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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La terra eixorca (o La terra erma, La terra improductiva, o La terradevastada) és un dels poemaris més importants del segle passat, potserel que ha tingut més influència en la cultura anglosaxona, i que hacondicionat la manera d'entendre l'expressió poètica d'ençà de la sevapublicació l'any 1922. Amb l'aparició d'aquest llibre es van produirtota mena de reaccions crítiques, moltes a favor i altres en contra ambel pas del temps, la majoria de comentaris, estudis i assajos que s'hanfet sobre La terra eixorca coincideixen a considerar-la una obraimportant, i alguns la veuen com a imprescindible. Ara us en presentemuna nova versió catalana a cura de Neus Nadal i amb notes de BernatNadal. Biografia de l'autor Thomas Stearns Eliot (1888-1965). Va néixera Sant Louis (Missouri, Estats Units), però als vint-i-sis anys es vatraslladar a Londres. Ben aviat es va fer ciutadà britànic i després esva convertir a l'anglicanisme. Va encaminar la seva vida a laliteratura. Treballà a Faber & Faber i, com a erudit que era, vaescriure grans obres de crítica literària i de poesia. Molts d'expertsafirmen que és el poeta que ha tingut més influència en l'evolució de lapoesia del segle XX. T. S. Eliot va revolucionar el concepte poètic ambThe Waste Land (La terra eixorca), un llibre innovador i hermètic,extraordinari alhora, que ara posam en mans del lector en la versiócatalana de Neus Nadal. Eliot va escriure més d'una quinzena de llibresde poemes, com Quatre quartets, Poemes d'Ariel i Prufrock, sis obres deteatre i diversos llibres d'assaig. L'any 1948 li concediren el PremiNobel de literatura.
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Júlia, la primera novel·la d'Isabel-Clara Simó, és un dels clàssics de les nostres lletres. La història d'aquesta jove obrera, intel·ligent i tenaç, que lluita per convertir-se en una senyora, ha captivat generacions de lectors. Amb el teló de fons de la Revolució del Petroli, uns diàlegs vius i una inoblidable galeria de personatges, aquesta ?síntesi de la precarietat humana?, com la qualificà l'autora, revela la seua dimensió teatral gràcies a l'adaptació fidel i acurada de Gemma Miralles.
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Nada queda limpio cuando leemos la poesía de Manuel Mata. Esta obra pulcramente pulida y ensuciada a conciencia confirma la solidez de una voz que nos delata y nos deja vulnerables. Raúl Alonso Manuel Mata es un gato que se acerca al ordenador, pasea por el teclado escribiendo cosas que entiendes y empuja tu taza favorita mientras te mira. Leer Pan manchado es intentar no sonreír mientras pasa todo eso. Adrián Fauro
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El «cuarto propio» de Elena Ferrante: las lecciones de literatura de la autora que más intriga al mundo, con más de veinte millones de lectores «La voz de Elena Ferrante, junto a la de todos sus personajes -no solo Lila y Lenù, sino todas las mujeres que hablaron en sus novelas-, nos dicen en este libro: aquí estoy».Annalena Benini, Il Foglio «Una escritora clásica en el sentido maravilloso de la palabra».Milena Busquets La maravilla de descubrir la lectura y la escritura desde la infancia, los recuerdos de las primeras páginas escritas, sus olores y lugares, y luego los grandes hallazgos, desde los nombres canónicos de la literatura universal hasta las autoras que la han iluminado, impregnan estas lecciones magistrales que ha impartido Elena Ferrante invitada por la Cátedra Umberto Eco de la Universidad de Bolonia. En este recorrido histórico y personal sobre la inspiración y la vocación de escritora, «la autora más enigmática de la actualidad» desvela también sus consejos sobre la creación de personajes y la trama. Desde Shakespeare hasta Gertrude Stein, pasando por las obras de Diderot, Jane Austen o Virginia Woolf y culminando con Dante y su Beatrice, Ferrante entrelaza sus lecturas y reflexiones con su propia obra y su vida, sobre las que por primera vez se confiesa en una nueva intimidad con sus lectores. La crítica ha dicho sobre este libro: «La voz de Elena Ferrante, junto a