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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Con su poesía al aire libre, Alejandro V. Bellido demuestra que, a pesar de su juventud, o quizá debido a ello, posee una mirada fresca de poeta que aún conserva toda una vida por delante, y sin embargo ya comienza a vislumbrar el paso del tiempo (con mayúscula) como un enemigo invisible contra el que uno no puede defenderse.
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José Hierro es uno de los poetas españoles del siglo XX con una cosmovisión más personal. Casi todo en su poética se vincula de forma directa o indirecta con el movimiento, con el dinamismo. Por eso su enfoque de lo rítmico adquiere tanta complejidad y he ahí asimismo la raíz de que la música y las figuras vinculadas a ella constituyan referencias claves en su poesía. En Hierro, ritmo y vida van siempre de la mano. Estamos sin duda ante un poeta que hizo del conflicto un motor de expresión, mediante el que bombeaba energía a todos los planos del lenguaje: el fónico, el sintáctico y el semántico. La imagen del ritmo como sangre del poema, cuyo alcance investiga este ensayo, ayuda a comprender en qué consiste la clave de bóveda de este universo poético, qué importancia tienen las palabras vivas. Lorenzo Oliván (Castro Urdiales, Cantabria, 1968) se licenció en Filología Hispánica en la Universidad de Oviedo. Es autor de los libros de poemas Visiones y revisiones (Premio Luis Cernuda), Único norte (1995), Puntos de fuga (Premio Internacional Fundación Loewe, 2001), Libro de los elementos (Premio Internacional Generación del 27, 2004) y, en la editorial Tusquets, Nocturno casi (2014, Premio Nacional de la Crítica 2015 y I Premio de las Letras Ciudad de Santander), Para una teoría de las distancias (2018) y Los daños (2022). Reunió sus libros de aforismos y fragmentos poéticos en Dejar la piel. Pensamiento y visión (2017). Ha traducido a John Keats y a Emily Dickinson. Fue coeditor de Espacio Hierro. Medio siglo de creación poética de José Hierro (2001). Codirigió la revista de literatura y arte Ultramar y es responsable de la edición de tres volúmenes de Poesía con Norte. Los poetas y sus poéticas.
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El 27. La generación del 27. Los poetas del 27. Cualquier lector sabe de qué poetas estamos hablando: Guillén, Lorca, Dámaso, Aleixandre... Pero ¿no hay algo artificioso en que entre la nómina de poetas que vivieron las mismas circunstancias históricas no se contemple ninguna de las poetas que entretanto se han ganado el reconocimiento como las Sinsombrero? Presentamos, en un solo libro, un nuevo 27 que, enriquecido por las savias antes despreciadas de las Sinsombrero, y articulado en torno a los tres grandes poetas de la época (Lorca, Aleixandre, Cernuda), incluye a un predecesor tan admirado como Juan Ramón Jiménez y a su discípulo más talentoso, Miguel Hernández. Un 27 vibrante, entusiasta, seductor, desafiante y vital. Un 27 como nunca se había leído antes.
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J. Santatecla ha sabido coaligar sus dos pasiones: poesía y cine, cine y poesía, con una riqueza léxica tan infrecuente como llamativa. La rotundidad de las metáforas nos permite visualizar el poema como una película, desdibujando los límites entre verso y plano en un juego novedoso y eficaz para meternos en la escena. El año de la grava es un viaje en busca de la propia identidad, una voz singular de la que reconocemos ecos de Niño mudo, aunque representa una “metamorfosis” en la que su “yo poético” muda la piel y se renueva.
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En lo más profundo del bosque y de la noche, un jinete cabalga con su hijo en brazos, rodeado por la presencia amenazante del rey de los elfos y sus tres hijas. Inspirado por una leyenda escandinava, Johann Wolfgang von Goethe compuso el poema ''Der Erlkönig'', ''El rey de los elfos'' en 1782, como parte de la balada operística de ''Die Fischerin''.
