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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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«Con este libro, que reúne poemas escritos entre 2011 y 2022 Moëz Majed, ''un alma árabe en lengua francesa'', da continuidad a su obra poética. Espléndidamente traducido por Stéphane Chaumet, contiene dos partes principales, ''Libélula'' y ''Cantos de la otra orilla''. En la primera, que agrupa a los poemas más recientes, de carácter sintético, predomina la representación personal, del espacio íntimo. En la segunda, integrada por diez cantos, de carácter analítico, prima la representación social, del espacio público. De principio a fin, estas páginas van desde lo íntimo a lo público, y constituyen un testimonio y una toma de postura. Llama la atención que, en la representación de la cuestión social, se recurra no sólo a la política sino también a la ética. Y, sobre todo, que el mensaje sea implícito e incluya al lector en la producción de sentido, y que se mantenga en alto siempre la fidelidad a la poesía».
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Una antología que reúne los grandes nombres del romanticismo inglés. «El soplo de la más humilde de las flores puede ofrecer pensamientos que a menudo encuentro demasiado profundos para desgarrarlos.»
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Un cuerpo virtual, hecho de imágenes, atraviesa un paisaje de dunas. En su soledad total, camina acompañado. Su «phantasmagoria» es la huella viva de lo que ya no está: gestos, espacios, amantes. De esas memorias, que exceden al ser que las custodia, surge esta obra sobre el deseo y la pérdida, sobre el sujeto que se construye recordando lo que una vez amó y ya no está presente. Sara Torres entrelaza lo teatral, lo narrativo y lo poético para mostrar la encarnación de una voz que incorpora en sí todas sus ausencias. Desde la abundancia y el exceso hasta la fragmentación del lenguaje, ''Phantasmagoria'' explora el dolor del cuerpo aislado y el funcionamiento de la mente en el recuerdo.
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En 1939 los niños españoles perdieron una literatura en la que los personajes de los cuentos se rebelaban contra sus narradores, el espíritu de juego ganaba la partida al doctrinarismo, y la curiosidad y la inteligencia infantiles triunfaban sobre la brutalidad de los violentos. Una literatura escrita pensando en ellos, desde el afán pedagógico de las corrientes regeneracionistas y el impulso lúdico de las vanguardias. Ese año, creadores como Antoniorrobles, Salvador Bartolozzi, Magda Donato, Alejandro Casona, María Teresa León, María Lejárraga, Concha Méndez, Herminio Almendros, Juan Marichal, José Moreno Villa y muchos otros partieron al exilio, expulsados de su país y silenciados, olvidados o censurados durante décadas.
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Antes de que se haga más tarde para aprender la enfermedad de cada uno, antes de que despiertes y vuelvas del pasado y sus merodeadores, recupera tan sólo la abreviatura de los sueños. Antes de esta joven renuncia, y habrás desaprendido. «Desaprender» (fragmento final) Se reúnen en este volumen los cuatro poemarios publicados hasta el momento por Juan Carlos Abril. Cada uno ahonda en la singularidad de su voz, y ofrece no sólo una muy destacable voluntad de estilo, sino una intensa apuesta por la emoción y la lírica.
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La cançó de l'amor i de la mort del corneta Cristòfol Rilke
El traductor Guillem Nadal ens diu, al pr.leg d'aquesta edició, que els lectors que no saben res de la vida de Rilke ni de les seves altres obres, hi trobaran sempre el goig i la intensa emoció que per a tot home sensible porta la veritable poesia . I aquells altres lectors que des del primer moment s'han endinsat més i més en la gran obra rilkeana, veuran també aparèixer dins aquesta Cançó de joventut aquells temes que en seran després l'objecte fonamental : al·ludeix a la mort, que apareix amb tota la seva gl.ria dins la seva obra o a la nostàlgia davant de la contingència de les coses . Ensiola celebra la recuperació d'aquesta edició, que incorporà Rilke a les lletres catalanes i va marcar una fita en la tradicció de grans traduccions a la nostra llengua.
