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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Luis Alberto de Cuenca mezcla clasicismo y modernidad en una deliciosa antología que recrea el mundo antiguo desde una mirada contemporánea.Escritos a lo largo de medio siglo, los poemas que conforman Los dedos de la Aurora giran en torno al mundo clásico, tema nuclear en la obra de Luis Alberto de Cuenca al que se ha acercado como traductor, filólogo y estudioso y que ha dejado una huella profunda y perdurable en su poesía, una de las más prestigiadas e influyentes de las últimas décadas. Los autores helenísticos de la Antología Palatina, en particular, pero también los elegíacos y epigramistas latinos, la épica de Homero o de Virgilio y la lírica arcaica, comparecen en homenajes que a la vez que transmiten el legado de la Antigüedad lo reelaboran en clave irónica o sentimental. Seleccionada por Luis Miguel Suárez, con prólogo del autor y epílogo de Victoria León, la antología ofrece una muestra deliciosa y altamente significativa de un universo poético que recrea las fuentes grecorromanas o se sirve de la narratividad de sus mitos para indagar en los universales de la condición humana, expresando un vitalismo a prueba de tinieblas. Confesional y elegíaco, satírico y lúdico, culturalista y de línea clara, Luis Alberto de Cuenca se nos muestra aquí en toda su riqueza de carácter como un poeta inimitable que, cultivando una de las poéticas más originales, desprejuiciadas y libres de nuestro tiempo, sabe mezclar clasicismo y modernidad, alta cultura y cultura pop, erudición y perfección formal con la naturalidad propia de uno de los grandes renovadores del lenguaje poético contemporáneo.
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ÉS UNA REFLEXIÓ SOBRE LA VIDA, LA VIDA COM A VIATGE, COM A CAMÍ I COM A EXPERIÈNCIA ESPIRITUAL _Vell camí de l'esperit_ és un llibre de poemes que parla d'espiritualitat. D'una vivència espiritual: la vida. La vida com a experiència, la vida com a viatge, la vida com a camí. Per això, les coses viscudes no són purament fets (fets objectivables, que es poden fotografiar i enganxar en un àlbum), sinó que cada experiència ve matisada i ampliada per la llum de l'ànima. Sense aquesta llum, sense aquesta extensió intrínseca de l'ésser, l'experiència no seria completa. Cal la poesia per poder donar sentit ple a l'experiència vital. Així, la poesia no és només relat intel·lectualitzat, sinó un ritme, una música que mira més enllà de la matèria. I també és un llenguatge que engalza i lliga el visible i l'invisible, com un gran microscopi de l'ànima, i mira d'aportar sentit a la vida: al cos, a l'ésser i, en tant que suma de somnis i voluntats, a la nació completa.
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El sonido de las seis sílabas es un poema de largo aliento. Libro tejido en una suerte de puente abismal colgado entre la poesía y la filosofía. Poema que se mueve y piensa contra el marco de la gran escalada. Crítica a la mecanización del significado en la poesía (substituir la irracionalidad de la inspiración por las fórmulas lingüísticas). El bardo ha dejado su lugar al sátiro. Texto híbrido donde la poesía y la reflexión crítica se dan la mano de manera fresca y creativa.
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El Therigatha (literalmente ''Poemas de ancianas sabias'' o de mujeres que han crecido en sabiduría) está considerado la primera antología universal de literatura femenina. Se trata de los poemas que transmitieron las primeras mujeres que se unieron a la orden budista. Por tanto, forman un testimonio de la máxima importancia para conocer el budismo de los orígenes, un material que más tarde fue incorporado en el canon budista en lengua pali. Su calidad espiritual y hondura literaria no tiene parangón. Y, sin embargo, hasta la fecha no habían sido traducidos ni publicados en español. La presente edición ha sido cuidadosamente traducida por el poeta Jesús Aguado. Cada poema viene contextualizado (con el material biográfico disponible de cada autora) y se ha procurado que el resultado final sea lo más poético posible según los criterios estilísticos y retóricos de la lengua castellana.
