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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Para encontrar la paz es necesario despojarse de todas las capas que a menudo nos visten. Capas adquiridas en el contexto social en el que nos desenvolvemos. El miedo, la neurosis, la ansiedad, la depresión son parte de nuestro día a día en un mundo cada vez más individualista y en el que buscamos la aceptación a través de la imagen. Giuliana cuenta su universo interior, su relación con este mundo, desde sus ojos. Pero en ella habita ahora una multitud de voces. Quizá su locura no es más que la asunción de esa identidad múltiple o quizá resida en la extrañeza que provoca en el otro haber nacido con piel de esparto.
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Este es un poemario que tiene como eje central el Holocausto y los horrores de la Segunda Guerra Mundial. A través de versos que recorren el genocidio desde dentro, La estación de la ceniza explora la naturaleza humana y lo cotidiano en medio del caos. Las anécdotas sencillas, los paisajes desolados de una Polonia marcada por la muerte y la diversidad de voces que emergen de la tragedia, trazan un camino íntimo y humano. Lirismo alternativo, de tonalidad sombría y desgarradora, que eleva un canto épico a las víctimas del Holocausto.
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Vive en la ciudad del frío y enciende esos versos para que el calor entre por los sentidos, porque Antonio Manilla es un pescador de emociones: las guarda hasta que las escribe. En su poética transparente, donde importa el grado de legibilidad del mensaje, no deja afuera ninguno de los procedimientos de la poesía.
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«La docta y admirable magia de los juegos poéticos de Aitana, sus versos enigmáticos, tan sugerentes y tan hipnóticos», Luis Alberto de CuencaSalve se despliega ante nosotros como una liturgia, una danza entre lo móvil y lo inmóvil, una sed, ruinas, soledad. Entre ritos funerarios y soles adriáticos, las voces se acompasan, se elevan, se despiden y anuncian que la vida no es más que un suceder tranquilo, tierno, apasionado. Hasta la fecha, la obra lírica, teatral, narrativa y audiovisual de Aitana Monzón ha recibido más de cuarenta reconocimientos, entre los que destacan el IV Premio ESPASAesPOESÍA con su libro La civilización no era esto, el Premio Andreu Febrer 2023 por su traducción de Mina Loy y su puesto como finalista en los Galardones de Juventud 2023 (Instituto Navarro de la Juventud).
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¿Hay alguien al otro lado? ¿Hay alguien donde desaparecen las olas? ¿Alguien como yo? ¿Y cómo es? ¿También le han dicho que es pequeño?Poco sabemos de M, sólo la inicial de su nombre, que ya no es un niño, que está en la playa y le gustaría ser como el mar, que tiene los ojos azules, que a veces está triste, que a veces grita pero no tiene voz, piensa mucho y se hace muchas preguntas:¿Hay alguien del otro lado? ¿Hay alguien allí donde las olas desaparecen? ¿Alguien como yo? ¿Y cómo está allí? ¿También le dicen que es pequeño? ¿Y cómo puedes estar tan triste con un sol como éste? ¿Y tan feliz al mismo tiempo?Joanna Concejo escribe e ilustra una historia delicada y profunda, que apunta hacia abajo, en la búsqueda de uno mismo, y se eleva alto, hasta el corazón, hasta la cabeza, para contar la ira, el dolor y la felicidad del alma humana.
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«Escribir me ayuda a comprender mejor la vida y la muerte, que vienen a ser hermanas gemelas. Poner sobre el papel un pensamiento supone ponerte ante un espejo a través del arma que es el lenguaje» Niño de Elche.Conversar es el arte de dar vueltas en compañía a través de la palabra. Esta vez la compañía elegida por Niño de Elche es una obra escultórica realizada en madera por el poeta, sacerdote y escultor nicaragüense Ernesto Cardenal que representa a un monje trapense. De ahí que dicha conversación transite por un diálogo entre silencios y confesiones así como una especie de diario íntimo donde las temáticas que se tratan en él guardan relación con la mística, la relación con Dios, el sonido, la paz del hogar y su cotidianidad así como las diferentes experiencias personales que Niño de Elche ha ido observando a lo largo de su vida y trayectoria artística.