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Capturar un instante para siempre solo ocurre en una fotografía, en un cuadro o en las películas. Pero la vida está hecha de instantes que no duran para siempre, que no se pueden detener haciendo «click». Aunque en estas páginas David no parará en s
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Este Volumen 1 recoge el primer período de actividadde la Internacional Situacionista, que comprende desdesu conferencia inaugural en Cosio d'Arroscia a laIIIConferencia internacional en Londres de 1960. Estascartas está marcadas por el intento, finalmente infructuoso, de llevar a cabo una guerra dentro del mundode la cultura para transformar las condiciones materiales de la vida.
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Nada queda limpio cuando leemos la poesía de Manuel Mata. Esta obra pulcramente pulida y ensuciada a conciencia confirma la solidez de una voz que nos delata y nos deja vulnerables. Raúl Alonso Manuel Mata es un gato que se acerca al ordenador, pasea por el teclado escribiendo cosas que entiendes y empuja tu taza favorita mientras te mira. Leer Pan manchado es intentar no sonreír mientras pasa todo eso. Adrián Fauro
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¿Qué es la patria? ¿Quiénes son los míos? ¿Cuáles son nuestras razones? ¿Por qué valen más que las de los otros? ¿Quién se beneficia de ese negocio? ¿Tengo el derecho de matar a alguien por defender un trozo de tela polvorienta cosida a un mástil? ¿Se puede volver después de atravesar esa línea? ¿Se puede volver? Esta obra de teatro cuestiona todas las narrativas identitarias que inflaman las pasiones hasta el delirio.
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Amor a la brega
'Velles paraules en acció, ritmes planetaris i el focde la celebració en deliri i en revolta. Un tornado,una ventada: ''si cou ésque ens espiga''. Les paraules s'alcencom el ball, com la follia de dir les cosesquan el so creix i cria, com les espigue
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Primer volúmen de la poesía completa de Roger Wolfe,una de las voces más solitarias y a un tiempo representativas de la llamada generación de los 80.
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El «cuarto propio» de Elena Ferrante: las lecciones de literatura de la autora que más intriga al mundo, con más de veinte millones de lectores «La voz de Elena Ferrante, junto a la de todos sus personajes -no solo Lila y Lenù, sino todas las mujeres que hablaron en sus novelas-, nos dicen en este libro: aquí estoy».Annalena Benini, Il Foglio «Una escritora clásica en el sentido maravilloso de la palabra».Milena Busquets La maravilla de descubrir la lectura y la escritura desde la infancia, los recuerdos de las primeras páginas escritas, sus olores y lugares, y luego los grandes hallazgos, desde los nombres canónicos de la literatura universal hasta las autoras que la han iluminado, impregnan estas lecciones magistrales que ha impartido Elena Ferrante invitada por la Cátedra Umberto Eco de la Universidad de Bolonia. En este recorrido histórico y personal sobre la inspiración y la vocación de escritora, «la autora más enigmática de la actualidad» desvela también sus consejos sobre la creación de personajes y la trama. Desde Shakespeare hasta Gertrude Stein, pasando por las obras de Diderot, Jane Austen o Virginia Woolf y culminando con Dante y su Beatrice, Ferrante entrelaza sus lecturas y reflexiones con su propia obra y su vida, sobre las que por primera vez se confiesa en una nueva intimidad con sus lectores. La crítica ha dicho sobre este libro: «La voz de Elena Ferrante, junto a la de todos sus personajes -no solo Lila y Lenù, sino todas las mujeres que hablaron en sus novelas-, nos dicen en este libro: aquí estoy».Annalena Benini, Il Foglio «Un viaje extraordinario que se adentra en la construcción de sus obras maestras».Riccardo de Paolo, Il Mattino «Si alguien todavía duda de si las novelas de Ferrante las ha escrito un hombre, os aseguro que En los márgenes disipará cualquier asomo de duda».Quotidiano Nazionale «Un nuevo libro ineludible de Elena Ferrante».Libri e Parole «Una fusión coral de talentos femeninos».Michaela K. Bellisario, IoDonna «Ferrante evoca los orígenes de la escritura y