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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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OBRA GUARDONADA AMB EL 48È PREMI DE POESIA MARIÀ MANENT. ''Bensenes'' és una paraula menorquina, equivalent a ''segurament'' o ''al capdavall'', que se sol usar per expressar una suposició quasi certa i que marca les coordenades d'un llibre de poemes que invoca el pas del temps, del record del passat i l'omnipresent Menorca. I ho fa des de l'evocació històrica fins a les emocions més íntimes i pregones com l'amor, la fascinació, la gratitud, l'elegia, l'esbalaïment i la complanta per la crisi identitària del present. D'aquest recull poderós, que apel·la a la identitat, el jurat del certamen n'ha destacat el rigor del treball lingu?ístic i mètric i la integració amb el territori, que beu del mestratge i l'univers poètic sobre l'illa, així com la denúncia de la destrucció de l'entorn natural.
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Masaoka Shiki (1867-1902), fallecido a los 34 años de tuberculosis, fue a pesar de su corta vida, el más grande de los poetas japoneses de haiku, según los especialistasen el género. Todo arte tradicional, y el haiku lo es, requiere el respeto a los mae
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Un poemari bilingüe que sorgeix de l'amistat de Francesc Macià i José Carlos Balanza, i que respon a un intercanvi real de mails que van mantenir. Escrit en català i castellà, se centra en la intuïció d'un temps per venir, de coneixement i esperança.
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«Otro colosal desencanto» es un poemario que explora la temporalidad del amor y la búsqueda de significado en un mundo a menudo hostil y decepcionante. El libro se divide en tres secciones que narran desde distintas perspectivas el antes, el durante y el después de un triángulo amoroso que se extiende a lo largo de cuatro años, retratando a su vez paisajes urbanos y naturales de Ecuador. La narrativa poética captura la fragilidad de la existencia y las emociones que fluctúan entre la esperanza y el desencanto.
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Eduard A. Constantin, Manuel Sancha, Anastasiia Pokrovskaia, Iñigo Mesonada, Aleksandra Ziółkowska, Diego Soto, Nahia Font, Coke Martínez y Nicolás S. Sancha, poetas nacidos, la mayoría de ellos, en el siglo XXI -en España, Rumanía, Polonia o Rusia-, se encontraron en Logroño y crearon Lares, fanzine con el que comparten su gozosa afición por la poesía. Con Lugar nos ofrecen una gavilla de poemas propios seleccionados por ellos mismos: estéticas que van de un realismo sucio a un barroco contorsionista, voces que se camuflan, se disfrazan o se confiesan, poemas urdidos con endecasílabos melodiosos o versículos salvajes, bellezas escondidas en la cárcel del poema en prosa y verdades en voz baja encerradas en la jaula del soneto. Poemas que salen en busca de nuevos lectores y que los habituales harán bien en no desatender.
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Esta obra se divide en dos partes, identificadas en la forma de enumerar los poemas (letras o números). La primera de ellas –quien haya leído el poema «z» sabe de qué trata–: poemas que hablan de delirios, verdades y amor. Esta parte es un reflejo de nosotros mismos, y de nuestra vida: todos nos hemos sentido melancólicos alguna vez, todos nos hemos enamorado a primera vista y todos hemos sentido la necesidad de ir de frente, sin tapaderas ante el mundo. Todos, en mayor o menor medida, somos parte de este libro. La segunda parte muestra una batería de poemas cortos sobre sensaciones hacia el mundo, hacia nosotros mismos y hacia los que nos rodean. Debemos ser conocedores del amor que transmitimos hacia nuestra gente, del amor que día a día nos transmitimos a nosotros mismos y del mundo que nos rodea en sí.
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El poemario del cliché, el poemario de lo aburrido, el poemario del caos, el poemario de lo complicado, el poemario de la locura y la sencillez, el poemario de todo y de absolutamente nada. No podría describirte en un párrafo de qué va este pequeño libro, solo que escribo lo que no he sentido, imagino lo que no he vivido, me aferro a lo que sé y miento del porvenir. Soy una mundana más intentando sentir en este mundo que nos abunda y evitando la crueldad de la palabra amor. Este libro es solo para intensos, pero en el fondo todo ser humano lo es. Así es, este libro es para ti.
