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Libros de arte
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El tema de los animales siempre ha tenido un gran atractivo para los artistas. Sin embargo, crear bocetos convincentes de animales puede resultar desalentador y llevarle a preguntarse: ¿por dónde empiezo? Olvídese del miedo y déjese guiar por expertos con este cuaderno de bocetos. Descubrirá habilidades de dibujo que nunca pensó que podría tener. Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos Empiece con técnicas sencillas de trazado y esbozo, y continúe después con la estructura, la textura y la expresión (los elementos fundamentales que harán que sus dibujos de animales pasen de buenos a magníficos). Cada capítulo cuenta con espacio suficiente para que practique los bocetos directamente sobre la página. ¡Tome un lápiz y descubra el placer de dibujar animales!
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Nadia Scit desvela en este libro las claves alquímicas para poder entender las metáforas de cada una de las escenas de este cuadro del Bosco. El jardín alquímico de las delicias es un libro basado en los principios alquímicos que el Bosco conocía muy bien, cuya interpretación ha dado lugar a controversias que han perdurado más de quinientos años
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Este libro contiene tres ensayos escritos (y dictados) entre 1882 y 1889: Lección para estudiantes de arte, Decoración del hogar y Modelos londinenses. Reflejan el interés y profundidad del autor acerca del arte y la belleza: en ellos no solo aborda la composición, el color y los materiales, sino también la universalidad de lo bello en la decoración, en el vestuario y en el mero existir.
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Oro y estiércol reúne una selección de textos -traducidos por primera vez al castellano- en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación. No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo -en el sentido etimológico de «acto de sopesar»- en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.
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El Museu de la Tècnica de Manresa
Cuaderno con resúmenes ilustrados y propuestas didácticas para conocer el Museu de la Tècnica de Manresa, un gran edifcio construído a mediados del siglo XIX para recoger y almacenar el agua de la Sèquia para su distribución posterior en la red de consumo de Manresa, como parte del plan para hacer llegar agua clara hasta el interior de las casas manresanas. Se explica la evolución industrial de la ciudad de Manresa, desde la época medieval, pasando por la época de la manufactura y llegando a la ciudad industrial. La guía recoge también los diferentes procesos de la cintería hasta la situación actual y muestra un itinerario para el agua y la industria manresana. Incluye un glosario y actividades didácticas.
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El presente volumen forma parte de la colección VEGAP CONTEXTOS que, resultado del ciclo CÍRCULO VISUAL organizado por VEGAP y el Círculo de Bellas Artes de Madrid, tiene como finalidad desarrollar una amplia reflexión sociológica y de antropología cultural sobre el arte de nuestro tiempo y los diferentes aspectos de la fenomenología socioeconómica que se ciernen en su entorno en el presente capitalismo informacional. Así, y teniendo como eje vertebrador la inteligencia artificial (IA) y su interacción con la creación artística, Antón Patiño , escritor y artista, además de presidente de VEGAP, analiza la ambivalencia e incertidumbres que nos provocan estos importantes cambios. A continuación Valerio Rocco , filósofo y director del Círculo de Bellas Artes de Madrid, se centra en cuestionar el carácter innovador de la inteligencia artificial. Por su parte, Daniel Innerarity , filósofo, se instala en una posición ecléctica al valorar, sin efectismos ni mágicos ni apocalípticos, el fenómeno de transformación tecnológica que supone la inteligencia artificial. Daniel Canogar , creador visual, nos transmite sus reflexiones no solo teóricas, también empíricas, como artista que utiliza la IA como herramienta tecnológica para su trabajo creativo. Finalmente, Javier Gutiérrez Vicén, director general de VEGAP, recoge en su contribución distintos postulados e informaciones de carácter jurídico del fenómeno de la inteligencia artificial, su regulación en Europa, y los dilemas que plantea para los autores de obras de creación visual.
