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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En el Machado de esta primera etapa, anterior al tema de Soria y del paisaje castellano, ya se percibenalgunos de los elementos que iban a presidir su obra: determinadas metáforas, gratas al poeta, temas de una concreta vibración personal y esa reconocible altura poética y tono diáfano que le acompañó desde el principio.
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Para Miguel Mihura el humor es una posición ante la vida, y el objeto de humor es la propia existencia, laconsideración del ser como absurdo. Con el uso de ese humor, Mihura pretende mostrar la falsedad y la hipocresía de algunas normas y costumbres sociales, y lesirve para desenmascarar la sociedad más convencional. En '' Maribel y la extraña familia '' Mihura indaga en el conflicto de la pareja. Todo gira en torno alequívoco, la ambigüedad y la suposición, motores delhumor del autor. El enredo, la mentira y las falsasapariencias dan paso a una divertida comedia de intriga.
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En La voz quebrada, Isabel Esteban nos sumerge en un intenso relato vital que nace de lo que parecía ser el sueño perfecto: una casa idílica, tres hijos llenos de vida y un amor que iluminaba cada rincón. Pero pronto, esta aparente armonía se fractura, dejando al descubierto una historia marcada por la adversidad y la lucha. Narrada como si se tratara de un rompecabezas emocional, cada estampa o recuerdo nos revela una pieza de la vida de la autora. Momentos felices que parecen susurrar secretos del pasado, episodios trágicos que guardan claves ocultas y fragmentos de resiliencia que alientan a seguir reconstruyendo lo perdido. ¿Es posible encontrar luz en medio de la penumbra? ¿Qué mensajes se ocultan entre las grietas de una pérdida tan devastadora? A través de una narrativa cautivadora, Isabel Esteban desafía al lector a ensamblar este mosaico de emociones, reflexiones y memorias que, lejos de ofrecer una lección, proponen un testimonio real y poderoso sobre el amor, el dolor y, sobre todo, cómo convivir con la ausencia. Cada página encierra un misterio: no cómo acabó la historia, sino cómo volvió a empezar.
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En este volumen, Alessio Brandolini expone con rara belleza el papel prodigioso de la memoria poética. No escribe desde un acontecer real: su voz se hace acompañar de otros poetas, otras vidas, prodigios que son diálogos con la amada, el padre, la madre, los fantasmas con quienes ha recorrido su creación. Su voz aparece tamizada de recuerdos en los que, en su ars poetica, va de la mano de Dante, Brodsky, Mandelstam o Dickinson, a quienes acude en tono de súplica: Sin tu voz no avanzo, sin tu huerto, no canto.
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«Nadie muere tan pobre que no deje algo tras de sí», dice Pascal. Benjamin comenta: «Lo que vale también para los recuerdos ‒, aunque estos no siempre encuentren un heredero». Cualquiera puede preguntarse alguna vez: ¿encontrarán mis cosas y mis recuerdos un heredero? Para Héctor y Berna, al final de sus vidas, esa es una pregunta urgente y esencial. ¿Qué va a ser de su colección, a la que lo han sacrificado todo y que conciben como un grito contra este tiempo, como un arca que, en un diluvio de ruido, contenga lo que ha sido la humanidad y lo que podría haber sido? Esta noche, Berna y Héctor han convocado a la joven Susana para examinarla e instruirla. Los acompaña un cuarto personaje, Carlos, quizá examinador, acaso examinado, tal vez parte de la colección. La colección es un cuento sobre el amor, la muerte y la memoria.
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Itinerario simbólico y sentimental que hilvana una historia de las mujeres, madres y no madres, en clave poéticaLa madre de nadie teje entre palabras la antropología simbólica de un vínculo universal: el de las madres con sus hijas. La mujer que todavía no es madre, la que quizá lo será, la que puede que no lo sea nunca, la madre perdida y la evocada, la madre amada..., todas ellas se reúnen en este itinerario sentimental que hilvanará una historia femenina en clave poética. Si en palabras Adrienne Rich, la poesía es el lugar donde vivir sin ser la madre de nadie, donde existir como una misma, lo poético ofrece también un espacio propicio para dar voz a distintas mujeres (la abuela, la niña, la madre), todas ellas criaturas arácnidas que entretejen sus cuerpos a otros cuerpos. El lector hallará en esta obra cantos nupciales, poesía de tono epistolar, intuiciones metapoéticas o evocaciones de la casa familiar como auténtica Ítaca. Todo ello mecido por los ciclos astronómicos, por el valor metafórico del solsticio y el equinoccio. La madre de nadie es un libro-cuerpo, libro-cordón umbilical en el que las mujeres trenzan su historia con el hilo de Ariadna. Un libro-homenaje a las madres, las hilanderas del mundo.