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En el conjunto de la obra de Rafael Ballesteros, a los sonetos se les ha prestado una atención ligeramente tangencial, y este libro reivindica esa faceta del poeta.Los sonetos únicos e intransferibles de este autor concentran la esencia de su poesía, amén de desarrollar su faceta postista como en ninguna otra de sus composiciones. Aplicando su método de abordar contenidos serios mediante lo lúdico y lo experimental, el autor de Sapienciales retuerce el cuello al pato cojo de lo trillado, pero su nuevo plumaje es engañoso, porque, al margen de su vistosidad para quien sepa apreciarla, ahonda en las aristas más punzantes de la realidad.
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Entre dues nits immenses, un llibre que tria bategar. Un poemari de resistència clara i bellesa ferma: paraules que no fugen de la fosca, hi entren per encendre-hi llum. Navegar l'interval és la prova obstinada que la poesia pot sostenir la vida quan tot trontolla. El llibre s'articula en tres moviments -Ombra del jo, Mirar el món, Llum d'afirmació- i travessa el dol íntim («em desvesteixo de la teva companyia»), la violència muda del dia a dia i l'esforç tenaç de continuar. La paraula és combat i és cura: «cada paraula meva és una pedra llançada en viu contra el silenci dels homes», i quan «tot m'estira cap avall», escriure esdevé l'única manera neta de resistir. Aquest poemari no aixeca muralles: cava una trinxera de llum. S'obre com un diafragma perquè la realitat guanyi relleu i el lector hi trobi aire, lucidesa i un cor que batega al costat del seu. Obre'l: el batec comença a la primera pàgina.
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Els poemes que en aquest llibre ens planteja l'Hug són d'una fórmula poc comuna. L'autor, que ha rebut una formació teatral on preval la posada en escena, el moviment i l'expressió, busca també amb els seus versos donar moviment al poema, que no siguin escrits estàtics i que el lector se senti amb la necessitat de visibilitzar el que està llegint. Impàs, el nom que dona títol al poemari i que ve del francès impasse, tot i no estar recollit per la normativa catalana, el podem interpretar segons el significat i el context d'ús, com a moment d'estancament : punt mort, carreró sense sortida, cul-de-sac, etc. Aquest joc que l'autor ens proposa, fa que entenguem més bé aquest poemari. Ens disposem a seguir les directrius d'un joc original i sense normes, o millor encara, d'un joc on les normes s'aniran escrivint a mesura que anem jugant.
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Necesito hablar con Wanda, el nuevo libro de Ana Castro, es un poderoso manifiesto poético que combina la sensibilidad íntima con la estética pop. En un giro audaz respecto a su obra anterior, Castro entabla un diálogo desgarrador y lúcido con una figura icónica: Wanda Maximoff, la Bruja Escarlata del universo Marvel. A través de ella, la poeta encuentra una aliada para explorar el duelo, la rabia y la aceptación en torno a la no maternidad. En estas páginas, la autora convierte su experiencia en un viaje compartido con Wanda, donde ambas mujeres reclaman los hijos que el Universo les negó —al menos en alguna de sus infinitas versiones posibles—. Juntas enfrentan el juicio social, el estigma de la “histeria” y los fantasmas del deber ser, mientras evocan a figuras míticas como Yerma o Medea, con las que Castro dialoga desde una modernidad profundamente atravesada por el dolor y la resistencia. Pero este libro no es solo una conversación sobre la maternidad negada. Es también una crítica mordaz a las estructuras tradicionales del amor y el matrimonio, y una reflexión certera sobre el deseo, la salud mental y el lugar del sufrimiento en nuestra existencia. Ana Castro nos invita a preguntarnos: ¿qué sentido tiene la vida cuando lo que deseamos no llega? ¿Cómo resignificar el dolor sin renunciar a la esperanza?
