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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Jaime Siles al referirse a La estación azul ha dicho: «Pocos libros conozco más puros e intensos que éste y en los que haya tanta riqueza emocional, sólo en Rilke y en algunos momentos en prosa de Juan Ramón podríamos encontrar paralelos de un texto como La ciega. La estación azul, en la que Lostalé ha llegado a su máximo grado de ignición, es una manera de acercarnos lo otro del sí mismo, el yo de la otredad. Es el lirismo solidario que, en general, caracteriza toda la obra de este autor, tan intensa como necesaria». Javier Lostalé (Madrid, 1942) es autor de siete libros de poemas: Jimmy, Jimmy (1976, 2010), Figura en el Paseo Marítimo (1981), La rosa inclinada (1995), Hondo es el resplandor (1998, 2011), La estación azul (2003), Tormenta transparente (2010) y El pulso de las nubes (2014). Su poesía escrita entre 1976 y 2001 fue reunida bajo el título La rosa inclinada (2002). Una selección de su obra ha aparecido en tres antologías: Espejo del amor y de la muerte (1971), Rosa y Tormenta (2011) y Azul relente (2014), y como antólogo es autor también de las antologías Vicente Aleixandre. Antología del mar y la noche (1971) y Edad presente. Poesía cordobesa para el siglo XXI (2003). Asimismo ha publicado Quien lee vive más (2013).
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Pocos personajes del teatro universal han conseguido la popularidad de Don Juan, que, convertido en un mito universal, encarna muy diversas pasiones humanas y suscita problemas ideológicos de toda índole. Si en el folclore europeo se documentan tradiciones del convidado de ultratumba y tampoco faltan precedentes literarios del tipo del burlador de mujeres, es innegable que la figura concreta capaz de engendrar una larguísima descendencia en muchas literaturas y géneros es El burlador de Sevilla, que Tirso de Molina alumbró en una creación genial. Se ha convertido ya en tópica hablar de las imperfecciones de la comedia y de su ruda improvisación. En la edición de Ignacio Arellano, profesor de la Universidad de Navarra, el lector podrá encontrar un texto depurado en el minucioso cortejo de fuentes, un análisis de los complejos problemas de génesis y autoría, el resumen de las principales líneas interpretativas y, en fin, una demostración crítica de la espléndida eficacia escénica y poética de la obra.
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Cridats a la vida
Després del moment inefable en què Déu va dir ''vull que tu existeixis'', Ell ens convida tothora a creure, esperar i estimar, per aconseguir així la nostra plenitud personal.La vida humana és una aventura meravellosa. Malgrat les dificultats i sofriments que hi trobem moltes vegades, sempre ens ofereix la possibilitat de créixer en humanitat i en pau interior.A través de les trobades amb altres persones, dels esdeveniments feliços o dolorosos, dels desitjos que neixen al nostre cor, o de la lectura de la Sagrada Escriptura, el nostre Pare Déu ens convida amb amor a canviar, a eixamplar el cor, a desplegar tota la nostra fe, esperança i amor que fa caritat. Aquest llibre ens ajuda a percebre i acollir aquestes crides del Senyor perquè la nostra vida sigui més fecunda i generosa.
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Sobre la Herida es una ambiciosa recopilación poética de Manuel Ruiz Amezcua que abarca cincuenta años de producción poética desde 1974 hasta 2024 con el amor -en sus diversas formas- como eje y principio temático. Esta obra está caracterizada por su intensidad emotiva, explorando los temas del afecto, la pérdida, el desengaño y la reflexión existencial a través de un lenguaje rico y evocador. A lo largo de los poemas, Amezcua emplea una variedad de imágenes y metáforas para indagar en la condición humana, la naturaleza efímera de la vida y las diferentes formas de relacionarnos con aquello que nos provoca deseo, cariño, compasión, ternura o gusto. La estructura del libro revela una evolución temática y estilística que refleja el crecimiento personal y literario del autor a lo largo de las décadas, ofreciendo un testimonio poético de su complejo viaje emocional y filosófico. Cada poema en Sobre la Herida expresa momentos de introspección, dolor, y eventualmente, de entendimiento y aceptación. Amezcua navega por los mares de la existencia humana, deteniéndose a contemplar tanto las tormentas como las calmas, utilizando la herida no solo como una metáfora del sufrimiento sino también como un espacio para el crecimiento y la transformación personal.La herida, en su obra, se convierte en un símbolo de la vulnerabilidad humana, así como de la capacidad de sobreponerse y encontrar belleza y significado en medio de la frustración y el vacío. A través de su poesía, de oficio perseverante, cultivado y del que el autor hace gala, Amezcua invita a los lectores a un viaje de autoexploración y reflexión, donde cada verso sirve como un espejo de las propias experiencias, emociones y preguntas vitales. La crítica ha celebrado Sobre la Herida por su honestidad brutal, su belleza lírica y su habilidad para tocar temas profundos de una manera accesible y resonante. La obra es un recordatorio de que, aunque la vida está marcada por la necesidad del otro, también está llena de momentos de profunda conexión, belleza y entendimiento.
