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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El poemario que escribió Ted Hughes en silencio a su primera esposa, Sylvia Plath «Este libro irrumpe con la fuerza inesperada de un rayo y leerlo es como sufrir su descarga eléctrica. [...] Nunca se había visto nada parecido en literatura.» Andrew Motion, The London Times A lo largo de las páginas de este libro, Ted Hughes, desde el centro de la intimidad, recuerda su relación con Plath, empezando por el día en que se conocieron, durante una fiesta en Cambridge, en 1956, pasando por su boda, su luna de miel, el nacimiento de sus dos hijos y los constantes y fatales tormentos que desembocaron en el suicidio de la poeta. Más allá de la anécdota biográfica, Cartas de cumpleaños es ya uno de los poemarios fundamentales de finales del siglo XX, una valiente conversación con una amada sombra en el quieta contraluz del recuerdo, una celebración de la vida, de la pasión extrema, lo mismo que una poderosa meditación sobre la muerte. Y, por encima de todo, esta obra constituye la fulgurante despedida de uno de los mayores poetas de nuestro tiempo.
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Pocos meses antes del 7 de octubre de 2023, Rola Sirhán (n. 1978), crítica literaria y poeta, se preguntaba sobre las consecuencias del desmesurado peso de la lucha y la resistencia en la cultura palestina. En su opinión, imperaba una lógica intelectual caduca: la «cultura del fusil y los fedayines» había fracasado a efectos emancipatorios, los que debe perseguir toda auténtica cultura. Había llegado, según ella, el momento de preguntarse qué cultura querían los palestinos de las nuevas generaciones.La poesía escrita por mujeres ofrece algunas respuestas. Una sería cierto romanticismo desengañado, del que se saca genio y grito: «Somos las que inculcaron a la tierra / el gusto por la sangre. / Somos las culpables», dice un poema de Jumana Mustafa. Otra, la reformulación del sujeto poemático de mujer, que puede ser o una prisionera en una cárcel de Israel, como en el poema de Dareen Tatur, o una «prisionera» en Gaza, como en los de Hind Joudah. Son poetas de la situación, de la circunstancia, poetas fuertemente emplazadas. La ironía, ácida, que en algunos casos llega al sarcasmo, atraviesa buena parte de esta producción, como herramienta de sanación, o de simple supervivencia: Mona Musaddar habla de la huella dactilar que dejan unas uñas pintadas al cavar una tumba, para Asmaa Azaizeh la historia es un perro encadenado a un árbol.El genocidio de Gaza, la limpieza étnica de Cisjordania, el apartheid en Israel, el olvido de los refugiados de los campamentos del Líbano, Siria y Jordania, la diáspora cronificada, marcan el presente palestino. Los motivos para la esperanza son escasos, casi inexistentes, y aun así la poesía palestina no se detiene. Hay espacio para el poema en prosa, en verso libre, con pie métrico: las palestinas, que siempre han rehusado ser buenas víctimas, tampoco se someten a la apisonadora global de lo poéticamente predecible, la conveniencia o la moda. Ni, a pesar de las dudas sobre el sentido de escribir en tiempos de genocidio, al silencio.
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En la celebración de su 80 cumpleaños, Pere Gimferrer condensa en Balada décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Con Balada, Pere Gimferrer nos presenta una obra plena de madurez: un poema erudito y torrencial de naturaleza sinfónica, en ocho movimientos que compendian la memoria lúcida del mundo y del lenguaje, sus fastos verbales e imaginativos, entre claroscuros y fulgores. Balada es la celebración de una vida y una escritura, incesante, indagatoria, visionaria, a través de un repertorio de referencias culturales, literarias, cinematográficas y urbanas que constituyen la memoria encendida de Gimferrer. Así, sus versos destellan entre los ecos de Calderón y Shakespeare, Cernuda, Alberti o Keats, las ciudades -de Barcelona y Madrid a París y Delhi--, las películas y los pintores sobre los que pivota su memoria, a partir del Greco y su retablo manierista. A sus ochenta años, Pere Gimferrer condensa en su escritura décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Esta Balada es una ceremonia celebratoria. Este libro no sólo celebra los 80 años de un creador ineludible en nuestra literatura: confirma una voz que, desde hace décadas, nos recuerda que la poesía es el arte de volver tangible lo que abrigan las sombras.
