperació de l'obra de Valerià Pujol posa en valor per als lectors d'avui una figura central en la renovació de les lletres catalanes de finals del segle XX, una època de profundes transformacions polítiques i socials on la cultura hi va tenir un notable protagonisme.
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El ornitólogo Don José Domingo de la Encina, apodado el colibrí , llega a una isla del Caribe bajo dominio inglés con la intención de llevar a cabo una Enciclopedia Ilustrada de Aves del Caribe. Sin embargo, la verdadera misión de su viaje es el espionaje, misión que se verá perturbada por las revueltas de los esclavos y las incursiones de los cimarrones. Un incordio para un ilustrado europeo que cree en el progreso de la sociedad, pero que también considera la esclavitud como algo necesario y natural. La luz de los ilustrados tiene sus límites allá DONDE LA LUZ SE DESVANECE.
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El gran éxito de Bebi Fernández que la catapultó a la fama, ahora en una edición de lujo. Bebi Fernández es el pseudónimo de una creadora con una gran popularidad cimentada en las redes sociales. Su inusual genio, su compromiso social y su mordaz discurso disparan en torno al 2014 su cuenta personal de Twitter hasta la cúspide de influencia en España, lo que posibilita la publicación de estos diarios poéticos, escritos a lo largo de su infancia y su adolescencia, que se convierten en un símbolo de rebeldía y llamamiento a la autenticidad y a la lucha de la mujer. Ya escritora de éxito, publica su implacable primera novela Memorias de una salvaje. Bebi Fernández representa una de las voces más descarnadas, certeras e irreverentes de la literatura española. Una escritura que ya desde su infancia se advierte herida, concisa pero profunda, provocativa y brutal, como la personalidad de la artista anónima que yace detrás de sus letras y que es considerada, gracias a ellas, una heroína generacional.
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Esta antología recoge diversas épocas de la poesía de Juan Ramón Jiménez. Creador de una poesía tan tradicional como nueva, con contagios del modernismo pero independiente de él, que llega en su última etapa a la ''deshumanización'', son, sin duda, los motivos de que esta poesía haya llegado no sólo ''a la inmensa minoría'', sino a un público tan vasto como pueda tenerlo cualquiera de los llamados poetas populares.
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La poesía de Horacio rezuma la tristeza vital de su época, la nostalgia de la virtuosa Roma y el anhelo de un futuro esperanzador. Esa mirada irónica y una expresión ambigua es lo que persiste en sus «Sátiras», y la expresión máxima del anhelo de una vida armoniosa en sus «Epístolas», ambas obras arrancan las grandes tradiciones de sátira y epístola de todas las literaturas europeas. El «Arte poética», que la preceptiva neoclásica consideró un tratado poético, cierra con brillantez irónica esta obra de Horacio.
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'Los heraldos negros'' es el primer libro de César Vallejo. Inscrito en el modernismo hispanoamericano representa, respecto a ese movimiento, una verdadera innovación dentro del discurso modernista: la personalidad del poeta se impone dentro del canon rítmico y temático de esa corriente, discute y expone su experiencia, sus percepciones, sus valores y sus creencias para librarse de sus ataduras y descubrir su humanidad desnuda. Vacía los nombres de contenido para poner en duda la significación tradicional del mundo. Libro profundamente ambiguo que se mueve entre polarizaciones, afirmaciones y negaciones. La edición que presenta Cátedra es la publicada en Anaya y Mario Muchnik, con algunas mejoras.
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Camí del text
Ivette Nadal poeta i cantautora, d'ençà del seu darrer llibre L'Àngel i la infermesa del pensament s'allunyà de les formes lligades a la cançó, i així segueix amb el seu nou poemari Camí del text. Poemes breus, quasi aforismes d'ençà que l'autora queda tocada pel món filosòfic i sobretot pel pensament del filòsof Josep Maria Esquirol.
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Como otros muchos poetas, Miguel Sánchez Robles se comporta como esos pájaros atraídos por los objetos brillantes. Él los halla al escribir y resultan como esos sobres azules y preciosos en los que pone la palabra: Pista. Esas pistas ayudan a encontrar el sentido y a ver mejor y más hondo lo que de verdad ocurre en La Tierra. Producen un placer intelectual inigualable al que es muy difícil llegar por otros caminos más o menos prohibidos. Sin esas pistas brillantes la existencia sería mucho más pobre y la vida se reduciría a las de esos tristes y pacientes herbívoros a los que se les borran todos los caminos y se les seca por entero el agua de los ojos.
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Patricia Benito construye en este bello libro repleto de fotos, collages y textos una experiencia visual, sensorial e íntima que nos hace reflexionar sobre el viaje vital y sobre la lucha de toda mujer contra sí misma. Me hice bolita hasta que pude abrir los ojos. Me arrastré hasta que fui capaz de caminar. Levantarme ya era una revolución.Este libro es casi un milagro. Traté de refugiarme en una habitación de unos siete metros cuadrados, no siempre de la misma ciudad. Desde ella se ven los pájaros y sus nidos, también atardecer, nunca la luna. Este lugar, repartido por el mundo, tiene en común una ventana, un espejo, una planta viva y estos huesos. Diferentes vistas, plantas y espejos, pero siempre el mismo hogar: mi cuerpo. Esto no tiene que ver tanto con la forma como con el fondo: con un alma cansada de luchar contra varios ejércitos despiadados enquistados dentro de ella. De mí. Contra un mundo obscenamente malvado y tímidamente bondadoso, contra la incapacidad de querer y cuidar, contra el miedo, que es lo que lo rompe todo.
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