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SON cuEnTOS, como su propio nombre indica, contiene un conjunto de cuentos envueltos cada uno de ellos en su propio soneto y ajustados a su forma clásica que se caracterizan por sus finales explosivos, su naturalidad, su musicalidad y su actualidad intemporal. El poemario le da una vuelta de tuerca al género de los sonetos iniciando un camino que no se había transitado hasta ahora y que he dado en llamar “proesía”. Los temas abarcan desde lo humano hasta lo divino, pero siempre apegados al pasado, al presente y al futuro. De su lectura, les puedo asegurar, que nadie saldrá ileso. Sin entrar en mayores pormenores, agárrense al libro, abróchense el alma y sean bienvenidos a esta travesía.
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Jorge Vesterra, el famoso autor de ¡Yo soy tu padre!, tiene un vecino que ha perdido la chaveta. De tanto leer novelas decaballeros y dragones, Don Quejote está convencido de tener una misión divina: enseñar a todos aquellos escritorzuelos de t
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El que está en el aire expone y nos propone una experiencia radical con el otro. ¿Cómo son las relaciones afectivas, íntimas hoy? No hay una respuesta. La propia vida, inscrita poema a poema, el vínculo entre vivir y pensar (la vida), atravesando el dolor, la alegría, el miedo, la gratitud, el coraje y la impotencia, dan cuenta de su complejidad, su resistencia y su insistencia en amar contra toda certidumbre o plusvalía.
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Carmen Plaza se ha adentrado en el drama del refugio a corazón abierto con una sensibilidad extraordinaria. Ha visto, ha sentido sus voces («He visto cómo aprenden / a flotar mis hermanos / sobre el dolor del agua. / Les he visto partir con un rumbo preciso. / Por camino un desierto. / Por mochila una lágrima») y las ha recogido en un poemario extraordinario, lleno de sensibilidad y de dolor. Ángel Miret Coordinador del Comitè per a l'Acollida de les Persones Refugiades.
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Las flores se marchitan. Ni su belleza ni el daño que una vez pudieron causar son eternos. No por ello debemos olvidar la dulzura que una vez emanó de su fragancia ni aferrarnos al dolor infligido por sus espinas. Siempre habrá semillas para volver a comenzar. Las flores son hermosas aunque duelan sus espinas es un poemario dividido en cuatro capítulos: Semillas, raíces, espinas y flores. El primero simboliza la esperanza. El segundo, la introspección y el sentimiento de pertenecencia. El tercero, la decepción, el dolor y la pérdida. Y el cuarto, el amor y la gratitud. Podría describirse como una oda a la vida contada a través del proceso de crecimiento de las flores, ya que todo en él es una gran metáfora de la vida, del amor, de los finales, de la pérdida y de la euforia. Es un viaje introspectivo desde las emociones más tiernas hasta las más crueles. Es una carta de amor, es una nota de despedida, es pedir perdón y es dar las gracias.
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Poesía académica para mentes inquietas.La poesía que arrasa en las Redes Sociales. Tus ojos son esos orbes verdes que parpadeanen medio de la noche, deslumbrando las acerasy los cielos,mostrando ese suspirode luz que te define. ¿Podrá mi oscuridadluchar c
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Un poco de caos es un poemario que lleva años rondando mi cabeza, pero que nunca había logrado salir de ella. Contiene partes de mí que no conocía hasta que las plasmé, partes de todo el que me rodea y espero que partes del que lo lea. Como indica su título, es un caos: un enjambre de sentimientos que se enredan como un nudo imposible de desatar. Sin embargo, nada es imposible, todo vuelve a la superficie. Desde el primer escrito te darás cuenta, con este libro, podrás exprimir hasta un melocotón. ¿Cómo conseguirías eso si no es con un poco de caos?
