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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Publicado por primera vez en 1924, Veinte poemas de amor y una canción desesperada es quizá el libro de Neruda que ha obtenido una más vasta popularidad y a la vez significó la plena consolidación del prestigio literario de su autor en el área hispánica.Obra de gran envergadura literaria, el remanente de la herencia modernista fue aliado en ella por Neruda de modo admirable a los hallazgos expresivos de la nueva vanguardia en una serie de piezas de conmovida intensidad lírica, cuyo acento de plenitud vital, exaltación genésica y erotismo panteísta cede el paso, en la hora de los duelos y las separaciones, a un tono demelancolía que le hermana a la herencia romántica. Intocables en su definitiva rotundidad de pieza maestra, estos Veinte poemas de amor y una canción desesperada constituyen sin duda una de las mayores cimas de la poesía amorosa en lengua castellana.
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Luis García Montero reúne en este volumen treinta y cinco años de poeta. Ordenados y en edición definitiva, figuran en esta Poesía completa (1980-2015) sus diez libros, con los que ha trazado una de las trayectorias más coherentes y de mayor ambición y talento de la poesía española reciente: Poemas de Tristia, El jardín extranjero, Diario cómplice, Las flores del frío, Habitaciones separadas, Completamente viernes, La intimidad de la serpiente, Además, Vista cansada y Un invierno propio.
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Una cuidada edición bilingüe de la tragedia más célebre de la literatura. Introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge Edición de Josep María Jaumà, catedrático de la Universitat Autònoma de Barcelona El tiempo no ha cerrado las heridas de los Montesco y los Capuleto, dos familias de Verona enemistadas por antiguos pleitos cuyo origen ya casi nadie alcanza a recordar. Con el odio llegó la violencia, y con la violencia, las primeras víctimas inocentes. Pero del odio nació también el amor entre dos jóvenes predestinados a la desventura: Romeo y Julieta. La suya es una de las historias más populares de todos los tiempos, a la vez que su trágico desenlace se ha convertido en un hito de la literatura universal, «pues jamás hubo tan triste suceso como este de Julieta y de Romeo». Presentada en la extraordinaria versión del traductor Josep Maria Jaumà, esta edición bilingüe se abre con la esclarecedora introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge, quien nos acerca a este gran canto a la juventud, a la pasión, al amor y a los peligros insoslayables del odio.
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La imagen que tenemos hoy día de Fernando Pessoa se parece poco o nada a la que tuvieron los escritores de su momento. Si en la actualidad Pessoa es el máximo exponente de la literatura portuguesa en España (y el mundo), no podemos decir que la situación fuese la misma en la primera mitad del siglo XX, cuando era entre nosotros una sombra que sólo conocían unos cuantos iniciados. Sin embargo, la vida de Pessoa estuvo salpicada de encuentros y desencuentros con España y sus escritores. Trazó algunas relaciones con sus “camaradas” vanguardistas (Adriano del Valle, Rogelio Buendía, Isaac del Vando-Villar, Iván de Nogales) y su archivo revela numerosos testimonios de interés por España, en el contexto de su pensamiento sobre Iberia, y por algunos de sus autores, con Miguel de Unamuno a la cabeza. Ochenta años después de la muerte del portugués, ha llegado el momento de descifrar quién fue Fernando Pessoa entre los escritores españoles de su época y qué significado tuvo España y su cultura en la obra del autor del Libro del desasosiego. Antonio Sáez Delgado es profesor de literatura en la Universidad de Évora y miembro del Centro de Estudos Comparatistas (FLUL). Investigador, traductor y crítico, es especialista en las relaciones literarias entre Portugal y España a principios del siglo XX, tema al que ha dedicado libros como Órficos y Ultraístas (2000), Adriano del Valle y Fernando Pessoa (apuntes de una amistad) (2002), Espíritus contemporáneos (2008) o Nuevos espíritus contemporáneos (2012). Ha traducido al español obras de Fernando Pessoa, António Lobo Antunes, Fialho de Almeida, Teixeira de Pascoaes, Almeida Faria, Manuel António Pina y otros muchos autores portugueses modernos y contemporáneos. Comisario de las exposiciones Suroeste. Relaciones literarias y artísticas entre Portugal y España (1890-1936) (MEIAC, 2010) y Fernando Pessoa en España (Biblioteca Nacional de Portugal, 2013, Biblioteca Nacional de España, 2014), es colaborador habitual de Babelia y dirige Suroeste. Revista de Literaturas Ibéricas.