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L'absència d'un corpus crític que s'ocupe dels primers relats escrits per Carson McCullers justifica la necessitat d'aquest estudi.El novel·lista històric Santiago Posteguillo analitza en aquest volum com Carson McCullers, una de les millors escriptores
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Esta antología recoge una colección de textos suficientemente significativos de la poesía española, desde la Edad Media hasta finales del siglo XX. Los poemas medievales van acompañados de una versión en prosa que intenta conservar el ritmo del original. Todos los textos van precedidos de breves introducciones que retratan la figura del autor propuesto y sitúan el poema en su contexto. Un pequeño comentario introduce la lectura de cada poema.
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Teniu a les mans una amalgama caòtica de poemes que tracten des de la crítica a una pintura fins a propostes filosòfiques, passant també per temes com l'amor - i el desamor -, la crítica social, la mort o poemes que reflecteixen la identitat de l'autora. Us convidem a que us sorprenguin els girs temàtics d'aquesta selecció dels millors poemes escrits al llarg de 22 anys, el llibre dels quals duu per títol Algoritme Lògic de la Ment.
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¿Qué es el amor? ¿Es la mayor de las bendiciones o el más profundo de los dolores? Este poemario construye un relato sincero del amor en todas sus formas: el que acaricia y el que quema, el que cura y el que mata. Entre luces y sombras, el autor nos invita a sentir sin filtros y a dar rienda suelta al corazón, aceptando que, a veces, amar es dejar ir, marcharse y volver a empezar. La distancia, el olvido, el miedo, las falsas expectativas, el rechazo, así como la esperanza, la ilusión, la confianza, el amar sin límites y la lucha por quienes amamos son los temas centrales de esta obra. Esto no es un cuento de hadas, sino un reflejo de que el amor, al igual que es maravilloso, también duele, por eso es para valientes.
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En 2020, Juana Dolores Romero Casanova, catalana, hija de inmigrantes andaluces, artista escénica, poeta, comunista, obtiene el Premi Amadeu Oller con Bijuteria, su primer poemario. Ahora traemos Bisutería, en edición bilingüe, con traducción al castellano de la propia autora.Y ¿qué es la bisutería? «La residualidad de un joyero de clase lumpen-proletaria», escribe.También: una hilera de poemas que funciona a la manera de una cadena de vértebras-joyas, donde coinciden, chocan y echan chispas las distintas facetas del lenguaje y del imaginario que ha pulido la autora: rimas exacerbadas, un léxico suburbano deslizándose en giros clásicos y cultismos, la lucha de clases y la purpurina, sangre y rubíes, oro y barro, crucifixión y prostitución…Todo un sistema circulatorio, con sus venas azules, rojas, que adornan el cuerpo lírico a la vez que lo atraviesan con violencia, suavidad. Una dialéctica contradictoria que no se contradice, o acaso, una dialéctica del oxímoron que se asume como tal, y casi con euforia.En algún lugar late un corazón enamorado, histérico, feliz, asustado.
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De un tono melancólico y hondo, con sus continuas bellezas, Luis García Montero busca que el lector lo acompañe para compartir lo que dice el corazón de un hombre de lo que le va dando la vida. Antología personal de García Montero recurre a imágenes de todos los días, al amor y la familia, al ajetreo y lo urbano.