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El Teatro Furioso está en la cima del teatro poético español del pasado siglo. Anticipó la revuelta de identidades y sexualidades que caracterizaría al siglo xxi, se burló de cualquier imperativo, político, religioso o social, y descreyó de cualquier frontera entre lo elitista y lo popular. Fue un teatro sin normas, sin límites, un teatro transgresor, incómodo, dionisíaco, erótico y muy divertido, un regalo para la capacidad de asombrarse, un ejemplo de inteligencia y buen humor. Francisco Nieva nos trae en este libro una puerta a la liberación de la furia, estimula la rabia y el deseo, favorece el coraje y la provocación. Y lo hace sin didactismos ni moralinas discursivas, sino con asombros, diversión y elegancia. El Teatro furioso es la obra de un maestro, acaso el último o penúltimo gran creador teatral del siglo XX.
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La diferència sempre la imposa un altrese t’enganxa en el front com un segellplacebo sense efecte la llei dels bons minyonsho saben bé les dones, els negres i els malalts i el cec i el gras i el lleig i el nan ho saben les arrels i els meristemesla tinta és indeleble als llavis dels lleons
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PREMI DE POESIA VICENT ANDRÉS ESTELLÉS 1999AJUNTAMENT DE BURJASSOT
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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Juego, trabajo y economía son los ejes desde los quemás de veinte autores establecen este nuevo recorrido sobre las artes escénicas contemporáneas. La idea de comunidad y lo común, del público y lo público, ideas que no son solamente ideas sino formas de hacer: formas de hacer con los demás, de producir lo común, de ser y hacernos públicos, en una palabra, formas degestionar y administrar lo inmaterial de las relaciones, «economías de la escena».Este libro ha ido creciendo a base de ensayos y reflexiones, restos y huellasprocedentes de acontecimientos muy distintos que hantenido lugar en forma de encuentros y obras, proyectos y relaciones, algunos reales y otros solamente ideados, y la mayor parte de las veces las dos cosas a la vez.
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Houellebecq poeta. El libro arranca con un poema breve y demoledor: «Cuando muere lo más puro / Cualquier gozo se invalida / Queda el pecho como hueco, / Y hay sombras por donde mires. / Basta con unos segundos / Para eliminar un mundo.» Lo que sigue es igualmente poderoso. Versos como latigazos. Crudos: «los hombres sólo quieren que les coman el rabo», leemos en la sección titulada «memorias de una polla». Meditativos: «Todo lo que no sea puramente afectivo deviene insignificante. Adiós a la razón. Ya no hay cabeza. Sólo corazón.» Punzantes: «Quienes temen morir temen, de igual modo, vivir.» Son poemas rabiosamente contemporáneos: un recorrido por el deseo, el dolor, la enfermedad, el amor, la muerte, la ausencia, la indignación, el erotismo, el asco... Su poesía es una imagen especular de su obra narrativa, y en ella asoma también el escritor radical, obsceno, misógino, cáustico, visceral, provocador. Juega a veces con el verso libre, y otras se somete a la métrica canónica y la rima, pero sus versos están siempre al servicio de una mirada desgarrada, sarcástica e insurrectamente lúcida sobre el mundo que le rodea y sobre sí mismo. En este su quinto poemario –,que se suma a los cuatro anteriores, incluidos en el volumen Poesía, también publicado en esta colección–, emerge Houellebecq en estado puro, destilado en la brevedad lacerante de unos textos que abordan «la cara B de la existencia».
