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Libros de arte
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Una compilación de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, a veces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juego con su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El concepto de «estética» nace en Europa en el siglo XVII y, por lo tanto, muchas historias de la estética tomaron en escasa consideración las teorías de la belleza y del arte elaboradas antes de estas fechas. Ahora bien, desde hace muchos años la actitud de los historiadores ha cambiado y la Edad Media se ha valorizado como una época rica en especulaciones fascinantes sobre la belleza, el placer estético, el gusto, la belleza natural y la artificial, las relaciones entre el arte y las demás actividades humanas. En este compendio de las teorías estéticas elaboradas por la cultura del Medioevo, desde el siglo VI hasta el XV de nuestra era, Eco reconoce, de forma accesible para el lector no especializado, las etapas de un debate que presenta aspectos dramáticos y apasionantes, y nos permite entender mejor la mentalidad y el gusto artístico del hombre medieval.Reseña:«Un estudio delicioso... Tremendamente lúcido y fácil de leer, el ensayo de Eco está cargado de excelencia y de la energía de un hombre enamorado de la materia.»Boston Globe
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¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, comisariada por Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló, reúne a artistas cuyas obras están atravesadas por la idea de la generosidad. La exposición forma parte de la celebración del 25 aniversario de Generaciones, la convocatoria para jóvenes artistas de la Fundación Montemadrid, y presenta el trabajo actual de artistas que han sido parte de la historia del premio. En paralelo, la exposición se expande bajo el título ¿Adónde iré yo que no te lleve? a tres espacios independientes de creación y reflexión contemporánea cercanos a La Casa Encendida: Araña, Conciencia Afro y La Parcería.Con textos de Ángel Calvo Ulloa y Julia Castelló y Laurence Rassel.Incluye colección de 13 posters
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“La maestría de Anton Raphael Mengs se distingue por la gracia que imprime en sus obras, esto es, por aquella cosa que se siente mejor que se explica, y consiste en una cierta suavidad en los contornos, facilidad en los movimientos, que no muestran nada forzado, en el escoger aquel preciso movimiento que toman todas las partes cuando se muestran agradables, y en fin en la naturalidad y armonía de composición y colorido.”José Nicolás de Azara, mecenas y diplomático, fue destinado por muchos años a la embajada española en Roma, ciudad en la que coincidió con Mengs, con el que trabó gran amistad. Muerto el artista, editará sus escritos y ensalzará su legado pictórico.
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Ha pasado un ángel. ¿Quién no se ha quedado en silencio, la mirada perdida, ajeno a lo que le rodea, como si estuviera en Babia? Babia, El País de Nunca Jamás, la ínsula de Barataria, El País de las Maravillas, La Ciudad Esmeralda: países o ciudades a los que se sueña ir, cuyo viaje se realiza en sueños o en una ensoñación, y de los que cuesta regresar.Babia es un lugar fascinante, que atrae y atrapa. Alejado, pero no inaccesible, al que se llega a menudo inesperadamente. Por esto mismo, la reflexión sobre lo qué es el arte y la función o el sentido de la obra de arte, que requiere toda nuestra atención, con los sentidos en alerta y la mente dispuesta a descifrar las sensaciones que le llegan, exige que nos alejemos de Babia. Mas, cuando estamos atentos ante una obra de arte, nos aislamos en la contemplación de la imagen, como si la obra nos transportara a Babia. Interrogarse sobre la creación artística e interpretarla para descubrir su razón de ser y su necesidad exige, en un movimiento imposible, estar, a un tiempo, en y lejos de Babia.Babia, a lo lejos es un breviario sobre la enseñanza de la teoría del arte y la arquitectura, sobre cómo, qué y porqué se enseña a interpretar la creación humana. Comprende notas, ordenadas alfabéticamente, tomadas antes y después de las clases. El texto comenta algunos de los criterios o conceptos más habitualmente utilizados a la hora de apreciar y estudiar la creación artística, ayer y hoy, en diversas culturas. Y, al cierre del libro, asume una paradoja: el paso de un ángel, camino de Babia, acontece en silencio, dando la callada por respuesta.
