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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Antologia de la poesia catalana
Aquest volum proposa un viatge a través de la producció poètica en llengua catalana des dels orígens fins a la darreria del segle XX. També és un recorregut per la diversitat poètica al llarg de nou segles d'història literària i aplega la riquesa de veus i propostes líriques que, amatents i permeables a aportacions culturals de tota mena, han anat enfortint des d'antic, i consolidant al llarg dels segles, la tradició poètica catalana.
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Andorra. Postals i altres poemes
«Recordo Andorra amb cuixes de turistes». Així comença i culmina Andorra, postals i altres poemes, l'obra que Miquel Martí i Pol va dedicar al país pirinenc a principis dels anys vuitanta del segle passat. Deia el poeta que «Andorra té un encant especial que me la fa estimar d'una manera particularment intensa, i no solament pels agradables records que en conservo.» El poemari conté disset postals i dotze altres poemes. Les primeres, fruit de les imatges que li evocava el país, tant de l'entorn natural que tant estimava, com del més urbà -del qual també criticava el creixement desmesurat-, i els segons, resultat dels records de les Valls, i dels amics i coneguts. Malgrat que Andorra s'ha considerat una obra menor del poeta de Roda de Ter, en realitat és un poemari ambiciós en el qual fa ús de material autobiogràfic, planteja reflexions no sempre còmodes sobre un país en plena transformació i destil·la una profunda estimació per un racó de món que, per ell, va ser sempre «una segona pàtria». Sens dubte, un poemari que és un homenatge a Andorra i que reeditem de nou -amb una introducció de Pere Ballart- per tal que el lector del segle XXI pugui homenatjar, a través de la lectura, un dels poetes més prolífics de les lletres catalanes.
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El Llibre de la selva
El llibre de la selva és una recopilació de contes de Rudyard Kipling, el primer escriptor britànic que va ser guardonat amb el Premi Nobel de Literatura, el 1907. Són unes narracions que plantegen reflexions morals, on els protagonistes són animals de l'Índia que poden pensar i parlar com els humans, nens o adults capaços d'entendre i dialogar amb la fauna que els envolta. Avui dia coneixem la versió de Disney i la història de Mowgli, l'os Baloo, la pantera Bagheera, el tigre Shere Khan i el pitó Kaa, però sovint oblidem els altres contes que componen l'obra, alguns d'ells mostren una altra Índia, allunyada de la selva i amb uns animals ben peculiars, com les mangostes, les cobres, les foques, els camells, els elefants i d'altres. A més, en alguns casos tenen una cruesa que s'ha perdut en les versions recents, més infantils, i exploren uns temes tan profunds com l'abandonament i la reinserció dels nens salvatges, la captura i domesticació, la incorporació dels animals en els conflictes bèl·lics i la persecució humana del comerç de pells. En definitiva, llegir el llibre original permet aprofundir molt més en el context indi i les seves problemàtiques socials. En aquesta edició, hem volgut afegir il·lustracions de nova creació que acompanyin el text.
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Vinc de molt lluny
Antologia essencial que recull l'univers de la poeta Isabel Oliva, una veu d'extraordinària sensibilitat capaç de transformar els petits detalls en emoció pura. Amb una escriptura clara i plena de llum, Oliva ens convida a caminar pels carrers de la Girona antiga, a escoltar la música de la pluja o a reviure records a través d'un objecte quotidià. Aquesta selecció de poemes, estructurada en tretze seccions temàtiques per la poeta Montse Maestre, ofereix un recorregut vital i artístic per temes com l'amor, la memòria, la natura o la solitud. Una obra plena de veritat i bellesa, que fa de cada vers una escena viva i profunda. Amb pròleg de Rosa Font.
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Revuelta, apellido que la RAE define como alboroto, riña o cambio de dirección, es lo que vas a encontrar en estos próximos poemas, prensados, dolidos, sentidos desde lo más hondo, y de tú a tú, con tu propia metamorfosis.