la de todos sus personajes -no solo Lila y Lenù, sino todas las mujeres que hablaron en sus novelas-, nos dicen en este libro: aquí estoy».Annalena Benini, Il Foglio «Un viaje extraordinario que se adentra en la construcción de sus obras maestras».Riccardo de Paolo, Il Mattino «Si alguien todavía duda de si las novelas de Ferrante las ha escrito un hombre, os aseguro que En los márgenes disipará cualquier asomo de duda».Quotidiano Nazionale «Un nuevo libro ineludible de Elena Ferrante».Libri e Parole «Una fusión coral de talentos femeninos».Michaela K. Bellisario, IoDonna «Ferrante evoca los orígenes de la escritura y el sentido de la ortografía [...] a través del diálogo que tienen sus textos con otros. No falta ninguno de sus referentes: de Virginia Woolf a Diderot pasando por Emily Dickinson».La Repubblica «Cuatro ensayos públicos, íntimos y antagónicos sobre la escritura».Il Sole 24 Ore La crítica ha dicho sobre Elena Ferrante: «Una escritora clásica en el sentido maravilloso de la palabra».Milena Busquets «En mi mesilla de noche están los diarios de Virginia Wolf, los relatos de Chéjov y las novelas de Elena Ferrante».Leïla Slimani «No se dejen engañar. El mayor misterio no es quién es o quién deja de ser Elena Ferrante [...]: el misterio es su escritura y su capacidad de evocación. Un fenómeno torrencial, magnético, imparable».Quico Alsedo, El Mundo «El tiempo ha demostrado que a la ferocidad de su escritura y al ritmo de sus relatos nadie es capaz de resistirse. [...] La sensación que tienes al leerla es como si te abriesen en canal para enseñarte tus vergüenzas, las entrañas. Es incómoda y adictiva».Marina García Diéguez, Revista Mercurio «Una maestra retratista de todo lo que nos preocupa, de todo lo que nos duele. Es difícil encontrar alguien de quien decir esto y que aún esté entre nosotros. Que en vida ya sea un clásico».Víctor M. González, GQ «Ferrante me han tenido atado al sillón, leyendo y celebrando».Juan Marsé «Me ha capturado. Me ha causado un gran impacto».Elizabeth Strout
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Eitan y Wahida están enamorados. Ella es una estudiante neoyorquina, árabe, de origen marroquí, él, un joven científico, alemán de origen israelí, residente enNueva York, y en permanente conflicto con su padre judío, defensor a ultranza de la herencia e identidadfamiliar. Víctima de un ataque terrorista en el puente Allenby, Eitan entra en coma. En este espacio-tiempo suspendido recibirá la visita obligada de sus padres y abuelos, mientras el odio y las ideologías retorcidas se manifiestan como demonios, y los pájaros dela desgracia atacan con saña los corazones y la razónde cada uno. «Cuando la flecha está en el arco, tiene que partir», dice un refrán, y Wajdi Mouawad sitúaa cada personaje en el disparadero para confrontarlos crudamente con la verdad más íntima, privada y secreta de su propia existencia y de la de los otros.
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Surgida entre los desiertos de Arabia y los vallesde la antigua Mesopotamia, la poesía árabe deslumbródesde que las conquistas del islam forjaron un vastoimperio, del Asia Central a al-Ándalus, y extendieron el uso de la lengua árabe en sus territorios. La tradición árabe ha transmitido un registro escrito impresionante del legado clásico, pero hasta tiempos recientes no se ha observado, con nuevos estímulos, una parte del mismo: la poesía compuesta por mujeres, quequizás sorprenda por la cantidad de materia conservada. Gacelas de arena presenta una antología de30 poetas que vivieron, entre los siglos V y XIII, endiversas regiones del mundo árabe de entonces e incluye la traducción de 99 poemas. La muestra es significativa de lo que fue la producción femenina dentro deese marco, y nos invita a contemplar el paisaje a través de otras miradas, a matizar los colores con losque hasta ahora se ha pintado.
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Marc Granell ens regala un poemari inèdit, per a adults, escrit entre 2017 i 2020. En les seues pàgines retrobem la poesia poderosa d'un dels escriptors més importants del panorama actual: una literatura compromesa, que apel·la a les consciències.