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Waterloo ens convida a un viatge emotiu i revelador a través dels records i les històries d'una família aparentment comuna, però que amaga els secrets i les misèries que fan que cada família, com deia Tolstoi, siga infeliç a la seua manera.Amb l'encant intemporal de les històries familiars i la promesa d'unes revelacions sorprenents, Waterloo ens endinsa en una història emotiva que ens farà riure i reflexionar sobre el poder del temps, la memòria i la veritat.¿A quién va dirigido el libro Waterloo?Se dirige a un público interesado en la historia militar, particularmente en la batalla de Waterloo y sus implicaciones. Es adecuado para lectores con un conocimiento previo de historia europea del siglo XIX, aunque la obra en sí misma puede servir como introducción accesible a este periodo. También resultará atractivo para aficionados a la estrategia militar y a las biografías de figuras clave de la época napoleónica. El nivel de detalle y análisis lo hace apropiado para estudiantes de historia o para cualquier persona que busque una comprensión profunda de este evento histórico crucial.Temas que trata el libro WaterlooEl libro explora la batalla de Waterloo desde una perspectiva multifacética, analizando no solo el desarrollo de la batalla misma, sino también su contexto histórico y sus consecuencias. Se examinan los siguientes aspectos:Las estrategias militares: Se analiza en profundidad la planificación y ejecución de las estrategias de ambos bandos (ejércitos aliados y ejército francés), incluyendo las decisiones tácticas tomadas por los generales y su impacto en el resultado de la batalla. Se estudian las fortalezas y debilidades de cada ejército, así como las condiciones del terreno y su influencia en el combate.Los ejércitos implicados: El libro profundiza en la composición y organización de los ejércitos británico, prusiano y francés, describiendo sus diferentes unidades, armamento y logística. Se presta atención a las características de los soldados, sus motivaciones y experiencias durante la batalla.Los líderes militares: Se estudian las figuras clave de la batalla, como Napoleón Bonaparte, el duque de Wellington y Gebhard von Blücher, analizando sus personalidades, sus decisiones y su influencia en el curso de los acontecimientos. Se examinan sus estrategias y tácticas, así como sus relaciones personales y políticas.El contexto histórico: Se contextualiza la batalla de Waterloo dentro de las Guerras Napoleónicas, examinando las causas y consecuencias de este conflicto. Se analizan las circunstancias políticas y sociales que llevaron a la batalla, así como su impacto en el mapa político de Europa y en el equilibrio de poder en el continente.El impacto de la batalla: Se exploran las consecuencias a largo plazo de la batalla de Waterloo, incluyendo el fin del imperio napoleónico, la configuración del nuevo orden europeo y el inicio de una nueva era en la historia de Europa.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro WaterlooAún no hay opiniones o críticas sobre Waterloo disponibles públicamente.
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Premi València Nova de Poesia 2022. Un poemari sensible i sincer sobre el pas del temps, l'amor i el desamor que homenatja a autors clàssics com Vicent Andrés Estellés, Baudelaire i Miquel Martí i Pol. Mise in abyme és el camí introspectiu d'un viatge d'època pel desamor i per la luxúria de la desgràcia, la incomprensió al temps, a l'amor i al mateix sentit de la vida.
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És l'aniversari d'Oriol i també l'últim dia de la seua vida tal com l'ha viscuda. Son pare, sa mare i Marcel, el seu amic de l'institut, són convidats a un sopar on res és el que sembla, on el temps és un amfitrió més, on milers de preguntes busquen respostes sense èxit aparent. Però la consciència de l'amor, el desig de començar una vida nova o la revelació d'alguns secrets obriran la porta a aquestes respostes i, amb elles, la llibertat.
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Cuenta Simon Leys que cuando era un joven estudiante tuvo la suerte de acudir a una peculiar escuela en Hong Kong. Uno de sus condiscípulos, calígrafo y grabador, la bautizó como «Escuela de la inutilidad», y en ella pasó Leys unos «años intensos y gozosos, en los que aprender y vivir eran lo mismo». Sólo más tarde descubriría el escritor belga que, puesto que el saber más ocioso constituye el fundamento de los valores esenciales de nuestra humanidad, a esos años debía lo más decisivo de su formación. Esta antología de ensayos reúne toda la sabiduría «inútil» que acumuló a lo largo de su vida: en ella se dan cita personajes, imaginarios o reales, tan diversos como don Quijote y el inspector Maigret, Confucio y Mao Zedong, o Magallanes y los náufragos de las remotas islas Auckland. Todos ellos atestiguan la espléndida travesía intelectual del lector voraz que fue Leys, conocedor privilegiado de la literatura occidental y la cultura china.