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La poesía toda de Jaime Ferrán es un recorrido, un vademécum de vida. Un paseo por el mundo que ilumina y el tiempo que da sombra, al calor del deseo amistoso o amoroso y de la cultura, que nunca es un adorno, sino la raíz honda y más humana del hombre, que nos muestra partes y sujetos de la Historia. Dada su trayectoria vital, plena de viajes físicos y en la mente de ideas y palabras, no puede sorprender que Ferrán falleciera en Georgia, EEUU, en 2016. El olvido se había ido haciendo ya con él, inmerecidamente. Fue un hombre ávido de cultura y vida, como demostraría su antología de poesía colombiana nueva -años 60- Generación sin nombre, editada en 1970. Un hombre que buscaba en los libros y en el sentimiento y un poeta, un genuino poeta, que se sitúa en muchos poemas en la vanguardia lírica de su tiempo. Alguien dijo que un hombre no debe ser juzgado por todo lo que ha hecho, sino por lo mejor que ha hecho. Y así, no hay duda, Jaime Ferrán, noble y buen poeta, está salvado. Un alto poeta del 50. (Del prólogo de Luis Antonio de Villena)
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Estamos ante un verdadero milagro poético. Lo digo sin ningún miedo. Quizá el más importante en la poesía castellana en lo que va de siglo. Carlos Aurtenetxe dice saber que nada puede contra el mundo, salvo decir el mundo. Y el inmoderado dolor que el mundo le produce. Difícil quedar al margen de lo que aquí desfila, pues el primer dolor del mundo y el último dolor del mundo no son sino el hombre que somos. ''Historia de la hierba'' es un libro que sobrevuela la poesía moribunda del presente,y viaja hacia tiempos por llegar, allí dejará su semilla viva, entre la poesía muerta del futuro.
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La Guerra Civil española es un punto de inflexión enla obra de Neruda a la vez que define su compromisopolítico. Neruda vivía en Madrid una de las épocas más felices de su vida cuando se declaró la Guerra Civil. Tal como muchos intelectuales de la época, fraternizó con la causa republicana participando activamenteen la Alianza de Intelectuales Antifascistas y escribiendo este desgarrador poema, un himno ardiente dictado por la rabia y el amor. De regreso en Chile, publicó el libro en una primera edición con 16 fotomontajes del artista Pedro Olmos. Pastores y campesinos conescopetas, un pueblo en armas, Guernica bombardeaday un Franco sonriente rodeado por las cabezas de 5 niños arrancadas en un bombardeo, son algunas de las imborrables imágenes de los extraordinarios fotomontajes.
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La mirada indagadora de Lorenzo Oliván define y singulariza su voz, y propone una aventura de conocimiento hecha de iluminaciones y revelaciones. Su poesía se adentraen las perplejidades de lo real y profundiza en la pulsión metafísica de una lírica s
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Joana (2002) es el libro en el que Joan Margarit dejó testimonio de los últimos días de la vida y de la muerte de su hija Joana en el año 2001 [
]. La grave discapacidad con la que nació y su dependencia durante años de la madre y el padre supuso una experiencia decisiva capaz de transformar los sentimientos y las razones del existir. Esta experiencia poco a poco fue marcando los pasos de un amor, una convivencia, una complicidad y una obra poética: en palabras de Luis García Montero.
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“Una mañana a primera hora faltaban las palabras. Antes de eso, las palabras no existían. Los hechos sí, las caras también. En una buena historia, nos dice Aristóteles, todo lo que sucede lo desencadena alguna otra cosa. Un día alguien se dio cuenta de que había estrellas pero no palabras, ¿por qué? Se lo he preguntado a un montón de gente, creo ?que se trata de una buena pregunta.”