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Directos al corazón: los versos de Loreto SesmaEl nuevo poemario de Loreto Sesma, una de las autoras más conocidas y admiradas de la nueva generación de poetas. Un libro que transita por las penumbras del amanecer, en lo ambiguo de esa oscuridad que muta de repente en esperanza. No bastó con querer es un claroscuro de versos que hablan del poder que ejerce sobre nosotros el recuerdo, el olvido imposible, que nos destruye pero a la vez nos ha construido como lo que somos, en la resiliencia. Loreto Sesma dibuja con profundidad y alma el perfil de la dulce derrota del que ya sabe perder, de la victoria amarga del que conoce que será finita. Un conjunto de poemas sobre el dolor que llevamos en la maleta, el bagaje de las heridas del amor, pero también sobre la posibilidad de la luz. «Llega el día.Simplementerecoges todos tus pedazos del silencioy dices:esto es querer,pero ya no es amor».
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«Fuck me es una obra desgarrada, irreverente y frontal. Teatro hecho desde el dolor, buscando la luz que nace de la destrucción de uno mismo, de saber que todo acto de escarnio de lo propio es también el deseo de ser amado, consolado. Camino estrecho, solitario. Un camino que Marina Otero nos muestra desde la distancia de una persona rota, adulta, que mira su infancia cuando hacía bailes y coreografías en casa de su abuelo y se mira ahora después de tantas guerras, de tantos años ofreciéndose en escena, de intentos de suicidio, de luchas contra todo, de haber odiado lo fácil y lo amable como si fueran traiciones. Un camino que, al mismo tiempo que muestra la fuerza de la rabia, tiene la capacidad impúdica de decir en un momento: “Miren cómo estoy. Quedé dura y no de merca, esto es pura tensión por el esfuerzo de querer agradar. Lo único que quiero es que me quieran, porque yo no me quiero”». Pablo Caruana Kill me es la continuación de Fuck me. Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta empecé a filmar cada cosa que hacía: con el corazón abierto las 24 horas registraba todo. Hasta que un día colapsé, me dieron un diagnóstico psiquiátrico y decidí hacer con eso mi próxima obra. Convoqué a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinsky, para hacer una obra que hable sobre la locura por amor. Pero vamos a decir que el tema es sobre salud mental para que entre en la agenda inclusiva del mercado del arte. Porque esa es mi condena, tener que hacer obras que se vendan y así mantenerme viva en el mundo (del teatro). Marina Otero
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El gran clàssic d'Àngel GuimeràAquest drama d'Àngel Guimerà, un dels més representats en l'escena catalana, planteja un conflicte universal. La present edició posa a l'abast del lector una documentada exposició per reflexionar sobre una situació social i humana d'ahir i d'avui.
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«Amor por lo que vive, si supieras/ qué fácil es perderte/ sabrías cuánto ansío conservarte». El presente poemario nos propone una mística terrenal donde lo que se eleva es la «carne pensativa» y lo único sagrado es el instante en fuga. Una espiritualidad laica que, celebrando el privilegio de «haber llegado/ al lugar donde estaba», se opone a la trascendencia para no «cederle terreno a las alturas». En otras palabras, una versión posmoderna de la tradición mística. Cantos de lucidez vitalista que toman la alegría, esa «palanca de respuestas», como un horizonte en marcha. Versos contra el romanticismo del dolor, muchas veces cantados desde el dolor mismo, para reivindicar la maltrecha belleza de «este lugar que apesta y me conmueve». Poemas que sugieren un modelo distinto de amantes, «enamorados/ de la fragilidad de estas paredes»: el personaje de la artesana, amada activa, horizontal y antiplatónica, y una voz masculina que expresa su deseo de intercambio. Mística abajo consta de cuatro partes. La primera está dedicada al tiempo, sus ciclos y transformaciones en el cuerpo de lo real, la segunda reflexiona sobre la poesía, su necesidad y utilidad en el presente, la tercera aborda las relaciones entre ciencia y emoción, razón y deseo, en la cuarta dialogan los motivos clásicos de la mística con una ética contemporánea y desacralizada.