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Una selección de textos breves enfrentados a imágenes que establecen insólitos vasos comunicantes. Una ventana abierta al mundo del artista total que fue Pe Cas Cor, poseedor de un registro único en el que se entremezclan humor, ternura y desesperación. Poemas cortos, fragmentos, sentencias o bromas inocentes, son todos ellos destellos de un artista interior que, brillantes y fugaces, dejan una estela de agudeza y poesía. Escritos en un «alfabeto de carne y sangre», al emparejarse a los cuadros, los dibujos, las dedicatorias o los retratos del autor, forman una feliz amalgama que nos abre, de manera lúdica, el corazón de este artista que, en palabras de Diego Doncel, «seguirá siendo el gran poeta de un siglo que con él nos estaba diciendo adiós». El concepto del libro sigue la senda abierta por la campaña en redes que, con el nombre de «365 días con Pe Cas Cor», realizó en 2021 la Sociedad Imaginada que se encarga de conservar y mantener vivo el legado del autor. «Me dediqué a merodear por ahí. A atravesar con alfileres las miradas hostiles. A dormitar en las vías de los trenes harapientos. A tantas cosas».
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Un vespre d’intensa pluja, una dona més aviat rude i un jove especialment immadur arriben per motius d’entrada inexplicables a la remota cabana on viu en Salvador, El Sibarita de la Pluja, un vell entranyable tocat per un misticisme singular.A conseqüència de les condicions meteorològiques i de la geografia de l’indret, els tres personatges queden aïllats i han de conviure onze dies en aquell petit univers que ha creat en Salvador: una roca encimbellada on medita, una esplanada amb un gos enterrat a qui parla, una passera submergida que potser el riu s’ha endut i una cabana amb infinitat de cites d’autors il·lustres gravades a les bigues del sostre.Amb el pas dels dies, sorgiran tensions, es teixiran complicitats, es descobriran secrets del tot inesperats i, sobretot, es faran reflexions sobre la joventut i la vellesa, la inadaptació, la fugida, la solitud, el límit de la bogeria, la convivència amb la natura, la saviesa, la creativitat, el pas del temps, la mort… I la recerca contínua en un món en canvi constant.
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Elegías y sátiras se presenta en este volumen, por primera vez íntegramente en castellano, en la traducción de Juan Manuel Macías, poeta, filólogo y traductor, entre otros, de Cavafis, María Polydouri (Premio de la Sociedad Griega de Traductores 2013) y Safo. Como colofón, se incluyen también los cuatro poemas publicados en revistas tras el fallecimiento del poeta. KOSTAS KARYOTAKIS nació en Trípoli (ciudad del Peloponeso) en 1896. Tras terminar los estudios de derecho y dejar inconclusos los de filosofía, se incorporó al servicio público, ocupación que lo llevó por diversos destinos a lo largo de la geografía griega. El último de ellos fue la apartada ciudad de Préveza, donde acabó con su vida de un disparo en el corazón el 21 de julio de 1928. A pesar de su temprana muerte, nos encontramos ante una de las figuras más representativas de la poesía griega del pasado siglo, y es precisamente en Elegías y sátiras (1927), su tercer y último poemario, donde culmina la poética de nuestro autor, que rompe definitivamente con una tradición burguesa y autocomplaciente y discurre hacia un nuevo sentir, tanto en lo personal como en lo general, de ruina, desolación y descreimiento, contribuyendo en gran medida a abrir las puertas de la modernidad para la lírica neohelénica.
