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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Los cuentos completos de la gran Eudora Welty, maestra y principal influencia de Richard Ford y Alice Munro. Esta compilación muestra el extraordinario talento de Eudora Welty para encarnar el mundo íntimo de sus personajes, tanto si se trata de un chico sordomudo, como de un músico de jazz o de un asesino. Los motivos y los escenarios de estas restallantes historias son muy variados y van desde la pequeña ciudad de Jackson, en Mississippi, hasta Nueva Orleans, desde los años de la Gran Depresión hasta los sesenta, pero todos contienen la aguda sensibilidad, el estilo preciso y cálido, y la luz sureña que Eudora Welty convirtió en señas de identidad de su imperecedero y original mundo narrativo.Reseñas:«Una de las grandes autoras del siglo.»Richard Ford «Leer a Welty es como montar en un tren que va parando en distintas estaciones y, desde la ventanilla, te permite contemplar a la gente que se acerca.»El País
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Mi padre cuenta monedas es un libro complejo y valiente, en el que su autora, Angélica Morales es capaz de reflejar toda la soledad, la angustia, la indiferencia, para «masticar de nuevo los recuerdos» y aprender a «sacar la basura del pecho». Kafka escribió que «la literatura debe de ser un hacha para el mar congelado en nosotros». La literatura de Angélica Morales sin duda lo es, percute con fuerza en algún lugar de nuestra conciencia hasta romper el hielo de la indiferencia y hacernos cómplices y testigos de esta representación de la realidad teatralizada y poetizada.
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Hoy, que el mundo se precipita, de nuevo, hacia un futuro incierto, es preciso que rescatemos el amor por la cultura y su soporte: los libros, como el antídoto que necesita nuestra sociedad contemporánea frente al derrumbe moral global que se nos viene encima, tal y como afirmara Voltaire: “Todo el mundo conocido, con excepción de las naciones salvajes, es gobernado por los libros”. También, Federico García Lorca señalaba esta misma senda, en el discurso que pronunciaba en Fuente Vaqueros, en el año 1931, con motivo de la inauguración de la biblioteca de su pueblo natal: “No solo de pan vive el hombre. Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan, sino que pediría medio pan y un libro”.Y este es el milagro al que nos convoca Inmaculada García Haro, con la entrega de su poemario Los perfiles del frío, un texto donde el lector va a encontrar una armoniosa simbiosis entre los dos elementos básicos de todo buen libro de poemas: fondo y forma.Los perfiles del frío ha sido constituido por su autora desde cuatro ángulos: Poda de invierno, Tocata y fuga, Extraño viaje y Palabra y tiempo, cuatro partes, cuatro visiones que consolidan un discurso unitario.Aquí va a encontrar el lector un conjunto de veintisiete espléndidos poemas que desgranan, como si se tratara de un caleidoscopio imaginario, una especie de bitácora fragmentada en palabras para recomponer, a través de la memoria, el hilván de los momentos de toda una vida.
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Las tres piezas de teatro que se incluyen en esta Obra completa presentan a mujeres jóvenes que se tienen que enfrentar a un mundo lleno de violencia, alcoholismo y exclusión, reflejando la dura cotidianidad de los barrios obreros de los años setenta y ochenta donde la precariedad y el paro de la era Thatcher hacía estragos. En The Arbor, Rita, Sue and Bob Too (obra que fue adaptada al cine) y Shirley el universo de Andrea Dunbar se muestra al completo: el vecindario en decadencia, el padre maltratador que se tambalea borracho desde el pub local y la hija adolescente y descarada que intenta escapar de esa vida. El prólogo de Ángel Mirou nos da una perspectiva más amplia sobre la fugaz pero intensa experiencia vital de Andrea Dunbar. «Pero Andrea tenía algo que no tenían otras chicas: talento. Andrea era una chica de quince años que acababa de dar a luz a un bebé muerto cuando descubrió el mundo del teatro. Tuvo la fortuna de dar con un profesor en su instituto que adivinó en ella una inteligencia que no encajaba en los patrones medidos por los exámenes de la enseñanza secundaria británica. El profesor le encargó como ejercicio escribir una pieza teatral». -Ángel Mirou En Barrett descubrimos a Andrea mientras veíamos el documental The Arbor tumbados en el sofá. No pudimos esperar ni un segundo para recopilar sus tres obras de teatro y hacer este libraco.