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Lope de Vega, apesadumbrado tras la muerte de Marta de Nevares, recibe la inesperada visita de dos mujeres tan llenas de secretos como de aspiraciones literarias: Ana Caro y María de Zayas. Su llegada reaviva los recuerdos de una mágica noche de San Juan que compartieron años atrás, cuando la sombra de la edad aún quedaba lejos... Entre la realidad y la ficción, INVENTANDO A LOPE nos invita a jugar con lo que realmente pasó y con lo que jamás llegó a suceder. Una comedia dramática inspirada en textos y documentos de sus protagonistas cuyo argumento, lleno de humor, amor, poesía y guiños a la literatura barroca, es un sentido homenaje a las voces clásicas de nuestros Siglos de Oro. A quienes, en cualquier tiempo y lugar, nos han hecho amar el teatro. Y la vida.
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Es importante templar el pulso de quién disparará por ti cuando no te queden balas. Así que tengo una noticia buena y una mala: la mala es que, en esta vida, vas a tener que ir más de una vez a la guerra. La buena es que tendrás el tiempo suficiente pa
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Los árboles mueren cada otoño y los incendios son terribles, pero hay algo más esencial que renace y retorna. Quizá el bosque es un testimonio de nuestra estancia en el mundo, y por eso la poesía toma las formas de la lira y el arco, porque lo nuestro se mide entre las canciones (la belleza) y las flechas (la muerte).
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La posteridad está en deuda con los últimos musulmanes de España. Los moriscos del siglo XVI nos legaron la crónica minuciosa de sus últimos días sobre suelo español, y sus códices sirven de espejo aleccionador a muchas situaciones históricas contemporáneas. Desde la más estricta clandestinidad y a riesgo de sus propias vidas, los anónimos criptomusulmanes preservaron la noticia de su vida cotidiana, de sus ansiedades, de sus conflictos y de sus sueños en un corpus manuscrito tan híbrido como sus propias almas, ya que estaba escrito en castellano pero transcrito en la grafía árabe, para ellos sagrada por razones religiosas e identitarias. El presente estudio intenta resucitar ese mundo enterrado, y ofrece un muestrario representativo de los asuntos que más interesaron a la comunidad morisca: las prácticas rituales islámicas, la magia, la astrología, la medicina, las profecías, la interpretación de sueños, los itinerarios secretos que los podían guiar a huir de España y aun para volver sigilosamente, como Ricote, de regreso a su patria natural. Los antiguos folios nos ofrecen auténticas sorpresas: tenemos testimonios sobrecogidos sobre cómo los musulmanes sufrieron la caída de Granada y la persecución inquisitorial, una novela ejemplar a la italiana endeudada con Lope y con Quevedo pero imbuida con una moraleja islamizante, el extraño caso de un morisco maurófilo, talismanes para hacerse invisible, para protegerse de los genios y para la buena memoria, interpretaciones de la Celestina como texto disidente, instrucciones pías sobre cómo hacer el amor recitando azoras coránicas y sonetos de Lope de Vega. Las letras aljamiado-moriscas cierran filas a la vez con la literatura española y con la literatura islámica, y acaso, aún más: constituyen el tercer espacio del encuentro —y del choque— entre ambas. Este libro nos permite el privilegio de escuchar por primera vez la voz, largamente silenciada, de sus autores secretos.
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Charles Bukowski (Andernach, 1920- Los Ángeles, 1994) dejó a su muerte un inmenso legado de poemas inéditos, en palabras de la crítica Jennifer Schuessler: «El testimonio de una feroz ética del trabajo invertido, la fe en la autosuficiencia por medio de la atención infinita a uno mismo, el rechazo a desperdiciar siquiera la migaja más ínfima de mundo o de tiempo». Estos poemas escritos entre 1980 y 1994 abordan los temas que hicieron de Bukowski un escritor tan venerado e imitado: la nostalgia por antiguos amores malogrados, las trifulcas en bares de mala muerte, el alcohol como combustible y condena, la euforia de la escritura cuando uno está en racha, la extraña belleza de los marginados de la sociedad, la enfermedad y el deterioro, todo ello dotado de una visceralidad más intensa a medida que el poeta barrunta la cercanía de su propia desaparición. Así, Abierto toda la noche constituye tanto una magnífica carta de presentación para quienes no se hayan adentrado todavía en el universo de Bukowski como un volumen imprescindible para los fieles seguidores del poeta.