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Guillaume Apollinaire (Roma, 1880 - París, 1918) d'origen polonès, és un dels més destacats poetes de principis del segle XX, ferm promotor del cubisme, l'orfisme precursor del surrealisme, va escriure teatre, contes, novel·la i crítica d'art. Va morir víctima de la pandèmia de la grip espanyola del 1918 amb 38 anys després d'haver participat en la Primera Guerra Mundial i d'haver-hi estat ferit per un tros de metralla incrustat al cap (d'aquí la famosa imatge amb el cap embenat).Durant 16 anys Apollinaire es dedica a la construcció d'aquests Alcohols que es converteixen en una mena de recerca de la modernitat que juga amb la tradició i amb una voluntat de renovació formal de la pròpia poesia de l'autor. El resultat és una simfonia poètica polifònica que explora un munt d'àmbits lírics, des del vers lliure a l'elegia, des de la familiaritat paisatgística renana a l'experimentació, però també el tractament de l'amor i dels seus desenganys i frustracions, que Apollinaire viu d'una manera molt intensa.Obra cabdal de la literatura occidental, Alcohols ens arriba ara per primera vegada en versió completa de la mà del poeta Andreu Gomila, autor dels poemaris Un dia a l'infern dels que són, Diari de Buenos Aires, Aquí i ara, Carrer dels dies i Felanitx. Ha traduït E. M. Cioran i Nathacha Appanah, i prepara una traducció de Delmore Schwartz.
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Más difícil que rescatar a un poeta del olvido es rescatarlo de la banalidad. O de la gloria, si es que no son lo mismo. Decenas de recopilaciones y estudios avalan la calidad de la obra poética y el valor moral de la trayectoria de Antonio Machado (1875-1939). Eso lo ha colocado en un altar tan alto que parece un trastero. Pese a todo, sucesivas generaciones de poetas han buscado allí su dicción personal y su hondo sentido ético. Además del consabido poeta civil, Antonio Machado fue un extraordinario poeta del paisaje, un geógrafo de la belleza. Y también y, sobre todo, un gran poeta del amor. Como sucede con los clásicos, su lectura es menos un deslumbramiento que una confirmación. Lo que hallamos en Machado lo intuíamos, pero no lográbamos decírnoslo, por eso se convierte en una compañía que apetece frecuentar. A finales de los cincuenta, preso, el poeta Jesús López Pacheco se lamentaba: «¡Es tan triste / estar solo en la cárcel sin Machado!».
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (Universidad de Granada, 1977), Recinto murado (Renacimiento, Sevilla, 1980), Elogio de la piedra (Cuadernos de Cera, 1981), Las tardes (Renacimiento, Sevilla, 1988) y Antología (1929-1987) (Maillot Amarillo, Granada, 1990). En prosa creativa es autor de Las estaciones y Consolación de melancólicos, ambos publicados en la editorial Pre-Textos, Valencia, en 1998 y 2000 respectivamente. Ha publicado el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, Sevilla, 1999) y la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, Sevilla, 1991). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Venus Volta, llibre de poemes de Laia Martinez i Lopez, amb epíleg de Tomàs Arias. «Quan vaig néixer, tenia ales. Ho sé pel mal que em fan els omòplats cada vegada que em foto de lloros i em provo d'alçar. Per què em van caure o qui me les tallà sense jo adonar-me'n és el misteri que m'acompanyarà mentre m'arrossego desmembrada pel tros de vida que em toca.»
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Jo soc pau i victòria és un llibre de poesia que té l olivera com únic subjecte poètic i això el converteix en un llibre únic en el panorama poètic català ja. En ell hi trobem poemes dedicats a totes les classes d oliveres que existeixen als Països catalans i també algunes que tenen el seu origen en alguns altres indrets. És un homenatge i una celebració poètica d aquest arbre tan familiar, necessari, sagrat i simbòlic per a la nostra cultura mediterrània. Per la qualitat lírica, la varietat mètrica i formal dels poemes i per la originalitat del tema triat, Jo soc pau i victòria va ser guardonat per unanimitat amb el II Premi de poesia Vila de Vacarisses . Per a nosaltres és un orgull poder-lo publicar a la nostra col·lecció.