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Poesia Japonesa Contemporània
Al Japó la quantitat de persones que escriuen (poesia moderna clàssica, que continua essent viva i es renova en contacte amb la poesia 'moderna') no pot comptar-se. Però apareixen nous poetes i noves tendències, recerques d'una nova expressió de l'ànima i la llengua japoneses. Per totes aquestes raons, forma i fons, reflex d'un panorama mental, psíquic i filosòfic tan allunyat del nostre, la poesia japonesa ofereix altra vegada, avui, un món nou, immens i fascinant.
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En los mares del cerebro, recostado en el lóbulo temporal, tenemos un marino hipocampo. A él le debemos la memoria y el silencio, nuestro andar por el espacio, el aroma, los sonidos, la visión, lo áspero o suave del tacto. Pero es también, al ser proclive a tractos eléctricos, a caer preso de la epilepsia. Es la fuente del dolor y la ansiedad, pero también el mar que azota sus olas en el cerebro para crear poesía. Hipocampo es una reflexión valiente y hermosa en torno a la enfermedad. La propia y la ajena. La poeta mexicana se enfrenta a las crisis de epilepsia originadas en las áreas límbicas del lóbulo temporal mesial con su arma más poderosa: la poesía.
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Este libro traza un panorama de los principales hitos en la historia de la crítica literaria desde la Grecia clásica hasta la ecocrítica, los estudios postcoloniales y los estudios de género. Los autores más destacados de estas corrientes cobran voz para explicar las claves de su pensamiento, poniendo con ello de manifiesto no solo su manera de concebir la literatura, sino algunos de los problemas fundamentales a los que la crítica literaria se ha enfrentado recurrentemente como disciplina. El texto de Owen Holland y las ilustraciones de Piero se complementan para poner al alcance de la mano una gran diversidad de ideas de un modo que resulta especialmente ameno y accesible. Con ello, esta guía ilustrada ofrece al lector una introducción a la riqueza de enfoques y herramientas mediante las que es posible abordar el análisis de un texto literario.
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Publicado originalmente el 15 de junio de 1924, este poemario se ha convertido en el más vendido y traducidode la historia en lengua española, y catapultó a Pablo Neruda a la fama mundial cuando contaba tan sólo condiecinueve años de edad. Fruto de su juventud, pero también de una madurez y destreza inusitadas en el usodel lenguaje, Neruda parte de la influencia poética modernista para crear una nueva expresividad. En estospoemas, donde emergen los paisajes naturales de su Chile natal, el autor proclama la tristeza y la angustia,pero también el gozo y la sensualidad que provocan en el ser humano la experiencia del primer amor.«La poesía de Pablo Neruda se levanta con un tono nunca igualado en América, depasión, de ternura y sinceridad». Federico García Lorca
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¿Qué jardines felices, bien regados sus árboles, qué cálices de flores de tierno deshojarse maduran las extrañas, las exquisitas frutas del consuelo, las pródigas, halladas en el pasto de tu propia indigencia? Año tras año, te admira su sazón, la piel suave, su justa medida, que por ti ha esquivado a las aves volubles o, en el fondo, al celoso gusano. ¿Entonces es que hay árboles rondados por los [ángeles, cultivo de morosos y extraños jardineros? ¿Entonces nos dan fruto y no nos pertenecen? Nuestro obrar prematuro y al poco nuevamente marchito, nuestro ser, que es un bosquejo, ¿perturbó alguna vez sus intactos veranos? «XVII», de Rainer María Rilke Rilke no es propiedad del erudito. Es esperanza. ¿De cuántos poetas puede decirse que nos han sanado? ¿Y por qué eso no tiene más eco? ¿Por qué no somos más conscientes de que sí hay ciertas respuestas que el espíritu humano ha desperdigado aquí y allá? Las necesitamos. Por eso es importante esta obra. Quien tenga miedo a su propio declive, quien haya perdido a un padre o a un hijo, se haya distanciado de la persona a la que ama o, simplemente, ande corto de optimismo quizás encuentre aquí algún albergue.