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Cada año, cuando llega la noche de San Juan, Alicante se transforma. El fuego toma las calles, la pólvora estalla en el aire y la ciudad entera se entrega a una celebración que es mucho más que una fiesta: es historia, identidad y emoción compartida. Las Hogueras de San Juan son el reflejo de un pueblo que sabe celebrar la vida, honrar sus tradiciones y reinventarse sin perder sus raíces. En este libro, Baltasar Bueno recorre el origen, la evolución y el significado profundo de una de las fiestas más importantes del Mediterráneo. Desde sus antecedentes más antiguos hasta su consolidación como gran evento cultural y turístico, el lector descubrirá no solo cómo son las Hogueras, sino por qué siguen fascinando a quienes las viven. Una obra para entender Alicante... y para sentirla.
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A breathtaking celebration of flowers spanning centuries, cultures, and continents – now available in a compact format.Flower invites readers to explore the endless ways artists and image-makers have employed floral motifs throughout history. Now available in a sleek compact format, this critically acclaimed survey showcases more than 300 gorgeous large-scale images representing a range of styles and media – from fine art, botanical illustrations, and sculptures to floral arrangements, film stills, and fabric designs.Curated by an international panel of art historians, museum curators, botanists, florists, horticulturalists, and more, the wide variety of works are each accompanied by a brief, enlightening description. Pages follow a visually stunning sequence, with unexpected pairings that create connection and contrast. Readers will discover van Gogh’s sunflowers next to a twentieth-century photograph, a delicate Victorian-era diamond bodice ornament juxtaposed with a baroque oil still life, and other surprising spreads, making leafing through this book a joy for anyone who appreciates the beauty of blooms.
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En este tercer volumen se narra la evolución del arte y la arquitectura durante la Edad Moderna. Dos módulos específicos se dedican el arte del Quattrocento y el Cinquecento en Italia, y un tercero estudia la difusión europea del Renacimiento. En otros tres apartados independientes se examina la arquitectura y el urbanismo, la pintura, y la escultura y las «artes menores» del Barroco y el Tococó. Por último, dos capítulos más analizan las transformaciones artísticas durante el periodo de la Ilustración y la historia del arte y la arquitectura de la Edad Moderna en Iberoamérica.
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El trabajo de Rodríguez-Méndez nace del lenguaje de la escultura, desde donde ha evolucionado en direcciones que lo vinculan con la materialidad, la semántica, la temporalidad o la fisicidad, configurando un cuerpo de obra escurridizo, difícilmente clasificable y altamente sugerente, que ha ido desmaterializándose a lo largo de casi treinta años hasta un punto en que la ausencia, la oquedad o lo omitido hallan estructura para reivindicarse, erigirse y sostenerse. Humores y Espesores se configura mediante una doble vía: por una parte, articula un recorrido sucinto a su ya extensa carrera como artista, por otra, aporta una selección de series fotográficas, instalaciones o acciones de reciente creación, algunas de ellas inéditas hasta la fecha.Humores y Espesores confirma la relevancia de un cuerpo de obra que se ha materializado en instalaciones planteadas desde un rigor y un entendimiento del espacio poco habituales, de trabajos específicos que han condicionado durante largos periodos su día a día y el de su estudio, o de series alargadas durante más de una década, que han convivido con el desarrollo de otras y que han abierto nuevas vías de investigación, siempre desde el lenguaje escultórico, que es al que el artista consagra su práctica, sea cual sea el modo en que cobra forma.