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En ''Entre latidos y nostalgias'', Irene Agra Castro nos sumerge en un viaje emocional a través de la memoria, el amor y la pérdida. Cada página late con la intensidad de los sentimientos que nos marcan y nos transforman, explorando la conexión entre lo que fuimos y lo que somos. Entre sus versos, el lector encontrará la dulzura de los primeros amores, la melancolía de los recuerdos que persisten y la esperanza que se esconde en la aceptación del tiempo. Este poemario es un reflejo íntimo y delicado de la vida misma, donde cada emoción se convierte en un susurro que resuena con nuestro propio corazón. Con un estilo romántico, melancólico y humano, la autora os invita a entrar en sus pensamientos.
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Radiografía poética del vacío existencial que trata de mostrar las diferentes estaciones por las que transita: destrucción, lucidez y rendición. Retazos de amor, muerte, soledad y esperanza componen la deshabitada inmensidad de nuestros adentros.
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Manifest Mangione
Una nit de desembre, als Estats Units, el director executiu d'una gran companyia cau mort a trets. Les bales hi duen gravades tres paraules: Deny, Defend, Depose. El jove que les ha disparades, fill d'una bona família de Baltimore i alumne exemplar en una universitat privada, es convertirà en un heroi mediàtic de la nit al dia. La dramaturga i directora Carol López indaga les violències del sistema neoliberal a partir d'un assassinat que va commocionar els Estats Units la tardor del 2024. Traça així la radiografia d'una societat al límit que explica els mecanismes actuals de construcció de l'opinió pública i la fascinació per aquest crim.
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Buit de mi
Premi Ciutat de València Eduard Escalante de Teatre.L’obra indaga en les conseqüències de la mort per a les persones que es queden, el buit que es queda quan algú desapareix i que difícilment es pot omplir. Una història subtil que t’obliga a seguir un rastre delicadíssim de pistes que ens guia a descobrir un final tan tendre com devastador.Un accident de moto en una carretera secundària és el pretext per t una reflexió sobre la mort: l’accidental o la volguda. Buit de mi és una obra àgil però profunda on hi abunden els sobreentesos i les frases a mig dir, una obra amb un rastre delicadíssim de pistes que ens porten a un final tan tendre com devastador.
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Sostiene Iñaki Gómez Álvarez en este ensayo -que obtuvo el xvi Premio Málaga- que observar los escaparates, tanto desde la calle como desde el interior de las tiendas, es la forma idónea de abordar la comprensión de la sociedad moderna. Desde finales del siglo xix, los escaparates han atraído la atención de los transeúntes y han transmitido la identidad y los valores culturales de la sociedad moderna a los niños. Como pequeños flâneurs, con todo el tiempo para contemplar los escaparates, los más jóvenes utilizan para explorar el mundo, como enciclopedias ilustradas abiertas de par en par, estas breves lecciones informales. Como exposiciones impremeditadas, inspiran vocaciones artísticas y, al igual que las otras formas de arte callejero -las vallas publicitarias, los carteles, los letreros y los grafitis-, influyen poderosamente en la cultura popular y general. La variedad de temas tratados en Escaparate -la infancia y sus cambios visibles en el último siglo, la educación, la reforma social, la cultura visual, el arte, el urbanismo, la integración de las minorías, las tradiciones, la historia de Chicago y la cultura de los nuevos dispositivos electrónicos- dan continuidad y ritmo al ensayo, al tiempo que proponen un apasionante abordaje antropológico, económico, cultural o pedagógico de la modernidad. Quien quiera saber qué aprenden los niños en las calles, que le pregunte a los escaparates. Quien quiera transmitir un mensaje revolucionario, que no subestime el poder de los escaparates. Si se cierne otra gran depresión, la primera señal será la desaparición de los escaparates.