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This visual celebration of the world's most celebrated thinkers tells the fascinating stories of their lives and pioneering ideas.Artists Who Changed History places well-known artists in their historical and cultural context, showing you how they came to influence Art as we know it today.This illustrated guide is ideal for those interested in art, sculptures and the history of art or who would like to broaden their general understanding of art and the lives of artists.
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El fin del arte. Identidad, militancia y sentido es un ensayo fragmentario y experimental, construido a base de textos tan creativos como subversivos detonados a partir de experiencias personales de la autora y que son vinculados con diferentes sucesos de actualidad relacionados con el arte, el mercado y la cultura visual, con la intención de revelar las actuales dependencias de los discursos socio-políticos hegemónicos en las prácticas artísticas contemporáneas. El libro analiza cómo la agenda política ha invadido el ámbito artístico diluyendo su autonomía y su potencial para la disidencia. La tesis principal es que el arte, atrapado en las guerras culturales, ha cedido a consignas ideológicas y militancias olvidando su naturaleza experimental e inútil, su sometimiento a la propaganda lo ha vaciado de sentido. Por eso el título juega con la ambigüedad de “fin”, tanto su finalidad como su posible agotamiento. Aunque el arte no puede morir, su desconexión con la realidad lo ha vuelto irrelevante. En el prólogo, Juan Soto Ivars afirma que la traición intelectual,“directamente ligada con la honestidad”, es lo que mejor define a la autora, por lo que no se puede esperar recorrer este libro sin sobresaltos. Y es que Abellán transita entre la narrativa, la exposición y el ensayo argumentativo sin perder su particular estilo, que oscila entre la ironía y la provocación, con el único propósito de reivindicar el pensamiento libre.
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Enric Miralles acudía a la literatura frecuentemente. Se atrevió a definir a Antoni Gaudí como el alter ego de un personaje de ficción: «Siempre he pensado que el arquitecto Gaudí era una invención del escritorCalvino».Esta primera antología de los escritos completos de Enric Miralles (1955-2000) persigue cartografiar la complejidad de los universos por los que transita la obra de uno de los mejores arquitectos del siglo XX. En cuatro capítulos –formación y compañeros deviaje, textos que generan proyectos, divergencias, ypalabras, verbos... y un poema–, se hace hincapié encómo el dibujo es también escritura y forma de pensamiento. Esta actividad lo acompaña siempre, como un complemento necesario al gesto de sentarse, de coger el lápiz, de doblar el papel, de marcar los libros conun sinnúmero de puntos, hasta llegar a sorprenderseante la aparición de una forma nunca imaginada como «la mejor caligrafía posible al escribir… Allí sentados, casi nos parece ver nuestras ideas».
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Una guía de referencia sobre elegancia masculina ¿Qué diferencia hay entre un frac y un chaqué?¿Cuándo y dónde se perdió el hábito de llevar sombrero a diario?¿Cómo consiguieron las zapatillas saltar de las canchas deportivas a los despachos? Para responder a estas y otras muchas preguntas, una guía definitiva de la elegancia masculina que combina el análisis de la evolución histórica del vestir, las anécdotas y la información práctica. La estructura parte de cuatro grandes bloques (sastrería, deportivo, complementos y zapatos) que son presentados con una introducción y una imagen histórica para después desglosarse en apartados específicos, solo aparentemente enciclopédicos, para cada una de las prendas más significativas.La guía, elegantemente ilustrada, tiene una voluntad atemporal y trasciende de las tendencias del momento para convertirse en una referencia clásica a la vez que amena. «Sea tu vestido tan costoso cuanto tus facultades lo permitan, pero no afectado en su hechura, rico, no extravagante, porque el traje dice por lo común quién es el sujeto,y los caballeros y principales señores franceses tienen el gusto muy delicado en esta materia.»Shakespeare, Hamlet
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Con casi 700 imágenes, Tattoo you: A New Generation of artists muestra 75 estrellas en ascenso que están redefiniendo la industria. El primer libro de este tipo, Tatuaje, presenta artistas seleccionados por un panel global de expertos, incluidos algunos de los nombres más importantes del tatuaje, como Grace Neutral, Claudia De Sabe, Matt McCormick, Tamara Santibañez, Lal Hardy, Marisa Kakoulas, Matt Lodder. , Tann Koga (Ink the Diaspora) y Jay Freestyle. Cada artista va acompañado de una selección de imágenes que ilustran su trabajo, junto con un perfil en profundidad que profundiza en sus influencias, su proceso creativo y cómo están transformando el mundo del tatuaje. Desde tatuajes minimalistas, blackwork y neotradicionales hasta prácticas culturales e indígenas, Tattoo you abarca todos los estilos y técnicas, ofreciendo una mirada interna a cómo trabajan los artistas de todo el mundo hoy en día, al mismo tiempo que brinda vislumbres del futuro del tatuaje como una forma de arte innovadora, accesible y revolucionaria.
