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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Confío en que hayas estado debidamente ocupado desde la última vez que nos vimos. Mi tío Albert, desempleado de profesión, solía decirme que las manos ociosas conducen a la travesura. Así pues, por mi parte, he dedicado este ínterin a preparar una nueva colección con la que deleitar a los lectores. [...] Por tanto, si así lo deseas, asegúrate de haber cerrado bien la puerta, dale otra vuelta a la llave por si acaso y pasa la página para empezar a leer. Más historias favoritas del maestro del suspense.
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«Mirar y pensar son dos cosas diferentes», dice Antonio Cabrera en este libro. Pero uno tiene la impresión de que toda su obra, la que ha escrito en prosa (El desapercibido) y la que ha escrito en verso (En la estación perpetua, Tierra en cielo, Piedras en el agua, Corteza de abedul) es un intento de unir ambas acciones. Antonio Cabrera discurre en estas páginas, nacidas sin prisa ni necesidad, por el tiempo (el año de la tierra, el minuto de la luz), como si fuera un lugar, lo mira como si fuera un paisaje. Así, espacio y tiempo, las dos coordenadas de la vida humana, adquieren un nueva dimensión, abarcable solo por la mirada del poeta o el discurso del filósofo, ahora devuelto al lector con un lenguaje luminoso y firme. Cabrera nos habla de cosas sencillas, cosas muchas veces vistas o sentidas (ver volar vencejos, colgar un cuadro, buscar espárragos o poner la lavadora), y no solo las renueva ante nuestros ojos sino que les da una dimensión distinta. Sus palabras nos incumben porque hablan de partes de nuestras vidas a las que nunca les hemos dedicado una fracción de pensamiento.
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La poesía ocupa un lugar central en la obra de Bertolt Brecht (Augsburgo, 1898-Berlín Este, 1956) y sin ella no cabe entender el alcance ni la grandeza de su proyecto creativo. Brecht escribió poemas desde su juventud hasta sus últimos días y ellos fueron la herramienta con la que interpeló al mundo y reaccionó a las circunstancias de su tiempo. Figura clave en la literatura alemana del siglo xx, fue reconocido como un poeta esencial incluso por quienes se sintieron muy lejos de sus actitudes vitales y políticas, como Elias Canetti o Hannah Arendt. Su escritura, que bebe tanto de fuentes cultas como populares, anuncia no pocas direcciones de la lírica contemporánea: desde luego, la poesía social, pero también el realismo sucio, la lírica de tono coloquial o la llamada 'antipoesía'. Editada y traducida con maestría por el poeta José Luis Gómez Toré, esta antología bilingüe propone un recorrido no solo por los textos recogidos en libro por el autor, sino también por el riquísimo corpus de poemas sueltos, que incluye algunas de sus piezas más célebres. Tampoco faltan las letras de canciones para obras teatrales, musicadas por Kurt Weill o Hanns Eisler.
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Un libro muy especial del gran poeta vasco Kepa Murua: homenaje a un amigo muerto.
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Doce jóvenes autores y doce crímenes reales, muchos de ellos recientes, ocurridos en Barcelona. Ésta es la premisa a partir de la cual los narradores de Matar en Barcelona se han enfrentado a la siempre delicada tarea de componer un relato de ficción. En esta antología, los autores han seguido la pista de una serie de asesinatos a través de artículos de prensa y otros testimonios para construir doce historias inspiradas en los crímenes más reseñables de la historia de la ciudad. La vampira del carrer Ponent, el asesino de Pedralbes o la asesina de ancianas son, entre otros, los protagonistas de estas narraciones en las que la ficción se funde con la crónica en un ejercicio que desdibuja los límites entre la novela negra, el relato posmoderno y las mitologías urbanas, la pura invención de la mano de la crónica periodística. Un recorrido sangriento y oscuro trazado por escritores como Javier Calvo, Francesc Serés, Sabino Méndez, Manuel Vilas, Antonio Luque, Sebastià Jovani o Gabriela Wiener.