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Andrés Trapiello no es sólo poeta, como cualquiera sabe, pero yo diría que es ante todo poeta. La poesía fue su afán más antiguo, mantenido sin desmayo en todo momento hasta hoy. Se trata, no obstante, de un escritor que ha cultivado con abundancia y acierto todos los géneros. En la totalidad de su obra la poesía no es ni mucho menos lo que más espacio ocupa. Es la columna menos robusta en apariencia del amplísimo, airoso y acogedor conjunto literario trapiellano, pero es a la postre la más firme y resistente, la más alta y esbelta y aquella de la que en buena medida depende que todo ese prodigioso universo de palabras se mantenga en pie. Eloy Sánchez Rosillo
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Además de ser una de las principales figuras literarias del siglo xx y ganador del Premio Nobel de Literatura de 1923, William Butler Yeats es el mayor poeta lírico que ha producido Irlanda. Yeats creó una vasta colección de historias, canciones y poesía del pasado histórico y legendario de Irlanda. Esta recopilación incluye un gran número de obras, piezas que le han valido a Yeats el reconocimiento como uno de los más grandes poetas de su tiempo. La ilustradora Sandra Rilova nos lleva al universario literario de Yeats a través de cuarenta poemas esenciales.
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Versos que canten i ballen
El cor El Menuts de Bonrepòs i Mirambell canta catorze poemes de Fina Girbés. Al llibre-disc Versos que canten i ballen, trobareu els poemes, les partitures musicals perpoder-los interpretar i unes simpàtiques il·lustracions de Pere Puig. Vicent Ros i Vi
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«El crisol» puede enmarcarse en la categoría de teatro político, por un lado, y teatro histórico, por otro. Ambientada en las colonias inglesas en el Nuevo Mundo, a finales del siglo XVII, la obra no habría sido escrita de no ser por otro momento histórico: lo que dos siglos y medio después estaba aconteciendo en Estados Unidos y en el resto del mundo, justo en los albores de la conocida como Guerra Fría. Otra «caza de brujas», la que tuvo lugar a principios de los años 50 del pasado siglo, sin duda una de las más conocidas, que el propio Miller sufrió y durante la que escribió «El crisol». Los acontecimientos que se produjeron en Salem, Massachusetts, en 1692, durante los cuales casi doscientas personas fueron acusadas de practicar la brujería, y que terminaron con la ejecución de varios inocentes, son una manifestación perversa del pánico de las autoridades ante la pérdida de poder y su empeño por restaurarlo. Lo que empezó siendo un juego de niñas terminó convirtiéndose en un instrumento para hacer volver a los colonos al redil de la fe y las buenas costumbres, estableciendo una suerte de imperio del terror. El paralelismo entre Salem y los albores de la Guerra Fría figura en el mapa de nuestra conciencia histórica gracias a la obra del genial dramaturgo norteamericano.
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El autor encuentra unos manuscritos de papel amarillento dentro de un bote de spray. Su intento de descifrar aquellos textos de apariencia antigua le lleva a comprender que el poder del hip-hop tiene mucho que enseñarnos sobre nosotros mismos y sobre el universo. Músico, actor y poeta. Una figura destacada del movimiento conocido como DRM-free music.
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La soriana Concha de Marco (1916-1989) se atrevió con las traducciones, los ensayos y algunos cuentos, pero se decantaría finalmente por el género de la poesía, escribió diez poemarios aunque sólo publicó siete, entre los que destacan Acta de identificación o Congreso en Maldoror. Tuvo que sobrevivir en una etapa difícil y convulsa, pero tras la muerte de su marido, el también escritor y crítico de arte Juan Antonio Gaya Nuño, no volvió a escribir y sus últimos proyectos cayeron en el olvido incluso para ella. Ésta es la primera antología que se publica de su obra poética completa y quiere ser un homenaje a la autora por los cien años de su nacimiento, pero además una reivindicación del legado de estas mujeres intelectuales, casi olvidadas en España pero fundamentales para entender nuestra cultura y nuestra historia. Hilario Jiménez Gómez
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Nos encontramos ante una reescritura rebelde de Las bacantes de Eurípides. En esta versión el escenario se convierte en el salón de una casa en un lugar indeterminado del Japón contemporáneo y por él desfilan un ama de casa asidua a los happening bars, una bestia a la que esta mujer creó a través de inseminación artificial, el coro atormentado de las almas de las vacas lecheras y hasta un perro papillón comprado por capricho.