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En El libro de los seres imaginarios, Borges y Margarita Guerrero ofrecen una sugerencia a los lectores: «Este libro no ha sido escrito para una lectura consecutiva. Querríamos que los curiosos lo frecuentaran, como quien juega con las formas cambiantes que revela un calidoscopio». Y Bestiaria recoge esta invitación. A la manera de Herbaria (Libros del Zorro Rojo, 2024), este volumen propone una exploración visual y simbólica de la naturaleza, en este caso del reino animal. Inspirado en los antiguos bestiarios —aquellos compendios ilustrados que, más que estudiar a los animales con rigor científico, extraían de ellos significados morales y espirituales—, Bestiaria celebra la convivencia entre lo real y lo imaginario, un terreno donde la biología se confunde con el mito. El primer bestiario, editado en Alejandría entre los siglos II y III d.C., fue el germen de una tradición que despuntaría en la Edad Media. Aunque no se les tuviese en mayor estima durante la Ilustración, estos libros ilustrados desempeñaron un papel crucial en una época en la que la imagen servía como medio de transmisión de conocimiento. Bestiaria explora diferentes estilos: clásicos, fantásticos, monstruosos. A lo largo de sus páginas conviven seres fabulosos, monstruos y animales extintos. Cada sección presenta una rica variedad de obras que abarcan desde ilustraciones medievales hasta creaciones contemporáneas que utilizan técnicas mixtas que incluyen pintura, grabado e ilustraciones. Esta diversidad técnica y estilística refleja la evolución de la representación del mundo animal en el arte, desde la antigüedad hasta nuestros días. He aquí un caleidoscopio animal que invita a curiosear y celebrar el vínculo entre la animalidad y lo fantástico.
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Razones y sin razones por las que el mejor torero que hemos visto se convirtió en fenómeno de masas, en ídolo contracultural y en representación artística extrema.Morante de la Puebla no es solo un torero. Es un acontecimiento. Una categoría. Una religión civil. Un artista que ha atravesado el tiempo y el toreo hasta convertirse en una figura social, política, estética y cultural de primer orden. La conversión de Morante de la Puebla en fenómeno de masas, en ídolo contracultural, en icono transversal ha coincidido con su temporada más arrebatadora, la de 2025. Rubén Amón ha querido capturar el instante antes de que se disuelva. Narrar lo que ha pasado sin que nadie haya sido capaz de explicarlo del todo. Porque el morantismo no es una moda: es un síntoma, un misterio, una forma de entender el arte, la identidad y la nostalgia. El resultado es una obra viva, literaria, crítica y apasionada, que no pretende domesticar a Morante, sino acompañar su enigma. Hay reflexión pero también urgencia informativa. Morante, punto y aparte es una sugestiva y trepidante mezcla de crónica periodística y de ensayo concienzudo.
