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Libros de arte
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Se completa la trilogía Madelman! Informe Madelman volumen 3, describe en detalle a la empresa que fabricaba los Madelman: Industrias Plásticas Madel S.A. Conoceremos sus orígenes, su estructura, los productos que fabricaban, su localización, y sus métodos de trabajo y de marketing. El lector se adentrará en un sinfín de detalles de cómo se realizaban los juguetes que consiguieron llenar de ilusión y felicidad a muchísimos niños: los Madelman, el Luminrama, la Carabina Safari, Skedoodle, Cara loca, Tropezón y muchos otros. Y viajaremos más allá, mostrando lo que se realizó después de dejar de fabricar el Madelman, cerrando una historia que empezó a narrarse hace ya unos años. Un viaje nostálgico para quienes conocieron y admiraron los productos de Madel y todo un estudio detallado para quienes quieran conocer el funcionamiento de una empresa juguetera pionera durante cuatro décadas.
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Un recorrido esencial por el mundo de la historia del arte. Si te haces un lío entre el Rococó y el Manierismo o entre el Modernismo y el Impresionismo, este pequeño libro, muy práctico y accesible, te llevará de la mano a través de las distintas corrientes y épocas artísticas de la historia. Entiende de una vez la diferencia entre los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio), y disfruta de las mejores obras artísticas de la historia de la humanidad a la vez que aprendes a situarlas en su contexto histórico y etapa artística. Descubre cómo la evolución de la historia del arte ha esculpido la sensibilidad artística actual y la forma en la que entendemos hoy el arte.
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La naciente disciplina del psicoanálisis muy pronto demostró interés por las problemáticas estéticas, no ya sólo en las representaciones de los sueños y delirios. Empezando el siglo XX, el círculo de Sigmund Freud se dispuso a analizar las relaciones entre la psicología del individuo -con sus pulsiones, traumas y anhelos- y la creatividad artística, interpretando la obra de arte como la manifestación o resolución, siempre cambiante, de los conflictos del artista consigo mismo y con su entorno, o también como la concreción, más o menos armoniosa, de los tránsitos entre lo consciente y lo inconsciente.El presente texto de Otto Rank, publicado en 1907, fue, en este sentido, pionero, y abrió el camino a otros escritos sobre arte y psicología a cargo, señaladamente, de su maestro Freud o de su, por entonces, condiscípulo, Carl Gustav Jung.
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En la Antigüedad, la Edad Media y los tiempos modernos Este breve tratado sobre el simbolismo tradicional de los colores, escrito de un modo puntilloso y exhaustivo, es uno de los pocos disponibles en una lengua del mundo occidental. Su fundamento teórico consiste en el concepto de que todo lo manifestado procede esencialmente de un principio metafísico y expresa la realidad según su orden de existencia. También los colores obedecen a esta ley y, respecto a su grado específico, encajan en la unidad principal. El simbolismo del color es un modo de expresión universal que ha atravesado culturas y religiones, desde la India hasta China y Persia. Este importante elemento de la iconografía se encuentra en los templos de Egipto, los mo-numentos de Grecia y Roma, y luego en la Edad Media y las vidrieras de las catedrales góticas. Los libros sagrados, desde los textos védicos hasta la Biblia y el Corán, recurren constantemente al simbolismo del color. Frédéric du Portal recorre con detalle el viaje de los colores simbólicos a través de los siglos, y su extensa inves-tigación le ha llevado a la convicción de que «los colores tenían el mismo significado entre todos los pueblos de la alta antigüedad». Basándose en una exhaustiva documentación, Portal explica los principios y leyes que rigen el lenguaje de los colores. Un libro fascinante, que invita a la reflexión y que sigue siendo una referencia para artistas y estudiantes de Historia del arte.