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Valle-Inclán escribió, en 1920, esta obra, con la que quedó inagurada una nueva manera de ver la realidad, el Esperpento. Person
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La edición conmemorativa del Congreso de la Lengua de Arequipa. La antología definitiva del escritor que cambió el curso de la poesía en español. «La de Vallejo es una poesía que nos hace sentir las fibras mismas de la existencia, que nos despoja de todo lo accesorio y transitorio, y nos enfrenta a la esencia que llevamos dentro». Mario Vargas Llosa Autor fundamental de la literatura latinoamericana contemporánea, representante de las vanguardias poéticas en nuestra lengua, César Vallejo es un autor alabado por figuras como Rafael Alberti, Alejandra Pizarnik, Mario Vargas Llosa u Olvido García Valdés. Sus libros Los heraldos negros, Trilce, Poemas humanos y España, aparta de mí este cáliz renovaron el lenguaje poético y marcaron un camino de gran influencia en la poesía. Preparada por la Real Academia Española y la Asociación de Academias de la Lengua Española, esta antología, que recoge toda la poesía de Vallejo e incluye también textos de escritores y críticos en torno a su figura y su obra, además de un glosario y una bibliografía.La crítica ha dicho:«César Vallejo es directamente responsable de lo que yo escribo».Joaquín Sabina «Ningún poeta me ha estremecido tanto».Rafael Alberti «¡Amado Vallejo! ¡Mi adorado poeta triste!».Alejandra Pizarnik «El más grande poeta universal después de Dante».Thomas Merton«Siempre hay algo nuevo, algo desconocido, en sus palabras. Una muestra de que, en realidad, de Vallejo sabemos cada vez menos».Olvido García Valdés «La poesía de Vallejo trasciende esas coordenadas del tiempo y del espacio y sitúa al lector en un plano más permanente y profundo: el de la condición humana».Mario Vargas Llosa«Probablemente sea el más grande poeta latinoamericano del siglo XX».Julio Ortega
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Disfruta cada día del año de los cuentos y poesías de Gloria Fuertes. Un precioso volumen que contiene algunas de sus historias más tiernas y originales, acompañadas de unas bellas ilustraciones.
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La ciudad —do una vez Max Aub— es un libro que se lee con los pies. La ciudad, en efecto, se lee paso a paso. Y por eso este libro es una travesía, una deriva por Bilbao de la mano de un poeta que lee paso a paso, verso a verso, una ciudad, la de su nacimiento, la de toda su vida. Las huellas de un poeta en la ciudad y la huella indeleble que la ciudad ha ido dejando en su obra. El poeta desembarca en la Estación del Norte —el punto de partida de esta travesía— y descubre que nunca llegó a irse, que nunca se ha marchado aunque haya estado lejos, que todos estos años ha sido un pasajero en su ciudad.A través de sus poemas y prosas (que conforman una misma escritura poética) el autor nos invita a leer la ciudad de otra manera. Calles y cines, hospitales y centros comerciales, trolebuses ingleses, puentes y cielos, ultramarinos y cafeterías, oficinas y templos. Una estación con una gran vidriera, un plano de la ciudad, una consigna donde almacenar recuerdos olvidados, lápidas del cementerio donde descansan los poetas ignorados, recordados a veces y siempre o casi siempre incomprendidos. Y, al final, la esperanza del mar en el Abra, corazón del mundo.El crítico Francisco Díaz de Castro ha escrito en El Cultural que este libro «es mucho más que el plano de una ciudad, que el autor ha levantado desde su memoria y el homenaje, la elegía, el amor y el desamor. Personalísimo libro, esta Travesía de Bilbao demuestra la gran calidad poética de Fernández de la Sota».
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En ''La piel de toro'' (1960), un libro icónico para la literatura en lengua catalana, Salvador Espriu se propuso demostrar que no era cierta la tesis de Ortega de que España solo podía pensarse desde el prisma de Castilla. Con él, el poeta quiso expresar ''un modo más generoso y abierto'' de entenderla, uno que se pusiera en marcha desde sus periferias geográficas e históricas y que contribuyese a la regeneración de una reflexión pública que la dictadura había hecho todo lo posible por cortar de cuajo. En este sentido, la trascendencia de algunos de sus poemas da muestra de la gran resonancia que tuvo entre sus numerosos lectores, que hoy siguen encontrando en ellos un llamado al diálogo y una defensa de la libertad.
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La mirada escéptica y serena de una poeta que viene a renovar la literatura en español.«Ensancha y pone al día la literatura española.» Juan Marqués, El Mundo Como apunta la escritora Piedad Bonnett con acierto, «la poesía de Corina Oproae se alimenta de imágenes recurrentes, con esa obsesión propia del poeta que pareciera condenado a revisitarlas» porque de esa representación repetitiva es de lo que está compuesta la obra misma. En el centro de su universo poético está el yo como núcleo de un todo que encierra cada imagen del mundo, una totalidad hecha de tiempo en el que la memoria suele conducir a la infancia recuperada o incluso a la experiencia revivida del amor. Y al lenguaje, el verdadero lugar que la voz poética habita, el que le permite la fábula, la imaginación, el sueño. Y continúa Bonnett, «en la poesía de Corina Oproae la muerte, con sus muchos rostros, es una presencia constante, y sin embargo su palabra no es sombría ni cae en patetismos. Por el contrario, en ella hay una especie de levedad juguetona no exenta de ironía, producto de una mirada escéptica y serena, la que sabe que al final de cuentas no hay certezas».