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CryptoPunks es una de las primeras y más buscadas colecciones de criptomonedas del mundo, serie pionera en el arte digital y la cultura web3.CryptoPunks: Free to Claim explora el ascenso meteórico de un coleccionable NFT preeminente: lo que comenzó como un experimento de propiedad digital se ha convertido en el catalizador de un movimiento de arte digital y una subcultura dinámica sinónimo de una nueva era de Internet.Acuñados en la cadena de bloques Ethereum en 2017, los CryptoPunks (10 000 personajes de píxeles generados de forma única) han producido más de 2300 millones de dólares en ventas acumuladas y han entrado en las colecciones permanentes de importantes instituciones, como LACMA y Centre Pompidou, al tiempo que fomentan una comunidad en línea apasionada y descentralizada.Los 10 000 CryptoPunks se presentan en un catálogo razonado especial de más de 400 páginas dentro de este libro, con una lista completa que incluye Punk, número, tipo, colores, atributos y hash de imagen. Una línea de tiempo ofrece una recopilación de publicaciones y tuits de miembros de la comunidad a medida que se produjeron, al estilo de una revista, mientras que un extenso glosario define más de 100 términos e ideas de autoría anónima con contribuciones de invitados como Beeple, Emily Segal, Venkatesh Rao y más.Con una entrevista en profundidad entre Hans Ulrich Obrist (director artístico de Serpentine Galleries) y los fundadores de CryptoPunks, Matt Hall y John Watkinson, este libro de culto y que define una categoría presenta una colección caleidoscópica de textos, entrevistas y ensayos visuales que exploran este mundo emergente de la web3 y la cultura digital en general, inspirando una primera ola de libros visuales sobre este tema innovador.El libro está dirigido a todos los niveles de conocimiento y presenta contribuciones únicas de figuras fascinantes en tecnología, diseño, moda, finanzas y arte contemporáneo, entre ellos: Anika Meier, Alexis Ohanian, Mat Dryhurst, Noam Segal (Guggenheim), Philippe Bettinelli y Marcella Lista (Centro Pompidou), Michael Connor (Rhizome), Mindy Seu, Chris Lyons (a16z), Salome Asega (NEW INC), Simon Denny, Shumon Basar, Martina Tiefenthaler, Jack Butcher, Sean Bonner, 6529, entre otros.
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Articulado sobre cinco conversaciones entre David Bestué y personas vinculadas a Madrid desde muy diversos ámbitos —los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro, el arqueólogo Alfredo González-Ruibal, el periodista Borja Casani, el cineasta y escritor Luis López Carrasco y la poeta Olvido García Valdés—, este trabajo complementa la exposición FLOR HISPANIA, comisariada por Bestué y enmarcada dentro del programa del Museo Centro de Arte Dos de Mayo que invita a artistas a realizar lecturas personales en torno a la colección del museo.Tanto en el planteamiento curatorial como en las piezas de su propia autoría, David Bestué descompone y reinterpreta símbolos, iconos y elementos históricos de Madrid, buscando nuevas formas de reflexión y diálogo con la tradición y las narrativas visuales. El conjunto convierte FLOR HISPANIA en un espacio de interrelación que revela las múltiples facetas, tensiones y riquezas del contexto urbano y cultural madrileño, y sus constantes contradicciones y transformaciones. El catálogo incluye, además de una selección de obras, objetos e imágenes, una entrevista de los editores a Bestué.Madrid es centro geográfico, político, económico y simbólico de España. Hay quien piensa que esa cualidad vincula la ciudad a la pureza de unos valores, de una tradición, y hay quien, sin embargo, cree que su posición la obliga a ejercer de motor de cambio del país. Estas visiones contrapuestas tienen un correlato físico entre los que entienden Madrid como algo estable, invariable, y los que, por el contrario, la conciben como una trama de fuerzas en conflicto.David Bestué
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Algún día reconoceremos en la obra de Freud la piedra angular de una nueva antropología, de una nueva estructura que será la futura morada de una humanidad más sabia y más libre. Este psicólogo a la manera médica será honrado como el descubridor del camino hacia el humanismo del futuro.