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Nos hallamos ante un texto imprescindible, precursor y germen de toda una tradición literaria, un ensayo contundente y claro, en el que se desvelan los secretos creativos y vitales de la llamada «literatura maldita». En Los poetas malditos, Paul Verlaine despliega una preciosa y lúcida prosa, salpimentándola con erudición y creatividad, para ofrecernos las semblanzas de seis grandísimos poetas que se alejan, por su heterodoxia, del canon literario. Libro fundamental para comprender la atracción que determinadas literaturas y escritores suscitan en la crítica y en los lectores, y que se sustenta en refinados análisis de la vida y la obra de unos personajes tan relevantes como Tristan Corbière, Mallarmé o Arthur Rimbaud, dueños todos ellos de una obra singular y única, y de una existencia apasionante, magnética y revolucionaria. Un extraordinario volumen que, con singular maestría, nos provee de las herramientas necesarias para entender a estos insólitos poetas, y, al mismo tiempo, nos permite vislumbrar los senderos recónditos por los que transita, y ha transitado, la literatura universal, y que nos llevan, inevitablemente, hasta la creación literaria y artística de nuestros días.
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Este libro ofrece una visión de conjunto de la creación literaria en España desde la Edad Media hasta principios de los años ochenta. En él se aborda el estudio de los principales autores y obras a partir de sus respectivos contextos sociohistóricos, con lo que la Literatura se configura como un producto ligado indisolublemente a la Historia, sin la cual es imposible obtener una adecuada representación de la misma.
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El Spleen de París es el libro en prosa de Baudelaire que complementa su libro de poemas Las flores del mal, en su intento novedoso y radical de hacer literatura por encima de los géneros. Explorando el nuevo género de la poesía en prosa que Aloysius Bertrand acababa de inventar con Gaspard de la Nuit, Baudelaire da una visión desoladora y decadente del París de mitad del XIX, alcanzando con algunos de sus poemas en prosa una de las cumbres líricas más logradas de la literatura universal. Desde que el libro se publicó de forma póstuma en 1869, estos textos en prosa (¿poesía en prosa, relatos fantásticos?) no han dejado de influir en los lectores de todas las culturas a cuyas lenguas se ha traducido el libro. Baudelaire fue un espíritu provocador y dejó en este libro las semillas de la literatura inconformista contemporánea. Esta versión en prosa poética esta hecha por el poeta Manuel García, de amplia trayectoria literaria, conocido por su manejo del ritmo y su uso pulcro del lenguaje tanto en sus poemas en prosa como en verso.
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Cada uno de estos 24 relatos se lee casi sin respirar gracias a una prosa sencilla, sin alardes sintácticos ni palabras rebuscadas. Son historias de humor, amor, soledad, mentira, lealtad... Todas salpicadas de una fina ironía que no oculta crítica social o reflexión personal. En el relato que da título a esta recopilación encontramos a Jota, un personaje que marcó la adolescencia de los dos amigos que existen a su entierro. El autor nos retrata el Madrid de finales de los setenta, el fin de la diversión y la llamada de la responsabilidad. En otros, como ''''Qué gracioso'''', ''''Sexo seguro'''' o ''''Check list'''' muestra su lado más divertido y original. Tampoco faltan historias de amor y desamor, la mayoría protagonizada por mujeres. ''''Un insecto encantador'''' nos revela el sufrimiento de la que fue abandonada, en ''''Confidencias al atardecer'''' la abnegada esposa se libera tras la muerte de un esposo que siempre fue un niño. En resumen, relatos que emocionan de principio a fin.