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Fabio Morábito (1955) vive en la Ciudad de México y ha escrito, con este, seis libros de poesía, género que ha alternado meticulosamente con el cuento. Nacido en Alejandría, de padres italianos, ha escrito toda su obra en español, a pesar de ser el italiano su idioma materno. Su poesía y su narrativa han sido traducidas a varias lenguas y lo han hecho acreedor de varios premios en México, Alemania o Francia, entre ellos el prestigioso Roger Caillois, que se le concedió en 2018, en reconocimiento de su obra. Los créditos que desfilan en la pantalla al final de una película son a menudo tan extensos que una sola canción no es suficiente para acompañarlos en su totalidad y se tiene que recurrir a una segunda canción para que ese desfile no quede huérfano de música. Esa «canción segunda» que toma al relevo de la primera es el tema de fondo de este nuevo libro de Fabio Morábito, en que justamente los relevos, los segundos esfuerzos y en general los reencuentros con lo ya vivido se presentan ante la conciencia del poeta como los verdaderos momentos álgidos de su vida, quizá de todas las vidas. No la música enceguecedora y deslumbrante, pues, sino las canciones segundas, esas que acompañan hasta el final el desfile de nuestros actos, cuando se encienden las luces de la sala y nos toca encaminarnos hacia la salida.
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Acaso la invención de la melodía sea el gran hallazgo de la humanidad. Si a ello añadimos el uso de las palabras y de nuestra capacidad simbólica, tendremos el trípode que sustenta la condición humana. La arqueología nos muestra que música, palabra y símbolo están entre los hombres desde que se irguieron sobre sus dos pies o vieron una estrella a medianoche. Todos los poetas de verdad grandes han tenido algo de visionarios y de músicos. Podrán convencernos de que en verdad el mundo está naciendo a cada instante: nuevo, vigoroso, alegre, casi ciego como los ojos de un recién nacido que nos lleva a la vida con su manita pequeña. Los villancicos nos llevan a la cuna. Son la misteriosa hermandad de unas voces que de pronto son blancas, aniñadas al son mismo del sol que nace. Las palabras, las melodías, vienen de muy lejos y han pasado por generaciones de almas y de labios antes de llegar a nuestra boca.
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Dibuixos de Manuel Boix i et repeteixes que el seny et valdrà més que les sagetes d'or de tots els amants, acomiada't almenys d'aquella serp que es cria i conviu amb mi indomablement enmig d'un canyar de butxaques salvatges, acomiada't com et correspon, estimada: amb una engolidora i virolada besada d'amor.
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Sol reconstitueix-me per poder estimar les meves veritats fragmentades s’escampen com dents de drac a través de les mentides roents de les persones que diuen que m’estimen quan acabi cada resquill s’alçarà complet i armat com una guerrera llesta pel combat que enfila carrerons de melòmans nocturns que taral·legen Mozartera un tipus blanc.
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A quien escribe poemas –más que libros de poemas– se diría que, casi vengativamente, le aguarda un momento en el que, lo quiera o no, es la colección completa la que reclama un título para su nueva entidad, distinto, desde luego, del que llevan las composiciones cada cual por su cuenta, aunque capaz, si fuera posible, de decir algo a propósito de ellas, viéndolas ahora en el conjunto que han terminado por formar. Nada debió el encuentro casual del título de este libro a ningún recuerdo del célebre lugar hegeliano en el que se dice de unos particulares días de plenitud, ni siquiera al de la novela que, bajo la invocación de aquel mismo locus, Raymond Queneau acabó titulando, hace ya mucho tiempo, Le Dimanche de la vie. Sino más bien a cierto párrafo en el que Julien Gracq sacaba a colación el mismo dichoso resplandor mientras comentaba la manera en que había pretendido su querido amigo André Breton hacer coincidir a la vida entera con el solo fulgor de sus destellos. Enrique Andrés Ruiz (Soria,1961), poeta, escritor y crítico, es autor de libros de poesía como Más Valer (1994), El reino (1997), Con los vencejos (2004) y El perro de las huertas (2013), todos en Pre-Textos. Ha publicado una única novela, Los montes antiguos, los collados eternos (Encuentro, 2011) y ensayos como Vida de la pintura (Pre-Textos, 2001), Santa Lucía y los bueyes (Pre-Textos, 2007), La tristeza del mundo (Encuentro, 2010) y La carroña. Ensayo sobre lo que se pierde (Pre-Textos, 2017). Además, es autor de la antología de poesía española e hispanoamericana del siglo xx sobre pintura Las dos hermanas (Fondo de Cultura Económica, 2011). Como crítico de arte, ha comisariado muchas exposiciones, entre ellas las dedicadas a Ramón Gaya y Juan Manuel Díaz-Caneja en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid.