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«Un canto de denuncia, testimonio fidedigno de la violencia en Centroamérica».Fiel a su compromiso poético, William González nos regala su confesión más humana. El poeta que pudo haber empuñado un arma, pero eligió la palabra. Un poemario desgarrador y tan extraordinariamente sagaz como clarividente, que articula una denuncia poética de la violencia estructural de América Central. Hay una memoria colectiva que toma cuerpo y se pronuncia a través de historias profundas y trágicas, cuyas víctimas son jóvenes armados, mujeres violadas o migrantes que sueñan con un destino mejor. Una voz testimonial que disecciona la barbarie. «Cara de crimen no se lee: se escucha por dentro. Desde el primer poema supe que estaba entrando en una geografía que no era sólo física, sino también emocional. Es un libro que te agarra por el pecho y no te suelta. La violencia no aparece como noticia, sino como herida abierta: tiene cuerpo, tiene rostro, tiene infancia», Emilio del Río.
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Una original colección de relatos breves en los que la legendaria autora norteamericana mezcla filosofía y fantasía con lo cotidiano y con su delicioso humor.En Noventa y nueve cuentos divinos Joy Williams oscila entre lo sublime y lo surrealista, derribando las barreras entre lo cotidiano y lo divino. En este volumen de breves cuentos, en los que vuelve a captar tanto el absurdo como la oscuridad de la vida cotidiana en cómicas píldoras, explora nuestras interacciones diarias con un Dios siempre esquivo y arbitrario. Pero las figuras que rondan estas historias van mucho más allá, desde Kafka hasta los aztecas, Tolstói, O. J. Simpson o una manada de lobos. Y con todo, la mayoría de los personajes de Williams son como nosotros: esforzados y torpes anónimos que se topan con Dios en los lugares más inesperados o lo buscan cuando Él está justo allí. El Señor aparece en un concurso de comer perritos calientes, una solemne gala y una farmacia, donde está en la cola para recibir una vacuna contra el herpes zóster. Cómico, lírico y aforístico, Noventa y nueve cuentos divinos nos regala el talento destilado de una de las grandes autoras norteamericanas de nuestro tiempo.
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La historia de Macbeth «es viscosa y espesa como una sopa de sangre», decía Jan Kott. Tragedia extraída de las Chronicles de Holinshed, sigue reflejando el absurdo de la existencia humana, envolviéndolo en tintes sangrientos. Esta es la historia de un tipo ambicioso cuyo destino lo conduce a la traición y le impide torcer la suerte que unas groseras brujas le pronostican al comienzo de la obra. Fue escrita entre 1603 y 1606, inmediatamente después de El rey Lear y poco antes que Antonio y Cleopatra, y desde entonces la escena y el cine no han dejado de interpretarla. Luis Alberto de Cuenca ha preparado con esmero este particular homenaje a William Shakespeare (1564 - 1616), traduciendo magistralmente, verso a verso, el prodigioso texto original, en colaboración con José Fernández Bueno. Una versión que se ofrece edición bilingüe, ilustrada a color, casi con sangre, por Raúl Arias.