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Entre las muchas y muy diversas influencias de otros maestros que confluyen en la obra de Picasso, la del Greco es quizás la más temprana y decisiva, ya que se inició a finales del siglo XIX, cuando el malagueño, casi adolescente, residía en Madrid. Estudiante de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sabemos que Picasso pasó más tiempo en el Museo del Prado copiando a los grandes maestros que en la propia Academia. «¡Greco, Velázquez, inspirarme!» o «Yo, el Greco» se puede leer en dibujos de aquellos años de formación. Recuperado del olvido por los jóvenes vanguardistas de aquella época, el Greco, con su audaz desafío al canon de la tradición clásica, aportó las claves a Picasso para romper definitivamente con el arte del pasado y con los pilares de la representación tradicional.El Greco acompañó a Picasso durante toda su trayectoria, pero su influencia fue especialmente crucial para el desarrollo del cubismo y, en particular, del cubismo analítico. En esta primera fase del cubismo, el tema se descompone en fragmentos geométricos que van acumulándose hasta crear una imagen.Picasso crea una ilusión de relieve y profundidad que se basa en el sombreado y en la que destaca la bidimensionalidad del lienzo, al mismo tiempo, recuerda al Greco en el aplanamiento de la perspectiva y el formato vertical, incluso en la pincelada, que evoca los «crueles borrones» –en palabras de Francisco Pacheco– del cretense
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Pocos autores han sabido desentrañar las conexiones secretas entre el arte, la política, la memoria y la muerte con la lucidez de John Berger. Esta colección de ensayos es la mejor puerta de entrada a su pensamiento.Antes de convertirse en uno de los intelectuales más influyentes de nuestra época, John Berger quiso ser pintor, quizá por eso, cuando escribía, más que escribir pintaba con las palabras. Por eso, cuando en estas páginas escribe sobre cubismo, no sólo escribe acerca de Braque, Léger, Picasso y Gris, sino también de ese milagroso momento al inicio del siglo pasado cuando el mundo convergía alrededor de un prodigioso sentimiento de esperanza. Cuando analiza el trabajo de Modigliani, ve el amor infinito que se revela en las alargadas líneas de la figura pintada. Recreándose desde el Renacimiento hasta la conflagración de Hiroshima, desde el Bósforo hasta Manhattan, desde los tallistas de un pequeño pueblo de Francia hasta Goya, Durero y Van Gogh, y desde sus experiencias personales de amor y pérdida hasta los levantamientos políticos que definieron el siglo XX, este libro nos incita a mirar con la misma tolerancia, coraje y compromiso moral con que mira su autor.El sentido de la vista no es una simple antología: es un completo mapa del pensamiento de un verdadero maestro de nuestro tiempo. Con la mirada de un pintor y la voz de un poeta, Berger nos enseña a descifrar y transformar el mundo. Una lección de lucidez, humanidad y compromiso teórico.
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Capítulo I. Las palabras y los nombres (Juan José Gómez Molina), Capítulo II. Radiografía de un viaje (Juan José Gómez Molina), Capítulo III. Las palabras del dibujo (Lino Cabezas), Capítulo IV. Las palabras del dibujo: sobre el pensar gráfico (Miguel Copón), Bibliografía.
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Después del fenómeno mundial Roba como un artista, llega Esto no es arte, el libro No.º 1 en creatividad que te ayudará a desbloquear tu imaginación y volver a crear con la libertad de un niño. De Austin Kleon, arista y autor best seller internacional con más de 2 millones de ejemplares vendidos. ¿Te sientes quemado, disperso y sin una sola idea nueva? Nos pasa a todos: las ideas dejan de fluir, la chispa se apaga y crear ya no se siente tan emocionante como al principio. Da igual en qué momento de la vida estés, todos necesitamos volver de vez en cuando a ese estado de asombro, juego y descubrimiento en el que todo parecía posible. Este libro es un reset creativo para volver a mirar el mundo con curiosidad y soltar las reglas que te bloquean. Inspirado por sus hijos, Kleon comparte diez lecciones que te dan permiso para crear sin temor, tirar las instrucciones, creer en la magia y pensar más allá de tu cabeza. Con su inconfundible estilo que combina ilustraciones, citas creativas, historias y ejemplos, Esto no es arte es un chute de energía que te invita a jugar, ensuciarte y reconectar con el placer salvaje de crear a tu manera.Lo que dicen los expertos sobre Roba como un artista... «A partes iguales manifiesto y manual de instrucciones, este libro pretende introducir a los lectores en la idea de que todo trabajo creativo es iterativo, ninguna idea es original y todos los creadores y su obra son una suma de inspiraciones y héroes...». Forbes«Alarmantemente atractivo». CNN «Una lectura breve, fácil y muy personal, repleta de consejos prácticos para poner en marcha la creatividad». Business Insider «Sumergirse en este libro es la mejor inversión que puedes hacer en la vida de tu mente».The Atlantic
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Atento a la vieja tradición filosófica que pone el cuerpo en lo aparente, lo que aquí se escribe se inserta en esa tradición, pero al tiempo, y en rigor, la lee de otra manera. Porque, efectivamente, el cuerpo es ficción, y como tal se esconde en la apariencia, cambia continuamente, se presenta como lo que no es. El parecer marca su realidad, y parecer es estar en relación con otro, para otro, para el otro. Un cuerpo no tiene en sí. Siempre que se da lo hace en apariencia, aparentando, en imagen, si bien, y dicho de un modo más preciso, ese presentarse no oculta ninguna verdad eludida, ningún ser cierto en otro lugar bajo el camuflaje de la apariencia. Visto así, es una invención. También esto vale para todo cuanto se dice y se pinta sobre él, para este discurso sobre el cuerpo, para estos Corporales que envuelven y se añaden al cuerpo, que lo recogen de algún modo, pero que también lo cubren, lo tapan sin saber jamás lo que encubren. Y todo ello por más lucidez que les obligue y por mucho que el cuerpo sobre el que escriben sea un cuerpo completamente abierto.