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Cuba, años setenta y ochenta del siglo XX. Un joven alcanza la mayoría de edad en un momento crucial de la historia de su país. Dividido entre los ideales de su madre comunista y de su padre contrario al régimen ‒con el acuciante deseo de huir de la isla‒, busca encontrar su propia identidad en un mundo, tanto personal como colectivo, en crisis y convulso.Premio Nacional de Literatura en Cuba, Diez millones indaga, así, en su historia más reciente desde 1970, cuando Fidel Castro proclama «el año de la zafra» con el objetivo manifiesto de mejorar la situación económica del país. Un relato insólito y descarnado, construido con materiales de primerísima mano y por medio de un tejido de narraciones, diálogos, monólogos, donde se intenta lo más arriesgado en literatura: partir de uno mismo para hablar a otros, a todos, y arañar, sin concesiones, la costra de la vida cubana del último medio siglo. Una ficción que mira hacia atrás para mirar hacia delante.Completa el volumen, Discurso de agradecimiento, una suerte de continuación de Diez millones, un pase de cuentas a una vida provocado por el encierro durante la pandemia, la política y la vida, el tiempo y la memoria.«Celdrán apela a un lugar del yo hasta ahora inédito en la narrativa cubana». Reina María Rodríguez
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El libro ''Leves certezas'', de Victoria López Mata, es un homenaje a la memoria. López Mata nos revela su universo particular, que es también el de todos aquellos que han experimentado la vida en el campo, aunque haya sido en un periodo pasajero. La juventud de la autora contrasta con la profunda madurez de su poética, que reclama una voz lírica propia. La autora trasciende su obra para adentrarse en la vida y las emociones del lector, quien se verá seducido por sus usos del lenguaje, profundamente íntimos, que exploran el Ser, la familia, la vida, el deseo, el amor... Su obra refleja una nueva intimidad que logra conectar con las emociones del lector, quien se convierte en el protagonista de todo el drama del discurso. Con influencias claramente marcadas en sus versos, como las de Octavio Paz, Begoña M. Rueda, Machado, Josep M. Rodríguez, Heidegger y Anne Sexton, entre otros, López se posiciona en la poesía contemporánea con una óptica que revisita lo femenino dándole un nuevo lugar, con un sentido culto y maduro. Con este libro, la autora demuestra que es más que capaz de sintetizar lo tradicional con la innovación, consiguiendo un conjunto muy personal entre pasado y presente. Con ''Leves certezas'', Victoria López Mata se une a una nueva generación de poetas jóvenes profundamente conectados con la tradición literaria y que aportan una voz renovada y necesaria en el ámbito poético contemporáneo.
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Si Teatro 1989-2014 recoge buena parte de las obras de mayor extensión de Juan Mayorga y Elipses sus ensayos, Teatro para minutos reúne todas sus piezas brevesescritas hasta la fecha. Un total de cuarenta y cuatro textos, varios de ellos inéditos, muy diversos ensus asuntos y lenguajes. Son formas breves que abrengrandes territorios. Pues, como ha señalado Mayorga,igual que «la importancia de un cuadro no se mide por la cantidad de pared que ocupa, sino por la fuerzacon que tensiona esa pared, tampoco el valor de una obra teatral depende de su extensión, sino de su intensidad». Teatro para minutos es un atlas cuyos mapasnos ayudan a orientarnos en las regiones más extrañasde nuestro tiempo.