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Rüdiger Safranski, un maestro en el arte de exponer la historia de las ideas, nos acerca un Goethe casi inédito para el lector en lengua española, pues para escribir esta impresionante biografía ha recurrido a incontables fuentes primarias: cartas, diarios, epistolarios, conversaciones o semblanzas de cuantos lo conocieron y trataron. Considerado ya un clásico en su propio tiempo, Goethe es autor de poemas, ensayos, obras de teatro, recuentos de viajes y novelas en las que el lector contemporáneo sigue mirándose como en un espejo. Safranski no sólo nos relata su época y su obra, sino que nos transmite el apasionado esfuerzo con que Goethe trató de convertir su propia existencia en obra de arte.
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Albert es un niño de unos diez años que vive y trabaja en una fábrica de tiras. Junto a las herramientas que lo ayudan -Hilario, Tisi, Martín y Fina-, ha creado un mundo de fantasía, convirtiendo su cruda realidad en un divertido juego. A lo largo de la obra, Albert se da cuenta de que la situación en la que vive esmuy injusta, y que, en lugar de trabajar durante todoel día, debería dedicarse a jugar y a aprender juntocon otros niños. ''Tira-tira o la fábrica de tiras''es una obra escrita en clave de humor, pero con el serio propósito de denunciar y acercar al lector al triste mundo de la explotación infantil. Sin embargo, además de este tema, se tratan otros, como la amistad,la solidaridad o el afán de superación.
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Goethe, Tolstói, Mann, Zweig y Kafka: cinco gigantes de la literatura, volcados en su trabajo obsesivamente, incansablemente. Marcaron el devenir de las letras europeas de su tiempo y del futuro. Una época en la que escribir, leer y vivir se acercaro
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Bajo el título La gracia que no quiso darme el cieloencontramos una antología poética de Miguel de Cervantes. A lo largo de más de treinta años el autor del Quijote cultivó con asiduidad la creación poética, aunque en su momento se le negó el pan y la sal en estaactividad por parte de algunos grandes autores áureos. Al parecer, el propio poeta no tenía un buen concepto de sus obras líricas, como indica el título del presente volumen, refiriéndose aquí a la inspiración que necesita el creador de poemas y que, según él, no le fue siempre concedida. En contrapartida, escribió numerosos poemas a lo largo de su vida con amorosa tenacidad e indudables aciertos. Por eso, este libro puede ser un descubrimiento sorprendente para el lectorinteresado en la poesía de la Edad de Oro, es decir,para el lector atraído por la buena poesía de cualquier época en su multiforme variedad temática y métrica.
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Cervantes y Shakespeare tuvieron suertes desiguales en el camino, pero hoy, cuatrocientos años después de su muerte, se sientan a la mesa a conversar desenfadadamente con sus colegas. El Hay Festival propuso a doce de estos escritores que nos dejaran participar de esa conversación y el resultado es este libro maravilloso, una fiesta literaria en la que viejos y nuevos amigos venidos de muchos lugares reinventan las historias de siempre y proponen nuevas versiones, desenlaces sorprendentes. Ya lo dijo Salman Rushdie: el reto que enfrenta hoy el contador de historias es la búsqueda de una voz propia en la que puedan participar las múltiples raíces que lo alimentan. En hombros de sus geniales ancestros, los escritores de hoy descubren las posibilidades literarias de este reto y el Hay Festival, en colaboración con AC/E y el Consejo Británico, lo ofrece a los lectores en Lunáticos, amantes y poetas.
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El malogrado poeta londinense John Keats, muerto en Roma de tuberculosis con tan solo veinticinco años, está considerado, junto con Shelley y Byron, como uno de los poetas más grandes de la llamada segunda ola del Romanticismo inglés. En su corta carrera publicó tres volúmenes de poesía, además de algunas piezas sueltas en revistas literarias. Algunos de sus poemas, como el inacabado fragmento «Hiperión», suponen para muchos la cumbre de su expresividad y su madurez poéticas. «Endimión», poema narrativo de 4050 versos, es el más largo y ambicioso de los poemas de John Keats. Basado libremente en el mito clásico del pastor Endimión, enamorado de la diosa Selene (la Luna, identificada también con Diana, la cazadora hermana de Apolo), constituye una obra de una poética insólita que desde su publicación resultó polémica y dudosa hasta para su propio autor. Sin embargo, los hallazgos lingüísticos y las imágenes son de una belleza tan sorprendente, que Julio Cortázar confesaba «releer cada dos años».