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Último libro de Pedro Salinas (1891-1951) publicado en España en vida de su autor, Razón de amor aparece en 1936, el mismo año en que da comienzo el largo exilio americano del poeta. Dividido en dos partes, la primera de las cuales fluye como un largo poema, el poemario -cuyo título procede de un poema anónimo del siglo XIII que describe el encuentro de dos enamorados en un huerto florido- prolonga el tema de la separación de los amantes iniciado ya al final de La voz a ti debida, solo que aquí cobra un nuevo tono la voz del poeta, quien, por medio de la evocación, trata de exorcizar la ausencia de la amada. Como afirma Soledad Salinas de Marichal en la introducción del presente volumen, «se diría un diario íntimo y también una poesía de conjuros, dirigida a recordar, pero también a recobrar, el amor perdido para devolverlo a la realidad presente».
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PREMIO POESÍA ERNESTINA DE CHAMPOURCIN 2024El poeta escribe una carta larga a María, con la distancia que permite la confesión pausada, en la que cuenta que pese a lo que suceda, nunca dejamos de aprender. En esta carta o canto, el tiempo cruza la realidad frente al poder y la ambición, nos muestra la fragilidad de la persona sensible -una felicidad pobre, se nos dice-, pero también su fortaleza frente a la existencia y esa capacidad de reconocer el mundo con sus luces y sombras.El poemario se divide en ocho cantos en torno a la pregunta: ¿por qué estamos aquí? Tal vez no haya una respuesta única, pero se nos asegura que no hay que tener miedo porque todos estamos unidos por una misma raíz y compartimos un mismo fruto luminosos.Es, en definitiva, un libro que reivindida la vida a cada instante.
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Se reúnen bajo este título, Qué es el amor, algunos de los poemas más destacados de la producción poética del autor argentino. Es una vieja historia, y cuando digo vieja quiero decir nuevísima, quiero decir que está pasando ahora y esperándome en todos los rincones del futuro. Algo se abrió, primero. Entonces acá estoy, mi cara muda, como el que va empapándose de una lluvia invisible. Afilo mi armadura y mi caballo para que sean siempre fieles al corazón que nace si me quito. A través de los días y mi sangre. A través de mi sangre, mis labios y mi lengua. Alejandro Crotto nació en Buenos Aires en marzo de 1978. Publicó los libros de poemas Abejas (Bajo la luna, 2009), Chesterton (Bajo la luna, 2013), Once personas (Bajo la luna, 2015), Francisco -Un monólogo dramático (Bajo la luna, 2017) y Quiero (Audisea, 2023). Publicó también una traducción anotada del Infierno de Dante Alighieri (Audisea, 2020), la crónica Final (Ninguna orilla, 2022), escrita con su hermano Marcos Crotto, y el libro de ensayos Los porqués de la rosa (Mardulce, 2024). Enseña poesía y traducción de poesía en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad Nacional de las Artes. Dirige desde 2017 la revista Hablar de poesía.
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“No hay nada más frío que la bastarda tibieza” dice el último poema de los 3 cuerpos que viven en este poemario. 3 cuerpos que viven la tibieza desde distintos mundos para dar paso a pensamientos intermedios que alivian, en forma de evasión, una(s) vida(s) atravesadas por lo bastardo. Aquí se reconoce, se dene, se entiende y se justica hasta cierto punto a la bastarda tibieza como la hija no reconocida entra la calentura y el frío abandono.
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El poemario propone una lectura de indicios, a base que avanzamos en los poemas entendemos que ha habido un accidente y leemos a la hija que mira a la madre y que mira el frío, el silencio, lo injusto de quedarse con quien no está, pero está y no deja continuar. La vida intentando hacerse paso desde el daño. El poema en murmullo, sin ruidos ni artificios dejando que el blanco señale, que el silencio lo haga. Un poemario que trabaja sobre temas como el duelo, la pérdida del padre, el dolor que nos señala como distintos y nos aparta.
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Junto con Garcilaso de la Vega y Juan Boscán, podría decirse que Diego Hurtado de Mendoza compuso el trío de autores que inauguró la nómina de los grandes poetas de los Siglos de Oro. Esta nueva edición actualizada ofrece su poesía completa, si bien cuidando de limitar la selección a aquellas obras que, sin duda alguna, pertenecen al poeta granadino, a quien en el pasado se ha atribuido un buen número de composiciones de autoría incierta o muy difícil de probar. Además, se ha optado por acompañar los textos de un aparato crítico completo, así como por conferirles una nueva ordenación por géneros (sonetos, octavas, etc.) con la intención de facilitar el acceso a la obra de Mendoza a sus nuevos lectores.