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Li-Young Lee, poeta del silencio, creador que busca ensanchar su interioridad, muestra en El desnudo lo que Oriente da a la poesía actual: erotismo sin tocar la carne, habla sin decir palabra, luz que se abre a las más profundas reflexiones del lector. Lee no teme enfrentarse al tiempo: «En compañía, sueñas en muchos otros: / El tiempo que no tienes. / El tiempo que sobra. / Y el tiempo que toma». Es real. Toma años al poeta llegar a esta destilación del Yo, y medir qué requiere su escritura, qué de él, qué del cuerpo, qué del propio Tiempo.
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Aurora Saura Bacaicoa nació en Cartagena en junio de 1949 y residió hasta su adolescencia en Alicante. Estudió Filología Románica en la Universidad de Murcia y ha sido profesora de Lengua y Literatura hasta su jubilación. Ha publicado los siguientes libros de poemas: Las horas (1986), De qué árbol (1991), Retratos de interior (1998, reedición en 2014), Si tocamos la tierra (2012) y Mediterráneo en versos orientales -plaquette de haikus- (2015). Varios de sus poemas han sido recogidos en distintas antologías, las más recientes: Contra. Poesía ante la represión (2016) y Composición de lugar (2016). Ha participado frecuentemente en lecturas poéticas, coloquios y encuentros literarios. Ha colaborado también en revistas de la misma índole y en libros franceses para estudiantes de Español. Su lema podría ser, algo modificada, la famosa frase de Terencio: «Nada, humano o no, me es ajeno». En 'Avivar el fuego', se recoge una selección de libros anteriores: 'Las horas', 'De qué árbol', 'Retratos de interior', 'Si tocamos la tierra', y algunos poemas inéditos.
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Una petita antologia alada on tothom hi trobarà un poema inspirador, un vers reconfortant o una perspectiva sorprenent d’una de les figures més emblemàtiques de la nostra tradició: l’àngel. Verdaguer, Salvat-Papasseit, Parcerisas, Foix, Baudelaire, Comadira, Milosz, Yeats, Espriu, Rimbaud, Rilke... Àngels i poemes decinquanta poetes universals.
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L'escriptora Mercè Amat i l'artista Goretti Pomé -totes dues, a més, professores- ens conviden a capbussar-nos en un diàleg on convergeixen la paraula poètica, la vibració pictòrica i la reflexió intel lectual. Les autores conversen sobre quatre fases que defineixen el procés creatiu (observació, interiorització, interpretació i expressió). I ho fan de manera molt personal i distesa des d'un marc de recerca espiritual compartit. Pintures, cartes i poemes, i dos textos finals sobre el sentit i l origen de la creació artística, conformen Art i Creació. Veus en diàleg. Una obra singular que reivindica el caràcter transformador i humanitzador de l'art i que ens convida a fer el camí de l autoconeixement cercant el que és essencial i esperançador.
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Un delicioso paseo por la literatura y el universo de uno de los autores más leídos de nuestro tiempo.Haruki Murakami encarna el prototipo de escritor solitario y reservado, se considera extremadamente tímido y siempre ha subrayado que le incomoda hablar de sí mismo, de su vida privada y de su visión del mundo. Sin embargo, el autor ha roto ese silencio para compartir con sus lectores su experiencia como escritor y como lector. A partir de autores como Kafka, Chandler, Dostoievski o Hemingway, Murakami reflexiona sobre la literatura, sobre la imaginación, sobre los premios literarios y sobre la en ocasiones controvertida figura del escritor. Además, aporta ideas y sugerencias para todos los que se han enfrentado en alguna ocasión al reto de escribir: ¿sobre qué escribir?, ¿cómo preparar una trama?, ¿qué hábitos y rituales sigue él mismo? Pero en este texto cercano, lleno de frescura, delicioso y personalísimo, los lectores descubrirán, por encima de todo, cómo es Haruki Murakami: el hombre, la persona, y tendrán un acceso privilegiado al ''taller'' de uno de los escritores más leídos de nuestro tiempo.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Entre el destello, la obstinación del querer y el ánimo de crear mundo, Ángel Calle despliega una poesía atrevida, llena de creativdad y canto a la resistencia. «Nadie escapa de las primeras/ manchas que nos amoratan/ ni tampoco al aliento último/ y primero/ de la tierra.» Una poesía cercana al aforismo y completamente pegada a la tierra. «En la sierra, las personas/ habitan casas, no cláusulas:/ tienden a habitarse.»