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Un original ensayo biográfico sobre Carson McCullers que cuestiona la historia oficial y reflexiona sobre la búsqueda de la verdad. Finalista al National Book Award.¿Cómo cuentas la historia real de alguien olvidado, un auténtico icono, un ídolo, junto a la tuya? Mi autobiografía de Carson McCullers de Jenn Shapland es a la vez una exploración inmersiva y sorprendente en la vida y obra de una de las escritoras más queridas y respetadas de Estados Unidos y un análisis de la identidad más allá de las normas de género, la memoria y el amor.Siendo una estudiante de posgrado, Shapland descubre una serie de cartas escritas por una mujer llamada Annemarie a Carson McCullers. Aunque Shapland se reconoce a sí misma en las cartas, que son íntimas y desvergonzadas en sus sentimientos, no ve a McCullers tal y como la ha retratado la historia de la literatura. Su curiosidad inicial da paso a una progresiva obsesión no solo por ese aspecto recién descubierto de la vida de McCullers, sino también por la forma en la que contamos las historias de amor en los márgenes.¿Por qué, se pregunta Shapland, las historias de mujeres están erigidas a partir de las narrativas de otros? ¿Por qué las mujeres queer que intentan autorrealizarse en espacios heterosexuales requieren una revisión constante? ¿Y qué podría revelar a Shapland sobre sí misma su indagación en la vida de McCullers, en su historia, sus secretos y su legado?Con una prosa inteligente y esclarecedora, la autora de Mi autobiografía de Carson McCullers, que fue finalista al National Book Award en la categoría de no ficción, entreteje su propia historia con la de McCullers para crear un retrato vital de uno de los mayores tesoros de la literatura universal, mostrándonos cómo los escritores que amamos y las historias que contamos sobre nosotros mismos nos convierten en quienes somos.
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Mercè Ibarz fon en aquest llibre les seves múltiples aproximacions a Rodoreda des de fa trenta anys. Les amplia, les reescriu i les completa. Narradora ella mateixa, configura així un retrat de Mercè Rodoreda que posa l’,èmfasi en els seus exilis i les ciutats on va viure, les seves aspiracions de dona i d’,escriptora i el desig ineludible d’,escriure. Un desig que va guiar-la sempre, fins quan no podia escriure i es guanyava la vida cosint. Una vida i una obra literària d’,envergadura en l’,Europa de després de les guerres. Una Rodoreda total, com una apassionant novel·la.
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Durante las décadas de 1920 y 1930 Joseph Roth viajópor toda Europa. Sus vagabundeos, que lo llevaron deun hotel a otro, le brindaron la incomparable oportunidad de observar y escribir sobre los lugares que visitaba. En los artículos que publicó, reunidos por primera vez en esta antología, Roth retrató un continente abocado al cambio y sin embargo aferrado a la tradición.
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PREMI VALÈNCIA ALFONS EL MAGNÀNIM DE POESIA Basteix ossos i úters el silenci La icona em diu silenci, el seu silenci No callarà mai el silenci El silenci és
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Esta edición, hermosamente ilustrada por Juanma Pérez, recoge por vez primera en castellano todos los poemas de Thoreau, gran conocedor de la tradición poética clásica e inglesa. Los poemas son el registro de sus pensamientos más nobles y una prueba de aquella escritura deliberada y reservada que configura todo un método de estudio y composición en «Walden». Aunque Thoreau escribió pocos versos, la figura del poeta, como precursor del filósofo, estuvo siempre presente en su pensamiento. Naturalizar al lector, antes que espiritualizarlo, sería el propósito de quien pretendía llevar la cualidad salvaje a los lugares que visitaba para comunicarles su estado de «promesa floreciente». Esa promesa, como el sabor del «fruto boreal», está concentrada en cada uno de sus versos.