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Desde una soga sencilla y elegante hasta una compleja colmena o varias trenzas entrelazadas, los puntos retorcidos y desplazados son una manera ideal de añadir textura y dar forma a una prenda de ropa. Este directorio de 100 inspiradores puntos abarca todo tipo de trenzas, desde las clásicas atemporales hasta interesantes diseños contemporáneos, por lo que constituye un valioso recurso para cualquier tejedor. Cada punto va acompañado de un diagrama con su correspondiente patrón escrito, además de fotos en alta definición, la indicación del nivel de dificultad, ideas de combinaciones y un práctico cálculo de equivalencia a punto liso para que pueda incorporar fácilmente las trenzas a sus proyectos.
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¿Es el arrepentimiento una forma de memoria?, ¿una manera de narrarnos a nosotros mismos?, ¿un acto de imaginación? Alejandro Cesarco ha desarrollado una práctica artística heterodoxa a partir de recursos como la repetición, la narratividad, la lectura o la traducción. Con este libro, en el que cuestiona un devenir del arte regido por el principio de producción y orientado hacia el éxito, transita el arrepentimiento como modo estético y como herramienta metodológica. Lo contempla como una fuerza creadora que se sitúa entre quienes somos y quienes aspiramos a ser, o entre lo que hacemos y nuestras deficiencias.De la mano de pensadores y artistas como Louise Lawler, Sturtevant, Lauren Berlant, Jorge Luis Borges o Macedonio Fernández, Cesarco rastrea la doble función de este sentimiento: no solo una manera de mirar atrás sino también de proyectarnos hacia delante, de (re)evaluar lo que nos impulsa. Bajo el signo del arrepentimiento refleja una particular tonalidad a través de la cual imaginamos y construimos nuestra historia mientras volvemos a contarla.
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Cuando irrumpió sobre sus fundadores como una ola cargada de sueños, el surrealismo se anunció como el más cabal, concluyente y absoluto de los movimientos. Hizo suyo cuanto tocaba.
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El color informa, seduce, narra, ordena, camufla... «Para comprender el color debemosescuchar la voz de filósofos y tintoreros, biólogos yartistas, escritores y empresarios, físicos y astrólogos, y también vendedores, pasteleros y otros.»RICCARDO FALCINELLI ¿Por qué Mondrian nunca emplea el verde y Hitchcock lo usa en abundancia? ¿Por qué tienen más éxito los lápices amarillos?¿Por qué Flaubert viste de azul a madame Bovary? Aunque nos parezca obvio, hablar de colores planos o considerar el azul un color frío son invenciones muy recientes. Tal vez no nos demos cuenta, pero incluso cuando estamos ante un cuadro renacentista, tenemos en mente el amarillo de los Simpson. Quien conoce el color de la televisión ya no puede ver el mundo con los ojos del pasado. Las historias y ejemplos que recoge Cromorama nos descubren hasta qué punto el color es un filtro con el que contemplamos la realidad. En un libro tan colorido como divertido, que estambién una historia de nuestra mirada moderna y decómo se ha formado, Falcinelli recorre un fascinanteuniverso de imágenes procedentes de la pintura, la literatura, el cine, los cómics y los objetos cotidianos, que se nos muestran de un modo inusual y sorprendente. Todas las sociedades han construido sistemas simbólicos en los que el color desempeñaba un papel central -el negro para el luto, el rojo para el comunismo, el azul del manto de la Virgen-, pero la tecnologíay el mercado nos han acostumbrado a nuevas percepciones y han modificado nuestro modo de ver el mundo. La crítica ha dicho«Un libro hermoso,particular. Falcinelli ha logrado escribir un librosobre los colores que cubre los aspectos técnicos sinabandonar diversión que rara vez sucede. Un milagro.»Corrado Augias «De una belleza deslumbrante. Un objeto que desencadena el deseo, lleno de encantadoras imágenes.»Elena Stancanelli, La Repubblica
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El director de cine, crí tico y escritor irlandé s Mark Cousins ha creado un libro magní fico y un artefacto de granvalor artí stico que repasa la historia de la mirada humana a lo largo de los siglos. Desde las civilizaciones antigua
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L'Art de les Ics
Les arts i les escriptures de la Barcelona més innovadora de la fi del segle xx no es poden explicar sense les revistes Àrtics (1985-1990) i Cave Canis (1995-2000). Amb textos de Vicenç Altaió, Manuel Guerrero i Oriol Pibernat, i obres de Brossa, Tàpies, Llopis, Colomer, Perejaume, Duran, Benito, Borrell, Llena, Amat, Evru, Serrahima, Esclusa i tants altres del llegat de Joaquim Pibernat a la Fundació Palau.