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Poesía Vaso Roto
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Publicada originalmente en 1993, Cultura e imperialismo es una obra indispensable que restablece el diálogo entre la literatura y la vida, y permite comprender uno de los procesos históricos y culturales más complejos de la modernidad. En el siglo XIX y principios del XX, mientras las grandes potencias se esforzaban en construir y mantener imperios que se extendían desde Australia hasta las islas del Caribe, Occidente fue el protagonista incontestable de un esplendor cultural que vio nacer obras maestras tales como la Aida de Verdi, Mansfield Park de Jane Austen, El corazón de las tinieblas de Conrad o El extranjero de Camus, por citar solo algunas. Con todo, y a pesar de la magnitud del fenómeno imperialista que caracterizó esa época, la mayoría de críticos literarios y culturales nunca prestaron la suficiente atención a su influencia sobre la cultura. Mediante un brillante análisis, Edward W. Said examina estas obras junto con la de escritores de la talla de W. B. Yeats, Chinua Achebe o Salman Rushdie, para demostrar como la periferia sujeta al orden impuesto por la metrópoli supo crear su propia cultura vigorosa, opositora y resistente.
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Este libro se adentra en la memoria más reciente de la familia Baroja. El autor parte de la muerte de su padre, el cineasta y escritor Pío Caro Baroja (1928-2015), para iniciar un recorrido histórico y sentimental a lo largo de una de las genealogías más significativas de nuestras letras recientes. Desde una intimidad abierta y lúcida, se rememoran las figuras destacadas del árbol familiar (las del tío abuelo Pío Barojay Nessy, narrador preeminente de la generación del 98, sus hermanos Ricardo, pintor, y Carmen, etnóloga yescritora, y los hijos de esta, el antropólogo e historiador Julio Caro Baroja y el propio Pío), pero también se evocan y recorren los espacios que habitaron,desde la antigua casa familiar de Itzea, en Vera deBidasoa, hasta los más recientes en Andalucía y América. Un cuaderno autorizado de historias, olores y voces, de lugares y gentes que resisten el tiempo o quese hunden en él, elaborado a partir de una voz tanpersonal como cargada de reminiscencias.
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Los uniformes' es un libro extrañamente unitario en el tema pero muy versátil y polimorfo a la hora de modelar su contenido. El título es un magnífico correlato objetivo para tratar de las grandes cuestiones humanas, muchas veces circunstanciadas en la vida diariay en referencias históricas y literarias, es decir, para decantar, bajo la moda y las apariencias, la esencial desnudez del transcurrir existencial.
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Sombra de la memoria es una antología que reúne a setenta poetas hispanoamericanos con los que se puede observar una evolución lírica independiente de tonos particulares y variaciones propias de las literaturas nacionales y que lleva al lector a reconocer el modernismo, las vanguardias literarias y la búsqueda de una identidad americana hasta las más notorias expresiones contemporáneas de la poesía. El vasto y equilibrado panorama ofrecido por Philippe Ollé-Laprune incluye verdaderas joyas de Rubén Darío, Leopoldo Lugones, Ramón López Velarde, César Vallejo, Nicolás Guillén, Xavier Villaurrutia, César Moro, José Lezama Lima, Vicente Gerbasi, Octavio Paz, Nicanor Parra, Gonzalo rojas, Cintio Vitier, Álvaro Mutis, Ida Vitale, Blanca Varela, Tomás Segovia, Juan Gelman, Gerardo Deniz, Alejandra Pizarnik, José Emilio Pacheco y Francisco Hernández, por mencionar sólo algunos nombres.
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Ángel de Saavedra, Duque de Rivas (1791-1865) tuvo una vida turbulenta, apasionada, romántica y contradictoria como la época en quele tocó vivir. Luchó en la guerra de la Independencia y tras ésta se exilió por sus ideas liberales en 1823. Vivió en Londr
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Fernando Oreste Nannnetti (1927-1994) padecía esquizofrenia y pasó la mitad de su vida recluido en el pabellón penitenciario del manicomio de Volterra, en cuyomuro escribió un libro de más de setenta metros de largo ayudándose con la punta metálica de la hebilla del chaleco de su uniforme. La canción de NOF4 se sumerge en la vida y en los escritos lapidarios de Nannetti, e indaga, con aliento híbrido entre la biografía,el ensayo y el poema en prosa, cuestiones esencialesde la naturaleza humana como el origen y sentido dela escritura, los límites de la locura, la soledad ola creación artística.