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Doce poemas de William Faulkner, pertenecientes a A Green Bough, traducidos por Javier Marías. Los comentarios del gran autor español, en parte inéditos, y el recorrido por el Mississippi de Faulkner de la mano de Manuel Rodríguez Rivero, constituyen un extraordinario homenaje a William Faulkner en el centenario de su nacimiento. El 25 de septiembre de 1997 se han cumplido cien años del nacimiento de William Faulkner, y aunque sigue siendo uno de los escritores del siglo más estudiados por los críticos y más imitados por sus colegas o descendientes, parece como si el aniversario notorio le llegara en un momento de su posteridad algo indeciso. El número de tesis, monografías y análisis universitarios no ha menguado en exceso en los últimos años, pero algunas tendencias o ''escuelas'' predominantes hoy en su país de origen se esfuerzan por omitirlo, orillarlo y propiciar su olvido, al ser culpable de los cuatro pecados capitales de nuestros pacatos y oportunistas tiempos, a saber: era varón, era blanco, era anglosajón machista. La literatura, los textos, han sido convertidos asombrosamente en un elemento secundario a la hora de estudiar y valorar la literatura y los textos. También es culpable sin remisión de un quinto pecado muy grave: está muerto.
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Los temas de este libro exploran sentimientos paradójicos de la sociedad estadounidense: el vacío identitario de los llamados suburbios, el racismo atroz, la vigilancia vecinal, la impostura del movimiento woke, la normalización de los suicidios diarios,
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A ti, posible lector de este poemario, te invito a compartir, a través de su lectura, un viaje por los paisajes externos que en su transformación te irán provocando: sentimientos, emociones, percepciones y, quizá, destellos de comprensiones más profundas. Verás en varios poemas pasearse las nubes y sus paisajes, la lluvia, el viento, la nieve… y cómo a través de ello aflora el mundo interno, y cómo de este maridaje entre ambos puede surgir una fusión creativa y sanadora.Quien observa y lo observado se funden, cobrando la vivencia una intensidad primordial que lo ilumina todo, la observación despliega el escenario, descubriendo en el paisaje matices ocultos a la mirada menos atenta. Parafraseo a Ida Vitale para ejemplificarlo. «Quien se sienta a la orilla de las cosas resplandece cosas sin orilla.»
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Antonio Moreno nació en Alicante en 1964. En Intervalo (2007) recopiló el conjunto de sus libros de poemas publicados hasta entonces. Posteriormente salieron a la luz Nombres del árbol (2010), El caudal (2014) y Cuaderno de Kurtná Hora (2015). El viaje de la luz (Renacimiento, 2014) es una antología de su obra poética. En esta misma editorial publicó Unos días de invierno (2016) y Más de mil vidas (2018), sendas colecciones de haikus. Sus últimas páginas en prosa, de carácter viajero o autobiográfico, son Estar no estando (2016), El sueño de los vencejos (2019) y Visita de año nuevo (2020).
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«Aún / hay cantos que cantar más allá / de los hombres». Estos versos de Paul Celan ofrecen una clave para comprender la singularidad radical de uno de los mayores poetas europeos del siglo XX. En Celan el poema siempre lleva consigo lo humano y al mismo tiempo lo trasciende, en el sentido de que sobrepasa el horizonte crepuscular de una tradición humanista que ha llegado a convivir pacíficamente con la destrucción de los valores y los ideales que ella misma consagrara durante siglos. La obra de Celan resulta así inseparable de un pensamiento poético que pregunta por lo humano desde la catástrofe. Este libro muestra en qué medida su poética hereda el legado ya en crisis de la lírica moderna y lo transforma en una ''lírica del desastre'' que descubre en la lengua del poema una experiencia única y extrema. Experiencia destructiva que sin duda marcó a hierro y fuego la historia europea y dejó huellas indelebles en la vida y en la obra del poeta, pero experiencia límite también, y aun más decisiva, del propio lenguaje como deseo de una «lengua madre» que abre en el texto poético el abismo del amor y la muerte donde encuentra su raíz última la existencia. Raíz Celan: un poema de La rosa de nadie, titulado «Radix, Matrix», hace las veces de hilo de Ariadna en la lectura desideral que aquí se propone de la tríada en torno a la que gira la escritura poética celaniana: Poema - Lengua - Abismo.