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Las desventajas de pensar demasiado es para su autora un intento de convertir la vida en poesía. Agrupando sus poemas bajo 4 temas: la vida, el desamor, el amor y el yo, Jannelys Malavé Rodríguez le otorga una salida catártica a la multiplicidad de voces que habitan en nuestra psiquis a través de una voz que no le teme al miedo, una voz que abraza las dudas.
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De Ernesto Cardenal (Granada, Nicaragua, 1925) se ha dicho que su poesía ha abierto una caja de soluciones líricas para la poesía social y política. Lo cierto es que la poesía de Cardenal, durante años, ha sido la más influyente en las nuevas generaciones poéticas. En esta misma colección se han publicado de Ernesto Cardenal Vuelos de Victoria, Quetzalcóatl, Los ovnis de Oro (Poemas Indios), así como traducciones de E. Pound y de William Carlos Williams.
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Es mucho más que un libro de poesía para niños, es una forma divertida de acercarse a la poesía. Un canto amable e ingenioso que hará las delicias de los niños desde el humor y la ironía, con unos versos construidos magistralmente por la autora. Katy Parra nos trae en Animalicias una colección de versos de corte animalista que no solo tratan de acercar al lector a la poesía sino que además le propone hacerlo desde el conocimiento y el respeto a nuestros animales.
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«La realidad está ahí, y yo formo parte de ella, y a mí me parecen bastante misteriosas la realidad en sí y mi posición en esa realidad, de modo que voy a intentar explicaros las razones de ese doble misterio», parece decirnos Benítez Ariza. Y entonces fluye el verso, sereno y sin sobresaltos, aunque con encabalgamientos abruptos y expresiones anticlimáticas, con voz muy clara y precisa, y los misterios modestos de la conciencia se iluminan de pronto, aunque no para dejar de ser misterios, sino para ganar en extrañeza, ya que, al fin y al cabo, y por la ley inflexible de la paradoja, no hay nada más misterioso que el resultado del análisis de un misterio.
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EDICIÓN ESPECIAL, DEFINITIVA, de la obra poética completa de Joan Margarit.El impacto de la obra de Joan Margarit excede el círculo de lectores habituales de poesía. Se trata de uno de los poetas recientes más valorados por la crítica y los lectores. Su obra poética, cada vez más desnuda y contundente, nunca rehúye el dolor, la soledad, el miedo o la pérdida. Al contrario, se enfrenta a estos con una lucidez rebelde muy ligada al vitalismo y a la fe en el amor. Arquitecto de profesión, concibe la poesía como un refugio, como un auxilio contra el desamparo. Así lo expresa en unos versos muy recordados: «por más bello que sea, un buen poema / ha de ser siempre cruel. / No hay nada más. La poesía es hoy / la última casa de misericordia.» Joan Margarit (Sanaüja, Lérida - Sant Just Desvern, Barcelona, 2021) ha construido una obra poética personal y coherente que se encuentra recogida en esta edición definitiva de Todos los poemas, que va desde los inicios de Crónica (1975) hasta el libro póstumo Animal de bosque (2020). Entre muchos otros galardones, Margarit recibió el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda, el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana y el Premio Cervantes.
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Escritor de novela negra y al mismo tiempo teórico del género, Mariano Sánchez Soler ha diseccionado la narrativa criminal, sus orígenes, el salto a la literatura española y su relación con el cine nacional e internacional. Subjetivo, apasionado y visceral, su visión compone una guía completa de este tipo de novelas y películas. Desde los orígenes, marcados por el interés por el enigma que siempre entraña la resolución de un crimen, hasta la crítica social que alumbró el nacimiento de la serie negra. Ilustrado con cubiertas y carteles de los mejores ejemplos del género, Anatomía del Crimen recomienda una amplia lista de títulos para leer y para ver.