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Curs de literatura catalana contemporània
El 1965-1966 i el 1967, en dues tongades, Gabriel Ferrater va fer a la Universitat de Barcelonaaquest Curs de literatura catalana contemporània. La majoria de conferències es van enregistrari després es van transcriure, d'algunes altres en van quedar només els apunts de classe deltranscriptor. La totalitat del curs es recull ara, per primera vegada, en un volum que proposala visió més lúcida, intel·ligent i encara avui polèmica dels corrents centrals de la literatura catalanadel segle xx. Ferrater hi parla amb tot detall de quatre poetes (Josep Carner, Guerau deLiost, Carles Riba i J. V. Foix) i tres prosistes (Joaquim Ruyra, Víctor Català i Josep Pla). El conjunts'enriqueix, a més, amb una doble conferència panoràmica que Ferrater va pronunciar pocabans de suïcidar-se, i amb una entrevista inèdita del març del 1963 sobre la poesia de Riba.
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Ahora más que nunca la reflexión sobre el arte se percibe inminente, y lo es porque el sentido mismo se ha evaporado, ha perdido suantigua pertinencia. «Hacer por hacer-nos dice Chantal Maillard- no produce más que insatisfacción.» La gran desventura de
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Qui em cremarà la casa? Rèquiem per una llengua morta
El text Qui em cremarà la casa? afronta un tema que probablement mai no ha pujat fins ara als escenaris: què passa quan mor una llengua. L'autor ens proposa un viatge al fons del cor d'una cultura desconeguda i ens mostra el contrast entre un món antic i autèntic i un de modern i salvatge. Al món es parlen, actualment, entre 6.000 i 7.000 llengües. Diuen els especialistes que d'aquí a 75 anys, només en quedarà un 10%. L'obra ens acosta a un cas concret, que és la síntesi de molts casos. Un home i una dona vells procedents de no se sap on, han anat a parar a una ciutat occidental. No coneixen la llengua del país. D'altra banda, ningú no sap quina llengua parlen. Són una petita illa, enmig de la multitud. En morir ella en un accident, l'home queda incapacitat de parlar amb ningú. Quan ell mori, què en quedarà, del món que s'expressava en aquella llengua? En el pròleg, Albert Mestres destaca la ''visió còsmica que dona sentit a aquest món'' que es perd. Diu que ''l'obra tracta, a través d'una tragèdia individual, d'una tragèdia col.lectiva a escala humana, la de l'empobriment brutal del nostre planeta'' i qualifica el text d'impressionant i commovedor.
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Jorge Llopis (Alcoy, Alicante, 1919-Madrid, 1976), fue autor teatral, novelista y colaborador de la revista La Codorniz. Se inició en el teatro como actor y estrenó su primera obra en colaboración con Tono (Jaén, 1896-Madrid, 1978), La viuda es sueño (1952), a ésta le siguieron otras obras de un humor disparatado como Federica de Bramante o las florecillas del fango (1953) y La última opereta (1960). Ya en solitario, escribió ¡Enriqueta sí, Enriqueta no! (1955), La tentación va de compras (1956), Creo en ti, pero me engañas (1962), Niebla en el bigote (1962) y Las Pelópidas (1966), una desopilante caricatura de los dramones históricos grecorromanos, entre otras. Del resto de su producción pueden recordarse una novela policíaca, Operación Paquita (1958), un libro misceláneo, El hogar, tú y tu tía (1959) y otros libros de humor como ¿Quiere usted ser tonta en diez días?, Lo malo de la guerra es que hace ¡Pum! y Almas fritas. En 1957 Jorge Llopis obtuvo el ''Premio Internacional de Novela Legión de Humor''. La poesía humorística y paródica en lengua castellana tiene como principales y primeros colaboradores al argentino Conrado Nalé Roxlo (Buenos Aires, 1898-1971) (Antología apócrifa, 1943) y Jorge Llopis que reunió sus poemas humorísticos en dos volúmenes: Las mil peores poesías en lengua castellana (1957) y La rebelión de las musas (1972). Las mil peores poesías de la lengua castellana tuvo una primera edición en 1957 en el añorado Club de la Sonrisa de la editorial Taurus y una segunda edición muy corregida y aumentada en 1973, versión esta última con la que inauguramos nuestra colección ''Los Humoristas'', Jorge Llopis va pasando revista a toda la historia de la poesía española, desde la Edad Media hasta nuestros días, dedicándose a comentar con desenfadado humor las principales formas poéticas y sobre todo dándonos parodias deliciosas de los más insignes vates del país. Desde el ?Poema del Suyo Cid? a los hermanos Machado, éste es un envés grotesco e hilarante de respetabilísimos manuales que suelen carecer del más elemental sentido del humor.