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Laura parecía tenerlo todo a sus treinta y nueve años -un precioso hogar, su propia agencia de publicidad y una pareja deslumbrante-. En un negocio donde atractivas piernas y bellas sonrisas pueden marcar la diferencia entre ganar o perder una nueva cuenta, Laura ha conseguido muchas. Pero faltaba algo en su vida... Kelly, encantadora y atractiva, y Kate, una baby-dyke con cerebro, talento y un cuerpo irresistible, harán que los fundamentes más firmes de la vida de Laura se tambaleen.
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Las orugas vivieron sus experiencias dejando atrás las aladas púas que les incomodaban su procesión diaria, se encerraron en su capullo y se convirtieron en crisálidas, meditaban cada día en su transformación soñando con el día en el que volarían con libertad siendo blancas mariposas aladas. Esta metáfora recoge el sentido de este poemario, las palabras que en él habitan son fruto de la transformación de la autora, una fuente de expresión emocional que invitan al cambio, la libertad, la superación y el amor incondicional.
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Novela concebida como sátira de personajes y situaciones reales (en particular, el ambiente del Teatro de Arte de Moscú en los añosveinte y treinta, así como sus principales figuras, Stanislavski y Nemírovitx-Dánchenko, con las que no congenió demasiado)
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Como los de su primera entrega, con la que Victoria León ganó el Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, los poemas de Flores de fuego, escritos entre 2018 y 2022, parten de una poética y unas concepciones estéticas fundamentadas en el clasicismo y la lengua natural, ensayando nuevas formas y tonos. Dividido en cuatro secciones, que dialogan entre sí o con lecturas de Cioran (a quien se debe la metáfora del título), Lucrecio, Nietzsche, Goethe, Marco Aurelio, Zweig, Keats, Breton, Foscolo o Cernuda, el libro tiene la soledad como gran tema común: la soledad como destino humano, pero también como faro desde el que nace e irradia la poesía para iluminarnos y tendernos paradójicos puentes con la vida, o como búsqueda del alma del mundo en el sentido platónico, necesaria para crear y vivir plenamente. La primera parte, inspirada por la sinfonía Séptima de Mahler, la forman poemas que tratan de la noche como símbolo de la existencia, entendida como un camino de exploración y conocimiento. La segunda, escrita durante el confinamiento pandémico, aborda la dialéctica del recuerdo y el olvido, la presencia y la ausencia, la huida hacia dentro y la renuncia serena a lo que acaba, pero también la necesidad de ir al encuentro de los otros. La tercera es una mirada al pasado, una constatación de la identidad heterogénea y cambiante, una pesquisa de las propias huellas a través del afecto y la amistad, la unidad y la plenitud restituidas. Los poemas finales buscan una poesía celebratoria que encuentra en el amor y el deseo otro nombre de la fe y de la esperanza.
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El Teatro Furioso está en la cima del teatro poético español del pasado siglo. Anticipó la revuelta de identidades y sexualidades que caracterizaría al siglo xxi, se burló de cualquier imperativo, político, religioso o social, y descreyó de cualquier frontera entre lo elitista y lo popular. Fue un teatro sin normas, sin límites, un teatro transgresor, incómodo, dionisíaco, erótico y muy divertido, un regalo para la capacidad de asombrarse, un ejemplo de inteligencia y buen humor. Francisco Nieva nos trae en este libro una puerta a la liberación de la furia, estimula la rabia y el deseo, favorece el coraje y la provocación. Y lo hace sin didactismos ni moralinas discursivas, sino con asombros, diversión y elegancia. El Teatro furioso es la obra de un maestro, acaso el último o penúltimo gran creador teatral del siglo XX.