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La Semana Santa de Jerez de la Frontera es una de las cinco grandes celebraciones pasionistas andaluzas y es el reflejo espléndido y sorprendente de una sociedad fervorosa, religiosa (a su manera), culta y viva, que evoca una estética soñada, como la que captaron el abulense Juan José Serrano o el arcense Eduardo Pereiras Hurtado, pero sin que quede fosilizada en aquellas vetustas imágenes en sepia. La fiesta mayor conoció las influencias austeras, místicas y barrocas, románticas, populares y flamencas, y se sobrepuso a las crisis sociopolíticas, floreció en los años de la Belle Époque primo-riverista y en su secuela nacionalcatolicista, se adaptó al moderno flower power que llegó a ritmo de folk, pop y rock and roll, o explosionó en un modelo global y depurado, con un lenguaje teatral, cinematográfico y televisivo. Se trata de una Semana Santa de primer nivel fenomenológico y patrimonial, revalorizada, tradicional e innovadora, con seleccionadas adherencias y creatividad, y con una mirada orgullosa, desafiante y confiada en su futuro.
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Explore la vibrante historia y la profunda resonancia cultural del arte feminista de Corea y la diáspora.El libro de la reconocida curadora y académica Dra. Kim Hong-hee es el primero en profundizar en el impacto de las artistas feministas coreanas en el panorama cultural del este de Asia.Este estudio visual sin precedentes celebra el trabajo de 42 artistas contemporáneas, desde estrellas en ascenso hasta nombres mundialmente reconocidos, incluidos Theresa Hak Kyung Cha, Kyungah Ham, Kimsooja, Lee Bul, Mire Lee, Minouk Lim, Haegue Yang y Yun Suknam.Organizado por temas que incluyen política queer, ecofeminismo, diáspora y abstracción, Korean Feminist Artists presenta obras de arte que abarcan pintura, escultura, fotografía, cine, video, instalaciones, artesanías y performance. A través de ricas imágenes y textos, el libro explora la búsqueda de estas artistas pioneras por la igualdad social, cultural y sexual, desde sus confrontaciones con el establishment artístico dominante hasta la importancia de sus intervenciones estéticas y políticas.Ricamente ilustrado con casi 260 imágenes bellamente reproducidas y finalizando con un ensayo personal y estimulante de la influyente poeta surcoreana Kim Hyesoon, este estudio vital y oportuno revela el impacto de las mujeres artistas en la cultura coreana en general.
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El patrimonio cultural es la herencia recibida del pasado y depósito de la memoria. El reconocimiento, valoración y conservación del patrimonio cultural se orienta al mantenimiento de nuestra identidad histórica como comunidad humana. Este amplio y crucial cometido convierte al patrimonio en un concepto enunciado desde presupuestos dialécticos y críticos, en constante redefinición. Este libro invita al lector a adentrarse en la reflexión sobre el concepto de patrimonio cultural, su sentido y sus valores dentro de nuestra sociedad actual. Mientras que los primeros capítulos se centran en la formación del concepto de patrimonio cultural y su expansión, en los siguientes se plantea una reflexión acerca de los principios de la conservación del patrimonio cultural teniendo en cuenta el notable incremento de la patrimonialización (ciudades históricas, patrimonio inmaterial, cultura popular, etc.) que se ha producido en las últimas décadas.
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El presente libro reúne los textos más recientes sobre estética de los media, cultura visual y simbolismo artístico de uno de los autores que ayudó a lanzar y fundamentar los Estudios Visuales.
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Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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* Bienvenido al mundo de los mitos, un reino fantástico repleto de criaturas mágicas y míticas de todo elplaneta. * Conozca a Baku, un espíritu japonés que se alimenta de sueños y pesadillas, y al tempestuoso Fénix de la mitología griega, que renace a partir de sus cenizas. Observe con atención y podrá captar un destello del escurridizo unicornio, que tiene poderes curativos y atrae la buena suerte. * Todo ello se halla a la espera ¡de que le añada color y le dé vida!¿Listo para empezar? Incluye algunas técnicas paracolorear divertidas que puede probar, como imitar unarcoíris, jugar con luces y sombras, utilizar la textura, añadir profundidad o destacar los detalles clave.