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Bienvenido a Kamikaze de Versos.Bienvenido a Porque te sigo pensando .Bienvenido a mi tercera entrega.Si buscas poesía tradicional, este no es tu lugar.Bienvenido a sentimientos de todo tipo, donde seguro reirás, llorarás y soñarás.Bienvenido a todas aquellas cosas que se quedaron en la punta de la lengua o en el cajón del olvido, por no poderlas o no quererlas decir en el momento que tocaba.Bienvenido al recuerdo de aquellas personas en las que aún hoy seguimos pensando.Con un lenguaje directo, sencillo, con ese toque de romanticismo, tacto, humildad y realidad para poder llegar a vosotros.Si me sigues desde mis inicios, ¡gracias!Si eres nuevo y solo me conoces por este poemario, millones de gracias por dejarme entrar en tu vida.Simplemente intento plasmar en forma de verso todos aquellos sentimientos, ideas, locuras y torturas, que se nos han pasado alguna vez por la cabeza y no sabemos de qué forma expresarlas.Estoy seguro de que sentiréis vuestras cada una de mis letras.Ese es mi objetivo, hacer sentir... ¿Y cómo haceros vibrar con cada una de mis letras?Pues de la mejor forma que sé...en forma de versos y, como siempre...VERSOS, AL ESTILO KAMIKAZE.
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Escaleras al techo (1945) es una obra peculiar y diferente, es al mismo tiempo una historia de amor, una comedia y un experimento con un toque de ciencia ficción.El cuaderno de Trigorin (1981) es una adaptación libre del clásico La gaviota, de Antón Chéjov, transformado por el genio de Tennessee Williams en un poderoso drama contemporáneo.Tennessee Williams nació el 26 de marzo de 1911, en Columbus, Mississippi, donde su abuelo era ministro episcopal, y murió el 25 de febrero de 1983, en Nueva York. Entre otras piezas fundamentales del drama psicológico contemporáneo, publicó también: El zoo de cristal (1944), Un tranvía llamado Deseo (1947), Verano y humo (1948), Lo que no se dice (1958) y Período de ajuste (1960).
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“Comediante y mártir” llamó Sartre a Genet desde el título del libro que consagró a la personalidad más controvertida y elusiva de la literatura francesa contemporánea. Comediante y mártir porque apariencia y verdad, juego y trascendencia establecen en la obra y en la vida de Genet una relación insólita. Fue precisamente su vida desdichada lo que, en principio, recibió más atención: la obra (difundida clandestinamente en la posguerra) tuvo menos lectores que las crónicas periodísticas donde sus delitos se consignaban puntualmente. Hacia 1950, cuando Jean Genet (París, 1910-1986) decide abandonar la literatura, la editorial Gallimard emprende la publicación de todas sus obras, precedidas por el tomo donde Jean-Paul Sartre estudió el universo moral y novelesco del autor.
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A lo largo de la carrera de Walt Whitman, se publicaron nueve ediciones de su obra poética, siempre titulada Hojas de hierba. La primera, de 1855, ya contenía el célebre “Canto de mí mismo” (no aún con ese título), a la última y canónica, de 1892, se la llama “del lecho de muerte” porque trabajó sobre ella en sus días finales.Cada una incorporaba poemas nuevos, suprimía o corregía anteriores, iba agrupándolos en secciones variables.La audacia y la fuerza de la personalidad marcan su empresa poética: apertura sexual y política, peculiar y heterodoxo sincretismo religioso, innovador verso libre torrencialmente musical, apropiación de recursos tradicionales como las aliteraciones de cuño anglosajón o los catálogos y las palabras compuestas de cuño épico, creación de neologismos.Del crisol donde fundió todo eso y mucho más surge una de las experiencias más fascinantes en la historia de la poesía, con sus hondonadas y sus altas cumbres.
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Estravagario es sin duda uno de los libros más originales y curiosos de Pablo Neruda (1904-1973), consagrado con el Premio Nobel de Literatura 1971. Esta reedición, en la Colección Aniversario, es la confirmación de que la personalidad del poeta chileno, quizá la figura poética dominante del siglo XX en el continente latinoamericano, fue múltiple y no se agotó en el exaltado lirismo de sus Residencias ni en la recobrada sencillez de sus Odas elementales.