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Manuel de Cabanyes (Vilanova i la Geltrú, 1808-1833) ha pasado a la historia de la literatura española por una obra anónima, breve, única y editada por primera vez el mismo año de su muerte: ''Preludios de mi lira'' (1833). El libro presentaba una docena de poemas que, desde entonces, ha recibido con marcada regularidad la atención de la crítica y ha supuesto, junto con el puñado de textos rescatados para la publicación de sus ''Producciones escogidas'' en 1858, un interesante punto de confluencia o transición entre los asentados valores del neoclasicismo hispánico y un primer romanticismo de fuerte influencia italiana. El presente volumen presenta, en edición crítica, la totalidad de la poesía que se conserva de Cabanyes.
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Obra dirigida per Carles Alberola i produïda per Albena per a un escenari molt concret: l’antiga presó de Sant Miquel dels Reis. A partir de testimonis històrics, sis autors i autores valencians actuals han inventat sis monòlegs diferents, cadascun dels quals imagina una carta que un presoner o presonera escriu a la seua família o, senzillament, per a la seua intimitat. El primer monòleg correspon a un home que espera el seu afusellament l’endemà, mentre que en l’últim un periodista celebra, des de la presó, la mort de Franco.
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Premi Ciutat de València Eduard Escalante de Teatre.L’obra indaga en les conseqüències de la mort per a les persones que es queden, el buit que es queda quan algú desapareix i que difícilment es pot omplir. Una història subtil que t’obliga a seguir un rastre delicadíssim de pistes que ens guia a descobrir un final tan tendre com devastador.Un accident de moto en una carretera secundària és el pretext per t una reflexió sobre la mort: l’accidental o la volguda. Buit de mi és una obra àgil però profunda on hi abunden els sobreentesos i les frases a mig dir, una obra amb un rastre delicadíssim de pistes que ens porten a un final tan tendre com devastador.
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Un libro que nos habla sobre el amor y el sexo: una educación sentimental desde el cuerpo, pero también desde el lenguaje.En este libro se desnuda a hombres y a mujeres y se desnuda, ante todo, la voz que los quiso y que los recuerda, no sabemos en qué orden: ''La edad de merecer'' es un libro sobre el amor, y el sexo, y la literatura, y la religión, y todas sus circunstancias, y todas las maneras en que definen nuestra vida, porque la edad de merecer significa aquí la edad de empezar y terminar y comenzar de nuevo. La voz de Berta García Faet se muestra profundamente personal su sintaxis urgente, sus imágenes luminosas y febriles y al mismo tiempo profundamental universal: con esa mirada analiza nuestras educaciones, nuestros aprendizajes y todos los errores que no nos matan y ni mucho menos nos muestran más fuertes.
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El nou llibre de poemes de Lluís Calvo.El vitrall deixa passar la llum però un no veu què hi ha més enllà, a l'altra banda. També és el cas de tants misteris de la vida, que patim o gaudim, però n'ignorem l'origen i el sentit. Vitralls, com tots els llibres de Lluís Calvo, és una obra ambiciosa i ben estructurada, formalment i intel·lectualment.
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Texto y música pautada de la obra de teatro musical 'Alma' estrenada el 26 de septiembre de 2024 en la Sala Gran del Teatre Nacional de Catalunya. Una obra que habla de los sueños, las vocaciones, la identidad y la libertad.
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¿Quién recuerda hoy a Lise Meitner? A pesar de ser una de las personas que descubrió la fisión nuclear, su legado ha permanecido en un segundo plano hasta ahora. Mujer, científica y judía, huyó de la Alemania nazi y se refugió en Suecia. En 1944, el único galardonado con el Premio Nobel por el descubrimiento de la fisión sería su estrecho colaborador Otto Hahn. ¿Por qué ignoró el tribunal de los premios el papel esencial que desempeñó Meitner en el proceso? ¿Qué motivó esta aventura científica y la traición que le siguió? Con veracidad y pasión, esta obra arroja luz sobre una de las figuras fundamentales de la ciencia del siglo XX y, con ella, sobre tantas y tantas trayectorias que merecen ser redescubiertas.