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La perspectiva para Panofsky no es un simple elemento «externo» o «técnico» de la obra de arte, no es un supuesto insignificantedel estilo, sino que, por el contrario, expresa, en sus diversas configuraciones, su propia esencia. Para Panofsky, la Anti
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El padre del surrealismo belgaAnticipándose a las vanguardias artísticas del siglo XX e inaugurando la gran tradición surrealista que recorre el arte belga, James Ensor (1860-1949) pronto empezó a crear un reino de máscaras, del que será rey, descubriendo un país, provincia a provincia, con sus sitios pintorescos y sus lugares terribles, con sus parajes tristes y sus rincones locos, habitados por seres quiméricos, extraordinarios, grotescos, macabros.
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La cultura és un camp obert, un espai que, per definició, no es deixa tancar, és inestable i genera interrogants, crea nous llenguatges i referents, i transita per itineraris que cal descobrir i explorar. Les pràctiques i les disciplines que hi intervenen es creuen, es nodreixen entre elles, i malden per trobar sentit al subjecte humà i la seva contemporaneïtat, que sovint és una realitat heterogènia, contradictòria i canviant. De les noves mitologies a la reflexió sobre la intel·ligència artificial, del teatre a l'arquitectura, el cinema i la creació artística i literària, de la sociolingüística a la ciència i la tecnologia, aquest volum recull una sèrie d'assaigs breus que dibuixen, en conjunt, allò que avui podríem entendre per cultura, sense voler limitar-la ni esgotar-ne totes les potencialitats. I és, sobretot, un estímul per pensar, a partir de la singularitat de cada mirada, com ens situem al món des del coneixement, la creativitat i la imaginació.
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20 excursiones entre la costa y el interior Este libro está pensado para los entusiastas de las excursiones que buscan explorar la belleza de la costa catalana, abarcando desde los acantilados abruptos y las calas escondidas hasta las montañas del litoral, los valles, marismas y desembocaduras costeras. Nuestro viaje nos llevará desde el Alt y el Baix Empordà hasta el Baix Camp y el Baix Ebre, con paradas en otras comarcas que combinan el encanto del mar y la montaña, como el Maresme, Garraf y La Selva.
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Hay un momento en que los ojos se abren de pronto alarte, igual que los oídos a la música o a un idioma que hasta entonces se ha estudiado con la sensación deno avanzar, o de hacerlo muy despacio. Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan, Erwin Panofsky y E. Gombrich me enseñaron a mirar con los ojos bien abiertos lasobras de arte y a buscar sus vínculos con el mundo real, intentando ver en ellas lo que vieron sus contemporáneos y comprender el lugar que ocupaban en sus vidas y en sus sistemas de creencias. Creo que fue de Baudelaire y de Marcel Proust de quienes empecé aprendiendo a escribir sobre arte, intentando usar las palabras como una lente de aumento para mirar mejor lo que se tiene delante de los ojos, en los cuadros y también en la realidad. Mucho más tarde, ya adulto, descubrí a Robert Hughes y quise tomar ejemplo de su apasionada claridad. Los ensayos de este libro se han idoescribiendo de manera intermitente a lo largo de casiveinte años. Al verlos juntos ahora, observo que elazar de los encargos y del puro paso del tiempo les ha ido dando una cierta unidad involuntaria, casi un hilo narrativo, que tiene mucho que ver con la derivade mis intereses personales y mis aficiones, quizás con la ética y la estética que están implícitas en eltrabajo de cada escritor.