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«En Los amores imparables cada beso es nuevo, de una razadiferente cada polvo es el primero cada lágrima, una nueva forma de mirar lalluvia cada herida, para siempre. El amor imparable nace y seindependiza de la razón. Es la elevación del verbo sentir a la categoríade arte supremo.Es un amor imposible de domesticar, que estávarios palmos por encima del asombro, que no tiene medida. Creo que yasabes de qué amores hablo, de esos amores bárbaros que te hacen soñar yno te dejan dormir, de esos amores que te llevan a todas partes perojamás te llevan a ningún lugar.» MarwanEste libro lo componen amores tormentosos,pasionales y encarne viva. Poemas emocionantes que buscan lectores cómplices, lectoresdispuestos a dejarse tocar el corazón y ponerse a volar junto a su autoren un viaje por los sentimientos.
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¿Por qué Nabokov llamó Lolita a Lolita? ¿Qué pensaba Mark Twain de sus lectores? ¿Por qué Tolstói dijo que todas las familias felices se parecen? ¿Por qué Virginia Woolf creía que el ritmo es lo más importante? ¿Por qué según García Márquez todo está en la primera frase? ¿Por qué Philip Roth escribía de pie? ¿Por qué Doctorow no era capaz de redactar un justificante del colegio para su hijo? ¿Qué le hacía más gracia a Jane Austen y cómo atrapa las ideas Stephen King? ¿Por qué Madame Bovary nos parece tan sensual y por qué Martin Amis dice que es imposible escribir de sexo? De Homero y Shakespeare a Vonnegut o Zadie Smith, Richard Cohen explora cómo arrancar un libro, cómo se construye un personaje, cómo narrar una escena de sexo, cómo se escribe y reescribe. Y, también, cómo vive cada autor todo el proceso: sus miedos, bloqueos y trucos para superarlos. «Hay tres reglas para escribir una novela», dijo Somerset Maugham, pero añadió: «Lamentablemente nadie sabe cuáles son». Y, aun así, Richard Cohen nos acerca en este lucidísimo, erudito y fascinante libro a cómo piensan, y escriben, los grandes escritores de la literatura universal. Oro puro para los que quieren entender mejor lo que leen o incluso atreverse a escribir.
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Imaginemos la escena. Estamos ante una obra de creación. Puede ser una novela, un cuadro o una película. Estamos ante una pieza artística y la hemos disfrutado sin tenerque preguntarnos necesariamente por los mecanismos o artificios que producen ese efe
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Esta obra trata de los placeres del ocio y del universo polvoriento de la lectura, que recorre por el camino más largo: pasa del ensayo a la crónica, sin olvidar la columna ni el apunte de ocasión. Es, pues, un libro errabundo y versátil que repasa algunas de las épicas domésticas a las que convendría aspirar a estasalturas del siglo, como echarse una siesta en el cine o perderse en grandes librerías.
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La estructura moral del Infierno de Dante, libro póstumo de Carlos López Cortezo, es fruto de varias décadas de análisis constante y estudio minucioso de la obra de «il Sommo Poeta».El autor desarrolla aquí, en primer término, una lectura «restauradora» del texto dantiano acorde con la cosmovisión que lo produjo, prestando particular atención a su literalidad y no tanto a los diversos mitos que se han creado a partir de él. A continuación, se adentra en una exégesis alegórica –textual pero también iconográfica– de cuestiones tales como la «orografía» infernal, las historias de los personajes con sus elementos implícitos, los símiles extendidos, los gestos, la interpretación de los nombres, los personajes mitológicos, etcétera. Todo ello le sirve para, con un estilo sobrio y conciso, desvelar la estructura moral subyacente a la construcción de un Infierno dantiano notablemente distinto del tradicional.
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Comparando la obra poética de Dante, Calderón, Milton o Goethe, el filósofo y filólogo alemán Wilhelm Dilthey, muestra cómo, a lo largo de la historia de la literatura, la figura del demonio ha ido moviéndose entre lo cómico y lo dramático, lo espiritual y lo corporal, lo popular y lo abstracto, lo radicalmente maligno y lo simplemente retorcido.