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Después de mucho leer no cabe sino aceptarlo: la mayoría de los que formaban parte de la caravana de nuestra bohemia, nombres a cuyas obras llegamos a asomarnos por el simple hecho de que aparecían mencionados en La novela de un literato de Cansinos, no merecía el esfuerzo que nos tomamos en buscar sus libros, muy difíciles de encontrar, y leerlos. Unos cuantos de esos nombres, sí merecían la pena. Pienso en los sonetos cincelados de Pedro Luis de Gálvez, pienso en algunos cuentos de Miguel Sawa, pienso, sobre todo, en la poesía de Eliodoro Puche. Juan Bonilla
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En Todos los cuerpos, el cuerpo, Jesús Pacheco nos invita a adentrarnos en un laberinto ecfrástico que puede leerse al tiempo como un autorretrato en verso convexo, como una acuarela que evoca el mundo perdido de la infancia y como un óleo pintado con los trazos del desgarro existencial. El combate entre cuerpo y escritura, plasmado en una atmósfera envolvente y llevado por un ritmo poderoso, muestra la identidad de un yo en progreso y la construcción del proceso discursivo. He aquí, en fin, una voz original que ya no es la suma de distintos ecos formativos, sino la decantación de un estilo en el que se funden la plasticidad visual, la imaginación fulgurante y el examen de conciencia. Apenas cruzado el umbral de los veinte años, Jesús Pacheco abandona con este libro el brumoso limbo de las promesas para instalarse en la tierra firme de las evidencias. Pónganse delante de un lienzo en blanco (medidas recomendadas: 34 x 29 centímetros) y atrévanse a mirar.
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Marina está sola en medio del mar a bordo del Peter Pan. Acostumbrada a viajar en el asiento de copiloto y a no decidir ni el rumbo ni las maniobras de su propia vida, realiza una travesía hacia Tánger con el fin de cumplir el último deseo de su pareja. Pero Óscar ya no está aquí para guiarla y el viaje se convertirá en una auténtica odisea. Los sueños recuperados, la lucha contra los elementos, la pelea por la libertad y el recuerdo de Óscar hacen a El síndrome del copiloto heredera del espíritu de El viejo y el mar, La Odisea, Cinco horas con Mario y Magnolias de acero en su reverso más luminoso. Adaptación teatral libre de la novela Mujeres que compran flores «Una historia que llega. Todo es tan cercano, tan auténtico que duele. Un recordatorio de lo mucho que podemos conseguir si nos arriesgamos. Una lectura para recordar». Papel en blanco «Se trata de una historia emotiva y tremendamente sentimental, con un texto plagado de frases hermosas, motivantes y reflexivas». Regina Sotorrío, Diario Sur «Una emocionante adaptación del best seller Mujeres que compran flores». Revista Godot
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ÑAQUE Editora vuelve a apostar por recopilar piezas breves para niños y no tan niños. En la aventura de editar texto, se hacen muy necesarios textos de este cariz que no solo aportan ideas ya concluidas, sino propuestas para que aquellos que dinamizan con el teatro las aulas y compañías infantiles y juveniles, vean la posibilidad de ser ellos mismos los que aporten ideas y textos al escenario. TEATRILLO PILLO va en esta línea, con una recopilación de pequeñas obras de teatro, dirigidas a los más peques de la casa. 25 dramatizaciones que parten de cuentos tradicionales, de temáticas tradicionales o de otro tipo de propuestas como el otoño, la Navidad o la paz. En el prólogo, Remepalma afirma: Si buscas textos cortos, sencillos y divertidos para trabajar con niños y niñas, este es su rincón. La apuesta es segura porque todas y cada una de las obras de teatro han sido escenificada en diferentes centros educativos e instituciones. YOLANDA FUENTES es la pedagoga que aporta su visión de la escena y su capacidad de gestionar grupos de niños para llevar a escena ideas que surgen del imaginario común. De nuevo Remepalma nos avisa: Yolanda Fuentes tiene el don de organizar pequeños o grandes grupos de niños y niñas para que la interpretación sea un juego divertido y un disfrute para los espectadores. Cada teatrillo puede ponerse en escena con muy pocos o muchos participantes.