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El desmayo atraviesa la historia del Arte con una insistencia temática e iconográfica merecedora de mayor atención. Es un gesto masivamente atribuido al cuerpo femenino como índice de su afectividad y desvalimiento. La plasticidad y poder de conmoción del desmayo ha servido, durante siglos, para retratar de manera diferenciada los poderes de hombres y mujeres en escena. Alguien cae, alguien levanta: porque no tienen el mismo poder. Desmayadas recorre las «figuraciones» del desmayo femenino en sus diferentes registros artísticos, desde la pintura hasta el cine, pasando por la literatura y el drama musical. A través de diálogos con el Bosco y Artemisia Gentileschi, con Safo y Shakespeare, con Ingmar Bergman y Rita Azevedo Gomes, entre otros, Desmayadas desvela la complejidad que subyace a un gesto tan banalizado. Explorar el desmayo en su(s) historia(s) permite sacar a la luz las violencias sobre las que se soportan nuestros escenarios sociales. Su impacto pictórico, literario y cinematográfico sigue hoy señalando a aquellas agencias políticas que precarizan nuestra conciencia y hacen que nuestros cuerpos caigan, antes de merecer un auxilio.
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La guía definitiva, respaldada por cineastas, sobre la historia, la cronología y los personajes del Universo cinematográfico de Marvel El Universo cinematográfico de Marvel es increíblemente variado y muy complejo. Mundos diferentes, líneas de tiempo, innumerables personajes. Esta es la guía de ese universo. Creado en estrecha colaboración con Marvel Studios, enmarca los eventos más importantes: qué sucedió, cuándo, dónde y por qué.Conoce la historia completa del universo cinematográfico de Marvel, desde antes del Big Bang hasta el Blip y más allá. En el camino, aprende más sobre la evolución de las armaduras de Iron Man, la búsqueda de las Gemas del Infinito y la formación del Multiverso. ¿Quieres saber cuántas veces los extraterrestres han invadido la Tierra o la historia completa del escudo del Capitán América? ¡No busques más!Un libro fantástico para cualquier cinéfilo, lleno de infografías exclusivas, líneas de tiempo esclarecedoras e increíbles imágenes de películas, que ocupará un lugar de honor en la estantería de cualquier fan del Universo Cinematográfico de Marvel. ¡Conviértete en un experto del Universo cinematográfico de Marvel!© 2023 MARVEL¿A quién va dirigido el libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. C?Este libro está dirigido a los aficionados al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM), a los cinéfilos interesados en la cronología y la historia de las películas de Marvel, y a cualquier persona que desee comprender la complejidad y la interconexión de este universo cinematográfico. Se presenta como una guía completa, ideal para aquellos que buscan profundizar en el conocimiento del UCM, desde sus inicios hasta sus desarrollos más recientes. Su formato y contenido lo hacen accesible tanto a lectores con conocimientos previos como a aquellos que se acercan por primera vez a este universo.Temas que trata el libro El universo cinematográfico de Marvel. Cronología oficialEl libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. C ofrece una exploración exhaustiva del UCM, cubriendo una amplia gama de temas. Se centra en la cronología de los eventos, proporcionando una línea de tiempo detallada que conecta las diferentes películas y series. Además, se adentra en la historia de personajes icónicos, analizando su evolución a lo largo de las diferentes entregas. Se incluyen descripciones detalladas de las armaduras de Iron Man, la búsqueda de las Gemas del Infinito y la formación del Multiverso, entre otros elementos clave de la narrativa. El libro también profundiza en aspectos como las invasiones extraterrestres a la Tierra y la historia del escudo del Capitán América. La obra se apoya en infografías, líneas de tiempo y numerosas imágenes de las películas para facilitar la comprensión y el disfrute de la información. La colaboración con Marvel Studios asegura la precisión y la fidelidad a la información oficial.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro EL UNIVERSO CINEMATOGRÁFICO DE MARVEL. CLas opiniones de los lectores destacan la calidad del libro como una guía completa y detallada del UCM. Se elogia su exhaustividad, su capacidad para organizar la compleja cronología del universo Marvel y la riqueza de información que ofrece. Los lectores aprecian la inclusión de imágenes y elementos visuales que complementan el texto escrito, facilitando la comprensión de la información. Se describe como un "librazo" y una obra que resulta muy atractiva para los aficionados al UCM, ofreciendo una experiencia de lectura completa y satisfactoria. Se destaca su valor como una referencia indispensable para cualquier fan del universo Marvel.