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Miguel Hernández, uno de nuestros poetas más populares, es también un ejemplo de compromiso del intelectual con la sociedad de su tiempo. Su obra, en la que denuncia las injusticias y defiende los derechos y libertades de las personas, lo ha convertido en uno de los referentes de la poesía social española y de la generación del 36, integrada por autores cuya obra está ligada al período de la guerra civil. Las acuarelas de la alicantina Paula Alenda, con sus formas ingenuas y sus colores cálidos, claramente mediterráneos, acompañan la fuerza vital y simbólica de estos poemas.
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El Musot
El Musot
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Tot plegat, gran escampall
La imatge de la coberta és l'astronauta soviètic Iuri Gagarin que, un cop a l'espai, exclama: «Déu no hi és!» Rere aquesta imatge, hi ha el sentit d'aquest llibre. Aquest llibre és un intent d'explicar el món, d'abordar les incongruències que són inherents a la nostra existència. Aquest llibre és una recerca d'un agnòstic o un ateu que, en el fons, és paral lela a la recerca d'un creient: l'ateu i el creient transiten pels mateixos espais i els mateixos dubtes. Aquest llibre delata la incapacitat humana per a definir l'alternativa o l'oposició a Déu que no sigui la negació de Déu.
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Dentro de este pequeño tesoro, que tiene por objeto mostrar el sentir de cualquier persona sensible y confusa, provista durante su trayectoria vital de un profundo malestar, bien extrínseco o intrínseco, y desconociendo por completo qué hacer con él, se encuentra este hermoso ser que respira y transpira belleza, verdad, pureza y amor. Sacralidad del alma es el segundo poemario de Cristina Díez. En él poetiza sentimientos que se encuentran entre lo humano y lo divino, entre dimensiones, entre universos paralelos... ¿Cuál elegirá? Inefables sentimientos grises a los cuales da ritmo, vida y luz con la facilidad y gracilidad que la caracterizan. Así como a la mágica Ninfa se le abre un pórtico hacia lo divino a través del Loto Azul, también nos abre otra puertita de su alma para todos aquellos que libremente quieran continuar acompañándola en la profundización de la vida y la búsqueda de respuestas, basándose en vivencias propias y a través de versos neutrales, libres de toda ideología humana posible. Esta vez Ninfa chapotea en la sangre, se ahoga en los sollozos y revivifica en su propio hálito. Sacralidad del alma es un fiel testimonio de una severa, larga y agonizante etapa, consecuencia de una pléyade de hechos concretos e inesperados.
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Cuando se analiza la obra de Federico García Lorca, a menudo se olvida el peso clave que para su configuración tiene la realidad campesina. Lorca, hijo de un labrador rico, estuvo en contacto con el campo ya desde niño. Como afirma el poeta, 'cuando yo era niño vivía en un pueblecito muy callado y oloroso de la vega de Granada. Todo lo que en él ocurría y todos sus sentires pasan hoy por mí. [...] En ese pueblo tuve mi primer ensueño de lejanías. En ese pueblo yo seré tierra y flores...'. Siempre que podía, Lorca se retiraba en medio de la vega, en las casas familiares de Asquerosa, 'uno de los pueblos más lindos de la vega por lo blanco y la serenidad de sus habitantes' y de la Huerta de San Vicente, 'hay tantos jazmines en el jardín y tantas 'damas de noche' que por la madrugada nos da a todos en casa un dolor lírico de cabeza, tan maravilloso como sufre el agua detenida'. La presente antología pone de relieve lo mucho que la obra de Lorca debe al campo y a la vega de Granada en particular, a través de prosas, poemas, fragmentos de obras teatrales, cartas y la espléndida 'Alocución al pueblo de Fuente Vaqueros', donde el poeta nació el 5 de junio de 1898. Como afirma García Montero en su prólogo, lo decisivo es indagar en el proceso que convierte la biografía en literatura. 'La biografía sirve de fondo de verdad para elaboraciones literarias y la literatura permite reconocer el significado de la vida. Esta tensión entre la vida y la poesía, fundamental en la lírica contemporánea, adquiere en García Lorca el peso de los habitantes de la naturaleza. El niño campesino, los caballos, las hormigas, el caracol, los juncos, el sapo, el pájaro muerto, la mariposa y, después, el veneno o el maleficio de la poesía.'