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Males setmanes
Vint anys després de la seva redacció, gairebé reclòs del tot a casa per culpa de la pandèmia, l'autor retroba un dietari inèdit. En rellegir-lo, inicia un viatge en el temps i se sent transportat a recordar bona part del que llavors va viure i que tant el podia esglaiar com interessar, preocupar o divertir. ?Quan he passat una mirada per totes aquestes pàgines m'ha escruixit el constant protagonisme dels terribles atemptats d'ETA, el desastre d'un avió, aquell Concorde que es va estimbar dos minuts després d'enlairar-se de París... I centenars més de desastres?. Però també hi anota unes fites extraordinàries com l'exposició dedicada a Pere Calders al CCCB o l'última representació de L'hort dels cirerers amb què el Teatre Lliure va tancar el vell local de Gràcia per traslladar-se a Montjuïc. ?I tantes coses més, més dolentes que bones, que no acabo de recordar del tot i que trobareu a continuació.?
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Perseo en Si bemol se entrega a búsquedas melódicas de apoyatura rítmica muy actuales. Ofrece una poesía del conocimiento formulada entre cadencias irregulares, sin temor a la disonancia, de manera que sus fraseos entrecortados acompañan siempre las indagaciones reflexivas que se propone. En su escritura gobierna el deseo por crear un mundo o mirar como el que escucha. Su conciencia estética es una prolongación de una conciencia mundana muy peculiar, esa que ha encontrado en la heterogeneidad de la cultura digital la forma de representación por excelencia.IGOR BARRETO.
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Poemas de piedra seca. Cuidada sucesión de versos y fotografías sin más argamasa que la dimensión diaria de cierta desesperanza, el recuerdo emocionado del padre, una leve amenaza de abismo cotidiano, la magnitud real de lo inconsistente, el eco de las palabras de Carver que eligen la voz del poeta para multiplicarse. Luis Carlos Marco Bruna.
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En su nuevo poemario, la joven poeta sevillana María Domínguez del Castillo (1997) explora la tensión entre ficción y verdad.En su nuevo poemario, la joven poeta sevillana María Domínguez del Castillo (1997) explora la tensión entre ficción y verdad, las (im)posibilidades comunicativas del lenguaje, interesándose tanto por lo que este puede lograr como por lo que no. Todas las historias son la misma historia la del amor y el dolor, la historia del hueco. Este libro contiene una colección polifónica de tradiciones diversas, voces que la poeta convoca mediante el exceso acuático y la concisión, la ambigüedad, la sugerencia, el doble sentido de la palabra. El título evoca los versos de la poeta canadiense Anne Carson, que sobrevuela todo el poemario: «hay aguas que nos ahogan. Otras aguas no». Cuando ciertas aguas no llegan a ahogarnos, hay que aprender a vivir con o en ellas.
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De todos los poetas contemporáneos, ninguno ha tenidotal gesto conmovedor, tal necesidad de entregar su vida a los otros de un modo tan fascinante, tan compasivo y trágico como Paul Verlaine. Porque nadie ha sido tan frágil ante el peso del destino. Toda su virtudpoética reside en lo opuesto a la grandeza: en la vulnerabilidad. Produjo así una poesía ancestral, purahumanidad, sencilla queja, humildad, balbuceo, ira yreproche, primitivos sonidos de sublime forma
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Poemario del autor Juan Cristóbal Mac Lean.Del viento en una alacena a un golpe de alborada, o desde una calabaza anaranjada a la tristeza de los leones bajo la lluvia, aquí tiene lugar una pluralidad de temas y de formas que se recoge y desagrega, se escribe y se pronuncia. O se entra en un jardín que nadie mira, o cruza un ave el cielo santo.La sola publicación de un libro de poemas, o el acceso de los poemas a la condición de libro, y luego el salto de las páginas a la corriente de pasos, de otros estantes y otras manos, de otras voces que habrán de apropiarse de él y así cumplirlo, son acontecimientos públicos y secretos, que hacen aguas y hacen olas, tanto en la vida del autor como en la vida de los versos, que van ahora al encuentro del lector.