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Me pinto a mí misma porque soy a quien mejor conozco, soy mi propia musa.''Mi pintura es el fruto del dolor y de la pasión, cada trazo refleja mi lucha y mi resistencia.''''Mis pinturas son pintadas, no con el virtuosismo del artesano, sino como quien de inmediato abre el corazón.''
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El estudio más completo sobre el derecho a la autodeterminación sexual de las personas en el ámbito internacional. ¿El Derecho internacional castiga la violencia sexual para proteger la libertad o lo hace movido por una voluntad paternalista de proteger a las mujeres? Para dar respuesta a esta pregunta, este libro examina los antecedentes, el Estatuto y el trabajo de la Corte Penal Internacional. Plantea si, al tratar de superar ciertos sesgos de género, la Corte puede estar favoreciendo la construcción de un derecho humano a la libertad sexual, y evalúa su potencial influencia en la práctica interna e internacional de los Estados relativa no solo a la prohibición de los ataques contra la autonomía sexual, sino, sobre todo, al respeto y la protección de la libre disposición del propio cuerpo.El proyecto de investigación que dio lugar a esta obra obtuvo el I Premio Luis del Castillo sobre Justicia Penal Internacional y Derechos Humanos.
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El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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¡Aprende a dibujar cada parte del cuerpo y sus diferentes poses! Lemon Chan quiere ir un paso más allá y mejorar las características físicas de sus personajes colocándolos en distintas poses y movimientos, ¡todo un reto! En este nuevo volumen, recorreremos todas las partes del cuerpo para entender cómo son y cómo debemos dibujarlas en cada momento: el esqueleto, las articulaciones, las diferencias en función de la edad y la constitución... Conoceremos la importancia de guardar sus proporciones a la hora de dibujar distintas poses y nos introduciremos en los planos y la composición. ¡Haz que tus personajes se llenen de realismo dibujándolos correctamente en las distintas poses y contextos!
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El trabajo de Ana Gallardo se entrelaza con las voces de artistas y activistas sobre las violencias que se ejercen contra mujeres, territorios y saberes.Con motivo de la muestra de Ana Gallardo en el CA2M de Móstoles, Tembló acá un delirio pone en relación la producción de la artista con una reflexión coral a cargo de varias autoras y activistas. En el centro del debate está un tema que suele ser soslayado por varios e históricos motivos: la violencia que se ejerce contra las mujeres, los territorios y los saberes. De esta forma, la publicación busca pensar las marcas de la aplicación de tecnologías de muerte como parte de un programa de gobierno colonial y patriarcal, así como las forma de resistir y crear límites ante la tendencia del capitalismo a disponer de lo vivo como una fuente de recursos de la que extraer beneficios y privilegios para unos pocos.
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¿Por qué, poco después de la Revolución Francesa, unos jóvenes pintores deciden usar togas griegas y más tarde se retiran a un monasterio ruinoso? ¿Qué hace que unos artistas prusianos casi adolescentes se dejen crecer el cabello, lleven largas túnicas e intenten vivir como monjes medievales? ¿O que otros jóvenes creadores en Inglaterra funden una llamada ''Hermandad Prerrafaelita''? ¿Y que un grupo de amigas se unan como Hermanas en el Arte o ''Sisters in Art''? ¿Por qué William Morris quiere convertirse en una suerte de artesano y termina siendo un pionero del socialismo? ¿Cómo se unen en un proyecto artístico colectivo la espiritualidad, la amistad, el género, el deseo sexual y las ideas políticas? ¿De qué modos puede el arte cambiar la vida de los que lo practican, más allá de constituir una ocupación? ¿Es ese el sentido de los colectivos de creadores?Amigos, disfraces y comunas quiere responder estas preguntas, mediante el estudio del primer tipo de colectivismo artístico moderno, que sienta las bases para los colectivos artísticos de los siglos XX y XXI: son las llamadas hermandades de artistas, grupos cuya práctica ambiciona unir el proyecto vital y el creativo, ensayando otras formas de entender los afectos y la identidad como algo compartido. Trazando la historia de ''Méditateurs'', Nazarenos, Prerrafaelitas y miembros del movimiento ''Arts and Crafts'', este libro estudia las prácticas colectivistas de dichos grupos entendiéndolas como una forma de autoescenificación que da vida a visiones estéticas y sociales. De este modo, contribuye a una genealogía anterior a los siglos XX y XXI de la ''performance''.