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Este libro es un antídoto contra la guerra, contra los extremismos, contra el dolor del mundo. Porque solo hay una cosa que podemos hacer ante el miedo, y es el amor. Es el libro de todas las personas que han caído y se han levantado, de aquellos que han conseguido bailar más allá del miedo, los que, cuando todo estaba quemándose a su alrededor, encontraron una razón o un motivo para seguir hacia delante.
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Según el diccionario de la Real Academia Española (a la que Diego perteneció desde febrero de 1948), un aviario es una «colección de aves distintas, ya vivas, ya disecadas, ordenada para su exhibición o estudio». Tal vez algún día pueda publicarse el frondoso y agitado «aviario general» de Diego, pero de momento aquí va una rigurosa selección de cincuenta y cinco poemas entre los que también hay «aves distintas» desde un punto de vista formal: hay sonetos y romances, sí, pero también veremos, por utilizar términos goyescos, caprichos y disparates. Y hay poemas importantes barajados con versos muy anecdóticos o de circunstancias.Y así, de un modo muy reducido y abiertamente monográfico, vuelve a quedar de manifiesto la asombrosa variedad que habitó en la voluminosa, estimulante y colorida poesía del santanderino, que quedó y queda, ante todo, como el monumental testimonio de una vida curiosa. Una vida y una poesía que siempre buscaron las alturas.
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Miguel Mas (Valencia, 1955) ha publicado con este nueve libros de poesía, los últimos de los cuales son En un lugar extraño (2007) y Lugares deshabitados (2020). Su obra ha sido comentada desde la evolución de la poesía de los años setenta hacia otra con elementos propios de una realidad más emocional. Así lo contemplaron, entre otros, la hispanista Elena de Jongh Rossel en Florilegium. Poesía última española (1982), y Luis Antonio de Villena en su ya clásica antología Postnovísimos (1986). Como ha escrito el poeta y profesor Jaime Siles, la última etapa de la obra de Miguel Mas, de la que este libro es una buena muestra, «... viene a consolidar una exigente y rigurosa trayectoria poética cada vez más autocrítica, desnuda e interiorizada».
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El deute
Explora les profunditats emocionals de ''El deute'', un drama captivador que revela els secrets més ocults de les relacions humanes. Descobreix les emocions ocultes i els secrets que poden canviar-ho tot.. El deute és una captivadora peça teatral que t'endinsarà en les complexitats de les relacions humanes, amb personatges que no oblidaràs fàcilment. En l'obra de teatre El deute, Rodolf Sirera ens convida a explorar les capes més profundes de les relacions humanes a través d'una peça teatral carregada d'intensitat i matisos. . Sirera brilla per la seva habilitat a l'hora de crear diàlegs naturals i introduir conflictes amb subtilesa. A mesura que la trama avança, la tensió augmenta de manera palpable, mantenint el lector en un estat de constant expectació. . El deute es converteix així en una poderosa reflexió sobre el pes de les decisions passades i la forma com aquestes poden influenciar el present, oferint una perspectiva única i reveladora sobre la condició humana.
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Barveritats
Molts són els poemes, i moltes les cançons que han sorgit de les tavernes. Poetes com Josep Ma de Sagarra o Apel·les Mestres s'hi han inspirat, cantants com Jaume Arnella, Ovidi Montllor, Joan Manuel Serrat o Núria Feliu entre altres, han entonat les seves lletres. Tots ells, ho han fet captivats per la llum de la taverna. Llum que convida a entrar i compartir l'estona amb algú mentre te la vas prenent a glops. I és que tots tenim set de llum perquè, encara que de vegades ens pugui cremar, sabem que tota llum conté espurnes de veritat... Hi ha veritats per a tots els gustos: absolutes, relatives, subjectives... i el seu sabor varia segons l'època o l'escola teòrica on s'hagin cuinat. Les que trobareu en aquest recull, s'han cuinat fa poc i a l'escola teòrica de la taverna, actualment més coneguda com a bar.
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En Barco de Papel, Agustín Cerezo comparte su cartografía personal que parte del amor y del deseo, llena de evocaciones y plena en su manera de mostrar una identidad poética, navegando por mares interiores, por los íntimos paisajes de la naturaleza de quien escribe para pintar con palabras alguna idea o inquietud, una emoción visible, poemas que dicen lo que no se puede decir de otra forma.Ahí, en la profundidad de lo enunciado, es posible percibir una cadencia de olas, experimentaciones discursivas e imágenes que vuelan la imaginación, una varia invención de juegos poéticos bajo un tono lúdico y coloquial. Se trata, pues, de una exploración a libro abierto, donde las aguas de cada texto conceden el reflejo del autor, así como de quienes sumergen la mirada entre sus páginas.