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La escritora Clara Obligado coordina este necesario Atlas de literatura latinoamericana que pretende visibilizar y reivindicar la rica variedad de tradiciones literarias presentes en esos países y que con demasiada frecuencia se desconocen en España y en las naciones vecinas. Algunos de los mejores narradores latinoamericanos del momento nos presentan la obra de sus maestros: Andrés Neuman, por ejemplo, escribe sobre Roberto Bolaño, Mariana Enríquez sobre Silvina Ocampo y Ana María Shua sobre Augusto Monterroso. Y así en más de treinta textos para mostrar una panorámica de la literatura de Latinoamérica. Agustín Comotto ilustra este libro, que es una invitación a descubrir autores inolvidables.
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Nacido en Requena, actualmente cursa el grado de Filosofía, disciplina que impregna la temática de sus poemas. En este su tercer libro el autor trata de redescubrir los temas esenciales del ser humano, que han venido atravesando una tradición a la que se rinde reverencia. Poemas que desde la fragilidad buscan el destello que une lo humano con lo eterno, con el terror sagrado que ese encuentro implica.
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La muerte transita por los quince cuentos que componen La mano muerta y otros relatos de azúcar y fuego, silenciosa, casi fantasmal. A veces solo es el recuerdo de una persona fallecida, en otras ocasiones está vestida de diablo o viene acompañada de la crueldad de una guerra, de cuatro metros y medio de ola o del poder de aquellos que se olvidan de tierras lejanas, de calles de ciento veintitrés metros y barrios anodinos o de naranjas envenenadas. La muerte también es una huida cuando no parece haber otro camino posible, una ruptura sentimental, un premio que absorbe el aliento del hermano gemelo abandonado en un psiquiátrico, un adolescente que se niega a todo a las once de la mañana, un escritor famoso o los anillos de los árboles, que reflejan toda una vida. Y una biblioteca rodeada por buitres que lloran poco y tienen mucha prisa. Escritos de manera exquisita, con la delicadeza que Rafael Ruiz Pleguezuelos transmite a sus obras, incluso con elegancia y cierta vena poética, estos relatos son historias muy cercanas y a la vez lejanas, tan familiares que las encontramos en el vecino, en el hijo, en el amigo o en la noticia que leemos todas las mañanas en la prensa.
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Luis es honestidad. Lo conozco desde hace años y sé que sus poemas lo reejan elmente, son su espejo. Luis es un hombre bueno, sensible, que a la hora de escribir solo sabe disparar a quemarropa. No le gusta quedarse esperando a ver qué pasa ni se recrea dando vueltas innecesarias alrededor de las palabras. No lo necesita porque escribe desde el corazón y, por eso, sus poemas solo pueden ser leídos del mismo modo: desde el corazón. En él no hay impostura ni grandilocuencias perseguidas, es todo verdad. Eso hace que estos poemas no sean aptos para aquellos que leen con la cabeza ni para quienes solo se emocionan con la poesía que busca los altares. Su poesía es pan para la gente, es cercana y no tiene barreras arquitectónicas, es amable, toma a la belleza de la mano, aquella que surge de las emociones más puras y limpias y la conduce hasta ti. Por eso estos poemas se llevan tan bien con los jóvenes. Ellos entienden esta poesía y esta poesía los entiende a ellos, viajan juntos en el carromato de la emoción. Y es que eso es su poesía, auténtica emoción y, por supuesto, emoción auténtica. Marwán