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Leal a la palabra, despojado de ciertas híbridas eventualidades, con un orden alfabético, Roberto Alifanointenta rescatar sus pareceres, sus gustos y sus disgustos sobre una diversidad de temas que abarcan relatos breves, conversaciones, tramos de un diario de vida, coplas y hasta improvisados versos de circunstancias, en fin, todo lo referente a la profusa y pletórica miscelánea. «Los rasgos coyunturales que abundan enestas páginas no deben sorprender a mi lector -argumenta Alifano-, he sido siempre un paciente y dispersocompilador de situaciones propias y ajenas. Me asumo, una vez más, como un curioso insaciable que si de algo se vanagloria es de sus lecturas».
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El autor nos muestra a Susan Sontag antes de tornarse en imán e ícono cultural del siglo XX: la temprana muerte de su padre y el alcoholismo de su madre, los fundamentales años de su formación en la Universidad de Chicago con su programa de liberal arts,
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Pocos libros, y menos aún tratándose de poesía, han alcanzado la difusión de Veinte poemas de amor y una canción desesperada. Expresión de sentimientos universales y siempre vivos, de una diversidad de manifestaciones amorosas, esta obra de Pablo Neruda, pese a haberse convertido con el paso del tiempo en una obra clásica, conserva intacta, como afirma certeramente Jorge Edwards en el prólogo que la antecede, «su magia secreta, contagiosa y peligrosa».
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Las memorias de Yomtov Yacoel son la crónica de la última fase del drama del judaísmo en Salónica. Su manuscrito, que consiguió ser salvado, constituye uno delos más importantes testimonios escritos sobre estesiniestro periodo. El estremecedor testimonio de estas memorias inacabadas, publicadas por primera vez en Grecia en 1993, se presentó, en versión hebrea, como prueba documental en el proceso contra Eichmann, junto con el testimonio de su amigo Asher Moisís, que consiguió sobrevivir. Esta traducción española es la primera a una lengua extranjera. Yomtov Yacoel, eminente abogado y asesor jurídico y miembro destacado, intelectual y políticamente, de la Comunidad israelitade Salónica, fue detenido y conducido a Birkenau, enla primavera de 1944, donde conoció, como otros, unamuerte trágica en las cámaras de gas.
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Si existe un poeta del siglo XX en el que vida y obra se hermanan sin impostura, éste es Miguel Hernández. Su afición a la lectura, su gusto por los clásicos y la poesía transformaron su contacto con la naturaleza en una fuente inagotable de inspiración, que alimentó sus versos. La evolución de su obra se divide en cuatro etapas: tras sus primeras composiciones gongorianas y puristas (Perito en lunas), avanza hacia la poesía impura de Neruda y los poetas del 27, para dar expresión al amor y a la crisis vital que lo acompaña (El rayo que no cesa). A comienzos de la guerra civil, su esperanza en la lucha desplaza su poesía hacia el lenguaje llano de la canción popular y la lírica tradicional (Viento del pueblo y El hombre acecha). Pero sus anhelos fracasan y el cansancio asoma en versos que alcanzan su expresión más madura e íntima, espantado por el espectáculo bélico, herido por la muerte de su hijo y la forzada lejanía de la amada (Cancionero y romancero de ausencias). El poeta y novelista José Luis Ferris ha preparado esta antología, de la que afirma: «Pocas obras presentan una coherencia tan sólida, tan rica de pasión y de talento, tan unida a un origen y a un destino.»