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Un lúcido tratado sobre la percepción artística del niño y su evolución, en la que Lev. S. Vigotsky nos ofrece las claves para entender el despertar del niño a la imaginación y a la creatividad. Una propuesta original, un ensayo deslumbrante, imprescindible, que nos ayudará a comprender el arte y la creatividad, no solo de nuestros pequeños, sino los de todos nosotros.
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Publishing is the opening number to a line of publications from MACBA’s Education Department inspired by the day-to-day educational practices within contemporary art and museums. This first edition in the Quadern d’educació (Educational Notebook) provides time to think about our experiences, share what we have learnt and to think about publishing as an artistic and pedagogical practice. As such, fanzines, stickers, conceptual maps, picture books and hashtags become gestures that cause us to reflect on the how, why, and to whom education is made public.Why the need to publish? How can we make ourselves public? What has been published so far? A set of essays proposes possible answers to these questions. Aida Sánchez de Serdio Martín follows the historic tracks of education in museums through a DNA analysis of its thoughts and historical moments, Macarena García and Belén Soto explore concrete methods for ‘publishing’. The first, in a text which investigates a rather singular artefact, the challenging picture book, and the second opens up the meaning of ‘publishing’ in the context of the internet era and social media, Lluc Mayol and Alba Oller review Massa Salvatge’s experiences with editorial processes conceived as educational projects, or conversely, educational processes conceived as editorial ones, and Camila González Simon turns our gaze towards fanzines as a community-building medium as sources of creativity and pedagogy. Finally, a series of footnoted images, which uses as a pretext different activities of MACBA’s Education Department, are interspersed throughout the notebook as a working tool to think about those same questions.
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Sigui quin sigui el motiu pel qual ens endinsem cap als entorns naturals, encara que no siguin «inhòspits» o «extrems», mai hem de descurar tots aquells aspectes relacionats amb la seguretat, ja sigui individual, grupal i del medi, com són: geografia física, perills ambientals, actitud mental, primers auxilis, aigua, foc, orientació, eines, rescat, refugi i recursos alimentaris.Aquest llibre us proporciona explicacions, curtes, però aprofundides, sobre totes aquestes qüestions ben organitzades en deu capítols multitemàtics —que anomenem dies—. Tres quartes parts del text escrit es complementen amb il•lustracions i esquemes, mapes i exemples, llistes i taules.
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'María Blanchard nos pinta pobres seres meditativos, bien sean hombres, mujeres o niños, envueltos muchos de ellos en una atmósfera melancólica próxima a la ternura. Tiene para sus criaturas una fisonomía propia. Los personajes de sus cuadros pertenecen todos a una misma raza: nariz ancha, labios gruesos, tiernamente sensuales, ojos tristes, brillantes, cuello corto…'' Escrita en 1941, esta es la primera monografía dedicada en España a María Blanchard. Se la debemos a María Laffitte y Pérez del Pulgar, condesa de Campo Alange, escritora y crítica de arte, defensora de los derechos de la mujer y fundadora, en 1960, del Seminario de Estudios Sociológicos de la Mujer.