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Naturaleza urbana narra manifestaciones naturales en un contexto urbano desde el punto de vista de un citadino. Narra cómo los humanos observamos, vivimos, negamos, o tratamos de controlar a la naturaleza en una metrópoli, aquí, a la naturaleza no solo se le observa y describe, sino que también se le motiva, se le invoca, y se le agradece. Esta colección de poesía es cómplice de la naturaleza, en su lucha cotidiana de seguir existiendo en tanta ciudad.
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Incomprendido y atacado por casi toda la crítica de su tiempo, Enrique Jardiel Poncela conoce ahora, al amparo de la reivindicación de las vanguardias, un creciente reconocimiento. Su propósito era romper con las formas tradicionales de lo cómico, atadas a lo real y a lo verosímil. Frente a ello, Jardiel busca que en su teatro fluya de continuo lo inverosímil: en el patio de butacas -decía- la vida cotidiana con su aburrimiento, en la escena, la fantasía renovada. Por ese camino logró superar el naturalismo estrecho del teatro español y su casticismo, liberó el lenguaje, casi siempre ligado a actores tipificados, y aportó a la escena un humor, de raíz intelectual, que sirve de conductor al absurdo lógico. María José Conde Guerri, profesora de Literatura Española de la Universidad de León y especialista en la obra de Jardiel, estudia aquí ELOÍSA ESTÁ DEBAJO DE UN ALMENDRO y LAS CINCO ADVERTENCIAS DE SATANÁS, dos textos en los que, sobre el fondo de una crisis social, brilla el ingenio libre de un revolucionario artístico.
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Los relatos de Morales Lomas surgen de lo más profundo del ser humano, de sus desvelos, de sus miedos, desu esperanza, de su imaginación o resistencia, pero también de su alambicado existir, que no es solo esa realidad que nos han vendido sino una que está enraizada en el misterio, en el absurdo, en la fantasía o enlos más íntimo de nuestras pesadillas, y se desarrollan en forma de alegorías, deformación, sarcasmo, distanciamiento, simbologías diversas y juegos escénicos. De todo ello habla este escritor a lo largo de másde cuarenta años de narrativa breve en los que recogehistorias creadas desde finales de 1970 hasta la actualidad. En él aparecen sus libros El sudario de lasestrellas, Juegos de goma, Tesis de mi abuela y otrashistorias del sur, El viento entre los lirios y también un buen número de relatos inéditos. Un mundo heterodoxo y rico en matices con el que sigue a sus grandes y admirados Melville, Poe, Borges, Cortázar, Bukowski, Cheever y Burroughs.
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Catalogado habitualmente como prerromántico por los historiadores de la literatura, William Blake (1757-1827) es, sin embargo, una figura que desafía cualquier intento de clasificación y que ocupa un privilegiado lugar en la lírica inglesa. Rebelde, visionario y místico, rompió con las doctrinas oficiales de su tiempo (teológicas, morales, políticas y estéticas) y se anticipó a muchos pensadores que hoy forman parte del acervo cultural de Occidente. El suyo es un mundo donde el mal es una fuerza necesaria y las leyes morales son cadenas impuestas al hombre, al que el poeta aspira a liberar a través de la imaginación, la visión y el conocimiento. La presente “Antología bilingüe” ofrece una amplia selección de la obra de William Blake, traducida y prologada por Enrique Caracciolo Trejo. No faltan en ella sus poemas más conocidos, como «El Tigre» o «Un árbol emponzoñado» y viene completada por un glosario de vocablos de sentido especial en la cosmogonía del autor y una cronología.
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SERGIO: ¿Estás bien, mamá? Saldremos de esta. Dentrode poco me pagarán. ¿Mamá? JUANI: He pasado la mayorparte de mi vida en esta casa y ahora quieren echarme de ella, quieren dejarla vacía como si nunca la hubiera habitado. SERGIO: No tardarán en llegar a nuestra puerta. JUANI: En esta casa he hecho el amor conmi marido, he visto crecer a mi hijo y a mi hija, hacerse grandes, he visto a mi nieta dando sus primerospasos por estos pasillos. En esta casa he llorado todas las veces que me he sentido triste, he reído, he sido la persona más feliz del mundo y la más desgraciada. Van a vaciarme de ella y dejarla como una cáscarade nuez. LV PREMIOS LITERARIOS KUTXA CIUDAD DE SAN SEBASTIÁN (MODALIDAD TEATRO EN CASTELLANO)
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En La Fiera se vislumbra, más que en ningún otro libro suyo, al joven poeta británico que Ben Clark lleva dentro.