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Esquilo (h. 525-456 a. C.) es el autor más antiguo del que conservamos tragedias completas. Además de dramaturgo, fue también soldado en una época difícil para Atenas y participó en algunos de los combates determinantes de las Guerras Médicas. Esa experiencia personal emerge con fuerza en una pieza de trasfondo bélico como Los siete contra Tebas.Situada en el tiempo mítico justo antes de la Antígona de Sófocles, Los siete contra Tebas narra el asedio de la ciudad defendida por Eteocles ante el ataque de su hermano Polinices y sus aliados de Argos. Esquilo despliega en esta obra sorprendentemente realista un conflicto entre hermanos que se ve enriquecido con una adversidad superior: la de una ciudad que teme la derrota y sus terribles consecuencias. Quizá fue eso lo que convirtió a Los siete contra Tebas en una de las tragedias favoritas de sus contemporáneos.
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Un calor que no da tregua. Una noche cuya oscuridad se alarga. La adolescencia y su rebeldía y las primeras experiencias. «No había mucho más que hacer ese verano», leemos. A partir de ahí, una enorme historia que se abre a tantas posibilidades como lecturas: crisis y memoria de una dictadura, incógnitas e inquietudes, desencanto y búsqueda. Personajes que se ahogan y dudan. Asesinos en serie, lo siniestro y la enfermedad. Música y consecuencias. Eso es lo que Mariana Enriquez, cuya capacidad para distorsionar la realidad no deja de acumular y sorprender a muchísimos lectores, nos entrega en este libro ilustrado por Helia Toledo, con un espectacular debut editorial que no solo dialoga con el texto, sino que lo lleva a más formas de mirarlo y de leerlo.
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Aquesta edició d'El poema de la rosa als llavis conté una introducció molt completa, elaborada per l'editora, Roser Armengol, amb allò que tot alumne ha de saber sobre el poeta i la seva obra. També inclou una anàlisi molt ben estructurada d’El Poema de la rosa als llavis, que es clou amb una selecció de textos crítics (de Sagarra, Foix, Teixidor, Pla, Molas...) i amb els extractes més representatius dels manifestos en què va participar l’autor. Al final, el llibre conté tot un seguit d'activitats didàctiques pensades per als alumnes d'aquest nivell.
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El rastre blau de les formigues
PONç PONS (MENORCA, 1956) éS PROFESSOR DE LLENGUA I LITERATURA. LA SEVA OBRA POèTICA FIGURA A LES MéS IMPORTANTS ANTOLOGIES I HA ESTAT
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Trilogia de Copenhaguen
Trilogia de Copenhaguen recull els tres llibres de memòries de Tove Ditlevsen, una de les veus més importants i singulars de la literatura danesa. Extraordinàriament honesta i vulnerable, pionera de l'inclassificable gènere confessional, l'escriptora explora temes com la família, el sexe, la maternitat, l'avortament, l'adicció i el fet de ser artista, dona i de classe obrera, i narra la tensió constant, de ben petita, entre la seva vocació d'escriptora i la seva condició de filla, parella, mare i, més tard, drogoaddicta. La primera part, Infantesa, ens presenta una nena rebel i tossuda, obsessionada per convertir-se en una gran poeta, a Joventut hi descriu les primeres experiències sexuals i professionals, i l'alliberament que li suposa independitzar-se de la família, i a Dependència, el llibre més devastador de la trilogia, ens narra els seus matrimonis -es va casar quatre vegades- i la seva baixada als inferns de la drogoaddicció. Per sobre de tot, però, Ditlevsen parla amb cruesa de la seva lluita per combatre les seves adiccions més profundes: l'acceptació dels altres, l'escriptura i l'amor.