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“Sus locos y sus bufones tienen menos de deformes que de profundamente humanos, a tal grado el sufrimiento y la desgracia no parecen ser, en verdad, para Velázquez, más que motivo supletorio para esquivar lo contingente y profundizar en uno mismo, traspasándose hasta la misma esencia.”René Schwob (1895-1946), escritor y crítico de arte francés de origen judío convertido al catolicismo reúne aquí sus impresiones sobre Madrid, especialmente sobre los cuadros que ahí pudo ver de los grandes maestros de la pintura española: Velázquez, El Greco y Goya.
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¿Por qué escriben novelas los artistas? ¿Qué efecto tiene la novela de artista en las artes visuales? ¿Cómo se debería experimentar una novela de este tipo? En la actualidad, existe una proliferación de artistas visuales que crean novelas como parte de proyectos artísticos más amplios, favoreciendo un tipo de arte basado en el proceso y la subjetividad, introduciendo nociones como la ficción, la narración y la imaginación. En este sentido, es posible hablar de un nuevo medio en las artes visuales. La novela de artista: La novela como medio en las artes visuales es una obra en dos volúmenes: Un nuevo medio, ensayo de enfoque teórico, y La fantasía de la novela, proyecto de investigación en forma de novela. Un nuevo medio tiene como objetivo esclarecer las cuestiones planteadas por la aparición de un nuevo medio artístico, con un enfoque teórico a través de una serie de casos de estudio que examinan críticamente las diferentes formas en que los artistas contemporáneos han empleado la novela de artista. La intención no es establecer una definición categórica de la novela de artista, sino más bien situar este fenómeno dentro del campo de las artes visuales, con la esperanza de iniciar un muy necesario debate sobre una práctica que, durante mucho tiempo, ha sido ignorada por las principales corrientes críticas del discurso artístico. Un ensayo acompañado de entrevistas con Benjamin Seror, Cally Spooner, Mai-Thu Perret, Goldin+Senneby, Francis McKee, Vivian Ziherl, Natasha Soobramanien, Clive Phillpot, Alex Cecchetti, Lukasz Gorczyca y Jan Jasinski. La fantasía de la novela es un proyecto de investigación en forma de novela que examina el proceso de creación de una novela de artista, la cual se desarrolló a través de cinco performances episódicas y una exposición. El protagonista se encuentra en la posición de un detective que intenta comprender las condiciones bajo las cuales un artista decide escribir, y cómo eso es posible dentro de un entorno artístico. Sus descubrimientos aparecen en forma de pistas que conectan las diferentes capas de la investigación. La fantasía de la novela cuenta la historia de cada una de las seis entregas y cómo fueron producto de un esfuerzo colectivo. El proceso creativo de la novela de artista se vio afectado por las condiciones bajo las cuales fue producida, incluidas las relaciones intersubjetivas usualmente invisibles para el público. Este libro narra la trayectoria desde la fantasía del artista (cómo el artista imaginó inicialmente que su novela existiría en el mundo) hasta la realidad de la obra (cómo se lee y recibe realmente). La narrativa se vuelve cada vez más compleja capítulo tras capítulo, conectando imágenes, referencias e ideas recurrentes que reflejan la rica composición del proyecto general.