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Mi hijo camina en la tierra de los locos sin encontrar palabras, solo habitaciones vacías, que Dios allí, ni en ningún otro lugar, habita. Para escribir Las provincias de Benet uno debe escuchar, conocerse a sí mismo y leer, es la única manera de entrar y salir indemnes del desierto. Juan Benet entró muchas veces en ese desierto, solo, y salió de ahí acompañado por todos los paisajes de «Región». Blanca Andreu, su segunda mujer, entró en la selva y salió de ella tan herida que sólo con la arrogante compañía de Benet pudo seguir caminando sola y a la vez a su lado. Ambos son los protagonistas de este poemario. Ellos, junto con una redefinición del sufrimiento, forman el alma de aquellos cuadros de Chagall, tan llenos de personajes, éxodos, símbolos y colores que serían y siguen siendo, un buen refugio para cuando estemos perdidos y no sepamos el lugar donde habitarnos. *** Elías Gorostiaga (Valencia de Don Juan, León, 1963) firma bajo el seudónimo literario de Elías Gorostiaga. Ha publicado Estériles (2023), Derbi (2021), Cuerdas de plata (2020) (II Premio Internacional Diario Jaén de Poesía), Tierra de invierno (2015), El castillo de aire (1988). El libro de relatos Polvo en la frontera Playa de Akaba (2016), así como distintos libros colectivos. En el año 2021 resultó beneficiario de la ayuda extraordinaria del Ministerio de Cultura y Deporte, para el fomento de la movilidad internacional de autores literarios (escritores, traductores e ilustradores) por el ensayo Castilla Sixtina. Las provincias de Benet o vivir en un Chagall (Pre-Textos, 2023) es su sexto poemario con el que se hizo merecedor del V Premio Internacional de Poesía Juan Rejano-Puente Genil.
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Escritura, reescritura, rerreescritura. Literatura. Y nada más. Sin concesiones, sin alardes, sin reproches. Con el paso de los años, con sus distintas versiones, reversiones e incluso perversiones, el AlfaBeTo de Palàcios ha ido adentrándose en el terreno de las obras míticas, fundacionales: aquellos textos de difícil acceso comentados por tantos, pero leídos por tan pocos. En su origen, el juego: escribir una página para cada letra del alfabeto. Una cada día. Un juego iniciado hace décadas —retomado sin descanso— que aún no ha acabado, ahora está en manos de sus nuevos lectores. Si se atreven.
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Este volumen se estructura en seis partes, las cuales, a su vez, podrían ser la expresión de seis voces, de ese afán de profundizar hasta llegar a los tres poemas finales en los que la música, la figura de Cervantes y el pensamiento existencial enriquecen especialmente el texto. De tal manera que, en este libro de madurez plena, Colinas lleva hasta su último extremo cuanto había deseado para el poema.
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Lluís Alpera i Leiva (València, 1938), filòleg i crític literari, fundador del Departament de Filologia Catalana de la Universitat d’Alacant i destacat animador cultural, és un referent de la literatura catalana del darrer mig segle. Ha desenvolupat una prolífica activitat com a crític literari, col·laborador en revistes, diaris i editor, i ha participat alhora en tasques directives d’organismes professionals. Les primeres produccions poètiques d’aquest autor compten amb influències de Rilke, Maragall, Riba, Espriu i Lorca, mentre March, El Tirant, Kavafis, Virgili, Quasimodo, Llompart i Estellés contribueixen, posteriorment, en la creació de noves perspectives literàries. La seua obra presenta una forta tensió existencial i una percepció conflictiva del món, ara editada en un nou volum que arreplega més de 50 anys de poesia. La lírica alperiana, emmarcada inicialment dins el realisme social amb obres com El magre menjar (1963) i Dades de la història civil d’un valencià (1967), es decanta cap a un sensualisme esclatant a partir de Surant enmig del naufragi final…(1985), d’influència barroca, Tempesta d’argent (1986) i Els dons del pleniluni (1990), amb una poesia més depurada, de tons clàssics, primer, Amb cendres i diamants (1995) i Els bells papirs d’Alexandria (1997) i de ressorts neopopularistes després, A...
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En el devenir de su azarosa trayectoria vital, Wordsworth, arquetipo del poeta vocacional y plenamente consciente de su labor, contribuyó a separar la poesía del ámbito elitista y limitado en el que se había venido desarrollando hasta aquel momento histór
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