el sentido de la ortografía [...] a través del diálogo que tienen sus textos con otros. No falta ninguno de sus referentes: de Virginia Woolf a Diderot pasando por Emily Dickinson».La Repubblica «Cuatro ensayos públicos, íntimos y antagónicos sobre la escritura».Il Sole 24 Ore La crítica ha dicho sobre Elena Ferrante: «Una escritora clásica en el sentido maravilloso de la palabra».Milena Busquets «En mi mesilla de noche están los diarios de Virginia Wolf, los relatos de Chéjov y las novelas de Elena Ferrante».Leïla Slimani «No se dejen engañar. El mayor misterio no es quién es o quién deja de ser Elena Ferrante [...]: el misterio es su escritura y su capacidad de evocación. Un fenómeno torrencial, magnético, imparable».Quico Alsedo, El Mundo «El tiempo ha demostrado que a la ferocidad de su escritura y al ritmo de sus relatos nadie es capaz de resistirse. [...] La sensación que tienes al leerla es como si te abriesen en canal para enseñarte tus vergüenzas, las entrañas. Es incómoda y adictiva».Marina García Diéguez, Revista Mercurio «Una maestra retratista de todo lo que nos preocupa, de todo lo que nos duele. Es difícil encontrar alguien de quien decir esto y que aún esté entre nosotros. Que en vida ya sea un clásico».Víctor M. González, GQ «Ferrante me han tenido atado al sillón, leyendo y celebrando».Juan Marsé «Me ha capturado. Me ha causado un gran impacto».Elizabeth Strout
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aquí enjaulado veo el cielo altísimo el aire fresco de la montaña la melodía de los pájaros más allá de los barrotes oigo los versos que me cantan y los canto enamorado toco cada palabra una por una quiero sentirles la textura el tono el engranaje las rimas consonantes los símiles las metáforas en el sonido de cada sílaba me va la vida lo presiento quiero quedarme para siempre a salvo enjaulado y a salvo aquí estoy yo don quijote de la mancha aferrándome a mi voz Fragmento de ''Don Quijote enjaulado'' María Gómez Lara (Bogotá, 1989) ha publicado los poemarios Después del horizonte (2012), Contratono (Visor, 2015), El lugar de las palabras (Pre-Textos, 2020) y la antología Palabras piel (Frailejón Editores, 2022). Contratono mereció el XXVII Premio Internacional de Poesía Fundación Loewe a la Creación Joven, e incluye un prólogo de Ida Vitale. Además, fue traducido al portugués por el poeta Nuno Júdice bajo el título Nó de sombras (2015). Estudió literatura en la Universidad de los Andes en Bogotá. Tiene una maestría en escritura creativa en español de la Universidad de Nueva York y otra en literaturas y lenguas romances de la Universidad de Harvard. Es doctora en poesía latinoamericana por la Universidad de Harvard. Actualmente es profesora en la Escuela de escritores de Madrid.
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La presente antología brinda en castellano un recorrido por algunos de los temas y personajes más significativos del mundo literario e ideológico de Sholem Aleijem.¿Qué tienen de particular los textos literarios de un gran escritor, de un autor devenido clásico, como Sholem Aleijem? La seducción de los textos reside en la multiplicidad de sus lecturas posibles y cada lectura va iluminando nuevos rincones. Sholem Aleijem observa con lucidez, ironía y ternura el dramático escenario en el que se aglomera y lucha a brazo partido por sobrevivir dignamente el pobrerío judío bajo el régimen zarista, trabajando, estudiando, rezando y discutiendo consigo mismo, con sus vecinos y con un Dios y una sociedad, injustos a menudo.Un protagonista no menor de estos fascinantes textos es el singular idioma en que están expresados, este sabroso ídish, empapado de espontánea sabiduría popular que atraviesa la lengua y toma forma en refranes, dichos y maldiciones, que el agudo oído de Sholem Aleijem reproduce y enriquece con su maestría.La presente antología de cuentos escogidos brinda en castellano un recorrido por algunos de los temas y personajes más significativos del mundo literario e ideológico de Sholem Aleijem, desde esas pequeñas personitas con pequeñas ambiciones de su Kasrílevke inmortal, hasta algunas de sus narraciones para chicos judíos, pasando por sus monólogos y sus relatos ferroviarios, todo matizado por el mágico encanto del humor agridulce de estos cuentos ejemplares.