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Raimundo, un niño de posguerra no conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas con odio. Precuela de Ventolino.En La Quinta encontramos a Raimundo, un niño de posguerra. No conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas por medio del odio. Tan solo Diana y el encuentro con un hombre misterioso que vive en una vieja quinta, a las afueras del pueblo, parecen atender al enigma de su identidad, a la incertidumbre sobre su futuro.La obra nace como precuela de la saga Ventolino, de títulos como Las aventuras de Ventolino y La era del Oricuerno, obra ganadora del III Premio Liliput de Narrativa Joven.El amor del autor por las leyendas del Cantábrico, Galicia, Asturias, norte de Castilla y León le llevó a crear a Ventolino y los libros en los que disfrutamos de esta saga formada por siete historias. En ellas se dan cita personajes como xanas, trasgos y ventolinos, seres de nuestra tradición que entran en relación con los jóvenes actuales. Ahora, en La Quinta, tenemos de fondo una cuestión: el origen de Pueritia: el terreno mágico que Asier Aparicio inventó para los lectores. Esta obra está influida por Buero Vallejo. Hay cosas muy reales que no existen porque no deseamos verlas (los olvidados, los invisibles… como el refugiado de la Quinta o los niños sin padres) y otras que cobran realidad solo porque nos empeñamos en verlas (como el amor, el odio, los sueños y las sospechas).
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Aunque nadie piensa en Rafael de León como uno de los poetas más influyentes de la poesía española del siglo XX, lo cierto es que muchos especialistas no dudan en adscribirlo por derecho propio a la Generación del 27 como autor de una obra poética significativa y escrita a conciencia. Aunque mundialmente conocido por su inigualable aportación a la copla, sus libros ''Pena y alegría del amor'' (1958) y ''Profecía'' (1964) testimoniaron la voz de un hombre que supo entrelazar la tradición con la innovación, creando un estilo único que ha dejado una huella imborrable en la identidad cultural española. En colaboración con compositores como Manuel Quiroga y Antonio Quintero, Rafael de León creó algunas de las coplas más icónicas de la música española, interpretadas por artistas legendarios como Concha Piquer, Juanita Reina y Lola Flores. Entre sus composiciones más famosas se encuentran ''Ojos verdes'', ''Tatuaje'', ''Y sin embargo te quiero'' y ''La bien pagá''. Estas canciones destacaron por la profundidad lírica y la capacidad de León para capturar las emociones y las historias del pueblo español. Importantes nombres de las nuevas generaciones de críticos culturales como Jesús Pascual lo reivindican en la actualidad como uno de los creadores más interesantes y complejos de las letras hispanas que -eclipsado por sus éxitos en el mundo del espectáculo- no llegó a tener el reconocimiento literario que se merece. Este volumen recoge los dos libros de poesía completos que publicó en vida, y queda enriquecido por un apéndice fotográfico que hace un recorrido por algunos momentos de su vida y de su esfera más personal, ofreciendo a los lectores una poesía asombrosamente vigente, lúcida y de impecable oficio.
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Atribuido a Tirso de Molina y datado en torno a 1630, El Burlador de Sevilla, pese a todas las polémicas y controversias, tiene el honor de ser el primer hito en la fecunda y fascinante vida de un mito universal: Don Juan. En este drama fundacional se encuentran los tres rasgos que caracterizan la estructura donjuanesca: el héroe transgresor, el grupo femenino y la muerte. invariantes míticas que serán desarrolladas, transformadas o subvertidas, siguiendo cauces de las más diversas poéticas, por su larga y copiosa descendencia. Este héroe mítico, nacido en el corazón del Barroco español y mecido por los aires de la Contrarreforma, contiene, aunque todavía en germen, todos los sentidos que irá adquiriendo con el tiempo: el rebelde social, el seductor, el hombre enfrentado a Dios y su esencial e inevitable encuentro con lo sobrenatural, con la muerte.