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Los versos de Miguel Ventura salen al paso de las inquietudes, más que encararlas con ligereza, son más de final incierto que de clara clausura, más de planetas retorcidos que de constelaciones zodiacales. El suyo es un aliento de bocetos humanos, por el que transcurren animales oscuros (lechuzas, perros, serpientes, lobos, cuervos, alacranes), el rastro de un humor de hechura elegante, y la belleza de lo desencajado. De intuición visionaria, hace de lo inmenso un territorio sostenido por la fragilidad de un único pétalo: el sustantivo de su apellido. Imposible no entregarse con fascinación a su poesía. (Esther Peñas)Pétalo para construir lo inmenso, de Miguel Ventura, es una suerte de invocación literaria a los misterios que rodean al hombre en su relación existencial con lo trascendental y lo cotidiano. Poemas plagados de referencias animistas, númenes e imágenes telúricas conforman una especie de oración profana, de búsqueda incesante del sentido de las cosas. Pócimas breves de alto contenido alquímico. La experiencia humana del asombro, su epopeya vital en la búsqueda de la verdad, los designios de su destino vistos desde un punto de vista no estrictamente filosófico sino poético.
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Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Este breve libro, que inaugura la colección de bolsillo ''Cálamo'', dedicada a la literatura gay de todos los tiempos, comienza con una selección de poemas de Walt Whitman. Su seleccionador y traductor, Juan José Igarabide, lo ha titulado ''Diecinueve poemas de amor'', jugando con el título de Pablo Neruda, y se publica en versión bilingüe. Son diecinueve poemas de amor, pero entre hombres. Esta breve antología, que recoge diecinueve poemas de Hojas de hierba en los que el homoerotismo resulta evidente, va acompañada de un texto de Rodrigo Andrés, profesor de literatura norteamericana en la Universidad de Barcelona.
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La primera edición ilustrada de ''Espantapájaros, al alcance de todos''. El tercer poemario que publicó en vida Oliverio Girondo, en 1933. Ahora, con motivo del 4º aniversario, volvemos a sus versos para de nuevo rendirle homenaje y recordarlo con gratitud. Esta nueva edición se abre con un texto firmado por Ramón Gómez de la Serna.
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El 25 d octubre de 1971 se celebrava el norantè aniversari de Picasso. L artista malagueny era considerat el gran exponent universal de la modernitat artística i emblema de l exili i la resistència antifranquista. Palau i Fabre havia esdevingut el gran biògraf Picasso. A més dels llibres que li va dedicar i publicar aquell any, Palau i Fabre li volgué fer un regal: l'obra de teatre ''Homenatge a Picasso''.