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En ocasiones el título de un libro concentra tan alto grado de valor simbólico que se convierte en espejo y referencia de su tiempo. Esto ocurre con Matar poetas, verbo y sustantivo que, dolorosamente unidos, devienen en una sacudida. Rápidamente comprendemos que el autor dice poetas pero está nombrando también cualquier forma de arte, de creación, de cultura, y reivindicando la conciencia ética y estética en una época convulsa. Sin embargo, estamos ante un libro perturbadoramente íntimo y de alta pureza lírica. Matar poetas es un poemario sorprendente por la potencia creativa que atesora, por la rotundidad de su expresión, por la desnuda sinceridad con que se nos muestra su autor. Y lo es también en su forma, en la originalidad de esos pares de poemas contrapuestos y, a la vez, complementarios, como las dos caras del dios Jano. La capacidad de Cobos Wilkins para la creación de imágenes poéticas que nos dejan en el vértigo mismo de nuestros precipicios, se alía en este libro, de manera inesperada, a un lenguaje a veces pulcramente científico, aséptico, que, por contraste con la palabra iluminada por una belleza inquietante, aún potencia más la comunión con el lector.
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Bestiario atípico y sorprendente libro de fábulas en el que la poesía, el humor y la crítica social confluyen para hacer de El Gran Zoo una de las obras cumbre de la poesía latinoamericana. En esta nueva edición en rústica y mayor tamaño se recogen estos poemas en los que Guillén se torna jovial, irónico y mordaz con la finalidad de construir un zoo como metáfora del mundo. Arnal Ballester ha sabido establecer un diálogo profundo con la palabra viva del gran poeta cubano a través de unas imágenes cargadas de fuerza y expresividad.
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Olvidemos un momento la gramática, la teoría literaria, los libros de ayuda a la escritura, las corrientes que han sido, las modas que son, el debate sobre si un best seller es una obra literaria, olvidemos cualquier otra controversia, incluso, por un par de páginas, el maltrato permanente de los distintos gobiernos a los creadores, incluso el desprecio generalizado de la sociedad… olvidemos todo lo ajeno a la creación y centrémonos en escribir.
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Benjamín Prado (Madrid, 1961) es autor de nueve libros de poemas, entre los que destacan Cobijo contra la tormenta, Marea humana o Ya no es tarde, once novelas, entre ellas las de la serie protagonizada por el profesor Juan Urbano, varios ensayos y tomos de aforismos. Sus obras se han publicado en veinticinco países. «Un libro para el disfrute del lector, un libro de poesía de primera clase». Túa Blesa, El Cultural «En Paradero desconocido, que tiene algo de ejercicio existencial, de simbiosis y fotosíntesis y de intercambio de roles con el lector, Benjamín Prado, autor de algunos de los versos fundamentales de la poesía en español de las últimas décadas, ofrece poemas afilados, que se clavan y causan temor, siempre trazando una ecuación entre la imagen certera y el relato sumergido en el poema». Guillermo Balbona, El Diario Montañés «Sólo los diez enormes poemas con que empieza el libro ya justificarían sobradamente su lectura: diez estaciones de paso en las que Benjamín Prado refleja el transcurso del tiempo, un recorrido absolutamente emocionante en el que poco se deja atrás este madrileño que intenta esquivar los espejismos de nuestra existencia». Ramón Rozas, Diario de Pontevedra
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En esta obra fundamental para el desarrollo de la corriente modernista en el ámbito de las letras hispanas, Rubén Darío (1867-1916) aportó una nueva sensibilidad y una diferente concepción del arte, al tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para apropiarse de las influencias más variadas y transformarlas en sustancia propia. Animada por una decidida voluntad de renovar la poesía castellana del momento, Azul..., que inició la renovación modernista que había de culminar en Prosas profanas y Cantos de vida y esperanza -ambas presentes en esta colección-, tuvo una rápida repercusión en los países de habla hispana y supuso un fortísimo estímulo para los escritores de la segunda generación del modernismo hispanoamericano. La presente edición incorpora textos que figuran en la primera de las obras (Valparaíso, 1888) pero que se suprimieron en las posteriores, así como los textos, en español y en francés, que Darío añadió en la segunda (Guatemala, 1890). Se completa además con un apéndice y una completa y esclarecedora introducción.