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Al despertar, lo primero que percibimos es el tacto de nuestras sábanas, la luz con la que nos envuelve lalámpara que encendemos, la forma y color de la vajilla del desayuno... Desde ese momento y hasta terminarel día, cuando cerramos de nuevo los ojos sobre el textil de la almohada, nuestro cuerpo se habrá topadoy desenvuelto con una infinidad de objetos diversos.Se trata de cosas modestas, comunes y ordinarias, queusamos constantemente sin prestarles apenas atención. Pero los objetos son también unos compañeros constantes en nuestra vida y, como tales, afirma Soetsu Yanagi, deben hacerse con cuidado y fabricarse para queduren. Deben ser tratados con respeto e incluso afecto. Y deben aunar perfectamente belleza y utilidad. Soetsu Yanagi es un pensador imprescindible hasta ahora inédito en castellano, y una de las voces clave delsiglo XX en llamar la atención sobre el valor de losobjetos cotidianos y la artesanía anónima. Este libro, que recopila los ensayos breves del crítico japonés, nos enseñará a mirar con nuevos ojos a nuestro alrededor y a admirar el increíble valor material e intangible de las creaciones anónimas, siempre bellas y honestas, que forman parte de nuestra vida cotidiana.
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Único en su categoría, este bellisimo «libro-objeto»–de conmovedora adecuación entre contenido y forma– plantea una reflexión sobre los absurdos recorridos alos que fueron forzados los prisioneros de los camposde concentración nazis, en concreto, los 77 artistasque incluye este libro, como cronistas de las condiciones infrahumanas en las que vivieron. Cada estrellaes un gueto o campo de concentración, cada línea, una vía de tren que convierten la locura de estos trayectos en constelaciones, creando un sorprendente universo que golpea el corazón y la conciencia. Un libro poético, lleno de silencios, que invita a la reflexión, cada vez más necesaria
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Este libro presenta un análisis detallado sobre la necesidad de reformular los planes de estudio de los Grados de Historia del Arte dentro del contexto universitario. A través de una mirada interdisciplinar que cruza las artes y las ciencias de la educación, se presenta en estas páginas un modelo curricular alternativo que no solo atiende a las competencias fundamentales, sino que ofrece además una propuesta concreta para su implementación. Más allá de sus bases teóricas, el texto explora las condiciones prácticas necesarias para llevar a cabo este diseño, señalando su viabilidad dentro de la realidad educativa contemporánea.Dirigido principalmente a docentes y estudiantes universitarios del ámbito de las artes e interesados en la didáctica de las ciencias sociales y el diseño curricular, este estudio resulta también de gran interés para responsables académicos y gestores educativos tanto en España como en América Latina, al ofrecerse en él ideas innovadoras para la reconfiguración de los programas de Historia del Arte y áreas afines.
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Diego Rivera, desde las vanguardias europeas al muralismo mexicano“En la figura de Diego hay una flojedad rara y suntuosa, como si todo pesase sobre él, como si pudiendo con todo, lo llevase todo colgado tranquilamente a sus hombros, como si llevase insistiendo sobre él las más grandes ideas, como si reposase sobre él la responsabilidad de la creación, como si en el fondo de su alma y en el fondo profundo de sus grandes bolsillos llevase cosas materialmente muy grandes, monstruosas, compactas y macizas.