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Henrik Ibsen nació el 20 de marzo de 1828 en Skien, al sur de Cristianía, llamada hoy con su nombre más antiguo: Oslo. Alternó sus residencias en Noruega —su patria—, Alemania, Italia y, desde 1892, ya no se movió de Cristianía, donde murió en 1906. Hasta el final de su vida Ibsen marcó las llagas morales de su pueblo y de la humanidad, sin hacer caso de las voces contrarias. Desenmascaró a sus adversarios en Un enemigo del pueblo (1883), planteó la lucha entre la verdad y la mentira en El pato silvestre (1884), y la de los valores ciertos o aparentes en Casa de muñecas (1879), determinó las causas del tormento fisiológico y espiritual en Espectros (1881), en Hedda Gabler (1890) buceó en el abismo del alma femenina como foco de un problema general, debatió en La dama del mar (1888) el determinismo y el libre albedrío, formulando sugestiones novísimas, y deslumbró con la imaginación envolvente de Peer Gynt (1867), donde resuenan los ecos de las fantásticas leyendas nórdicas.
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Un poemario que busca explicar lo inexplicable, lo que, sin que aparezca ni se muestre, sucede. De las cosas pálidas puede leerse como un catálogo de lo azaroso, como un mapa sin centro o quizá como un bodegón de cosas perdidas. En varios poemas la voz que escribe habla de lo que no aparece, de lo que no se muestra y, sin embargo, sucede. Esas son las afueras de las que trata este libro, afueras físicas, es cierto, pero también afectivas, psicológicas, las afueras de la memoria o del amor. Al mismo tiempo, de fondo se va repitiendo un mantra: estar es todo. Esta idea, sacada de un verso del poeta Juan Gil-Albert —verso con el que abre el poemario—, nos remite a la decisión de aceptar que habitamos un presente que siempre se nos escapa pero que es nuestro recinto vital, y en torno a él debemos comprender nuestras acciones. De las cosas pálidas recurre para ello a una cadencia meditativa, sincopada, alterada, pero también excéntrica e irónica, que es algo que recorre toda la obra del autor. Y es que en los poemas de este libro siempre parece que es domingo por la tarde en un polígono industrial a las afueras de una ciudad pequeña.
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Versos tiernos y entrañables sobre animales en familia: la cigüeña y el cigüeño, la rana y el rano, la pájara Pinta y el pájaro Pintón, el pollito miope..., y muchos más que Gloria Fuertes te presenta con su habitual simpatía y originalidad.
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Equinocci de silenci
Llarga nit, tedi insidiós, boira infinita, desencís. I de sobte... Tu.
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Una selección que invita a explorar la riqueza conceptual, la agudeza crítica y la vigencia literaria de Quevedo, figura clave del Barroco y referente ineludible de la poesía española. Francisco de Quevedo (1580-1645) fue un escritor total que cultivó prácticamente todos los géneros literarios. La poesía en particular ocupó siempre un lugar fundamental en su vida y trayectoria literaria: en sus versos volcó emociones y chanzas, ambiciones y su deslumbrante creatividad. Complejo y controvertido, tanto su extensa producción como su ideología se resisten a ser encasilladas.Rodrigo Cacho Casal ofrece una selección de poemas con la organización temática del Parnaso español (1648) y Las tres Musas (1670): los libros póstumos que recopilaron su obra en verso. Cada sección incluye una introducción que contextualiza el género correspondiente, facilitando la lectura crítica y la comprensión de los recursos estilísticos y temáticos del poeta cuyos juegos de ingenio y densidad semántica lo elevaron a la cima del Siglo de Oro.
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100 poemes
100 Poemes és una antología personal de Seamus Heany, un recull de la seva poesia in memoriam i una celebració de l'autor, coherent amb els seus orígens i compromès amb l'art i la literatura.
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Situacions insulars
Les històries de Situacions insulars les protagonitzen dones com illes, rodejades de no-res. Abocades al somni, a la desesperació o a la perplexitat, s’interroguen i ens interroguen sobre la incomunicació de l’ésser humà. Amb una prosa que flueix imparablement, Carme Guasch ens fa anar de la sorpresa a l’humor, del lirisme poètic al realisme d’allò més quotidià, passant per la ironia i una soterrada crítica social, i aconsegueix que les heroïnes (o antiheroïnes) d’aquestes narracions provoquin la complicitat del lector i s’hi acostin impúdicament per reclamar l’engruna d’atenció que exigeix la seva solitu
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El libro que consagró a Sara Búho como una de las poetas más reconocidas de su generación en una nueva edición ampliada y supervisada por la autora. Y yo a ti es un salto vacío que habla de la madurez de una voz joven que se cuestiona cada paso. Construido como un itinerario que comienza con una huida y termina en una reivindicación del silencio como una explosión íntima y necesaria, los versos de Sara Búho atraviesan las diversas emociones e incertidumbres por las que transita alguien que crea desde su experiencia interior: el bienestar, el miedo al futuro, lo incomprensible del amor, la autosuficiencia o la posibilidad de acariciar los sueños con las manos. Es un libro de poemas en los que la voz de la autora olvida el pasado y lo deja atrás, para tomar decisiones. En palabras de Benjamin Prado, la poesía de Sara Búho «se va abriendo paso porque sus versos hacen buenas preguntas sobre la identidad, el deseo o el abandono, indagan quién es esa gente que deja huellas con nuestras manos en el lugar del crimen o dudan si la nostalgia es el amor a las heridas, y por eso no podemos dejar de pensar en quienes no nos dieron motivos para echarlos de menos».