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En «Medida por Medida», la risa y la náusea son elementos que van a desempeñar papeles cruciales. La risa es el contrapunto de lo que técnicamente podríamos denominar «náusea» (el proceder de los personajes del estamento del Poder). Risa y náusea forman así dos bloques complementarios, quedando afianzado cada uno por la eficacia del otro. Difícilmente podríamos tolerar la presencia de la náusea sin el equilibrio estético que aporta la risa. Difícil sería también advertir la presencia de una sin la respuesta de la otra. La referencia bíblica del texto nos informa de que estamos ante una obra de venganza. No soportar la felicidad de los demás, castigar con la muerte a los otros por sentir lo que uno mismo siente, juzgar a los demás por lo que uno mismo podría ser juzgado. Es la venganza del impotente, del hipócrita. Por eso, la sola idea de dos jóvenes que se aman -Juliet y Claudio- no puede ser asumida por los responsables de restablecer el orden moral en Viena. Pero Shakespeare siempre lo arregla todo, siempre encuentra una fórmula de salida, cuando los caminos teatrales que nos conducen al odio parecen cerrarse.
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Des d'on tornar a estimar
Mai fins ara, Joan Margarit no havia escrit un llibre que, conservant la tendresa dels seus primers poemes, tingués també la lucidesa severa dels últims. La intel?ligència sentimental i la bellesa abrupta d'aquests versos signifiquen un pas de gegant en la poesia del poeta català més llegit del nostre temps. Assegut en un tren contemplo els camps i de sobte, fugaç, passa una casa que és el llampec d?alguna veritat. Seria un error baixar del tren. Ja no hi seria. Estimar és on, i sempre hi ha una cosa que m?ho revela: un terrat al sol, la tarima del director d?orquestra sense ningú, només amb una rosa, mentre al voltant els músics toquen sols. Un dormitori a l?alba, un camp segat. Per descomptat, el cant d?aquells ocells al cementiri un matí de juny. Estimar és on. Perdura al fons de tot: és d?on venim. I és aquell lloc on va quedant la vida.á
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Mi padre cuenta monedas es un libro complejo y valiente, en el que su autora, Angélica Morales es capaz de reflejar toda la soledad, la angustia, la indiferencia, para «masticar de nuevo los recuerdos» y aprender a «sacar la basura del pecho». Kafka escribió que «la literatura debe de ser un hacha para el mar congelado en nosotros». La literatura de Angélica Morales sin duda lo es, percute con fuerza en algún lugar de nuestra conciencia hasta romper el hielo de la indiferencia y hacernos cómplices y testigos de esta representación de la realidad teatralizada y poetizada.
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Salustiano Masó (Alcalá de Henares, 1923-Granada, 2024) es un poeta casi desconocido y, sin embargo, necesario para comprender la poesía española del siglo XX. Su obra comprende un total de 23 libros y está avalada por la consecución de importantes premios. Como traductor obtuvo el Premio Mundial Nathorst-Unesco por el conjunto de su obra en 1993. Tras más de cincuenta años de producción poética, clasificar a Masó es sencillamente imposible. Alejado de la farándula, Salustiano llevó siempre una vida de escritor comprometido con los conflictos humanos y el sentido de la existencia. Su poesía, conmovedoramente lúcida e irónica, alcanza las cotas de excelencia reservadas a los elegidos. «Salustiano Masó es uno de nuestros mejores y más hondos poetas». Gerardo Diego
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La de Olvido García Valdés es ya una «de las escrituras más fervientemente medulares de la poesía española contemporánea» (Eduardo Milán). Seis años después de Y todos estábamos vivos, que mereció el Premio Nacional de Poesía, los poemas de Lo solo del animal vuelven a mostrar una voz singular y reconocible, que sin embargo rehúsa fijarse y afronta cada vez un riesgo nuevo, notable siempre en la altura de los resultados. Lo solo del animal propone una meditación sobre lo animal de la soledad, un lugar no verbal, de existencia, en que coincidirían todos los seres, pero que aquí se abre al conocimiento y se afila en la conciencia. En el curso de lo cotidiano, contra el fondo de la enfermedad y la muerte, entre los trazos de una lúcida desesperación, crece una empatía o compasión con lo que existe, una dulzura desplazada hacia el mundo, hacia el ajeno fluir de la vida, «rara y querida como una enfermedad», que encarnan mejor que nadie los pequeños animalillos, tan frágiles y resistentes.Si escribir puede ser en ocasiones como pintar, las composiciones de este libro son cuadros sonoros hechos de materia viva: la naturaleza, las plantas, los animales, el ser humano, se diría que una especial sensibilidad de la escritura va reconociendo las palabras por su son, como si las palpara musicalmente. El poema cuida del registro físico, corporal de las sensaciones, que funcionan como órganos del sentimiento y la emoción, en continuidad con un insistente pensar o con la pregunta de peso ético. La realidad, al mismo tiempo que se crea, también se desarticula y fragmenta, sin embargo, el signo fragmentario de Lo solo del animal no oculta la impresión de estar leyendo un único poema, tejido en los variados hilos que lo cruzan, en sus estratos permeables, en sus cambios de ritmo como figuras de la atención. Así, el trabajo de la forma que distingue a la poeta no produce una forma, sino que es cada vez la forma –,precisa, extraña, libre–, de que cada cosa llegue a decirse, a ofrecerse, como es.