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Esta obra pretende ser unha recompilación das composicións de Xesús Vaamonde Manteiga para gaita (nas versións de dúo e solista). O libro acompaña as partituras e comentarios do autor sobre as mesmas, unha pequena «Guía de Audición» e un CD onde se poden escoitar os temas.
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Puede que conozca la cita de 1889 de Oscar Wilde, ''La vida imita al arte mucho más de lo que el arte imita a la vida.'' Puede ser así, pero cuando el arte imita a la vida, se llama mímesis. Mímesis -derivado del verbo griego mimeisthai- es un término que conlleva una amplia gama de significa dos, que incluyen representación, mimetismo, el acto de expresión, el acto de semejarse, y la presentación del yo. En la antigua Grecia, la mimesis era una idea que regía la creación de obras de arte, especialmente en lo que respecta al mundo físico que se identificaba como el paradigma de la verdad y la belleza. Hoy en día este término se utiliza principalmente en la crítica literaria y la filosofía, pero a propósito de esta exposición reconoceremos el significado original de mimesis, el acto de representar la realidad en el arte.
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Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Ángel y los grandes venecianos, también Caravaggio. La narración de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulación histórica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad. En 1914, cuando solo tenía veinticuatro años, Roberto Longhi redactó esta síntesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartía clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtió en un texto legendario que solo muchos años después sería publicado, que ofrecemos en traducción castellana. Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aquí está en embrión el Longhi posterior. Un embrión apasionante y polémico, que se lee «de un tirón», casi como si fuera una novela.
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En sus cuadros más valiosos se advierte, en las figuras tan bien proporcionadas, con sus justas vestimentas antiguas y sus graciosos peinados, que mucho estudió a Rafael, que de Correggio tomó la pureza de las actitudes y la propiedad de las posturas, y del Parmigianino, la gracia y el aspecto de los rostros. Tiernos y carnosos son sus angelillos, y siempre las figuras están perfectamente perfiladas, y los drapeados son magníficos y acertados, y los desnudos profundamente estudiados, mostrando gran inteligencia en el pintar bellos torsos. Y, mejor que ningún otro, supo hacer las cabezas mirando hacia arriba.
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Un diccionario fundamental contra el ruido y la indigestión que genera la avalancha iconográfica de la cultura contemporánea. Con las cámaras de los teléfonos convertidas en apéndices humanos generamos muchas más imágenes de las que podemos consumir, imágenes que nos someten y ante las que, a veces, no queda más que sublevarse. Imágenes que nos degluten y a las que de vez en cuando conviene deglutir. Imágenes que, bajo la alfombra inabarcable de las millones de reproducciones, casi siempre nos ocultan los imaginarios de esta era, que empezó con la nueva derecha poniendo a volar la cabeza sin cuerpo de Lenin sobre el cielo de Berlín y se alarga hasta un presente en el que la nueva izquierda ha echado a cabalgar el cuerpo sin cabeza de Franco en el suelo de Barcelona.El ensayista Iván de la Nuez define esta omnipresencia como «iconocracia», un término que afianza la tiranía de la imagen pero que, al mismo tiempo, nos permite contrarrestarla. Y es que, sin negar esa ubicuidad opresiva, la apoteosis iconográfica puede entenderse también como un ecosistema de poder y contrapoder, un juego de gobierno y oposición en el que cabe la vomitona radical de la iconoclasia pero también la digestión crítica de la «iconofagia», concepto que han compartido Norval Baitello o Alfonso Morales y que ahora da título a este diccionario que se propone como una sola trama y en cuyos capítulos brillan con luz propia voces e imágenes.Sobre el autor y su obra la crítica ha dicho:«Iván de la Nuez es un francotirador que lleva veinte años publicando ensayos que son hitos de una