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A partir de su amistad con Paul Bowles, Mohamed Chukri escribió este testimonio, íntimo y revelador, de las vivencias tangerinas más oscuras del autor norteamericano. En él descubrimos la relación de Bowles con los personajes literarios más destacados del momento: William Burroughs, Allen Ginsberg, Truman Capote…, así como el misterio que envolvió a la extraña pareja formada con su esposa Jane. Se trata de un libro cargado de pasión y violencia, de aseveraciones y duros juicios contra Bowles y su entorno, que acabó acarreando a Chukri graves consecuencias. El propio autor llegó a confesar: «Con mi libro sobre Paul Bowles he matado a mi segundo padre».
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La obra de Gary Snyder (San Francisco, 1930) plantea una esclarecedora revisión de nuestra pertenencia al mundo natural.
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Juan Marsé es, sin lugar a dudas, uno de los mejores narradores enlengua española de la segunda mitad del siglo XX. Asociado a la rica ylongeva tradición novelística del realismo desde una posiciónheterodoxa, personalísima y libre, y plenamente moderna, algunas de susobras son ya clásicos de nuestro tiempo, como por ejemplo Últimas tardescon Teresa, Si te dicen que caí, Un día volveré, El embrujo de Shanghaio Rabos de lagartija. Asimismo, algunos de sus personajes forman partede la imaginación literaria de miles de lectores es el caso delPijoaparte, Jan Julivert Mon o el capitán Blay.A pesar de todo ello, también Marsé ha sido «víctima» hasta hoy delendémico déficit de biografías literarias del que infortunadamenteadolece la cultura hispánica. Con este libro, Josep Maria Cuenca(Barcelona, 1966) ha intentado paliar, en parte al menos, dichasituación. Resultado de más de un lustro de investigaciones, Mientrasllega la felicidad es la biografía del autor de Ronda del Guinardó cuyosfieles lectores estaban esperando desde hacía mucho tiempo.
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Todo artista es visionario y G. Sand en este escrito lo fue. Además de los argumentos patrimoniales y estéticos que muchos intelectuales esgrimieron para defender Fontainebleau, la escritora aborda su protección por motivos ecológicos, educativos y socia
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Pocas veces un libro sobre el oficio de escribir ha resultado tan clarificador, útil y revelador. «Si no tiene tiempo para leer, no tendrá el tiemponi las herramientas necesarias para escribir.» Mientras escribo empieza con el relato de la asombrosa infancia de Stephen King y su extraño y temprano interés por la escritura. Una serie de vívidos recuerdos de la adolescencia, de la universidad y de los años de lucha que lo llevaron a la culminación de su primera novela, Carrie, aportan al lector una amena y divertida perspectiva sobre la formación del escritor. A continuación King describe las herramientas básicas del oficio y expone sus opiniones personales sobre el secreto de la escritura. Mientras escribo culmina con el conmovedor relato de cómo la necesidad de escribir lo estimuló a recuperarse del accidente casi fatal que sufrió el 19 de junio de 1999.