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Luis Alberto de Cuenca (Madrid, 1950) es Doctor en Filología Clásica desde 1976 y académico numerario de la Real Academia de la Historia desde 2010. Ha obtenido, entre otros premios, el de la Crítica por La caja de plata (1985), el Nacional de Poesía por Cuaderno de vacaciones (2014) y el Premio «Federico García Lorca» (2021) por la totalidad de su obra poética. Ha publicado en esta misma editorial Por fuertes y fronteras (1996), Sin miedo ni esperanza (2002), La vida en llamas (2006), El reino blanco (2010), seis ediciones de Los mundos y los días, recopilación de su poesía (1998, 1999, 2007, 2012, 2019 y 2021), Cuaderno de vacaciones, Bloc de otoño (2018) y Después del paraíso (2021). El secreto del Mago reúne treinta y cinco poemas escritos, en su gran mayoría, entre 2021 y 2022 y repartidos en cinco epígrafes: «Cuaderno de bitácora», «Oficio de difuntos», «Aristónico y otras antigüedades», «Por soleares» y «Creo en ti». Partiendo de un homenaje al ilusionismo que se refleja en el título del libro, los temas abordados en sus páginas fluctúan entre lo elegíaco y lo amoroso.
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Surgida entre los desiertos de Arabia y los vallesde la antigua Mesopotamia, la poesía árabe deslumbródesde que las conquistas del islam forjaron un vastoimperio, del Asia Central a al-Ándalus, y extendieron el uso de la lengua árabe en sus territorios. La tradición árabe ha transmitido un registro escrito impresionante del legado clásico, pero hasta tiempos recientes no se ha observado, con nuevos estímulos, una parte del mismo: la poesía compuesta por mujeres, quequizás sorprenda por la cantidad de materia conservada. Gacelas de arena presenta una antología de30 poetas que vivieron, entre los siglos V y XIII, endiversas regiones del mundo árabe de entonces e incluye la traducción de 99 poemas. La muestra es significativa de lo que fue la producción femenina dentro deese marco, y nos invita a contemplar el paisaje a través de otras miradas, a matizar los colores con losque hasta ahora se ha pintado.
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La memoria musical y sensible del carnaval de Esmeraldas resucita en Ainhoa, una niña de la isla de Limones, secretos familiares y episodios de violencia. En Fiebre de Carnaval cobra vida el mundo que la rodea en cada palabra, en cada ritmo que se baila, se contagia y que puede oírse en estas páginas. Gracias a una serie de recuerdos se construye una novela en la que cronología es imperceptible, y que da forma al cuerpo de la niña-máquina deseante, que a su vez es el de las mujeres que la criaron. El barrio en el que vive la abuela materna de Ainhoa, el mar, origen y fin de todo, y el habla, que dota de una vida vibrante a los migrantes de Limones, son los hilos que entretejen este libro único, en el que está presente la poesía de la autora y la exuberancia y el dolor de un rincón olvidado del Ecuador.