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La brevedad del relato del génesis lleva a la imaginación del poeta a plantearse sugestivos interrogantes respecto a la historia de Adán y Eva: ¿qué sintieron aquellos adultos sin infamia al despertar en el Paraíso? ¿Cómo fue su encuentro? ¿Qué les hizo desobedecer a Dios? ¿Qué se dijeron al conocer su culpa y espantoso castigo? Como toda obra clásica de renombre universal, El Paraíso perdido da pie a numerosas lecturas. En ella están las tradiciones clásicas de Homero y Virgilio, la deslumbrante imaginación creadora del Renacimiento, las concepciones del universo elaboradas por los astrónomos o las respuestas a los misterios de la teología, todo el saber humanista y científico de su época entran en este inmenso crisol donde el lector encontrará siempre lo que busca.
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Diàleg
Text dramàtic que pot llegir-se com a prosa o prosa que pot representar-se en un teatre, Diàleg es va estrenar al Burgtheater de Viena el 2022. Imaginem dos actors, com Bruno Ganz i Otto Sander, als quals està dedicat el llibre, tots dos àngels en la cèlebre pel·lícula Der Himmel über Berlin («El cel sobre Berlín»), dos homes ja grans, amics, còmplices, dialogant sobre la força i l'actualitat del teatre, sobre el fet d'envellir, sobre els records i les vivències que deixen una petjada inesborrable en la memòria... Text rítmic, en la línia de l'últim Handke, que defuig les lectures còmodes i uniformes, llarga conversa, construïda amb una riquesa textual prodigiosa, que s'obre pas mitjançant imatges reveladores, relats del passat i referències a la pròpia obra, a la cultura popular i a la tradició literària. I també, entre jocs de paraules i evocacions evanescents, en Diàleg hi ha espai per a la reflexió històrica i política, al·ludint al relat espuri amb què es va intentar ennuvolar l'adhesió dels avis al Tercer Reich.
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En 1998, a la edad de veintisiete años, Roberto Enríquez fue diagnosticado de una enfermedad autoinmune, esclerosis múltiple, que lo marcará de por vida. De este terremoto neurológico nace un texto escrito con urgencia, De cuerpo presente, con el que, junto a fotografías de Toya Legido, debutó como escritor. Publicado en julio de 1998 por esta misma casa, en la colección Libros Inútiles, aquella humilde edición ‒grapada, formato de 15 x 10 cm, 700 ejemplares‒ se agotó rápido y hoy es inencontrable. Ahora, en este volumen, reproducimos la maqueta de manera idéntica a la de aquella publicación.Veintisiete años después‒-de nuevo veintisiete‒ del epicentro de aquella conmoción, esta vez bajo el nombre de Bob Pop, a la edad de cincuenta y tres años, el cuerpo esclerotizado, la cabeza más lúcida que nunca, los dedos de la mano endurecidos, rígidos, ojos y lentes siempre avizor, escribe con la misma urgencia y valentía, a modo de cara B, un nuevo De cuerpo presente, donde los nuevos poemas conversan con y contra cada uno de aquellos poemas del siglo pasado, esta vez entreverados con los retratos hechos ex profeso para esta edición por su Maridito Rétiz.Es decir, un poemario escrito en dos tiempos y un solo cuerpo.«Será vuestra lectura quien me haga futuro». Bob Pop
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