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L'esfera insomne
Màrius Sampere i Passarell (Barcelona, 1928), és, segurament, el poetaviu més important que el nostre segle xx ha llegat al xxi. La seva veu,fruit d un apropament autodidacte marcat per la lectura en diversosidiomes, per la mirada del fotògraf professional i per la sensibilitatdel músic (va cursar estudis superiors de música i va ser compositor illetrista del Grup Strop), és d una singularitat microcòsmica, onllengua i temàtica eclosionen en una manera sorprenent de dir el món ialhora sacsejar- lo. A voltes místic o escèpticament religiós,confabulat amb l ordre del caos, el dintre o el fora, la plasmació delMal, la foscor que per si sola il lumina, la seva és una poesia totalque transcendeix la quotidianitat i la moralina. . I de sobte, esgotatspràcticament tots els premis, els èxits, els honors digerit idissimulat l enorme prestigi, Màrius Sampere decideix reinventar- se. Iho fa, i ho aconsegueix, sense trair la veu que el delata però creant ununivers poètic nou, potser més íntim, molt més íntim, però alhoraexpansiu, infinit, total, on la certesa d un final de camí esdevédesmesurada reflexió i deliri líric que esclata en un dels llibres mésbrutals, més definitius i contundents de la literatura mundial delsnostres temps: L esfera insomne, sí.
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El lector va a encontrar en este libro algunos poemasescritos en la enredadera de la vida en los que podrá reconocerse, espejo de sus emociones. Alberto Salamanca ha seguido los faros de la gran tradición de lapoesía en español para dejar palabras suspendidas enel aire capaces de dirigir los pasos de quienes amano sufren. Fernando Valverde
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Según Piedad Bonnett, cuando el poeta muere “la poesía, que es inmortal, lo mira desde arriba, / ciega de luz y ajena como una estrella antigua”. ¿Preguntará la poesía qué hicimos con ella cuando nos visitaba? Piedad Bonnett, que tan sabiamente se mueve en el justo límite de su propuesta, que no va inútilmente más allá del material que desde un inicio aparece en su poderosa intuición poética como trabajable, que “no abusa del lector” encubriendo con artificios y manierismos ideas inconsistentes, que mantiene la transparencia de su palabra emocionada lejos de las estridencias, hace tiempo que tiene una respuesta. Dirá, junto con la gran poeta norteamericana Marianne Moore, que en la poesía encontró “un lugar para lo genuino”.
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Accésit del Premio Adonáis 2020 «por la lograda síntesis de frescura y profundidad, sostenida por un ritmo cautivador, que es herencia de la tradición y, a la vez, propuesta novedosa», según manifestó el jurado.Con un título que trae a la memoria el verso del poeta toledano Garcilaso de la Vega? -«todo lo mudará la edad ligera»-, el presente libro es, ante todo, un conjunto de poemas en los que queda reflejado el amor como sed, deseo, afán por arrancarle a la relación amorosa su profundidad, su pasión, su «mejor tú», en el decir saliniano, siempre manifestado en un tiempo volátil, huidizo, sin consistencia. Para ello, Jiménez Serrano se vale tanto de un uso abundante de recursos literarios de muy diferente jaez (aliteraciones, paradojas, repeticiones, lenguaje sincopado, descontextualización de estereotipos literarios, pero glosados en clave humorística) como de la musicalidad que expresa la métrica tradicional (décimas, pareados, frecuentes asonancias), dejando constancia en éste, su primer poemario, de su admirable cualidad para fusionar el lenguaje conversacional y el literario, llevándolos a veces al nivel de la comicidad y de lo maravillosamente emotivo. Un libro, en suma, con sello propio.La crítica ha dicho:«He aquí el libro de una mujer con sed de todo. Y esa sed se derrama en poemas figurativos de bellas sonoridades muy rítmicas, repletos de elaboradas metáforas cuasi-surrealistas y de recursos estilísticos de rica paleta lírica, los cuales, por su combinación de frescura, modernidad y clasicismo, y hasta de culturalismo sin insistencia exhibicionista, me sorprenden tanto como el discurso me emociona.»Luis Artigue, El Taquigrafo.«El tono y el estilo del libro están perfectamente reflejados en la solapa del volumen [...] Añadiría que el libro dibuja (en zigzag) una línea narrativa. Empieza con poemas de alegre reivindicación feminista. Se abre con una defensa de la entidad de Beatriz, más Beatrice Portinari que musa de la Divina Comedia, y sigue con unos himnos al deseo con total franqueza e igualdad de condiciones. Muy bien. Pero a mitad de este cancionero implícito asoma la intimidad, con sus velos de dolor, de inseguridades anímicas, de encuentros, de auxilios de ida y vuelta y de reconocimiento mutuo. Se acerca el amor.»Enrique García-Máiquez, Libro sobre libro.