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Heredero de la gran tradición lírica chilena —reconocida anteriormente por el premio Reina Sofía en la figura de Gonzalo Rojas y Nicanor Parra—, su obra revela el aliento épico y la ambición de la totalidad presente en La Araucana de Ercilla y continuada con títulos como Altazor, de Vicente Huidobro o Canto general, de Pablo Neruda. Estas grandes creaciones, a las que habría que añadir otras universales como la Divina Comedia dantesca —eje vertebrador de su escritura—, la Biblia, el Popol Vuh, Finnegans Wake, Pedro Páramo, los Cantos de Pound o las leyendas mapuches, dan idea de la magnitud de una poética enmarcada en la tradición de la ruptura pero, asimismo, deudora de los títulos mayores de la historia de la literatura, signada por la coherencia a lo largo de cincuenta años de carrera. Francisca Noguerol A la vista de Purgatorio, de Anteparaíso y de Canto a su amor desaparecido, el poeta comprometido se había transformado en el escritor visionario que hablaba por la comunidad y daba voz a los derrotados, lo que significaba asignar al arte la función señalada y otra más: «hacemos literatura, música, pintura, porque no hemos sido felices», explicaba Zurita como justificación de la poesía, destinada a conjurar los desequilibrios propios de los tiempos modernos. Era muy consciente de ello cuando encontraba en un verso de Robert Desnos («Tanto soñé contigo que pierdes tu realidad») a la vez una compensación y una denuncia frente a los hornos del campo de concentración de Terezin, a las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki y a las dictaduras latinoamericanas: «Únicamente por esa frase la violencia es infinitamente más violenta, el asesino es infinitamente más asesino y el genocida es infinitamente más genocida», aseguraba antes de entrever en esos contrastes de amor y crueldad «como si el infierno necesitara, en medio de él, de su pequeña porción de paraíso». En esa función compensatoria del arte encontraba su mejor justificación la obra de Zurita, cuyas inquietudes parecían profundamente identificadas con las dominantes en aquellos años y entre sus lectores. Teodosio Fernández Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022). Arte y poesía son términos intercambiables y para mí el arte es hacer de tu enfermedad, de tu ruina, de tu precariedad, de tu egoísmo y miseria, una obra maestra. Solo los enfermos, los débiles, los miserables son capaces de crear obras maestras. Quien no ha sentido en el fondo de sí mismo el latido del asesino, quien no ha estado al borde de matar a otro no será jamás un artista. Pero aquel que ha cruzado ese borde y ha matado a otro es solo un asesino. El borde es la medida de toda poesía y de todo arte. O soy un enfermo o soy Miguel Ángel, no hay más alternativas (Dobry 2014: 181). Raúl Zurita
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El libro de poesía que, autoeditado por su autora, escaló las listas de Amazon y ha conquistado a miles de lectores. «Vive, joder, vive. Y si algo no te gusta, cámbialo. Y si algo te da miedo, supéralo. Y si algo te enamora, agárralo.» Primero de poeta son todos los papeles que rellené y quemé, todos los pasos que no di, las vidas que perdí. Todas las declaraciones de amor que callé, los sueños que rompí, los miedos de los que aprendí. Es mi impaciencia, mis ganas de sentir y el pánico. Es descubrir que mis miedos siempre ganan la partida. Es empujarte a que te vayas por si te acercas demasiado. Es querer que te acerques demasiado. Primero de poeta son todos mis errores. Y mi cura.La opinión de los lectores:«Cada página es una confesión desnuda y sincera de la autora, de esas que te hacen partícipe de principio a fin porque sabes que son auténticas, porque están escritas con el lenguaje que compartimos todos, el del dolor y el de la alegría, el del miedo y el del amor, en definitiva, el lenguaje del alma. Recomiendo tenerlo para ojearlo con cuidado de vez en cuando, porque al menos a mí, me hace sentir cosas de las cuales no quiero abusar y ''gastarlas'' demasiado rápido.»Chris«Para los amantes del buen gusto, de lo bonito, de lo que toca el alma. Por encontrarme reflejada en muchos de esos renglones, hacerme sonreír y también hacerme reflexionar. Por todo eso y por mucho más, es un libro para leer al menos una vez en la vida.»Inma «A cada poema te enamoras más de Patricia, porque te hace sentir y recordar emociones cotidianas que a veces podemos tener olvidadas. Recomendable 100%, para leer y releer.»Inma Naroi«Una poesía moderna, directa, de pensamientos ágiles y muy cercana, con partes que invitan a la reflexión.»Juan
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¿Sabes leer entre líneas? es un poemario que invita al lector a sumergirse en un mundo de reflexiones profundas y personales. A través de una serie de poemas que exploran temas como la identidad, la introspección, el amor y la búsqueda de sentido, la autora nos lleva en un viaje hacia el interior de la condición humana. Cada poema es una ventana a la complejidad del alma humana, donde se entrelazan pensamientos, emociones y experiencias que nos hacen reflexionar sobre nuestra propia existencia. La autora nos muestra que la verdadera lectura no se limita a las palabras, sino que se encuentra en los espacios entre ellas, en las líneas que no están escritas. Es un poemario que busca despertar la conciencia del lector, invitándolo a mirar más allá de la superficie y descubrir los secretos que se esconden en el silencio. Un libro para aquellos que buscan encontrar sentido en la vida, que quieren explorar la profundidad de sus propias emociones y conectar con la esencia de la humanidad.