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La vida de José Pérez Olivares (Santiago de Cuba, 1949) ha estado vinculada a la pintura y la poesía desde su adolescencia. Como pintor ha expuesto su obra plástica en Cuba, Colombia y España y como poeta ha publicado trece títulos, siete de ellos en su país natal, donde recibió los premios David y 13 de Marzo en 1982 y 1985, respectivamente. El resto ha visto la luz en España, donde ha sido galardonado con los premios de poesía Jaime Gil de Biedma (1991) por Examen del guerrero, Rafael Alberti (1993) por Cristo entrando en Bruselas, Renacimiento (1998) por Háblame de las ciudades perdidas y Hermanos Machado (2014) por A la mano zurda.
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Autor de novelas, cuentos y piezas teatrales, Mario Benedetti ocupa también un lugar relevante en el ámbito de la poesía, en el que parte de sus creaciones se han convertido en canción popular. La voluntaria aproximación a la prosa, la construcción de una épica de lo cotidiano propiciada por la incorporación de lo social y lo político, el amor y el humor son algunos de los ejes en torno a los cuales giran los versos del gran escritor uruguayo. La presente ANTOLOGIA POETICA, seleccionada por él mismo y presentada por Pedro de Orgambide, constituye una muestra panorámica y difícilmente mejorable de lo más sustancial y conocido de sus versos.
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José Luis Alonso de Santos es, sin duda, uno de los autores más representativos del nuevo teatro español. Después de una amplia experiencia en el teatro independiente, se incorporó al comercial obteniendo grandes éxitos refrendados luego en varias adaptaciones cinematográficas. Toda la crítica coincide en elogiar su facilidad para volcar en la vida escénica tanto el lirismo de sus recuerdos autobiográficos (El álbum familiar) como su visión tragicómica de los nuevos marginados (Bajarse al moro). La capacidad de observación, el sentido del humor y el lenguaje coloquial han convertido a esta última obra en un clásico, leído y representado en muchos países como testimonio de la nueva realidad del teatro español.
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Christian Bobin es un autor cuyas palabras abren y purifican la mirada, sus libros consiguen poner más luz en el alma. Este sería un libro inútil, si la poesía, a su vez, lo fuera. La poesía es inútil y es poreso por lo que tiene utilidad, dice Christian Bobin, experto navegante de paradojas. En este libro, el autor recolecta, como un sencillo ramillete de flores, a 7escritores a los que admira. Estos siete escritores tienen en común habernacido entre el siglo IX y el XX, la mayor parte de ellos, y haber frecuentadoel ambiente literario del Paris de esa época, cuna de vanguardias y de libertadartística. Muchos de ellos han sido maestros de escritores posteriores a ellos,como lo es el mismo Christian Bobin. Escribe de ellos, pero también, a travésde ellos, nos expresa su apasionado y sencillo decir sobre la poesía, la belleza,la muerte, la propia voz, la bondad y el amor. Nos habla, al fin y al cabo, de lavida a través de la escritura, esa ofrenda luminosa de una soledad a otra.
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En esta antología no sólo se cuenta sobre naufragios,océanos, puertos, marinos, bestias de mar, barcos ytravesías a lo largo de distintas épocas y geografías. El lector también encontrará relatos sobre la voluntad de dominio, historias de mujeres pirata y monstruos marinos. ‘Abordajes literarios’ contiene cuentos raros y desconocidos y por supuesto clásicos –en nuevas traducciones–, entre otras derivas.