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Diane di Prima (Brooklyn, 1934-San Francisco, 2020) fue una poeta estadounidense perteneciente a la generación beat. Estudió budismo, sánscrito, alquimia y gnosticismo, y estuvo siempre comprometida con los movimientos a favor de la justicia social. Una muestra de ello es Cartas revolucionarias, un verdadero manual de vida contracultural, un manifiesto de protesta callejera y una ofensiva feminista contra el aparato represivo del Estado, tan relevante hoy como lo fue en sus inicios, hace más de cincuenta años. En 1968 Diane di Prima se mudó a San Francisco, donde comenzó a escribir estas «cartas» -auténticos poemas inmersos en tradiciones místicas, con una potente combinación de imaginación utópica, política radical y conciencia ecológica-, que al principio circulaban a través de periódicos y panfletos clandestinos. En 1971 se publicó la primera versión en libro, que Di Prima fue ampliando en ediciones posteriores. Durante sus últimos años, supervisó la versión final de este proyecto de toda la vida, añadiendo nuevos poemas escritos entre 2007 y 2020. «Cartas revolucionarias es una máquina del tiempo hacia un futuro mejor». Ken Chen
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La generación que ha debutado en el siglo XXI viene con nuevos temas y nuevas formas, y una calidad que no entiende de tiempos.Los poetas españoles que nacieron en la década de los 90 andan acuñando nuevos tópicos al tiempo que reformulan o impugnan los heredados. Ha vuelto (por sorpresa) el cristianismo, se han actualizado los poemas de amor (de signo homosexual en muchos casos) y sigue la filología haciendo de las suyas con sus juegos, con la propia cultura. Deslenguadas, nerviosos y más o menos libres, han sufrido con fuerza la precariedad, se han encontrado con una concepción más hostil de las ciudades, y han dado muchas vueltas a la vocación, el mundo laboral, las drogas, el sexo o los viajes. Experimentales o endecasilabistas, torrenciales o lacónicas, lo natural en cada caso es cierta dispersión autoconsciente, en general feliz (y a veces abiertamente cómica), y una estupenda diversidad en lo que al grupo aquí convocado se refiere: veintisiete poetas entre los 35 y los 25 años que han traído a la poesía en castellano un feminismo renovado, a veces un culturalismo neo-novísimo y a ratos algo de locura, un desbarre ilustrado y un presentismo alegre, un hedonismo que reivindica la amistad. Aquí no hay decepción, hay inquietud: bastante formación intelectual, poco futuro y ningún hijo real en un contexto en el que les ha tocado estar más atentos al Ikea que a los vencejos (aunque también los hay), prestar más atención a Netflix que a los cerezos. La primera generación de poetas españoles, y en español, que ha debutado ya en el siglo XXI viene con nuevos temas y nuevas formas y, lo que más importa, con una calidad que no entiende de tiempos, con la cuota de talento natural de siempre. No se dejan atropellar: antes atropellarían ellas y ellos. Y no les gusta mucho sentirse antologados.
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Nabí
Nova edició d'un dels llibres essencials de Josep Carner.El poema bíblic Nabí (1941), sobre la peripècia del profeta Jonàs, és generalment reconegut com l'obra mestra de Carner i un dels monuments indiscutibles de la literatura catalana. Aquesta edició presenta el text del poema tot sol, sense crosses que condicionin el lector a l'hora d'afrontar-ne la lectura. En el nostre esperit, on ningú no el destria, al dellà de cent cambres Déu nia, i l'home de sa casa s'ajeu en el llindarcom un servent, com un ca.