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Esta edición actualizada contiene 10 entradas nuevas referentes a las obras más importantes realizadas a partir del 2015 (Fecha de publicación del último formato). Obras desde el 28.000 a.c hasta nuestros días.El libro contiene 600 de las mejores obras de arte en cualquier disciplina (pintura, escultura, textil, metal o cerámica), desde obras maestras icónicas a obras menos conocidas. Las obras aparecen en orden cronológico y las parejas nos muestran un mismo punto temporal y un distinto lugar geográfico.Los textos están escritos por 35 comisarios, académicos y arqueólogos de todo el mundo.Contiene un glosario de términos artísticos y una línea temporal ilustrada con las obras que aparecen en el libro.
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La historia del siglo XX, contada a través de una pintura. La novela gráfica más premiada de la temporada en Francia: la obra maestra de un autor de culto, superviviente a los atentados de Charlie Hebdo. Todo comenzó en 1919 en un bosque a las afueras de Berlín, cuando un joven pintor expresionista de origen gitano pintó el cuadro Dos mujeres desnudas. El pintor existió realmente y se llamaba Otto Müller. Todo lo que vemos en esta novela gráfica está contado desde el punto de vista de ese cuadro. Desde el estudio del artista hasta las paredes de la oficina de su primer propietario, la pintura observa la vida cotidiana antes de ser arrastrada por las tribulaciones de este periodo oscuro: el ascenso de Hitler al poder, el arte moderno calificado de «degenerado» por los nazis, el expolio de las familias judías, exposiciones y ventas, incendios...
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Entre la memòria íntima i la poètica dels objectes, L'imant i les coses és el primer llibre de l'artista Mateu Coll. Amb una escriptura fragmentària i evocadora, però lluny de qualsevol nostàlgia, Coll construeix una obra on les coses —les trobades, les perdudes, les salvades— esdevenen dipositàries de vida i alhora testimonis del pas del temps. Cada objecte conté una història, una absència, un record, i el text s'erigeix al seu costat com un inventari afectiu que reivindica la bellesa i la fragilitat d'allò que resta. Amb fotografies de Jean Marie del Moral i un epíleg de Sebastià Perelló, a L'imant i les coses les imatges dialoguen amb la paraula escrita i n'intensifiquen la dimensió reflexiva i sensorial. Un llibre que s'inscriu en la tradició de la literatura de l'objecte i de la mirada —de Walter Benjamin a Mario Praz, de Virginia Woolf a Susan Sontag— i que aporta una visió pròpia i contemporània sobre el poder magnètic de la matèria i el desig inefable de retenir allò que s'esvaeix.
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Yoshitomo Nara alcanzó la fama a mediados de los años90, la estrella de una generación de artistas Avant-Garde japoneses asociados con el movimiento “superflat” neo-pop. Este libro se ha realizado en estrecha colaboración con el artista y explora detalladamente sus más de tres décadas de producción artística. Está escrito por el historiador de arte Yeewan Koon e incluye varios textos del propio Nara Primer libro serio sobre el artista en más de diez años, incluya fotografías personales y está ordenado cronológicamente. Comienza una retrospectiva en el LACMA en Abril de 2020 que viajará al Guggenheim Bilbao.
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Obra maestra de Sandro Botticelli (Florencia, 1445-1510), el Nacimiento de Venus es uno de los iconos más importantes de la cultura occidental, recreado en tantas imágenes como expresión de la belleza femenina sublime. Pintado en 1485, el Nacimiento de Venus es también una síntesis de elementos muy diversos: visuales (retoma esquemas compositivos propios del Quattrocento), mitológicos (recrea fábulas de la Antigüedad sobre el origen del mundo) o filosóficos (se inspira directamente en conceptos platónicos).