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La troballa accidental d’uns ossos en un descampat és el desencadenant argumental d’aquesta peça que oscil·la entre l’oratori i la tragedia, amb la qual l’autor va guanyar la primera edició del Premi 14 d’Abril de Teatre. L’obra es planteja les preguntes que són habituals en tota mena de conflictes bel·lics. Insisteix en la gratuitat i la manca de normes que acompanyen sempre aquests conflictes. Reflexiona sobre els motius pels quals la gent vol oblidar. I planteja la necessitat de la memoria. Els fets que s’hi descriuen no pertanyen a una guerra concreta. S’hi pot resseguir la petja de la guerra del 1936, pero l’autor ha defugit escriure una obra explícitament sobre aquesta guerra. Ans al contrari, els crims que s’hi denuncien són comuns a totes les guerres.Amb aquesta obra, l’autor va guanyar el premi 14 d’abril de teatre al 2008 i, una vegada editada, va obtenir el premi de la crítica Serra d’Or 2010. Estrenada al Teatre Fortuny, de Reus, el 12 de febrer de 2011.
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Una selección hecha por el propio Raúl Zurita de los mejores poemas de sus cuarenta años de trayectoria POR EL GANADOR DEL PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA CIUDAD DE GRANADA FEDERICO GARCÍA LORCA Si en los años 70 alguien pensaba que se había acabado el tiempo para la grandeza en la poesía, apareció Raúl Zurita y demostró desde su primer libro, Purgatorio, que no, que era tan cierto que todo estaba escrito como que todo estaba por escribirse. Y se embarcó en un largo y ambicioso proyecto que tomaría las más altas tradiciones literarias y bíblicas para entrecruzarlas con los infiernos y amores de la devastada biografía del propio autor, así como con la convulsionada y luego lánguida historia del Chile del último medio siglo. La escritura de Zurita aspira a moverse con la misma fuerza que la naturaleza. Y, como dijera John Ashbery cuando lo leyó por primera vez, «la poesía que emerge es a ratos fría, abrasadora, ácidamente cruel y finalmente liberadora». Esta antología personal no solo recoge lo mejor de esa producción única, sino que lo presenta con una arquitectura nueva, haciendo de este libro el gran legado de uno de los poetas vivos más deslumbrantes de la lengua castellana.La crítica ha dicho...«Toda entera, la poesía de Zurita es un combate en el interior de un ser que se habita a sí mismo con todas las incomodidades del mundo.»Rafael Gumucio, El País «Aun siendo prisionero de una penosa realidad, [Zurita] se levanta altivo y nombra al firmamento, al desierto, a las montañas, a los ríos y los mares. Frente al infierno de lo humano, la estremecedora hermosura de la naturaleza.»Rosa Montero«Una obra poderosa, intensa y renovadora. [...] La poesía de Zurita tiene un arrastre que rompe las fronteras de su país y convierte la vida, la historia personal, los episodios, las inquietudes, las tormentas y la probable felicidad del ciudadano que las escribe en una experiencia de carácter universal.»Raúl Rivero, El Mundo «Haciendo de la escritura una forma de vida, sí, pero también de resistencia [...], se embarcó, así, en un largo y ambicioso proyecto que mezcla literatura y vida, la suya propia y la del Chile del último medio siglo. Siempre con una única aspiración: que su escritura se moviera con la misma fuerza que la naturaleza.»Inés Martín Rodrigo, ABC «Un faro de la poesía iberoamericana desde los años setenta, [...] un referente de las vocaciones poéticas con su lenguaje libre, arrebatado y ajustado. [...] La figura de Raúl Zurita es un mar abierto capaz de enfrentarse y golpear a las rocas, y su obra une a toda la comunidad iberoamericana.»Luis García Montero (miembro del jurado del Premio Reina Sofía de poesía Iberoamericana) «Zurita ve en la poesía una manera de buscar sentido y música en una realidad traumática.»Luis Alemany, El Mundo«[Zurita] sobrevivió a sí mismo para construir una obra singular y rompedora, capaz de abrazar el dolor y la impotencia pero también la compasión y la belleza. [...] Su carrera literaria se confirma como una de las más poderosas y peculiares del último siglo.»Alberto Gómez, Sur