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Dona i aspirador(a)
Dona i aspirador(a) és la història d'una dona de cabells vermells que es presenta davant del públic en una mena de conferència performativa per -sembla- vendre una aspiradora. Toparà amb diversos obstacles generats per personatges de tota mena (la seva germana, el seu nebot, la directora de la seva empresa, Vincent van Gogh, un panda vermell de l'Himàlaia i un grup de joves activistes climàtics) que fan que es replantegi la seva vida passada, present i futura, el seu rol a la societat en general i en particular en relació amb el canvi climàtic i la salut del planeta.
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Jorge Fernández Gonzalo (Madrid, 1982) es poeta y profesor de Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid. Es autor de varias docenas de libros, por los que ha obtenido diferentes galardones tanto en poesía como en ensayo. Con su obra Insectario, recibió el premio Juan Gil-Albert Ciutat de València en su edición de 2025. Con el libro Insectario, Jorge Fernández Gonzalo se adentra en los secretos recovecos de estos diminutos seres: el poeta indaga en los significados últimos del cuerpo, del amor y de la realidad, y en cómo el mundo y sus revelaciones se dejan devorar por los insectos. Ante la cortedad de las palabras, los grillos cantan la oxidación de los metales, las hormigas excavan en los cuerpos, los escarabajos cifran la epifanía del cosmos en sus secretas simetrías. Insectario logra combinar así la duda existencial con el hallazgo poético, en un libro plagado de resonancias oníricas y asombro ante las proximidades del paisaje.
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Poemario del autor Juan MontesPresencia de otros días puede leerse como una evocación melancólica del vivir en 50 poemas. Una melancolía que parece nacer de las ansias insatisfechas de trascendencia del ser humano, de su conciencia plena de finitud, del implacable paso del tiempo que convierte toda experiencia vital en un misterio fugaz y transitorio. Un sentimiento de íntimo desamparo, en suma, que conduce a la búsqueda casi desesperada de sentido y conocimiento. Pero en medio de la desolación, también surge el consuelo y la alegría de la pura belleza que a veces se encuentra en las cosas del mundo, del amor absoluto y del poder creador y redentor de las palabras.
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En este libro encontrarás historias graciosas, como la de Kaperucito con K o la de don Pirulí de la Habana, y vidas de santos, como la de San Isidro Labrador o Santa Teresa, todas ellas contadas en verso por Gloria Fuertes.
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Llum abissal
«Quan la tempesta s'esvaeix, la platja es transforma en escenari de rituals antics amb el murmuri de les onades de fons. Vinyet Panyella ens transporta a un mar infinit i ple de silencis, on s'amaguen els naufragis i les històries oblidades, en el ressò de les veus de les civilitzacions que ens han fet com som. És un lloc on la immortalitat dels déus es troba amb la fragilitat humana, un Olimp serè i un infern sense flames, com ens mostra la poeta. Entre les constel·lacions, l'arbitri diví dibuixa els nostres camins, revelant que el destí no és més que un mapa escrit amb estrelles. Ens trobem davant d'una poesia que explora els límits entre la llum i la penombra, entre l'oblit i la memòria, entre allò que perdem i allò que, al final, ens acaba trobant. Aquesta obra és un viatge poètic que et farà mirar la mar i el cel amb uns altres ulls».
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Amb ulleres de sol
El nou poemari de Miquel Sbert és un llibre que, des de la primera pàgina, reclama una atenció específica. No tant per la seva forma -que defuig expressament qualsevol cànon poètic- com per una actitud literària que s'erigeix amb voluntat de singularitat i provocació: una manera de dir les coses a la brava, a la valenta, sense filtres ni concessions. És un recull insòlit, quasi sempre incòmode, capaç de provocar un somriure vinagrós o una ganyota forçada [...] Aquest és un llibre que no, no vol agradar, s'estima més dir, i dir amb la folla eufòria de la llibertat i de la clarividència més negra. Tampoc no vol suavitzar unes veritats cada cop més espantoses. Vol, en efecte, incomodar, no només per la mala llet que gasta, sinó també per aquesta esperança que implica tal voluntat: potser si es diuen les coses de manera clara, i contundent, les ments s'obriran i hi començaran a haver canvis que transformin aquest món. (Del pròleg de Jaume C. Pons Alorda)
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Roig
Roig? Foc, tomàquet, cor, nas de pallasso, pintallavis, caputxeta, semàfor, barretina, cireres... En aquest llibre trobaràs poemes que parlen de totes aquestes coses i de moltes més. Totes de color vermell. I també hi trobaràs música de color vermell.