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El libro, en diálogo con Cassirer, se aproxima a los asuntos de lo bello y el arte en los diálogos de Platón y llega en un momento esencial para la construcción de los cimientos de la Historia del arte que empieza a consolidarse de la mano de Riegl, Wölfflin y Warburg (este último decisivo para Panofsky), quienesentre mediados de los 80 y finales de los 90 del 1800elaboran los principios fundacionales de la disciplina tal y como se la conoce.Aunque lo más interesante del autor, cuyo vastísimo conocimiento que despliega frente al apabullado lector contemporáneo queaspira a empaparse de la cultura prodigiosa de la cual hace gala, es una forma de trabajo desjerarquizadaque parece aplicarse de igual manera a todas las obras sin tener en cuenta la ''calidad'' de las mismas. Esa mirada desjerarquizada plantea una idea muy contemporánea, próxima a los ''estudios visuales'': a cadaépoca le corresponde un sistema de representación visual que facilita la lectura de cualquier imagen que surge dentro del mismo. Es esa particularidad de su pensamiento la que preludia una mirada actual que vuelve a situar a Panofsky en el centro de una indudable discusión moderna.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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El arte es considerado habitualmente como una actividad solitaria. Pero los artistas visuales, escritores y músicos a menudo encuentran su energía a través de un entorno colectivo. Compartir ideas alrededor de una mesa siempre ha dado lugar a intercambios fructíferos entre artistas de todo tipo. En estélibro, Mary Ann Caws explora una rica variedad délugares de reunión, pasados y presentes, que han sido propicios para la liberación y el sustento necesario délas energías creativas. Encuentros creativos habla de estos lugares en Europa y Estados Unidos, desde paisajes urbanos hasta refugios en islas, desde casas privadas hasta cafés públicos y colonias de artistas. Los ejemplos incluyen la casa de Florence Griswold en Old Lyme, Connecticut, lugar de reunión déla antigua colonia de arte de Lyme, el Café Louvre de Praga, lugar de reunión de Kafka y Einstein, el café modernista de Picasso en Barcelona, Els Quatre Gats, Charleston Farmehouse, lugar de reunión de Virginia Woolf y Vanessa y Duncan Bél, y los cafés de Saint-Germain¡-des-Prés y Montparnasse: los lugares de reunión de Apollinaire, Sartre y Patti Smith.
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Para el franquismo, la República era la enemiga del patrimonio y de la religión, cuyo poder estaba controlado por los ''rojos'', y en su territorio dominabala barbarie, el caos, la iconoclasia y el robo de los bienes patrimoniales. Sin embargo, esta acusación,que mantendría con insistencia machacona durante todasu existencia, escondió durante décadas la labor desalvaguarda republicana de las obras de arte y su destino en la inmediata posguerra.El autor de este libro(reconocido experto en el estudio del devenir del patrimonio durante la guerra y la posguerra en España ydirector de varios congresos internacionales sobre el tema, el último celebrado en el Museo del Prado en2019) llevaba años planteándose cuál había sido el destino durante el primer franquismo de las miles de obras salvadas y almacenadas por la República durante la guerra. Tras la concesión de dos proyectos de I + Ddedicados a este ámbito y después de cinco años de investigación, vierte aquí los sorprendentes resultados.Parte del estudio de las políticas republicana y franquista durante la guerra para centrarse en el destino que los gestores franquistas les depararon a estasobras en la inmediata posguerra. El núcleo esencialdel libro analiza la gestión franquista de aproximadamente 17.000 obras almacenadas por la República, quefueron devueltas en muchos casos a sus propietarios,aunque una gran cantidad fueron desviadas hacia otrosdestinatarios, que sin embargo reconocían en muchoscasos como suyas. Supone una novedad investigadora inédita el estudio de las entregas en depósito de milesde estas piezas a museos, a organismos, a la Iglesiae incluso a particulares, lo que produjo el expolio,la diáspora y la desaparición de numerosas obras. Enmuchos sentidos, este expolio franquista tiene paralelismos indudables con el realizado por los nazis enlos mismos años. Es el arte como botín de guerra.