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Encierra este libro vocación de bofetón en la cara con la mano abierta. Su axiomática: «Poesía no está en casa, Poesía nunca está donde ya ha estado». Por ello, está armado a base de materiales repudiados por la lírica para apuntar a su misma yugular. Y ya que se pone, dispara contra casi todo lo demás con un humor que hace daño y sabe a bilis. A medio camino entre un libro y un atentado, ''Poetiza como puedas'' es, según su autor, poesía contra la poesía. O tal vez no, quizá todo lo contrario. Tal vez se trate de una misión de rescate, una descarga de desfibriladores, un revulsivo. Y, si no tanto, quizás sí una maniobra de Heimlich, un mucolítico con que descongestionar a poesía de la idiotez supercalifragilística.
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Una antología cronológica de Henrik Nordbrandt, uno de los poetas europeos contemporáneos más relevantes. Presentamos a los lectores españoles una antología cronológica de Henrik Nordbrandt, un poeta emparentado por temperamento con Cavafis o Auden. Sus poemas se distinguen sobre todo por su capacidad evocativa y sensual, su parentesco con las mejores letras de canciones, su variada temática de sabores orientales, su ciudado tratamiento de la intimidad y del amor, y su impresionante modernidad. Henrik Nordbrandt es autor de una de las aventuras poéticas más enriquecedoras, sensuales e iluminadoras de la segunda mitad del siglo XX. Ha recibido todos los premios de poesía existentes de su país natal, Dinamarca, así como el premio Nórdico de la Academia Sueca, más conocido como «pequeño Nobel», en 1990, o el prestigioso premio del Consejo Nórdico de Literatura en 2000. Reseña:«El poeta escandinavo más grande de su generación. Solo le resta ganar el Nobel de literatura.»Matías Néspolo, El Mundo
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Quizás no se haya dado en la historia de España un momento tan interesante y participativo para la mujer como el que comenzó a finales del XIX y que resultaría segado, más tarde, por la Guerra Civil, alcanzando su punto álgido en los años de la Segunda República. Como en otros ámbitos artísticos, las poetas del 27 se desenvolvieron con naturalidad entre sus compañeros de eneración, con las mismas influencias y ambiciones. Sin embargo, las escasas antologías publicadas, o bien repiten los mismos nombres o se limitan a hacer una enumeración de las poetas en la que apenas se deja constancia de una existencia fantasmal. El presente volumen, que recoge poemas pertenecientes a libros publicados hasta 1936, viene a cubrir ese olvido lamentable.
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Vicente Cervera Salinas nació en Albacete en 1961. Su obra poética consta de los siguientes libros: De aurigas inmortales (1993, reeditado en 2018), La partitura (2001), El alma oblicua (2003) y Escalada y otros poemas (2010), así como de las antologías Figli del divenire/Hijos del devenir (2013) y Panóptica (2015). Es profesor de Literatura hispanoamericana en la Universidad de Murcia y ha publicado diversas monografías y ediciones sobre temas de su especialidad. Destacan sus trabajos sobre los vínculos entre la poesía y la filosofía, habiendo obtenido el Premio Anthropos de Ensayo por su obra La poesía y la idea: fragmentos de una vieja querella (2005). «El sueño de Leteo es un canto a lo perdido, escrito con la serena lucidez que da la distancia, pero también una constancia de cómo de las cenizas de la memoria puede volver a brotar el fuego». Piedad Bonnett «Vicente Cervera agita en sus versos sensualidad, misterio y erudición. Entre el himno y la elegía, El sueño de Leteo es su mejor libro hasta la fecha. Pasen y lean a un auténtico poeta». Luis Bagué Quílez «El sueño de Leteo es fundamentalmente un libro de poemas de amor puro y romántico. Un soplo hölderliniano de exaltación y desgarro recorre los poemas de la primera parte del libro. Hay evocación del tiempo de la dicha, y dolor y resignación de un presente conflictivo y vacío. Pero la vida empuja, y paulatinamente, en los poemas de la segunda y tercera partes del volumen, de nuevo irá haciéndose la luz. El lector, al fin, emerge renovado y cierra el libro con melancolía y aceptación, conforme de que todo sucediera, y de que ocurriera como en estas hermosas páginas se dice». Eloy Sánchez Rosillo