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Aquesta edició dels poemes de Sylvia Plath, publicada per primera vegada a Proa l'any 2006 itotalment exhaurida a dia d'avui, obeeix a la necessitat d'oferir, en la seva traducció al català, elmillor de l'obra d'aquesta important autora, sens dubte un referent com a poeta i com a feminista.Aquesta edició bilingüe inclou els poemes escrits per Plath en els seus anys de plenitud,en total 102 poemes, tots els que es conserven dels escrits per la poeta durant els seus últimstres anys de vida, la seva època més fructífera i poèticament millor, sobretot els dos darrersanys, un cop deslliurada de la ?tutela? literària de Ted Hughes.
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¿Es la tristeza, la devastación íntima, lo que nos da la medida de nuestro amor cuando perdemos al ser amado? ¿O será tal vez la intimidad de la convalecencia una extraña forma de ternura, el último asidero de la felicidad compartida? Un año y tres meses reúne los poemas escritos por Luis García Montero a raíz de la pérdida de su mujer, Almudena Grandes. Son poemas que evocan con delicadeza y emoción contenida a veces, desatada otras, la enfermedad y la convalecencia de ella, la vivencia y la emoción de lo vivido. En sus versos se despliega el argumento del último paseo en verano, el diagnóstico inesperado, los cuidados, la noche de Fin de Año en el hospital, el desgarro del dolor, la casa vacía, los recuerdos convocados por la ausencia, los momentos de una larga historia de amor que aquí cobra todo su sentido. Tal vez el libro más conmovedor de Luis García Montero, por la contención, la evocación serena de momentos angustiosos, la inmensa ternura evocando la complicidad y el recuerdo de la que ya no está. Tal vez por ello, y sin proponérselo, uno de los más hermosos libros de amor de la literatura reciente.«Una de las voces más personales e importantes de la nueva poesía española.» Ángel González«Tono sostenido, poderosa nostalgia, emoción delicada que no alza la voz, poesía escueta, ceñida...» Octavio Paz«Un joven maestro.» José Manuel Caballero Bonald
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MARIO BENEDETTI (Paso de los Toros, 1920-Montevideo,2009) nos presenta en este volumen una antología delos mejores poemas de amor que se han escrito en Hispanoamérica, desde Sor Juana Inés de la Cruz hasta susdías.«En cada etapa, hay siempre muchos poetas que decoran o hieren, que lloran o festejan la extraterritorialidad de su amor. Sin embargo, las sucesivas promociones de lectores solo recuerdan a unos pocos, alguna apelación (oscura o palmaria, pero siempre decisiva) habrán hecho esos pocos a la sensibilidad de taleslectores para que tal rescate se produzca. Esta selección intenta, por una parte, respetar la capacidad selectiva del oído popular y, por otra, (particularmente en lo que atañe a los poetas de las últimas y penúltimas hornadas) proponer una serie de poemas actuales que, mediante un nuevo lenguaje, mediante nuevos modos de asumir no solo el amor sino también una realidad que incluye el amor, parecen especialmente aptos para continuar una línea poética que siempre ha tenidoamplia resonancia en nuestra América». MARIO BENEDETTI
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J. Santatecla ha sabido coaligar sus dos pasiones: poesía y cine, cine y poesía, con una riqueza léxica tan infrecuente como llamativa. La rotundidad de las metáforas nos permite visualizar el poema como una película, desdibujando los límites entre verso y plano en un juego novedoso y eficaz para meternos en la escena. El año de la grava es un viaje en busca de la propia identidad, una voz singular de la que reconocemos ecos de Niño mudo, aunque representa una “metamorfosis” en la que su “yo poético” muda la piel y se renueva.
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En lo más profundo del bosque y de la noche, un jinete cabalga con su hijo en brazos, rodeado por la presencia amenazante del rey de los elfos y sus tres hijas. Inspirado por una leyenda escandinava, Johann Wolfgang von Goethe compuso el poema ''Der Erlkönig'', ''El rey de los elfos'' en 1782, como parte de la balada operística de ''Die Fischerin''.