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Poemario de la autora Touria MajdoulinePoesía verdadera, llave de la epifanía de la belleza que busca nombrar todo aquello que permanece en el silencio y que se desenvuelve dentro de unos límites de emociones contenidas, sin estridencias, dotando a la construcción lírica de un armonioso equilibrio, sustentada sobre una feminidad que se convierte en elegancia poética, dominada por la serenidad y por una elevada necesidad de alcanzar la hermosura y el esplendor. JOSÉ SARRIA.
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Poemario de la reconocida autora Rita Dove¿Para qué apocalipsis son estas canciones? No para un único juicio final e irrevocable, sino para nuestros apocalipsis cotidianos: la repetición del error de los hombres, la injusticia, la enfermedad y, en palabras de la poeta, ‟la belleza y la miseria que ha sido la historia de los Estados Unidos”. Miseria, porque la llevamos escrita en los genes. Belleza, porque es a través del poema que sobrevivimos a aquella. Con mano maestra, Rita Dove nos lleva de elegía en elegía a recobrar a los eliminados por los siglos, a ponernos en pie para testificar la vida, y a decirnos que el camino de la miseria a la belleza es la esperanza, y que ésta se recorre entonando las lágrimas.Canciones para el apocalipsis es una banda sonora ideal para nuestro presente: atroz y sublime, con dolor y con futuro.
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Las meditaciones de un padre primerizo que aún no ha conocido a su hijo, y que ante la ausencia de una tradición literaria sobre la paternidad venidera hace de ella un recorrido poético que se habita y siente en todos los sentidos, ocupan todos y cada uno de los poemas de Paternación. Pedro Martín Aguilar se dirige a una descendencia desconocida sorteando prejuicios y miradas sociales, y aprehendiendo de una gestación propia que se produce en la alteridad. Lo físico y lo anímico mudan su realidad en una reflexión experiencial en torno al proceso de cualquier embarazo (el sexo, los nombres, las ecografías), así como en una mirada desde el presente hacia el pasado nada ajena a los puntos intermedios, al mestizaje, a la infancia, a la denominación de las piedras y a las idas y venidas de territorios siempre extranjeros. La poesía de Pedro Martín Aguilar es un canto al futuro, al futuro que quiere ser distinto de lo que ya ha sido, un nuevo tiempo de incertidumbre pero de inevitable seguridad. Un canto al yo que se desprende de su identidad para volverse herencia, deseo y patria verdadera. SESI GARCÍA
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Los samuráis fueron honorables guerreros de alto rango en el Japón feudal. A pesar de la terrorífica imagen que presentan debido a sus grandes armaduras y katanas, realizaban numerosas actividades en su tiempo de ocio al igual que el resto de la población japonesa. Con ello, pretendían fortalecer su espíritu y prepararse para la batalla. Una de ellas era la escritura de haikus. No fueron pocos los samuráis que nos dejaron una notable cantidad de ellos que se han conseguido conservar hasta nuestros días. Este trabajo pretende acercar parte de estos haikus por primera vez traducidos al español, ayudando así a mostrar otra cara de los samuráis apenas conocida.
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Un grupo de jóvenes se reúne para leer las aventuras de don Quijote y descubre que es como ellos: es rebelde, se ha creado una identidad virtual y ha emprendido un camino incierto en busca de sus sueños. Así que suben a escena para representarlas. Como don Quijote, juegan a ser otros para ser ellos mismos.Quijote/Play adapta al teatro pasajes imprescindibles del clásico que iluminan las inquietudes de los jóvenes sin renunciar al texto de Cervantes. En un reparto flexible para la lectura o el montaje, cada miembro del elenco se convierte en protagonista de su propia historia, en busca de identidad y propósito en un mundo en constante cambio.