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Svetlana Cârstean (Botoșani, Rumanía, 1969) es una de las voces poéticas actuales más auténticas de su país. Ha publicado los libros La flor del tornillo de banco (2002), Gravitación (2015) y Trado (2016), escrito con la poeta suecoiraní Athena Farrokhzad. Ha recibido, entre otros, el Premio para Poetas Noveles de la Unión de Escritores Rumanos y el Premio Nacional de Poesía Mihai Eminescu. Soy otra (2021), su libro más reciente, ha sido un éxito de ventas en Rumanía. Se trata de un poemario que actualiza en femenino la célebre afirmación rimbaudiana «Je est un autre» a través de una incursión en las relaciones que conforman la identidad. Como si llevaran incorporada una cámara que se acerca y se aleja constantemente, estos poemas analizan, desmontan y reconstruyen desde todos los ángulos posibles lo que significa la pertenencia, el territorio, las fronteras, las perspectivas múltiples y el sentimiento de enajenación. Un libro en el que la poeta se aleja de sí misma y del otro, de los miedos y de los traumas propios y colectivos, para transformarse y transformarlos en construcciones textuales. Leer Soy otra de Svetlana Cârstean es entrar en un universo real y ficticio a la vez («esto es ficción y no va sobre ti», dice uno de sus poemas), donde se puede tocar con cuidado y asombro la madera de unas matrioshkas lingüísticas que se abren, se multiplican al infinito, y nos muestran sutilmente que somos siempre una ficción para nosotros mismos y para los demás.
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Pablo Núñez (Langreo, 1980). Licenciado en Periodismoy doctor en Filología Hispánica. Ejerce como profesor-tutor de literatura en la UNED y forma parte de laOficina de Comunicación de la Universidad de Oviedo.Es autor del libro de poemas Lo que dejan los días (2014, Premio de Poesía Dionisia García-Universidad deMurcia). Ha sido incluido en Re-generación. Antologíade poesía española (2000-2015) (2015). Codirige la revista Anáfora.
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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Antonio Machado (1875-1939) es sin duda una de las figuras señeras de la literatura española del siglo XX. Libro publicado por primera vez en 1912, Campos de Castilla muestra una mayor objetividad que el anterior Soledades. Galerías. Otros poemas e indaga en nuevos terrenos poéticos -como son las gentes del entorno, los aspectos históricos y sociales españoles y la experiencia de la naturaleza, lo que lo acerca a los regeneracionistas y a los escritores del 98-, así como formales, como el aforismo. El libro incluye la importante serie de poemas dedicados a la enfermedad y muerte de su mujer, Leonor Izquierdo, y el largo poema «La tierra de Alvargonzález», un intento de expresar, mediante una forma popular, lo «elemental humano».
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Si la obra maestra de 1961 de Vasili Grossman, Vida y destino, se hubiera publicado en vida delautor, lo hubiera hecho a la vez que Doctor Zhivago de Pasternak y antes del Gulag de Solzhenitsyn,pero Vida y destino fue secuestrado por la KGB. Cuando se publicó póstumamente, décadas después, fue reconocida como la Guerra y Paz del siglo xx. Tras el estallido de la segunda guerra mundial, Grossman (1905-1964) se convirtió en corresponsal de guerra para el Ejército Rojo, publicando para el diarioEstrella Roja aclamadas crónicas de primera mano de las batallas de Moscú, Stalingrado, Kursk y Berlín. Su testimonio sobre los campos de exterminio nazis, escrito tras la liberación de Treblinka, se encuentra entre los primeros documentos escritos acerca del Holocausto judío y fue utilizado como prueba en los juicios de Núremberg. Las poderosas obras antitotalitarias de Grossman comparan los crímenes de los nazis contra la humanidad con los de Stalin, a la vez quesu prosa tiene la calidad eterna del gran arte. La biografía autorizada de Alexandra Popoff ilumina la vida y el legado de Grossman.
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Aquí ya no queda nadie es la primera incursión de laautora en el mundo de la poesía. Es fruto de un atracón lírico —Piedad Bonett, Gioconda Belli, Flavia Company, Rubén Darío, Joaquín Pasos y Leila Guerriero, quien escribe prosa, pero qué más da— y de la necesidadde que las heridas cicatricen.