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El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obrasde Bataille, haciendo especial hincapié en la revistaDocuments. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia
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Tras recibir importantes exposiciones individualesen Japón y Corea, Fundación MAPFRE presentará la primera exposición en Europa con la obra de Tomoko Yoneda.Tomoko Yoneda realiza obras complejas con referencias a la historia contemporánea y al conflictohumano. Busca hechos pasados con un enfoque casi antropológico, hechos que no presenció y utiliza la fotografía para traerlos al presente. Sus imágenes de paisajes e interiores pueden parecer a primera vista lugares hermosos sin ningún significado. Sin embargo, después de leer las leyendas, estas fotografías se vuelven algo más complejas y preocupantes: son sitios de catástrofes humanas. Yoneda ha optado por representarlugares asociados con la guerra y, en particular, sitios vinculados con la Primera y Segunda Guerra Mundial, la Segunda Guerra Sino-Japonesa y la Guerra Fría.Nacida en Akashi en la prefectura de Hyogo, Japón en 1965, Tomoko Yoneda estudió fotografía en la Universidad de Illinois en Chicago (1989) y más tarde en el Royal College of Art de Londres (1991). Actualmente vive en Londres y Helsinki.
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''La urgencia de escribir MDA [Método Diana Aisenberg] es la misma que me impulsa a pintar, dar una clase, producir eventos colectivos o poner en marcha cualquier otra faceta de mi obra. Hace más de tres décadasque me dedico a la formación de artistas, acompañándolos en elproceso de aprender a mirar la producción propia y ajena. Mi saber está ligado a la experimentación, a la tarea docente, al trabajo juntoa otros artistas y al oficio de pintar. Creo que ser artista y ser maestra son dos actividades inseparables que se alimentan mutuamente. De esa combinatoria nace este método de enseñanza.ö
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Escritos en las últimas tres décadas, los ensayos de Boris Groys sobre la lógica entrópica de la cultura, el arte y el museo, sobre la colección, la política de la vanguardia y el carácter medial del hombre y lo real -la teoría de los medios es la ideología de nuestro tiempo- constituyen brillantes ejercicios de esgrima intelectual: combinan el rigor del conocimiento, un estilo claro y elegante y argumentos punzantes suministrados con sutileza. Groys se mide en ellos con el contrincante más difícil de un ensayista: su propio presente. Casi cada texto comienza con una respetuosa inclinación de cabeza a los modos de pensar al uso, para acabar cada lance dejando al lector tan tocado como para continuar reflexionando y empezar a imaginarse las cosas de otros modos.
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Transforma tu hogar en un espacio limpio y ordenado de manera permanente, ¡y sorpréndete de cómo cambia tu vida! Marie Kondo, la experta en orden japonesa, te ayudará a acomodar tus espacios de una vez por todas con su sencillo método KonMari. La clave para mantener el orden exitosamente está en acomodar los objetos de tu casa, habitación, apartamento, estudio u oficina en forma correcta, manteniendo solo lo que realmente amas y limpiándolo todo a la vez. Este método increíblemente fácil no solo transformará tu espacio, también te cambiará a ti. Te sentirás más seguro, exitoso y motivado para crear la vida que quieres. ** La magia del orden ha sido traducida a cuarenta idiomas ha vendido más de 12.000.000 de ejemplares todo el mundo. ** Se ha traducido a más de 24 lenguas y publicado en más de 30 países. ** Ha conquistado el número 1 en la lista de más vendidos de The New York Times, Los Angeles Times, Publishers Weekly y The Wall Street Journal, entre otras publicaciones.Reseñas:«Nunca poner a punto tu casa tuvo tanto que aportarte [...] No tardarás en descubrir que has vivido años rodeada de cosas que no necesitas».Cosmopolitan «Un método de organización con el que no solo transformarás un espacio sino que, también, te cambiará a ti».El Mundo «Si buscas soluciones para ordenar tu casa, aquí tienes el manual