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Decía Emil Cioran que la expresión nos descarga del peso de nosotros mismos: la escritura es una liberación donde cada cual se cura de la vida como puede. Este libro se presenta así como un esfuerzo aparentemente inútil: cruzar la distancia que el amor, por muchas circunstancias, a veces no puede salvar. Sus poemas se asemejan, pues, a esos cabos impotentes, vencidos en la madera del muelle. Las páginas de este poemario se construyen sobre una de las formas que el amor adopta en nuestra tradición poética desde Garcilaso a Pedro Salinas: el vano, no como pérdida o carencia, sino como memoria frecuentada y espacio de encuentro. Más allá del amor lamentado, sus versos tratan de alcanzar el anhelo que permanece en el alma del hueso. Cada poema es acompañado de una imagen que unas veces ha sido estímulo y otras reflexión. Algunos textos llevan una breve, pero esencial, respuesta musical: composiciones del propio autor que actúan como un eco que prolonga el verso en una discreta resonancia, muda -si el lector así lo desea-, o cauce irracional para su interpretación. Por ello, tanto la música como estos versos tratan de ofrecer al lector un silencio introspectivo donde se eleva y resuena el poema, quizá de modo efímero, pero siempre más allá de su encarnadura en la palabra. Un libro donde el poema recorre caminos de ida y vuelta entre la música y la palabra: surge así la poesía a través de una voz personal con una identidad muy especial. Juan José Pastor Comín (Cuenca, 1974) es Catedrático de Universidad del área de Música en la Universidad de Castilla-La Mancha. Premio Nacional Extraordinario Fin de Carrera (MEC) y Premio Extraordinario de Contrapunto y Fuga (2001), ha sido profesor visitante en la Sorbonne, Paris-IV, Texas A&M University, University of Nottingham y Ruprecht-Karls-Universität de Heidelberg. Posee tres tramos de investigación y uno de transferencia, y ha sido investigador principal de cuatro proyectos del Plan Nacional y cuatro autonómicos. Sus publicaciones han sido reconocidas por su enfoque interdisciplinar sobre las relaciones entre Música y Literatura, desde el Siglo de Oro hasta nuestros días. Ha coordinado siete grupos de investigación de distintas universidades y del CSIC en el proyecto Música, literatura y poder en la España moderna: estudios interdisciplinares, del programa estatal Redes de Investigación, y desarrolla un proyecto Prueba de Concepto. Entre sus libros académicos destacan Cervantes: Música y Poesía (2007), Loco, trovador y cortesano. Bases materiales de la expresión musical en Cervantes (2009), Cinco viajes musicales por la literatura de la España moderna (1496-1645) (2019), Y la música se hizo verbo... Imágenes poéticas de Beethoven (2021), Escrito en el margen: Música, Literatura y Pensamiento (2023) o Pace non trovo. Historia de la interpretación musical de Petrarca (2024).
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Mâgda Carneci (Gârleni, Rumanía, 1955), poeta, ensayista y novelista, es uno de los grandes nombres de la literatura rumana contemporánea. Su presencia en la escena literaria ha combinado siempre el compromiso ético y estético, acompañado de una escritura exigente y prodigiosa. Ha publicado los libros Hipermateria (1980), Un silencio ensordecedor (1984), Caosmos (1992), Poemas políticos (2000), Poemas trans (2012), Vida (2016) y Transneuronal (2023). Vida puede considerarse un hito decisivo en la historia de la poesía rumana contemporánea. Se trata de una propuesta de altísima calidad, donde se halla la privilegiada unión entre emoción e inteligencia propia de los verdaderos poetas. Hay en las páginas de Vida un tratamiento sorprendente e innovador de algunos temas literarios fundamentales: el amor, el paso del tiempo, la infancia, la adolescencia, las vivencias de la madurez, la muerte o la relación con el espacio urbano y con la naturaleza en su doble dimensión, cercana y cósmica.