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La experiencia personal que en él se expresa dibuja inesperadamente una experiencia colectiva, el tiempo que aprendimos a vivir sin posibilidad de besos ni caricias. Pero como se expresa en el libro, en la soledad que sigue a una ruptura amorosa puede gestarse unavoluntad de apertura y expansión, de reconocimiento de otras formas de amar y de nuevos destinatarios de esa pasión.
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Vida de mestre Ramon
El volum, a cura d'Anthony Bonner, s'obre amb una introducció que situa el text, en repassa la transmissió i explica el context en què es mogué el seu autor. A més, el llibre conté dotze làmines d'imatges datades del 1325, miniatures de la vida de Llull extretes del Breviculum, una antologia breu d'escrits lul·lians dirigida a la reina de França. La Vida de mestre Ramon fou escrita originalment en llatí. Ha estat traduïda al català pel mateix Anthony Bonner. S'hi han mantingut els versicles en llatí per poder-los llegir de manera acarada amb la traducció. Llull pertanyia a una família benestant barcelonina instal·lada a Mallorca i mantenia estretes relacions amb la cort reial. Estava casat, tenia dos fills i es descrivia com a ''ric, lasciu i mundà'' en l'etapa anterior a la il·luminació, vivia en una Mallorca en què la tercera part de la població era musulmana i en què els jueus tenien molt de pes en l'economia insular. La narració, escrita cinc anys abans de la mort de Llull, s'inicia amb les cinc aparicions de Jesucrist en la cambra de Ramon, fins que aquest comprèn el que Déu vol d'ell. S'adona que ha de servir Crist en la tasca de convertir sarraïns, però li cal aprendre llatí i posar els dictàmens per escrit. Ramon comença el seu camí per instruir-se, sobretot a París, aprendre la llengua aràbiga i començar, consumar i difondre l'Art, sistema filosòfic que demostra la veritat del cristianisme. L'obra no deixava de ser la culminació de la construcció de la seva imatge pública, amb uns propòsits «justificadors i propagandístics» ben clars. Això ha fet que els estudiosos es qüestionin fins a quin punt s'ha de donar crèdit a una informació tan selectiva.
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El caballero de Olmedo, basada en un hecho histórico que fue motivo de múltiples recreaciones artísticas ?la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521?, es una de las obras maestras de Lope de
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A quién pueden interesar mis poemas, se pregunta con escepticismo una de las ensayistas más leídas y citadas en los últimos años. Y la pregunta revela por sí sola no solo la potencia de los mecanismos de autorización sino el papel mismo que parece destinarse habitualmente a la poesía: cosificada en extremo y reducida a menudo a experiencia artística despegada tanto de lo mundano como de la tierra que habitamos. A lo largo de su vida Silvia Federici ha volcado sobre la poesía fuegos sociales e inquietudes compartidas, apoyándose en ella para reflexionar de otra forma, girar la realidad y revelar la fuerza vital de lo que nos rodea. Llegada la gran pandemia de principios del XXI, esa misma poesía reaparecería en un diálogo a distancia con las acuarelas de Begonia Santa-Cecilia, que enraizaban y daban materialidad con sus pigmentos al cuidado de la vida. Este libro, elaborado en varias lenguas y con muchas manos, da cuenta de ello e intenta abrir de par en par todas las puertas que otorgan color a la existencia.
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Quienes hemos leído sus libros con entusiasmo echábamos de menos a Lorenzo Plana, su poesía, el diálogo que propone con el tiempo, con el lector y su nostalgia, capaz de hacer que el pasado arraigue en el presente de otro modo, que la memoria se explique de otro modo en el poema. Este libro, Un pájaro naranja atraviesa mi sangre, no sólo es el reencuentro con una escritura extrañada y auténtica sino con la desolación y los gozos pequeños de quien habla y a la vez interroga. Plana es un poeta que documenta el paso del tiempodesde la certeza de sentirlo y el desconcierto de entenderlo. Alguien que mira la senda recorrida y, sin embargo, también reconoce en cada amanecer otra músicaposible. He aquí un hombre perplejo y consciente, apesar de todo, de que la poesía está despierta en eldeseo, en el amor, en el miedo, en el olvido. Y alrededor nos convoca. (ANTONIO LUCAS).
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