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Los jardines japoneses transmiten tranquilidad, armonía y comunión con la naturaleza. La simplicidad aparente de unas rocas o la elegante sencillez de unos guijarros son capaces de capturar la esencia evanescente del zen y elevar la jardinería a la categoría de reflexión filosófica.El arte de la jardinería en Japón alcanza un nivel de excelencia y refinamiento no superado por ningún otro país del planeta. Javier Vives da cuenta de su milenaria historia describiendo sus principales características y revelando los significados más profundos y metafóricos de esta expresión artística. El autor nos invita a recorrer más de cuarenta jardines tradicionales y modernos: villas imperiales, jardines de samuráis, templos budistas, casas de té, jardines zen…
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El culto moderno a los monumentos fue publicada originalmente en 1903 y en ella Riegl, a la sazón presidente de la Comisión de Monumentos Históricos, analiza la problemática del monumento en el horizonte de dos cuestiones fundamentales para el formalismo y la escuela vienesa de historia del arte: el culto a los monumentos es un culto moderno, y la consideración de la modernidad alienta a lo largo de todo el texto, es manifestación de una determinada voluntad de forma, Kunstwollen, concepto que está en la base de toda su argumentación y que adquiere en esta obra matices importantes. El proceso que conduce desde el valor monumental intencionado hasta el valor de antigüedad, pasando por el histórico, no es sino una manifestación de la emancipación del individuo, que ha realizado un fuerte avance, sobre todo desde finales del siglo XVIII y a lo largo del XIX, y que se dispone a sustituir paulatinamente los fundamentos clásicos tradicionales de la cultura por otros completamente distintos
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En la China clásica el arte se ha expresado a través de la tinta, el papel y el pincel, y la poesía, la caligrafía y la pintura formaron una unión inseparable llamada las «tres perfecciones».En este libro, la autora hace un recorrido por las diferentes dinastías Imperiales presentando a las mujeres pintoras chinas más importantes cuyas obras han sido seleccionadas por su riqueza y variedad para ser analizadas y contempladas. La vida de estas artistas estuvo íntimamente vinculada a sus orígenes sociales y a tradiciones como el confucionismo que limitaron en gran medida su espacio de actuación. En la soledad de sus hogares o rodeadas de numerosos admiradores, indiferentes a la fama o resueltas a encontrarla, todas llegaron a la madurez técnica y supieron captar el verdadero espíritu de la naturaleza que representaron con una belleza ilimitada y un delicioso estilo poético.Las Grandes Damas de la Pintura China, llegarán al corazón de todos los seres sensibles sin obstáculos y cuando contemplen sus obras, comprenderán inmediatamente los misterios que ante ustedes se revelarán, y su huella será tan fuerte como el trueno que logra romper el arte de pintar en silencio.
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Me he perdido en Venecia, pero ¿hay algo más mágico que perderse aquí? En el cielo veo una bandada de palomas, por lo que no debo de estar muy lejos de la plaza de San Marcos. Los gatos venecianos me guían por los canales y siento que la realidad va quedando fuera de este laberinto que se disfraza de ciudad... La isla de Burano, el puente de Rialto, Campo San Polo, la plaza de San Marcos… cae el sol sobre Venecia, desde sus edificios más emblemáticos hasta los rincones más desapercibidos, pasando por sus encantadoras plazas. David Pintor está ahí para captar con su lápiz y su paleta de colores cómo la luz languidece. Pero la mirada que nos ofrece está tocada por una suerte de magia que hace que las sombras fluyan sobre el agua de los canales, que los balcones y las terrazas dancen sobre los tejados.
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La investigación artística de Jorge Satorre —surgida de su inicial interés por desarrollar una carrera como ilustrador editorial— ha mantenido una sostenida preocupación por experimentar con los límites de diversas disciplinas ligadas al dibujo. Con el tiempo, esta práctica ha estado cada vez más vinculada a una vertiente escultórica desde la que establece diálogos con los diversos contextos donde concibe y expone su trabajo. Sus proyectos recientes suelen implicar actos de transformación y subversión derivados de acciones esenciales, como moldear, estampar, forjar, fundir o romper. Estos procesos entrelazan lo íntimo con lo industrial, lo funcional con el uso indebido, las anécdotas con los arquetipos, los recuerdos con lo imaginario.Con motivo de su exposición en el Museo Centro de Arte Dos de Mayo [Ría, CA2M, del 1 de febrero al 31 de agosto de 2025], se publica su primera monografía, que incluye nuevos ensayos de Daniel Garza Usabiaga, director del museo del Palacio de Bellas Artes, en Ciudad de México, y del artista irlandés Sean Lynch, así como una conversación entre Satorre y Latitudes, comisarios de la muestra, que reúne obras de nueva creación, junto a esculturas, dibujos e instalaciones producidas entre 2013 y 2025. Esta publicación está estructurada en orden cronológico inverso en torno a las exposiciones y trabajos realizados en los últimos quince años.