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La poesía de Fernando Riva (Perú, 1979) se instala en el borde del precipicio en una búsqueda de lo sublime que toma plena conciencia de la muerte. Su sentido trágico, lejos de acabar en una melancolía enfermiza, es una afirmación de la vida en su sentido místico. Con un preciosismo formal cada día más extraño, Riva nos enfrenta a las grandes preguntas del alma durante una extensión de la gracia que sólo el amor puede conceder a los sufrientes.
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Fake News. A pesar de estar tan en boga en nuestros días, Shakespeare ya era consciente de la utilidad deeste recurso a la hora de destruir destinos y por ello lo empleó como una de las «estrategias del mal» conlas que Yago se vengaría de Otelo, y que lo convertirían en el antagonista más despiadado. No en vano rivaliza en importancia con Ricardo III. Harold Bloom analiza la figura de un Yago resentido y envidioso, dolido por no obtener el ascenso del que se creía merecedor. Lo define como «un pirómano que quiere prenderfuego a todo y a todos». Sus deseos de venganza no conocen límites y su perseverancia y astucia lo llevarán a desarrollar una serie de estratagemas que en nuestros días se han convertido en mandamientos del maligno arte de la manipulación.
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A través de una poesía discursiva, el autor busca significados en la etapa de su vida en Atlanta. A partir de experiencias muy concretas, la poesía va fluyendo con observaciones culturales y existenciales que van tocando diversos temas: la naturaleza, los viajes, la ecología o las relaciones misteriosas entre el presente y el pasado, entre la época actual y la historia. La carpeta verde se suma a toda una poesía dedicada a viajes y estancias del escritor en distintas partes de Estados Unidos, con títulos como Poemas del mar en Carolina del Norte (2004), Media luna sobre Memphis (2019) o Postal (abrazos desde Miami) (2021).
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Poemes del gos
Llibre de poemes? Prou. Per què no? De sempre havia escrit algun poema, o ''temptativa de''. Quan era més jove, quan començava a escriure, tot i que endevinava que el meu camí era la prosa, hi havia temes o circumstàncies que em demanaven l'expressió en versos: aquesta és una situació per la que tota persona de lletres ha passat. I continuo escrivint poemes, o ''temptatives de''. Quan vam anar a viure a Puiggròs vaig rescatar d'un marge ensulsiat, un cadellet de gos. Li vaig posar de nom Abdelhamir Ben Mussa i, per abreujar, Mussa. Va viure amb nosaltres uns tres anys. Després va desaparèixer. Li vaig dedicar un primer poema i a continuació van rajar els altres disset. En realitat és un llibre desolat, on s'hi endevina el diàleg racional/irracional entre el solitari desenganyat del món i la bèstia afable i alhora purament instintiva.