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Crónica de Madrid es un conjunto de artículos periodísticos de un joven Galdós, en el que puede vislumbrarse el trabajo embrionario del que posteriormente pasaría a ser considerado como uno de los novelistas másexitosos de la literatura española. Dos años despuésde comenzar a trabajar en un periódico de Las Palmas,a Galdós le nombran corresponsal en Madrid. Y es entonces cuando, al ser ya conocedor de los entresijos de la capital, empieza su nueva labor, a la que se entrega con entusiasmo. Según se desprende de estas páginas, Crónica de Madrid constituye un documento únicopara reconstruir la primera parte de una admirable vida y recrearse en un sentido homenaje a la ciudad deMadrid, una de las grandes protagonistas de su obra.Para los lectores de la obra de Galdós, resultará curioso paladear la prosa juvenil de esta Crónica de Madrid, siempre armónica con el ambiente y los personajes que lo pueblan. Ya en su época el escritor españolMax Aub afirmó que: «Galdós asumía el espectáculo delpueblo llano, al estilo de Lope de Vega, y se lo entregaba a los lectores artísticamente transformado, gracias a su sentido de la intuición sereno, profundo ytotal de la realidad». Benito Pérez Galdós. Nació enGran Canaria en 1843 y murió en Madrid en 1920. Es una de las figuras más importantes de la novela realista española del siglo XIX. Fue nombrado miembro de laReal Academia de la Lengua Española en 1897 y llegóa ser propuesto para el Premio Nobel de Literatura en1912. Fue un asiduo de las tertulias literarias delAteneo de Madrid y de varios cafés conocidos en la capital, donde frecuentó a intelectuales y artistas desu época. Entre los medios de comunicación con los que colaboró se encuentran los diarios La Esfera, La Nación y El Debate. En 1873 comenzó a trabajar en la publicación de su magna obra, los Episodios Nacionales,la cual le granjeó una enorme popularidad. Otras desus novelas más reconocidas son Fortunata y Jacinta (1887), Doña Perfecta (1876) y Misericordia (1897). Ensu juventud viajó por Europa como corresponsal de prensa, conociendo de primera mano los postulados de algunos movimientos literarios propios del siglo XIX. Perteneció al Partido Progresista de Sagasta, al Partido Republicano y a la Conjunción Republicano-Socialista. Durante varias legislaturas fue elegido diputadoen las Cortes.
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La llum garbellada
PREMI IBN HAZM CIUTAT DE XÀTIVA acostuma't a la llum t'ha de dir més amor més misteri de la carn més preguntes de la certesa
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Mi adorado Juan, de Miguel Mihura (9788468213484).De la colección Aula de Literatura de Vicens Vives, para Lengua y literatura de Educación Secundaria Obligatoria.
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Un corazón bajo la sotana cuenta, en forma de pseudo diario, la pasión breve pero culpable de un joven seminarista en vísperas de tomar los hábitos. Por su ironía mordazy el humor que se despliega en todo momento, este texto merece ser colocado al lado d
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En Corriente invisible Antonio Luis Ginés conjuga las pérdidas y las ganancias, la sorpresa y el dolor compartido, y afronta la certeza del paso del tiempo contemplado desde la lucidez, sin falsas nostalgias. Y, por encima de todo ello, asoma la presencia vital de una claridad que mantiene prendida la llama, la calma frente a aquello que seduce de la realidad.
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Puede afirmarse que con este poema dramático comenzó la consagración del gran escritor noruego, cuyo nombre habría de ser bien pronto bandera de combate de la juventud intelectual de toda Europa. La primera edición se publicó en Cophenague en 1866, y su
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Ya desde el título del tercer libro de poemas, Borrar el silencio , Ana Delgado nos ofrece una audaz declaración de intenciones queentronca con su, ya manifestada con anterioridad, necesidad de alcanzar ese conocimiento de sí misma, escurridizo y sólo ac
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En este libro el poema se mueve en un delicado equilibrio entre lo dicho y lo que queda por decir: ¿Qué está adentro y qué afuera? ¿A qué realidad le habla? y, ¿Cuánto hay en él de su propia realidad? No hay fronteras nítidas entre lo que se sabe, lo que
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Tan sólo en éxtasis se aprenden las más altas lecciones: no hizo la voz al canto, ¿al canto? Sí, al canto ojos en blanco que en verdad es puro trinotemblando a la redondade las lumbres. Cantar fue un incendiarse hasta la rosa, ceniza desmandadasin porqué. (Visión de la Sibila) JUAN DE BEATRIZ (Lorca, 1994) es graduado en Filología Hispánica (UMU)con Máster en Estudios Literarios y Teatrales (UGR).Primer premio XLIV Certamen literario María Agustina(2018) y I Premio Internacional de Investigación literaria revista Crátera (2019). Este presente curso 2020-2021, disfruta de una beca artística en la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores, donde desarrolla un proyecto de «tecnopoesía». Cantar qué (XXI Premio Emilio Prados) es su primer libro de poemas.