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Méixome no es solo un poemario para leer, es para entender. En él, Lucas expone sin filtros sus fantasmas, sus amores rotos, su tierra natal, sus duelos, sus luchas internas y su visión del mundo, construyendo una obra tan honesta como desgarradora. Cada poema es un espejo de una generación sin rumbo, soñadora, rota, crítica, transparente y sensible. Desde la nostalgia gallega hasta la crudeza de la pérdida, desde el amor que no se da hasta el arte como salvación, el autor transforma su dolor en belleza y su historia personal en testimonio universal. Aquí no hay poses: hay verdad. Es una carta de amor a los que ya no están, a los que vendrán y, sobre todo, a los que siguen. Con una pluma que respira hiphop, memoria, protesta y ternura, Méixome es más que poesía: es un hogar construido con palabras. Un grito íntimo y colectivo que busca tocar a quien lo lea. Y lo logra. Porque si alguna vez estuviste perdido, este libro te hará sentir encontrado, y ahí habrás entendido todo.
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Tras su poemario Cuerpos perdidos en las morgues (Ultramarinos, 2018), que le valió a Xaime Martínez el Premio Nacional de Poesía Joven «Miguel Hernández», y después de haber tomado la decisión de consagrar su escritura a la lengua asturiana, el autor nos entrega —recurriendo de nuevo en cierto modo a los muertos— otra muestra de vitalidad poética, que desde ya merece hacerse un hueco entre lo mejor de las letras peninsulares recientes por su contribución al lenguaje.Radicado —porque no se puede mirar para otro lado— en el contexto presente del Movimientu pola oficialidá de la llingua asturiana, Xaime Martínez (Uviéu, 1993) recurre a la tradición del etnodrama, un concepto de la antropología teatral que, como sucede en este libro, escenifica la dimensión ritual de una identidad cultural, la asturiana en este caso.La reunión en torno al fuego de un poeta y una sarta de ilustres muertos (noche de Walpurguis tomada por el orbayo), una extravagante mascarada de invierno (con sonido Nueva Orleans de fondo: «my grandma and your grandma / Were sittin’ by the fire») y una epopeya zoomórfica protagonizada por el salmón «de las escamas de oro» son las tres partes de un cuadro que sigue apostando por la inteligencia proteica como forma de expresión de la energía popular.
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La obra más ambiciosa, triste y bromista de uno de los poetas más influyentes de la reciente poesía española. Las concepciones mudables de amor, la devaluación de la experiencia romántica, los callejones especulares del deseo y la autoestima... La comedia de la carne interroga sobre algunas cuestiones afectivas de nuestro mundo contemporáneo. ¿Y a quién? En primer lugar, a su pareja, eso parece. Pero también es una voz que se pregunta a sí misma. Y por supuesto a ti que lees, voz que escuchas, hasta alcanzar una conversación permeable, plural.La carne de estos poemas se enamora y padece, desea y traiciona, miente y se deja engañar. Es una carne que convive con su desaparición: no solo de su muerte en un sentido personal, sino de la destrucción de una biosfera, de un mundo habitable y del tiempo presente. Por decirlo de una manera un tanto retorcida: esta poesía -quizá la poesía en general-, incluso en sus momentos desolados, parece condenada al optimismo.Unas veces muy lírico y otras con la negrura de un moralista, bien con poemas breves y sencillos o con largas aventuritas narrativas en verso, La comedia de la carne es el libro de poemas más ambicioso, bromista y triste de Carlos Pardo, uno de los poetas más influyentes de la poesía española en las últimas décadas. Una voz erudita y llena de vida, siempre atenta a lo que nos pasa desapercibido.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.