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El mundo solo pasa por la visión / del primer idioma. Diario de las dos veces está lleno de sentencias peligrosas como esta. Según la poeta, vemos lo que decimos y este decir se remite a las palabras del origen, a la lengua nativa. Esta noción se manifiesta, claro está, cuando la primera lengua se convierte inevitablemente en la segunda: en la extranjera. Territorio, distancia y habla son, por ende, tres de las variables más influyentes en este poemario. Enciso no escribe la distancia física y el sueño del retorno desde el presente, pero la vivacidad de los poemas permite ver que el registro emocional es nítido y honesto, como las capas de sedimento que se acumulan en la superficie de la tierra. En medio de una lengua y terreno ajenos, la autora también se somete a un tiempo ajeno: el del invierno, las estaciones y la primavera. Extrañamiento, nostalgia y ¿retorno?: el día, el ocaso y la noche de este diario. CARLO ACEVEDO
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Parte de la producción dramatúrgica de Antonio Álamo está marcada por el minucioso y casi obsesivo examen de los mecanismos y las alucinaciones del poder en los más diversos ámbitos y estancias. Pese a ello, los engranajes que mueven la acción de estas obras, a partir de singulares, irónicas y certeras intuiciones dramáticas, tienen siempre un carácter íntimo. Este volumen recoge sus principales exploraciones en este terreno. En «Los borrachos», somos testigos de la celebración privada del lanzamiento de la primera bomba atómica por parte de sus creadores, «Los enfermos» nos cuenta las azarosas aventuras de un cadáver famoso, el de Adolf Hitler, en «Yo, Satán», el autor imagina a un papa que, valiéndose del dogma de su infalibilidad, pone en aprietos a la institución que representa, y del que se acaba sospechando que pudiera estar endemoniado, «Cantando bajo las balas» nos deja asistir al primer acto franquista de la historia narrado por un cadáver, el de Millán Astray, descontento y angustiado con el lugar que le ha concedido la historia, en «Grande como una tumba», el fantasma de un artista recorre las distintas escenas de un mundo que agoniza y se hunde sin remedio, y, por último, «El bebé salvaje», la única obra inédita y no estrenada, fija su mirada en un capítulo vergonzoso de la vida de Karl Marx, un hombre que, soportando circunstancias muy adversas, nunca renunció a su derecho a pensar ni a beber, y que, como dijo Bernard Shaw, realizó la mayor proeza que puede llevar a cabo un escritor: cambió la mentalidad del mundo.
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Entre las más recientes obras de Esteban Torre figuran, además de los presentes Nuevos poemas, los siguientes libros: Visión de la realidad y relativismo posmoderno, Veinte sonetos de Quevedo con comentarios, 35 sonetos de Fernando Pessoa, Luces y reflejos, LXII sonetos, Poetas de Grecia y Roma, Seis sextinas y otros poemas, Reflexiones en torno a la poesía y Cuarenta y cinco poemas y dos relatos. Es amargo el dolor, honda la angustia en el abismo de la raza humana. Muerte, desolación, hambre, miseria, como cántaros rotos se derraman. Pero también hay risas y canciones, la esplendorosa voz de la esperanza. Y nuevos seres brotan como pétalos de un girasol de vida renovada. Es el terco vaivén de los contrarios: claridad y tinieblas, día y noche, luces y sombras, tempestad y calma. No sé si abrir o si cerrar los ojos, cuando siento los trinos de los pájaros al clarear el sol por la mañana. («Raza humana»)
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''Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare.Un aura oscura de superstición y muerte rodea a esta obra, la más solemne y despiadada de las piezas canónicas de William Shakespeare. Se dice que desde su primera representación en el siglo xvii, la desgracia se hace presente en cada nueva puesta en escena, y este nefasto renombre forjó la tradición de jamás pronunciar su título dentro de un teatro, refiriéndose a ella solo como la tragedia escocesa.Con sus brujas, fantasmas y castillos perdidos en las brumas de la noche, sentó una influencia perdurable en el imaginario de las historias de terror fantástico y gótico. Su protagonista es, ante todo, el arquetipo del héroe convertido en villano. La sangrienta trayectoria de este guerrero escocés obsesionado por un infernal presagio de gloria, acompañado al asesinato por la caprichosa ambición de su esposa, dejó su huella en cada drama político y moral creado por la literatura, el cine y la televisión, desde El padrino hasta Juego de Tronos o Breaking bad.En continuidad con sus previos trabajos con Hamlet, El mercader de Venecia y Romeo y Julieta, la presente traducción de Carlos Gamerro, junto con sus notas y un completo estudio preliminar, traslada al español de América la música y la belleza de la mayor pluma de las letras inglesas.
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Este volumen refleja la vitalidad actual de estas
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En este tercer libro de poemas, Rosa Ortega ha encontrado la voz que todo poeta busca a lo largo de sucarrera literaria, y lohace desde una madurez personal y poética que demuestra en cada uno de los poemasque componen el libro, que van de lo más íntimo a lomás universal, reivindicando sin ambages su condiciónde mujer y de poeta y de ciudadana que reclama lo que le correspondepara sí y para los demás, fijándoseen los pequeños detalles que hacen de este mundo un lugar a veces menos apacible, pero casi siempre apetecible.
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