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El ser humano desde su propia alma. Eso es este poemario. Pese a la sonrisa y lucidez de la vida, cada unode nosotros lleva dentro sus propios miedos, sus angustias, sus disgustos? y la enfermedad es la suma detodo esto. Así, este poemario nace concebido como unareflexión sobre nosotros mismos, sobre la enfermedady sus huellas interiores, sobre el alma, en definitiva, un juego constante de contradicciones y sentimientos, lleno además de símbolos y paradojas, que versoa verso se personaliza en uno y todos a la vez.
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La autoría de Shakespeare en lo que respecta a lossonetos nunca ha sido seriamente puesta en entredicho. La fuerza, la belleza y el brillo del lenguaje, lacomplejidad de la sintaxis y la sutileza de los ritmos parecen perfectamente acordes con la variedad estilística de la mejor poesía que despliegan sus obras de teatro. Sin embargo, el absoluto desconocimiento delas circunstancias que los llevaron a la imprenta yla rareza de los personajes que los pueblan y de lassituaciones a que aluden dieron lugar a especulaciones sobre la identidad de las personas y los acontecimientos reales en los que se sustentan. Lo que sí ofrece en estos sonetos es el análisis más completo y variado del tema central de toda la tradición: la psicología moral del amor.
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Un drama histórico con dosis de comedia.Si al escribir Ricardo II, Shakespeare fue más allá de los avatares del juego político e indagó en la condición humana del rey y en el comportamiento de los hombres, en Enrique IV no sólo avanzó más aún por esta senda, sino que incorporó por primera vez un decisivo ingrediente de comedia al drama histórico. En pocas ocasiones planteó Shakespeare tan claramente la relación entre diversión y obligación, humanidad y autoridad, logrando una abundancia de contrastes y una riqueza de emociones que ya no volverían a aparecer en este género. La incorporación de este mundo cómico con escenas de taberna y vida popular se centra en la figura de Falstaff, una de las creaciones más extraordinarias del autor y uno de esos personajes de la literatura universal que se salen de la página. Las dos partes de Enrique IV pertenecen a la segunda tetralogía de dramas históricos ingleses de Shakespeare (que comienza con Ricardo II y concluye con Enrique V). Traducción y edición de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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El Cafè de la Marina (amb recurso digital)
L'obra testimonia les vacances que Sagarra passava a Port de la Selva.El Cafè de la Marina (1933) constitueix una fita en la producció dramàtica de Sagarra: un títol ben representatiu del ''poema dramàtic'', el gènere característic de l'escriptor barceloní, alhora que un dels seus grans èxits de taquilla. S'hi recreen el món i l'ambient mariners, condensats entre les quatre parets d'una taverna de pescadors, en un poble costaner, vora el cap de Creus: un microcosmos on convergeixen vides pobres, monòtones, escarrassades. Vet aquí l'escenari que emmarca una trama amorosa clàssica: el pare interessat que acorda lliurar la filla a un pretendent ric però repulsiu, contra la voluntat d'ella i les esperances d'un aspirant jove, preferit pel cor de la noia. Hi ha, doncs, un triangle sentimental, rivalitat eròtica, passió latent. A més d'una galeria de personatges secundaris i d'un llenguatge popular viu que, a parer unànime de la crítica, suposen dos mèrits importants, destacables entre altres encerts, d'un clàssic de la dramatúrgia catalana.