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Llevada a la escena por primera vez en Roma en 1921 en medio de protestas y de la incomprensión general, «Seis personajes en busca de autor» representó la apertura hacia un nuevo modo de hacer teatro, rompiendo con las tradiciones y los patrones repetitivos del «teatro burgués». Esta obra de Luigi Pirandello (1867-1936) compendia y aglutina todo lo que el teatro de vanguardia ha venido proponiendo al espectador en los últimos cien años, como el teatro dentro del teatro, la autonomía del personaje y sus relaciones con el autor, también presente en la escena, la ruptura de la «cuarta pared», etc. Este volumen ofrece la versión de 1925, considerada unánimemente la definitiva, acompañada en apéndice del prefacio en el que el propio Pirandello arrojó luz sobre las preocupaciones y aspiraciones que planean sobre la pieza.
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«Y vosotros, dondequiera que estéis, ¿sabéis vosotros qué es lo que os quita el sueño?».Todo arranca en una noche de insomnio en un barco que navega desde Sicilia con destino al continente. Es un viaje en el tiempo más que en el espacio, porque el Mediterráneo, mito y realidad, encierra todas las historias, las más bellas y también las más terribles.Incapaz de dormir, el viajero es asaltado por imágenes que ha ido descubriendo en su vagar por la isla de Sicilia. Sobre todo, las de unos formidables mosaicos en cuyo centro hay sendos barcos que transportan animales: los de la catedral de Monreale, que cuentan la historia del arca de Noé, y los de la villa romana del Casale, el mayor de los cuales, que lleva por título La gran cacería, representa la captura en África y Asia de fieras que se exhibirán en los anfiteatros del Imperio.«¿Conseguiría dormir si supiese qué me quita el sueño?».«Una de las obras del mejor Mayorga, el que no se casa con nadie, el filósofo, el implicado con nuestro tiempo y nuestra historia». José-Miguel Vila, Diario Crítico.
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«Fuck me es una obra desgarrada, irreverente y frontal. Teatro hecho desde el dolor, buscando la luz que nace de la destrucción de uno mismo, de saber que todo acto de escarnio de lo propio es también el deseo de ser amado, consolado. Camino estrecho, solitario. Un camino que Marina Otero nos muestra desde la distancia de una persona rota, adulta, que mira su infancia cuando hacía bailes y coreografías en casa de su abuelo y se mira ahora después de tantas guerras, de tantos años ofreciéndose en escena, de intentos de suicidio, de luchas contra todo, de haber odiado lo fácil y lo amable como si fueran traiciones. Un camino que, al mismo tiempo que muestra la fuerza de la rabia, tiene la capacidad impúdica de decir en un momento: “Miren cómo estoy. Quedé dura y no de merca, esto es pura tensión por el esfuerzo de querer agradar. Lo único que quiero es que me quieran, porque yo no me quiero”». Pablo Caruana Kill me es la continuación de Fuck me. Entrando en el cliché de la crisis de los cuarenta empecé a filmar cada cosa que hacía: con el corazón abierto las 24 horas registraba todo. Hasta que un día colapsé, me dieron un diagnóstico psiquiátrico y decidí hacer con eso mi próxima obra. Convoqué a cuatro bailarinas con trastornos mentales y a Nijinsky, para hacer una obra que hable sobre la locura por amor. Pero vamos a decir que el tema es sobre salud mental para que entre en la agenda inclusiva del mercado del arte. Porque esa es mi condena, tener que hacer obras que se vendan y así mantenerme viva en el mundo (del teatro). Marina Otero
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Ball de fanalets
BarcelonaBall de Fanalets és una mostra de l'obra poètica d'Amat Baró. Recull uns quants poemes de gairebétots els seus llibres. Però el volum és molt més que això. És un projecte artístic i un objecte artesanal.Els versos del poeta s’han submergit en les paletes dels alumnes d’il·lustració de l’Escola Massana deBarcelona. Primer els poemes van posar a vibrar els seus pinzells, i ara els pinzells han llançat cadapoema en una òrbita exòtica. Acompanyats per les il·lustracions dels joves estudiants, els poemes jano són els mateixos, i les il·lustracions ja circulen per les avingudes de la poesia.