exploración coherente y original del medioambiente simbólico contemporáneo. (...) Y lo hace con una escritura rigurosa pero también accesible y divertida».César Rendueles, Babelia«De la Nuez es un paria de largo alcance. (...) Pero el autor cubano no va con brújula. Como los parias, como los nómadas, se moja el dedo para detectar el sentido del viento y prospectar el camino del globo. Donde el globo quiera. Donde el viento dicte. De la Nuez, nacido en La Habana, habitante del mundo, vuelca su víscera en cada página (...)».Franco Chiaravalloti, Revista de las letras «Sus libros no se suceden como variaciones de un mismo libro, a la manera de tantos ensayistas, ni tampoco como aplicaciones locales de un canon intelectual propio. (...) En realidad, la metáfora más útil -tal vez la única- para describir la escritura de Iván de la Nuez es la metáfora cartográfica».Javier Calvo, Letras Libres «Hay que disfrutar en de la Nuez (y esto es algo que lo separa de otros intelectuales cubanos contemporáneos suyos más graves), eldescarnado humor, la propensión crítica a salar las cosas, invadir el discurso: darle sabor, darle swing».Alfredo Triff, Tumiamiblog
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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Una guía amena para entender cómo funciona el mercado del arteEn 2019, una tabla que una anciana tenía olvidada en su cocina de París se vendió en subasta por 24 millones de euros. La mujer pasó años sin saber que aquel trozo de madera a priori irrelevante, hoy expuesto en el Museo del Louvre, era en realidad el Cristo burlado, del pintor italiano Cimabue. Por supuesto, no es normal encontrarse con semejante tesoro en una cocina, pero es un ejemplo fascinante de la importancia de conocer, valorar y dedicar tiempo al arte. Rodeado de un halo de lujo y exclusividad, el mundo del coleccionismo se antoja inalcanzable para la mayoría de los aficionados. Sin embargo, es más accesible de lo que parece y una actividad gratificante siempre que concurran dos características fundamentales: la pasión artística y el conocimiento del mercado. María Sancho-Arroyo lleva treinta años trabajando con artistas, coleccionistas e inversores y durante dos décadas trabajó en la famosa casa de subastas Sotheby's. Desde la trastienda de ese universo de sofisticación abre la puerta a los lectores con esta guía que da acceso al rico ecosistema de ferias, galerías y colecciones. ¿Inversión o pasión? desgrana de manera entretenida los canales de venta, los secretos de la tasación, las interacciones entre los museos y el mercado, y las posibilidades del arte como bien de inversión para todos los bolsillos. Un libro, en definitiva, que busca proporcionar «las herramientas esenciales para maniobrar hábilmente en el mercado del arte y asegurar que cada adquisición sea no sólo gratificante, sino que también añada valor y satisfacción a tu experiencia como coleccionista».
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La cancelación fallida del arte de las vanguardias.“Degenerado, judío y bolchevique.” Así definía Adolph Hitler el arte de vanguardia: el arte de Chagall, de Otto Dix, Paul Klee, Kandinsky, Picasso, Mondrian u Oskar Kokoschka.Con la finalidad de denigrarlas ante el arte del nuevo Reich, los nazis requisaron de colecciones privadas y museos públicos todo tipo de obras adscritas a los distintos movimientos artísticos de principios de siglo y las convirtieron en objeto de mofa en una exposición inenarrable: la exposición del “Arte degenerado” que, inaugurada en Múnich en julio de 1937, emprenderá luego un periplo por todo el país hasta convertirse en una de las exposiciones de arte más visitadas del siglo XX.Paradójicamente, con esta iniciativa, los nazis, antes que ''cancelarla'', acabaron cristalizando la modernidad contemporánea mucho mejor que cualquier otra manifestación artística.
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Un libro de lujo del famoso videojuego.En conmemoración al 15º aniversario de Assassin's Creed se ha llevado a cabo un análisis exhaustivo de la creación de la galardonada franquicia, con magníficas ilustraciones de más de una década y media de desarrollo y entrevistas detalladas con los creadores de los juegos.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