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Esta obra no pretende ser un manual de Historia de la Literatura, sino más bien llamar la atención del lector, al hilo de unas reflexiones sugeridas, sobre los aspectos más significativos -estético-literarios, lingüísticos, socio-culturales, etc.- de los textos literarios. el lector queda así liberado de todo prejuicio extraliterario para una recepción espontánea del texto, y en condiciones de ejercer una auténtica crítica personal del mismo.
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Como los de su primera entrega, con la que Victoria León ganó el Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, los poemas de Flores de fuego, escritos entre 2018 y 2022, parten de una poética y unas concepciones estéticas fundamentadas en el clasicismo y la lengua natural, ensayando nuevas formas y tonos. Dividido en cuatro secciones, que dialogan entre sí o con lecturas de Cioran (a quien se debe la metáfora del título), Lucrecio, Nietzsche, Goethe, Marco Aurelio, Zweig, Keats, Breton, Foscolo o Cernuda, el libro tiene la soledad como gran tema común: la soledad como destino humano, pero también como faro desde el que nace e irradia la poesía para iluminarnos y tendernos paradójicos puentes con la vida, o como búsqueda del alma del mundo en el sentido platónico, necesaria para crear y vivir plenamente. La primera parte, inspirada por la sinfonía Séptima de Mahler, la forman poemas que tratan de la noche como símbolo de la existencia, entendida como un camino de exploración y conocimiento. La segunda, escrita durante el confinamiento pandémico, aborda la dialéctica del recuerdo y el olvido, la presencia y la ausencia, la huida hacia dentro y la renuncia serena a lo que acaba, pero también la necesidad de ir al encuentro de los otros. La tercera es una mirada al pasado, una constatación de la identidad heterogénea y cambiante, una pesquisa de las propias huellas a través del afecto y la amistad, la unidad y la plenitud restituidas. Los poemas finales buscan una poesía celebratoria que encuentra en el amor y el deseo otro nombre de la fe y de la esperanza.
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Mi hijo camina en la tierra de los locos sin encontrar palabras, solo habitaciones vacías, que Dios allí, ni en ningún otro lugar, habita. Para escribir Las provincias de Benet uno debe escuchar, conocerse a sí mismo y leer, es la única manera de entrar y salir indemnes del desierto. Juan Benet entró muchas veces en ese desierto, solo, y salió de ahí acompañado por todos los paisajes de «Región». Blanca Andreu, su segunda mujer, entró en la selva y salió de ella tan herida que sólo con la arrogante compañía de Benet pudo seguir caminando sola y a la vez a su lado. Ambos son los protagonistas de este poemario. Ellos, junto con una redefinición del sufrimiento, forman el alma de aquellos cuadros de Chagall, tan llenos de personajes, éxodos, símbolos y colores que serían y siguen siendo, un buen refugio para cuando estemos perdidos y no sepamos el lugar donde habitarnos. *** Elías Gorostiaga (Valencia de Don Juan, León, 1963) firma bajo el seudónimo literario de Elías Gorostiaga. Ha publicado Estériles (2023), Derbi (2021), Cuerdas de plata (2020) (II Premio Internacional Diario Jaén de Poesía), Tierra de invierno (2015), El castillo de aire (1988). El libro de relatos Polvo en la frontera Playa de Akaba (2016), así como distintos libros colectivos. En el año 2021 resultó beneficiario de la ayuda extraordinaria del Ministerio de Cultura y Deporte, para el fomento de la movilidad internacional de autores literarios (escritores, traductores e ilustradores) por el ensayo Castilla Sixtina. Las provincias de Benet o vivir en un Chagall (Pre-Textos, 2023) es su sexto poemario con el que se hizo merecedor del V Premio Internacional de Poesía Juan Rejano-Puente Genil.
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El teatro de Valle-Inclán, muy renovador y avanzado para su época, es considerado hoy como uno de los más importantes del siglo XX en la literatura castellana. La cabeza del dragón, que se inscribe en el género de la farsa (de ahí su título original: Farsa infantil de la cabeza del dragón), es una buena muestra de ello. Con el humor característico de ese tipo de obras, se presentan en escena una historia y unos personajes llenos de gracia e imaginación: un príncipe que se disfraza de bufón, un duende, una infantina a punto de ser devorada por un dragón…, Pero La cabeza del dragón anticipa también el teatro basado en la deformación grotesca de personajes y situaciones por el que es conocido su autor.