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'La taberna de Shiduri' es un libro nacido de una lectura atenta y cómplice de algunos poetas que se han enfrentado al misterio de la existencia con un hondo sentido de naufragio y de extrañeza o desapego ante el límite. A través de ellos y, poniendo como trasfondo un viejo mito acádico de la epopeya de Gilgamesh, lleva a cabo una variada y sugestiva reflexión sobre la caducidad humana como condena divina. Y lo hace desplegando un discurso múltiple y polimorfo que permite ver las muchas posibilidades de estilos, tonos, voces y perspectivas que son, por sí mismos, un homenaje a la poesía y sus infinitos caminos.
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Un grupo de jóvenes se reúne para leer las aventuras de don Quijote y descubre que es como ellos: es rebelde, se ha creado una identidad virtual y ha emprendido un camino incierto en busca de sus sueños. Así que suben a escena para representarlas. Como don Quijote, juegan a ser otros para ser ellos mismos.Quijote/Play adapta al teatro pasajes imprescindibles del clásico que iluminan las inquietudes de los jóvenes sin renunciar al texto de Cervantes. En un reparto flexible para la lectura o el montaje, cada miembro del elenco se convierte en protagonista de su propia historia, en busca de identidad y propósito en un mundo en constante cambio.
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El título de esta antología «recoge la herencia peripatética y dialoga con la tradición, elaborando monólogos interiores a veces razonables y otras veces dramáticos, conversando en soledad con el hombre que siempre va conmigo, en términos machadianos, para dibujarnos el retrato de un poeta alejado de ínfulas y poses, imposturas y falsedades. Con su puñado de verdades, amistades y lealtades, amores y desamores, pero también con los fantasmas eventuales del pasado y sus incertidumbres de futuro. Con sus deseos y aspiraciones. Con su ilusión y su desilusión. Con sus pequeños triunfos y con sus decepciones. En cualquier caso, con este florilegio Miguel Ángel Zapata da testimonio de que nos hallamos ante una de las voces actuales más consolidadas de la poesía en lengua española». Juan Carlos Abril
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Ombra queixalada, L'
Aquest llibre, per a mi el més rodó i contundent dels reculls poètics del Roc, té sobretot tres virtuts. La primera, el sentit del joc i la ironia, que defugen per tant el transcendentalisme però que alhora, i sota la lleugeresa aparent, també saben esquivar la trivialitat, la segona, el domini de la forma, un excel·lent vehicle per al joc lingüístic i l’estirabot amb gràcia. La tercera virtut té molt a veure amb la ja citada novel·la Austràlia: l’autocrítica, present a tot el recull i, de manera molt marcada, en el final de molts dels sonets. (Del pròleg de Josep Maria Ripoll)
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Last Poems reúne, por primera vez en español, los últimos versos escritos por Elizabeth Barrett Browning durante sus años finales en Italia, marcados por la enfermedad y una profunda introspección. Publicada póstumamente en 1862 por su esposo, el también poeta Robert Browning, esta colección ofrece una mirada íntima al pensamiento maduro de una autora considerada la figura más relevante de la poesía británica en la era victoriana, aunque aún escasamente traducida. Si bien Sonetos de la portuguesa sigue siendo su obra más conocida por la intensidad de sus poemas amorosos, Last Poems revela una dimensión más amplia de su legado: una voz que combina ternura y delicadeza con una notable fuerza intelectual y compromiso ético. Escribiendo mientras agonizaba de tuberculosis, Barrett Browning mantuvo firme su defensa de los oprimidos, denunciando la esclavitud, el trabajo infantil y las injusticias sociales de su tiempo. Esta edición invita a redescubrir a una poeta que no solo transformó el lenguaje lírico, sino que también usó la palabra como herramienta de conciencia y resistencia. Sus últimos poemas son testimonio de una sensibilidad aguda, una mente lúcida y una voluntad que no se quebró ante el dolor.
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El poemario del cliché, el poemario de lo aburrido, el poemario del caos, el poemario de lo complicado, el poemario de la locura y la sencillez, el poemario de todo y de absolutamente nada. No podría describirte en un párrafo de qué va este pequeño libro, solo que escribo lo que no he sentido, imagino lo que no he vivido, me aferro a lo que sé y miento del porvenir. Soy una mundana más intentando sentir en este mundo que nos abunda y evitando la crueldad de la palabra amor. Este libro es solo para intensos, pero en el fondo todo ser humano lo es. Así es, este libro es para ti.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.