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Esta tierra que perfumaba las mañanas, la tierra que era suya y nuestra – su sangre – cómo olía la tierra – y ahora cómo se cerraron las puertas de nuestras viñas, cómo adelgazó la luz en los tejados y en los árboles – ¿quién iba a decir que la mitad se encuentra bajo tierra y que la otra mitad está encadenada? Que el sol te dé por señas los buenos días con sus millones de hojas, que el cielo resplandezca con millones de estandartes, y éstos entre rejas y aquéllos bajo tierra. Calla, de un momento a otro tocarán las campanas. Esta tierra es suya y nuestra. Con las manos cruzadas bajo tierra sujetan la cuerda de la campana – esperan la hora, no duermen, no mueren, esperan para tocar la resurrección. Esta tierra es suya y nuestra – y nadie puede arrebatárnosla. Yannis Ritsos nació en Monemvasiá en 1909 y murió en Atenas en 1990. Está considerado uno de los mejores poetas en lengua griega de todos los tiempos, seguramente el más prolífico. Ha dejado escritos más de cien libros, la mayor parte de poesía, pero entre ellos hay también novela, teatro y extensos monólogos dramáticos. Fue un hombre muy reconocido en vida por la crítica y distinguido con varios grandes premios, como el Premio Nacional de Poesía por su Sonata del claro de luna o el Premio Lenin de la Paz, pero además se convirtió en un símbolo de lucha política y superación personal, muy querido y leído por el pueblo, cantado en multitud de ocasiones y traducido a más de treinta lenguas. De su vasta obra sobresalen Romiosyne y La señora de las viñas, escritas entre 1945 y 1947, justo después de la liberación de Atenas del ejército nazi, en plena guerra civil y antes de ser prisionero y deportado a varios campos de concentración. Constituyen un canto de homenaje a la Grecia de la resistencia y de la insurrección, pero no sólo de este período. Entre sus versos largos se hilvanan las páginas más luminosas de su historia, desde los tiempos de Homero hasta el despertar nacional de 1821, por eso el hilo de Ariadna lo sostienen aquí los grandes héroes de antaño, los marineros anónimos, los iconos de la ortodoxia y los guerrilleros del levantamiento contra el imperio otomano. Eso es precisamente lo que significa la Romiosyne, que junto con La señora de las viñas conforman la gran elegía del pueblo griego.
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Un clásico en los estudios biográficos sobre Emilia Pardo Bazán, en su día La luz en la batalla acercó allector no sólo la imagen más íntima de la escritora,mal conocida y envuelta en tópicos trasnochados, sinotambién su propia voz. La biografía descubrió así laperipecia vital de una mujer cuya voluntad de ser ella misma resultaba casi intolerable para los cánonessociales y artísticos masculinos, dominantes en su época. Hoy, totalmente revisada y cuidadosamente actualizada, La luz en la batalla nos trae de nuevo a una Pardo Bazán de cuerpo entero en toda su rica y paradójica complejidad: a la maestra de la creación literaria, a la polifacética dramaturga, ensayista y articulista, a la traductora, a la incisiva crítica y a la autora de libros de viajes… Y, sobre todo, a la mujer que eligió defender su derecho a ocupar un lugar en elmundo. Un perfil único en la España de su tiempo.
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¡Oh, Capitán! ¡Mi Capitán!, un volumen de la colección «Poesía portátil» con una selección de poemas de Walt Whitman. Walt Whitman fue el más notable precursor del verso libre, un ejercicio estilístico que fluye por sus grandes temas: la sexualidad, el deísmo, la naturaleza, la democracia y la libertad. Su mirada vitalista sobre la belleza del mundo influenció a un sinfín de autores y la transcendencia de su obra sigue marcando a los artistas de hoy día. Poeta del «yo» íntimo y colectivo, a caballo entre la filosofía, la mística y la reflexión personal, canta al mundo que nos rodea con un lirismo inconmensurable. -------«¡Oh, capitán!, ¡mi capitán! Nuestro espantoso viaje ha terminado.La nave ha salvado todos los escollos, hemos ganado el premio que anhelábamos:el puerto está cerca, oigo las campanas, al pueblo entero aclamándote,mientras sus ojos siguen la firme quilla, la audaz y soberbia nave.»-------
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.