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Durante la llamada Belle Époque, París se convirtió en el centro cultural del mundo. Un período en el que la relativa paz, los avances científicos, tecnológicos y las nuevas obras de ingeniería invadían un mundo en el que la ociosa burguesía buscaba sali
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Este libro recoge, por primera vez y con investigación rigurosa, el mapa vivo y actual de las mujeres que cargan pasos a costal en España: dónde lo hacen, desde cuándo, cómo lo sienten y qué les impulsa a seguir. Más de cuatrocientas voces —costaleras, capataces, familias, responsables de hermandades y personas que acompañan el ritual— comparten su experiencia íntima: la tensión muscular, la técnica estudiada, la emoción que nace del hombro hacia la piel, los nervios que hormiguean en la antesala del paso, la fe, la entrega y la ilusión que atraviesa la noche. Estas páginas revelan un fenómeno lleno de raíz y de futuro: identidad, misión, cultura viva, sociología, psicología y memoria espiritual de nuestra religiosidad popular. Es un viaje humano y cercano, contado con respeto y escucha, que invita a comprender y sentir desde dentro. El latido de este libro toca algo profundo: bajo el costal hay cervicales, hay columna, hay respiración contenida… y hay un corazón que sueña en plural. Ellas ya caminan bajo los pasos, con paso corto y alma alta. Y su huella avanza, palmo a palmo, como la trabajadera: firme, consciente, compartida.
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* 30 dibujos para colorear a partir de las sublimes fotografías de Thomas Pesquet, para reproducir con fidelidad o utilizar los modelos originales a modo de inspiración. * Muchos universos para crear y elegir: hermoso azul, volutas acuáticas, geometrías variables o territorios conocidos. * ¡La magia de la terapia a través del arte para recuperar la calma y la concentración! «Ahora tienes la ocasión de unir tus trazos a los de la naturaleza...». Los derechos de autor de este libro se donan a la organización humanitaria Aviation Sans Frontières
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La inteligencia artificial ha irrumpido en nuestras vidas con una fuerza arrolladora. Y el auge de la IA generativa está afectando también a un ámbito que cabía pensar a salvo de su influencia: el de la creación artística. Nuestros conceptos habituales de estética o diseño están cambiando, nos vemos obligados a cuestionarnos la naturaleza del acto creativo, de la autoría, de la idea de originalidad. ¿Será posible que las máquinas generen una estética propia?Partiendo de una larga experiencia teórica y práctica en este campo, y con un enfoque multidisciplinar que va de la filosofía y la psicología del arte a la teoría de los medios o la ciencia de datos, este apasionante libro ofrece una sorprendente y esclarecedora visión de conjunto de un tema de máxima actualidad que, sin embargo, está dominado por generalidades y lugares comunes. Un texto que da un vuelco radical a cualquier idea preconcebida que el lector pudiera tener al respecto.
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Made by MSCHF es un estudio del trabajo del colectivo de arte MSCHF, con sede en Brooklyn, conocido por sus proyectos eclécticos que critican las mismas áreas de la cultura popular que habitan. Desde una línea de bolsos de diseño que solo son visibles bajo un microscopio hasta un juego de citas anime que ayuda a los jugadores a generar una declaración de impuestos funcional, las obras de MSCHF son incisivas, a menudo virales y siempre están imbuidas de su estilo único de humor subversivo.Con imágenes nunca antes vistas, este libro presenta estudios de casos que exploran en profundidad 12 de los proyectos de MSCHF, brindando a los lectores un modelo de cómo se desarrollan sus trabajos desde la idea hasta el lanzamiento. Escrito por dos de los cofundadores del colectivo, el libro presenta 6 ensayos temáticos adicionales y un archivo de todas las obras de arte del MSCHF hasta la fecha, que en conjunto revelan el alcance y la evolución del grupo experimental.Los proyectos incluyen: Big Red Boot, un par de botas de goma grandes y caricaturescas, Jesus Shoes, sus zapatillas de deporte de marca llenas de agua bendita, ATM Leaderboard, un cajero automático instalado en Art Basel Miami Beach que clasificaba a los usuarios por saldo bancario, y Severed Spots, en el que recortaron manchas de grabados de Damien Hirst y las vendieron como obras de arte individuales.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