¿A quién va dirigido el libro El Cafè de la Marina (amb recurso digital)?Este libro está dirigido principalmente a estudiantes de secundaria y bachillerato, así como a profesores de lengua y literatura catalana. Su formato y los recursos digitales incluidos lo hacen especialmente adecuado para el ámbito educativo, facilitando el estudio y la comprensión de la obra teatral de Josep Maria de Sagarra. También puede resultar de interés para cualquier lector interesado en la literatura catalana del siglo XX, la dramaturgia y el estudio de obras clásicas. La inclusión de recursos digitales amplía su público a aquellos que prefieren un aprendizaje más interactivo y multimedia.Temas que trata el libro El Cafè de la Marina (amb recurso digital)Cafè de la Marina explora diversos temas relevantes en el contexto social y cultural de su época:El mundo marinero: La obra recrea con detalle la vida y el ambiente de un pueblo costero, mostrando las características de la vida de los pescadores y sus familias. Se presenta un microcosmos social en el que se reflejan las dificultades y la cotidianeidad de este entorno.El amor y el conflicto generacional: La trama central gira en torno a un triángulo amoroso que pone de manifiesto el choque entre las aspiraciones personales y las presiones sociales. Se explora el conflicto entre el amor verdadero y los intereses económicos y familiares, mostrando la lucha de una joven contra la voluntad de su padre.La condición humana: La obra presenta una galería de personajes con diferentes personalidades y motivaciones, explorando la complejidad de las relaciones humanas y la lucha por la felicidad y la realización personal en un contexto social marcado por la pobreza y la desigualdad.El lenguaje popular: Sagarra utiliza un lenguaje coloquial y cercano a la realidad de los personajes, reflejando la riqueza y la expresividad del habla popular catalana. Este aspecto es destacado por la crítica como uno de los méritos de la obra.El "poema dramático": Cafè de la Marina es un ejemplo representativo del género del "poema dramático", característico de la obra de Sagarra, que combina elementos líricos y dramáticos para crear una experiencia teatral intensa y emotiva.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro El Cafè de la Marina (amb recurso digital)Aún no hay opiniones o críticas sobre El Cafè de la Marina (amb recurso digital).
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Durante sus viajes por el continente africano, Javier Reverte ha ido escribiendo poemas donde se evidencia su pasión por África. Algunos han aparecido en libros anteriores de poesía (Trazas de polizón) y prosa (El médico de Ifni), pero otros todavía los mantenía inéditos. Los más antiguos están fechados en 1992, los más recientes datan de ayer mismo. Son los versos que escribe en su cuaderno el viajero solo. En las noches negras del África tropical o en los atardeceres calurosos del desierto, el viajero solo. En medio del viaje, en medio de la vida, el viajero escribe en su cuadernomun verso, dos versos, un poema.
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Els miralls de la ficció
La narrativa de Maria Àngels Anglada és una de les més radicals de l’últim terç del segle XX europeu. Es formula des de la idea que la paraula té la força de canviar les coses i traça una nova visió històrica en què l’amor, la bellesa i un nou corrent civilitzador són possibles. La seva narrativa es relaciona amb els conceptes d’ètica i veritat, i de denúncia de la barbàrie i la injustícia. També reviu la tradició antiga, però com el seu estimat Salvatore Quasimodo, a les seves mans els mites perden tot hieratisme, “baixen a les trinxeres” del segle XX. Els miralls de la ficció és un recorregut pel microcosmos angladià en què el miralleig entre “realitat” i “ficció” és constant. S’hi analitzen els anys de formació, s’hi descriuen els procediments narratius i la construcció de personatges, especialment els femenins i la memòria dels infants. També els jocs intertextuals, amb altres autors, personatges i obres, en una xarxa extensíssima que l’escriptora representa en el Tapís de Càller” de L’agent del rei. Tanquen el volum les cartes adreçades a Salvador Espriu i Josep Pla i un recull de traduccions de poetes italians moderns.