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Georg Heym (1887-1912) forma parte de la llamada primera etapa del Expresionismo alemán (1910-1914). A pesar de su muerte prematura con solo veinticuatro años, Heym ocupa un lugar destacado entre los grandes nombres de la literatura expresionista como Gottfried Benn, Georg Trakl o Else Lasker-Schüler. Umbra vitae, publicado de manera póstuma el mismo año de su muerte, es la obra que lo consagra. Los poemas de este libro, más maduro y osado que El día eterno (1911), recogen una atmósfera de amenaza y peligro que se agazapa en la sombra, envolviendo al poeta y revelándole como en sueños, proféticamente, los tormentos de la guerra, el sufrimiento y la aniquilación del ser humano, y su propio final. Umbra vitae no tardó en despertar el interés del artista Ernst Ludwig Kirchner, quien realizó una serie de grabados en madera para la reedición del libro en 1924. El resultado no solo funde texto e imagen, sino que nos narra dos historias: la de dos hombres que han sufrido, dos hermanos espirituales que transmiten el presentimiento o la experiencia de la muerte. La conjunción de imagen y texto hace de Umbra vitae una obra de culto para poetas y artistas.
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Como también hizo en otras ocasiones, a la hora de escribir ''La bella malmaridada'' Lope de Vega se inspiró en la tradición, fuente inagotable de leyendas, fábulas y canciones alimentadas por el imaginario colectivo. No se trataba de adocenar el ingenio a lo ya creado, sino de asegurarse el aplauso refugiándose en la cultura popular, como puede hacer hoy en día el cine con la novela o el cómic, es decir, de buscar un sustrato familiar para cualquier espectador, rústico o letrado, cuyo subconsciente se activaría de inmediato al reconocer el argumento, incitando su predisposición hacia una historia que había escuchado, leído o incluso tarareado en algún otro momento de su vida. El pasado, por tanto, se utiliza como un puente hacia el presente gracias al poder de la nostalgia. Sin duda, para semejante propósito no existiría mejor paradigma a finales del Quinientos que el tema de la malcasada, tan arraigado en lo popular que probablemente no tenga parangón en todo el Siglo de Oro. Un argumento devenido en moda poética que había eclosionado de forma definitiva a mediados del siglo XVI impulsado por los cancioneros musicales.
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Premio Nobel de Literatura La escritora polaca más reconocida junto a Ryszard Kapuscinski y a Stanislaw Lem. Amplia selección de la obra de Wislawa Szymborska, poeta polaca galardonada con el Premio Nobel de Literatura, Paisaje con grano de arena es el primer volumen poético de la autora que se publicó en lengua castellana. Los cien poemas recogidos en esta antología, autorizada por la autora, constituyen una excelente muestra del recorrido literario y temático de la poesía de Szymborska, una poesía que, según la Academia sueca, «mezcla la elegancia de Mozart con la pasión de Beethoven», y, en palabras de Czeslaw Milosz, premio Nobel de 1980, «es una lección de austeridad, ironía y simplicidad». Críticas:«Nadie saldrá indiferente. [...] Szymborska es un referente de tal dimensión que sería interesante comprobar hasta qué punto, desde su popularización, ha permeado las obras ajenas.»Vanessa Gutiérrez, El Comercio «Su poesía, con irónica precisión, permite que el contexto histórico y biológico surja a la luz en fragmentos de la realidad humana.»Acta del jurado del Premio Nobel «Algo único que había en ella era la mezcla de sentido de la tragedia y sentido del humor: sabía mirar la brutalidad del poder y también su ridículo, que tantas veces lo hace todavía más peligroso.»Antonio Muñoz Molina «Lo que tenían en común su obra y vida era un pertinaz y obstinado apego a la independencia.»Adam Zagajewski «Destacó por una poesía llena de humor y por su hábil juego de palabras. De ella se desprende una consideración antropológica basada en la finitud humana, en la debilidad del hombre frente a la naturaleza, con el hombre en el centro de sus interrogantes.»La Vanguardia
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Considerada hoy como una de las comedias más atractivas y de mayor éxito en las tablas, Don Gil de las calzas verdes es uno de los testimonios más completos de lo que fue el virtuosismo técnico de Tirsode Molina. Nos hallamos ante un compendio de originales hallazgos formales, de un hábil sincretismo entrelo popular y lo culto, de cómo explotar al máximo los diferentes juegos de identidad asociados a la ropa,a la voz y al movimiento, de recursos teatrales diseñados para modular personajes hoy considerados clásicos, y de un sentido del humor que puede leersetambién como censura de ciertas prácticas sociales.Tirso de Molina es un creador excepcionalmente dotadopara la construcción de atmósferas y paisajes. En esta obra ofrece una visión de Madrid que revela una sorprendente familiaridad con el tejido urbano.