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Nos encontramos ante una reescritura rebelde de Las bacantes de Eurípides. En esta versión el escenario se convierte en el salón de una casa en un lugar indeterminado del Japón contemporáneo y por él desfilan un ama de casa asidua a los happening bars, una bestia a la que esta mujer creó a través de inseminación artificial, el coro atormentado de las almas de las vacas lecheras y hasta un perro papillón comprado por capricho.
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Este poemario es una autorreflexión y una toma de conciencia casi diaria de lo vivido en la pandemia y pospandemia, donde cada amanecer era un no saber cuántos muertos o contagiados iban a reflejar ese día las estadísticas y donde la información no tenía garantías.Es una invitación comunitaria a la autorreflexión en un momento terrorífico de aislamiento mundialmente vivido: la comunicación se hacía a través de las pantallas, el mundo paró y los balcones eran el lugar donde manifestarse y/o aplaudir a los cuidadores de las trincheras sanitarias.Solo las camelias fueron libres en los balcones representa simbólicamente el contacto con la naturaleza en las ciudades donde los balcones, las terrazas, las macetas y los animales nos abrían una posibilidad de libertad. Comprobar como el sol ilumina las flores y el aire era una salida del aislamiento, en un momento en el que las pérdidas no pudieron ser acompañadas y los paseos sin destino eran búsquedas de libertad.Nuevamente, la autora nos presenta una salida luminosa después de atravesar la oscuridad. La conciencia se vuelve compañera, la esperanza, guía, y el amor, la única curación del ser humano incluso en momentos de guerra.
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Una crònica de la Barcelona contemporània cosida amb molta agudesa i esquitxada d'humor.«Punyent i divertidíssim». New York Times Book Review «Arribarà un dia que no caldrà repetir al jove Nopca que el seu humor corrosiu i talent europeu han dinamitat i dinamitzat la literatura del seu país: ho entendrà a la primera». Enrique Vila-Matas «Entre l'humor i la tendresa, els contes de Jordi Nopca es llegeixen com una crònica dels dubtes existencials i amorosos dels joves que avui dia sobreviuen a la Barcel... Llegiu-los i ja està». Jordi Puntí Perruquers canins que fan el que poden per superar el glop amarg d'una ruptura, traductors que han d'enfrontar-se a autors malcarats i torracollons, relacions que s'asfixien sota la runa de la precarietat laboral, amics universitaris que no troben la manera de confessar-se que s'agraden i veïnes insidioses que fan més por que un ocell de mal averany. Per mitjà d'un estil límpid i una expressió depurada, les històries de Puja a casa són un testimoni d'excepció d'una generació que ha hagut de trampejar els estralls d'una crisi econòmica de llarga ressonància. Emmarcat en la Barcelona dels últims temps i esquitxat d'un humor al que no renuncia en cap moment, aquest recull, que va obtenir el Premi Documenta 2014, constitueix igualment un observatori esplèndid dels codis amorosos contemporanis.
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Austral reúne en un solo volumen la Obra Completa del poeta Joan Margarit.Pocas semanas antes de morir, Joan Margarit dejó terminados los poemas que componen Animal de bosque, la obra a la que dedicó las energías del último tramo de su vida, aprovechando la mirada nítida que él atribuía a una senectud vivida sin trampas. Margarit, que había terminado un año atrás su «antología personal», publicada bajo el título Sin el dolor no habríamos amado, consideraba Animal de bosque «el mejor de mis libros». En este último volumen, que incluye Animal de bosque, reunimos toda la poesía original de Joan Margarit desde 1975 hasta 2021. La dureza y, al mismo tiempo, la ternura del refugio contra la intemperie que es su extensa y reconocida obra lo sitúan entre los poetas más valorados por la crítica y los lectores.
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