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Pocos pondrían hoy en duda que el romanticismo es el hito cultural de mayor entidad en Occidente desde el Renacimiento hasta el tercer milenio. Su fuerza centrípeta atrae lo que hay antes y lo que viene después: aquello que le precede es su causa, y lo que le sigue, su consecuencia. El romanticismo inició las grandes revueltas estéticas contemporáneas, que atraviesan la segunda mitad del siglo XIX y de las que, a su vez, derivan los movimientos más relevantes del XX. El énfasis que pone el romanticismo en las singularidades nacionales e individuales no anula su proyección general y colectiva, sino que la subraya. Cualquier acercamiento al tema evidencia el carácter multívoco del movimiento, su condición espiritualmente proteica, la falta de sincronía en el pronunciamiento de las diferentes expresiones nacionales... Esta edición reúne un corpus de veinticuatro autores españoles representantes del movimiento romántico en nuestro país.
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El teatro de Borja Ortiz de Gondra se caracteriza por su exploración de la memoria, la identidad y los conflictos familiares e históricos a través de una escritura reflexiva y una estructura narrativa compleja. Sus obras rompen la linealidad temporal, alternando tiempos, superponiendo acciones y mezclando realidad con imaginación, lo que refuerza la subjetividad del recuerdo y la tensión entre pasado y presente. «El barbero de Picasso» es una comedia sobre la amistad entre Picasso y su peluquero Eugenio Arias durante el exilio, marcada por choques culturales, humor y reflexiones sobre arte, política y la dificultad de entendimiento. En «Miguel de Molina, la copla quebrada», un periodista entrevista a Miguel de Molina en su exilio en Buenos Aires, donde el artista repasa su vida marcada por el éxito, la represión y el exilio, sin entender aún la violencia y el rechazo que sufrió por ser homosexual. «Prodigios» narra la conflictiva relación entre Aurora Rodríguez y su hija Hildegart, marcada por la lucha por el control, la independencia y la reconciliación en medio de tensiones políticas y familiares en la España de los años 1930. «Duda razonable» cuenta la historia de una periodista que recibe una llamada con amenazas en el móvil olvidado de la chica de la limpieza, al intentar ayudarla, se ve envuelta en una red de secretos y dilemas éticos sobre la intervención ante la violencia ajena. En «Memento mori (cámara oscura)», tres mujeres de una misma familia enfrentan heridas personales mientras sus profesiones las llevan a un conflicto en África, donde una fotografía reveladora destapa secretos y cuestiona los límites entre la ética, la verdad y la protección familiar. En «Calpurnia (sueño, premonición y muerte)», Calpurnia, esposa de Julio César, presiente en un sueño la muerte de su marido, en un viaje íntimo entre la realidad y el deseo de detener el tiempo para evitar que lo temido se vuelva realidad. «Identidad» sigue las reflexiones y encuentros de varias mujeres a lo largo de sus vidas, explorando maternidad, secretos, arrepentimientos y búsquedas personales en el contexto de sus relaciones familiares. «Tres días de diciembre» narra las intrigas políticas y las tensiones de poder en la España de 1870, entre lealtades, traiciones y conspiraciones en torno a la transición del régimen.
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En el apogeo de su madurez poética, Victor Hugo (1802-1885) dio voz a “los siete monumentos que en la lengua humana se llaman maravillas”: el Templo de Artemisa, los jardines colgantes de Babilonia, el Mausoleo de Halicarnaso, la estatua de Zeus en Olimpia, el Faro de Alejandría, el Coloso de Rodas y las pirámides de Egipto.