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En 1765 aparecía la edición a cargo de Samuel Johnson de las obras de Shakespeare, y con el prefacio que abría la serie de ocho volúmenes se iniciaba la lectura crítica moderna de uno de los genios literarios más celebrados de todos los tiempos. Johnson, crítico impecable y a su vez autor prolífico, trazó los caminos que todavía hoy guían nuestra lectura incesante y siempre renovada de Shakespeare: en primer lugar, que el autor de Hamlet fue ante todo un hombre de teatro (dramaturgo y actor), atento a la relación entre la acción escénica y la reacción del público, en segundo lugar, que sus personajes no son héroes de corte clásico, son hombres que actúan como lo haría el lector o el espectador si estuviera en su situación. Y en tercer lugar y el más importante, más que un autor estrechamente vinculado a sus contemporáneos, Shakespeare trasciende en este ensayo las fronteras de su tiempo y se erige como contemporáneo de la posteridad.
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El mundo de los vivos atrapa como si tuviese una eficacia narrativa pero lo hace renovándonos desde dentro con su lectura, como la mejor poesía. Solleiro no tenía claro que volviese a publicar una obra propia hasta que en el año 2017 debió seleccionar varios inéditos para una antología de poesía gallega y se encontró con lo poco que había escrito en los últimos años. La experiencia fue dolorosa y necesaria, tanto que unas semanas después había comenzado a escribir nuevo, aunque fuese como quien aprende a andar con una pierna ortopétida. El resultado es este conjunto de poemas que tienes entre las manos, escritos contra la significación excesiva y el riesgo de que las metáforas se devoren el mundo.
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Bajo el título de «Retablo jovial» se reúnen cinco divertidas farsas con las que Alejandro Casona se sumerge en la tradición literaria española clásica y popular. Las cinco son readaptaciones de otros tantos textos literarios. «Sancho Panza en la ínsula» recrea unos capítulos del «Quijote», las otras cuatro tienen su origen en cuentos y apólogos divulgados en distintas geografías españolas. Por sus temas, personajes y guión teatral estas piezas resultan cercanas al espectador, al que se pretende aproximar temas y argumentos de tiempos remotos con sencillez e ingenio.
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Con la colaboración de Akiko Yamada Haiku-dô propone setenta haikus japoneses como enigmas a ser descifrados. Dado el carácter especular del haiku, empero, todo esfuerzo por desvelar un haiku tiene como resultado el desvelamiento del corazón de quien lo intenta. Más que de un desciframiento, de lo que se trata es de un acto de vaciamiento y de exponernos al haiku como ante un espejo. De ahí que tanto la escritura, el estudio o la lectura de los haikus pueda convertirse en un camino espiritual. Tras una meticulosa indagación en estos setenta ejemplos paradigmáticos de haikus de difícil comprensión queda de manifiesto que el haiku japonés siempre fue una Vía espiritual (dô), un modo de entrenamiento del “yo”, un proceso de despertar de los sentidos, de atención, de naturalidad, de autenticidad, de paciencia, de desprendimiento, de extinción de la vanidad… y hasta del “yo”. Los maestros de haiku nos enseñan que el poeta debe eliminarse de su poesía para que sus versos capten la esencia dinámica de la realidad.
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