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Aquí la realidad se abre camino. Aquí interfieren en las frecuencias del tejido poético, como ondas de una emisora de radio clandestina, las voces anónimas y las voces incómodas que narran el conflicto, la violencia, los crímenes, la hipocresía, la injusticia: nuestro mundo. María Ángeles Pérez López lleva a cabo un ejercicio originalísimo de intertextualidad, trenzando y haciendo dialogar los poemas de otros con las vidas de otros, para obligarnos a mirar un retrato desolador y amargo de nosotros. La autora propone una revisión propia y necesaria de los nuevos caminos por los que puede transitar la poesía social. Aquí la belleza no nos maquilla, sino que nos despoja de la máscara, mostrando nuestros rasgos más terribles.
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Todo discurso es repetición y toda escritura es glosa: está todo dicho. No obstante, hay muchas maneras derepetir lo que se ha dicho antes. Una de ellas constituye el punto de partida y el horizonte de este libro: la cita, no sólo la cita en sí, sino también el trabajo de la cita, la repetición o la referencia de segunda mano, como hecho de lenguaje y práctica institucional.
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Milo De Angelis és un dels millors poetes italians, probablement el més reconegut i influent dels últims trenta anys. La seva obra és intensa, visionària i oracular, i el destaca com un dels autors més dramàtics i fascinants de la literatura europea moderna.Encontres i paranys acumula les temàtiques principals del poeta llombard: la relació entre contingència i absolut, la intolerabilitat física i psíquica del gran enigma de la vida, la intimitat i la relació de confiança amb la mort, els mites de la infantesa i de l'atletisme, la col·lisió tràgica amb un destí «sense déu», la recerca aquí i ara de la plenitud del sentit, de tot allò que els grecs van anomenar el kairós.En aquest poemari, De Angelis vol involucrar el lector tractant-lo sovint d'amic, i l'endinsa en una dimensió íntima i familiar, com si volgués agafar-lo de la mà i guiar-lo en un viatge bastit de records i sentiments, deixant al descobert la imatge d'algú que mira de rebobinar la cinta enregistrada de la seva existència.«No s'escriu el que saps, sinó que comences a saber-ho tot escrivint», llegim en el petit assaig «Què és la poesia?», imprescindible poètica de l'escriptor italià que s'ha incorporat a aquesta edició.
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Sigue lloviendo. Adentro, en el silencio de la casa de infancia, leo la historia de matanzas, hambrunas, migraciones del espantoso siglo XX. A mi lado, ovillada en su almohadón, la vieja gata de los padres viejos duerme plácidamente. No la inquieta el tiempo que le queda por vivir. También duermen los padres, y la lluvia en la noche, y el rumor mudo del sufrimiento universal, parecieran un sueño, un largo sueño oscuro. Leyendo a Hobsbawm , de Pablo Anadón.
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Marcos de Quinto, conocido por su exitosa carrera empresarial al frente de Coca-Cola, se despoja de su traje de gran ejecutivo, revelándose como un poeta introspectivo que se concilia consigo mismo. La otra vida del fugitivo es un viaje personal marcado por el vitalismo y el humanismo desde la juventud hasta la madurez. A través de episodios de su propia vida y de una pulsión lírica presente en su día a día, de Quinto explora sobre la identidad, la pérdida, el amor y el desengaño en un discurso donde subyace una tensión dialéctica entre el poder y el deseo. Este libro aborda esa otra vida que todos vivimos en nuestro interior como fugitivos de las convenciones sociales y de las expectativas que se ciernen sobre cada uno, en un relato poético dividido en tres partes temporales: ''Juventud'', ''Madurez'' y ''Extrañeza''. La otra vida del fugitivo reflexiona sobre la lealtad a uno mismo, las contradicciones, las frustraciones y la construcción de la propia biografía. Cada poema funciona como una ''fotografía de tinta'', capturando un instante de la vida emocional y espiritual del autor en diferentes momentos y lugares del mundo, lo que imprime a este libro de poesía un espíritu de cosmopolitismo que alimenta la imaginación del lector y la imagen del carácter nómada de una voz definitivamente extraña y atípica.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.