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Tras ser clasificado como no ario y quedar prohibidos sus libros por el régimen nazi, Stefan Zweig se vio obligado a huir de Alemania e iniciar su exilio en distintos países. Su conciencia del horror del totalitarismo y los abusos del Estado sobre sus ciudadanos no podría ser más aguda. Fue en ese momento, en 1937 y apenas unos años antes de suicidarse, cuando llevó a cabo el proyecto de recuperar la voz menos conocida de uno de los escritores más famosos de todos los tiempos: Lev Tolstói. Según Zweig, ningún autor contemporáneo, ni siquiera Marx o Nietzsche, dio lugar a la conmoción radical que supuso la obra de Tolstói para millones y millones de personas en todo el mundo, tanto desde un punto de vista social como espiritual. Pero ¿de qué Tolstói hablamos? Para Zweig se trata del Tolstói ensayista, pensador radical y anarquista insobornable. Ese Tolstói que defiende que mientras la ley siga reconociendo el principio absoluto de la propiedad contra los derechos de los desposeídos, se estará comportando de manera antisocial e injustificable. Ese Tolstói que sostiene que el Estado es el gran encubridor de la injusticia social, a través de un complejo sistema de violencias a base de parlamentos, prisiones, jueces, recaudadores de impuestos, policías y ejércitos. Ese Tolstói que mantiene que la conciencia y la creencia religiosa y moral de cada individuo son inalienables, y que ningún poder externo puede implantar ahí su dominio. Constatando con tristeza que a finales de los años treinta del siglo XX ya casi nadie leía a ese Tolstói -y hoy en día apenas se conoce-, Zweig decidió preparar una antología de estos textos tan poco transitados. Reunió piezas diversas, algunas más ensayísticas o autobiográficas, otras que conforman una cierta ficción de combate. Algunas de ellas apenas se conocen en nuestro idioma, incluyendo un cuento inédito que nos enorgullece presentar a nuestros lectores. Por supuesto, Zweig abrió el volumen con un extenso, magnífico y revelador ensayo introductorio, igualmente inédito en castellano.
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La presente antología incluye: El rey Lear, Macbeth, La tempestad, El sueño de una noche de verano, Mucho ruido por nada y Ricardo II. En la poesía y el teatro de Shakespeare se unen felizmente el pensamiento y el vigor expresivo formando una rica gramática de las emociones. Sea en comedia, tragedia, tragicomedia o drama histórico, Shakespeare alcanza una fascinante variedad y crea personajes memorables como Macbeth, Hamlet o Falstaff, considerados como arquetipos inconfundibles de afectos y pasiones. Cuatro siglos después de su muerte, es el autor más estudiado, representado y traducido de la literatura universal, y su contemporáneo Ben Jonson ya predijo su permanencia al afirmar que su obra no era para una época, sino para todos los tiempos. «Nadie ha conseguido aún ser postshakespeareano.» Harold Bloom «En realidad, es Shakespeare quien nos ofrece un mapa de la mente. Es Shakespeare quien inventa la psicología freudiana. Freud encuentra la forma de traducirlo a un supuesto vocabulario analítico.» Harold Bloom
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Rimas y Leyendas, del poeta sevillano Gustavo Adolfo Bécquer, representa el mejor romanticismo español. En las rimas, nos encontramos un referente poético, pues supondrá el comienzo de la lírica contemporánea española. Sus leyendas son un antecedente del modernismo que perdura en el imaginario colectivo.
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Poemario de la autora Touria MajdoulinePoesía verdadera, llave de la epifanía de la belleza que busca nombrar todo aquello que permanece en el silencio y que se desenvuelve dentro de unos límites de emociones contenidas, sin estridencias, dotando a la construcción lírica de un armonioso equilibrio, sustentada sobre una feminidad que se convierte en elegancia poética, dominada por la serenidad y por una elevada necesidad de alcanzar la hermosura y el esplendor. JOSÉ SARRIA.
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Entre vueltas de tuerca, farmacopea de resistencia para tiempos convulsos es una propuesta poética para vencer el sentimiento de vulnerabilidad en el que me siento inmerso, frente a una realidad en la que la barbarie que anida en el cerebro humano impone el delirio como ley para sobrevivir, y en el que entre susurros de asombro y gritos de horror me ha tocado vivir enmascarado y eterizado por todo un cúmulo de acontecimientos personales y colectivos a los que con espíritu crítico he intentado poner orden para tratar de reconocerme a través de la poesía. Razón metafórica e instrumental, que lejos de ser mero juego de arrebato estético de bellas palabras y formas, es un recordatorio que pertenece a toda la humanidad y sirve no solo para señalarnos los umbríos caminos por los que se han ido destejiendo nuestros sueños de juventud, sino también como aliento vivifivador para conseguir superar y reorientar el desvalimiento de esta realidad infernal convulsa y enloquecida que vivimos, a fin de converger con ese anhelado deseo de lucha final, de tantos poetas prometeicos muertos, de conseguir una humanidad solidaria, sensible e inteligente.
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