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Múltiples elementos constituyen el andamiaje dramático de El perro del hortelano de Lope de Vega, una de las comedias más delciosas del teatro español del siglo XVII. Su personaje central, Diana, mueve prácticamente los hilos de la acción, basada en un conflicto amoroso y social, de continuos enredos y engaños, de falsas identidades, y de una ansiedad sexual que refrena el decoro, la posición jerárquica y la estima social. Amor y celos, frustración sexual y deseo, envidia y formas de decoro, inteligencia y engaño, gracia lungüística y chiste apicarado, constituyen el imán de atención para el lector/espectador de una de las más amenas comedias de Lope. Antonio Carreño, catedrático de la Universidad de Brown, presenta un texto filológicamente depurado, precedido por un agudo análisis de estructuras dramáticas, acción, personajes y motivos. Su estudio avala el incuetionable valor poético y dramático de esta novela. Antonio Carreño presenta un texto filológicamente depurado, precedido por un agudo análisis de estructuras dramáticas, acción, personajes y motivos.
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En un domingo de abril de 1945, Semprún, a los veintidós años, fue liberado del campo de concentración de Buchenwald por el III Ejército del general Patton. En otoño de aquel mismo año empezó a elaborar literalmente la monstruosa paradoja de haber vivido la muerte. Pero fue imposible. «Entiéndase», dice él en su discurso con motivo del Premio de la Paz (1994), «no era imposible escribir : habría sido imposible sobrevivir a la escritura. (...) Tenía que elegir entre la escritura y la vida, y opté por la vida.» La escritura o la vida es, pues, no sólo la memoria de la muerte, sino la de todas aquellas vivencias pasadas y presentes -vitales, sensoriales, afectivas, intelectuales y literarias- que, al revelarse, al abrirse sin restricciones a la conciencia del autor, emergen cargadas de la emoción del reecuentro consigo mismo y enriquecidas por la reflexión. Semprún habría podido contentarse con escribir un testimonio. Pero eligió el camino de la creación literaria.
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«Quienquiera que seas, te seguiré desde estemismo instante. Mis palabras te cosquillearánlos oídos, hasta que las entiendas.» Omnipresente y omnipotente, plural e infinito, un pequeño dios que actúa de Poeta, un gran poeta que actúa de Dios. Todoeso fue Walt Whitman. Y todo eso aparece en este libro que capta de manera extraordinaria el espíritu y la humanidad del ?primero que todo? periodista y narrador, del ciudadano de Brooklyn y amante de Manhattan, del viajero que conoció el Sur esclavista y el paisaje canadiense, en definitiva, del poeta que alzó el canto de sí mismoe hizo de la alegría de vivir, la igualdad, la solidaridady eluniversalismo sus señas más representativas. El dios más poderoso es un recorrido por esta voz poética, la más importante de la era moderna, a los doscientos años de su nacimiento: por su apasionada vida y obra, con la escritura y autopromoción de Hojas de hierba ?todo un libro terapéutico para el alma, el mejor fármaco para situaciones críticas? o el carácter elegíaco deRedobles de tambor.Una biografía que nos invita a entrar sin temor en su mundo cósmico, sintiendo cerca al escritor que, para terminarel «Canto de mí mismo», dijo que no nos desalentáramossi no dábamos con él, que siguiéramos buscándole porque, en algún lugar, seguro, él nos estaría esperando.
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