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En el conjunto de la obra de Rafael Ballesteros, a los sonetos se les ha prestado una atención ligeramente tangencial, y este libro reivindica esa faceta del poeta.Los sonetos únicos e intransferibles de este autor concentran la esencia de su poesía, amén de desarrollar su faceta postista como en ninguna otra de sus composiciones. Aplicando su método de abordar contenidos serios mediante lo lúdico y lo experimental, el autor de Sapienciales retuerce el cuello al pato cojo de lo trillado, pero su nuevo plumaje es engañoso, porque, al margen de su vistosidad para quien sepa apreciarla, ahonda en las aristas más punzantes de la realidad.
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¿Existe Pessoa? Esta pregunta es algo intempestiva, pero bien merece la pena intentar contestarla, si no a un nivel metafísico, sí a un nivel textual. La cuestión, por lo demás, no es nueva y podría reformularse de un modo más abstracto y abarcador: ¿existe el autor? Este libro espera dar testimonio del nuevo boom de los estudios pessoanos, que comenzó a forjarse en 2006 y del cual es responsable una nueva generación de investigadores del mundo entero. Esa nueva generación, tan diversa como la anterior, camina hacia una meta que está próxima a cumplirse, la de tener a todo Pessoa on-line (ya lo está su biblioteca particular y una parte de los textos), y se ha encargado de volver a abrir los «baúles », de volver a hacer un balance de lo que está inédito, de volver a revisar lo que fue editado, de volver a fomentar el estudio de la obra del autor portugués sin descuidar la edición de la misma. Profesor, traductor, crítico y editor, Jerónimo Pizarro es el responsable por la mayor parte de las nuevas ediciones y nuevas series de textos de Fernando Pessoa publicadas en Portugal desde 2006. Profesor de la Universidad de los Andes, titular de la Cátedra de Estudios Portugueses del Instituto Camões en Colombia y Premio Eduardo Lourenço (2013), Pizarro volvió a abrir los baúles pessoanos y redescubrió «La Biblioteca Particular de Fernando Pessoa», para recurrir al título de uno de los libros de su bibliografía. Fue el Comisario de la visita de Portugal a la Feria Internacional del Libro de Bogotá (FILBo) y hace varios años coordina la visita de escritores de lengua portuguesa a Colombia. Coeditor de la revista «Pessoa Plural», asiduo organizador de coloquios y exposiciones, actualmente dirige la Colección Pessoa de Tinta-da-china.
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En 2002, Luis Alberto de Cuenca recoge en ''Sin miedo ni esperanza'' su producción poética desde 1996. Sin apartarse de la línea más sombría iniciada en su anterior libro, ''Por fuertes y fronteras'', serena ese desaliento venciendo el miedo, pero renunciando a la esperanza, tal como dice lema de Isabella d'Este, una de las mujeres que brillaron en el Renacimiento italiano, que da título a este poemario. Dividido en seis partes, de nuevo aparecen los viejos mitos junto a los generados por la cultura popular, el amor, la sinrazón de la vida y el humor, ese bálsamo para la tristeza que permite adentrarse alegremente en las vísceras más oscuras de la realidad. Formalmente impecable, muestra la enorme madurez creativa de su autor, capaz de modelar los versos a su antojo, acudiendo en ocasiones al endecasílabo o al alejandrino, en favor del ritmo de esa línea clara que es marca de la casa.
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Miembro de una de las más poderosas familias de lanobleza castellana, Jorge Manrique es un poeta típico del ''Cancionero General.'' Por ello, sus obras seajustan a los distintos géneros en que éste distribuye su materia: obras de amores, canciones, invenciones, motes, preguntas y respuestas, obras de burlas. Pero Manrique debe su fama a una obra bien conocida, las Coplas sobre la muerte de su padre, querepresenta una cima de la poesía castellana y aun dela universal. Las Coplas son un milagro de arte logrado sobre una base de sencillez: nada tienen, aparentemente, de original ni en el fondo ni en la forma, pero su autor supo actualizar y materializar el pasado,recreándolo como experiencia viva. Edición de Miguel Ángel Pérez Priego.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.