perfecto».ELLE«Marie Kondo se define como una gurú del orden, una princesa guerrera que lucha contra el caos. Algo que lleva haciendo desde los cincos años».The Times «Marie Kondo es una sola mujer con una única misión: limpiar el mundo habitación por habitación. Sus libros se han convertido en un fenómeno de ventas en Japón, su país natal. Su método es una actitud ante la vida, una filosofía del orden. Kondo sostiene que son muchos los efectos positivos que podemos tener en nuestras vidas gracias al orden: suerte, amor y éxito, entre otros».The Sunday Times «¿El desorden preside tu vida? Sigue las reglas del método Marie Kondo, la reina del orden, y sé feliz».You.co En los blogs...«Sin duda es un libro que se lee en un momento, que engancha porque cuenta con ejemplos que ha vivido Marie Kondo con clientes... Es un libro que te ayuda a darte cuenta de que es mejor tener poco que te guste y te haga feliz, que mucho que no uses. Fíjate en tu ropa, estoy segura que aunque tengas el armario lleno, siempre terminas vistiendo igual. Un libro cuyo enfoque me ha gustado, aunque hay que adaptarlo a cada persona».Blog Historias contadas
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Ofrece una visión integral de la vasta colección de obras de Pedro Reyes, uno de los artistas contemporáneos más innovadores y comprometidos socialmente de México.Presenta impresionantes imágenes y textos provocadores que ofrecen una exploración intelectual del impacto de Reyes en el arte contemporáneo y la sociedad.Muestra una fusión única de arte y activismo: Reyes combina escultura, arquitectura, psicoterapia, teatro, literatura y activismo, ofreciendo una singular intersección entre la investigación estética y la práctica social.Este libro fue publicado con motivo de la exposición Pedro Reyes: Escultura Social, realizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, en Nuevo León, México. Reúne una amplia selección de obras del artista mexicano Pedro Reyes, cuya práctica vincula la exploración estética con el compromiso social. Reyes transita sin esfuerzo por los campos de la escultura, la arquitectura, la psicoterapia, el teatro, la literatura y el activismo. Invita al público a convertirse en participantes activos, transformando espacios más allá de los muros del museo. La publicación resalta las diversas estrategias que Reyes implementa, desde la exploración del potencial terapéutico de la dinámica grupal hasta los esfuerzos de desarme, redefiniendo la escultura como un medio expandido y participativo: una escultura social.
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Unión Radio fue el primer gran proyecto radiofónico español, nacido en 1924 y respaldado por las principales compañías internacionales, de la británica Marconi a las americanas General Electric y RCA, la Tudorfrancesa o la AFA alemana. Su objetivo, que cumplióen sus 14 años de existencia, fue crear una cadena deemisoras locales en torno a una cabecera potente, suemisora principal, la madrileña Unión Radio, que comenzó a emitir en junio de 1925.Desde su nacimiento, Unión Radio, instalada en la Gran Vía, fue la voz y elreflejo de una época apasionante, de gran efervescencia creativa, de cambios políticos y sociales. En susestudios coincidieron Gómez de la Serna, Benavente,Jardiel Poncela, García Lorca, Alberti, Joaquín Turina, Igor Stravinsky, Miguel Fleta, los Halffter, Victoria Kent, Clara Campoamor, La Argentinita y muchos otros, pero también personajes ahora olvidados que concibieron muchos de los géneros de la radio de hoy. Sumicrófono recogió en directo la llegada de la SegundaRepública, y ni un solo día faltó a la cita con losoyentes, cada vez más numerosos, durante los tres años de la Guerra Civil. Este libro cuenta la peripeciade Unión Radio, reconstruye su programación, los momentos trascendentales que narró y las anécdotas cotidianas. En suma, recupera su memoria y su nombre para la historia de la radio española.
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y la celebración de la belleza». Preocupado desde siempre por las relaciones entre el hombre y la indagación artística en cualquiera de sus disciplinas como una vía hacia el conocimiento, nos propone esta vez un viaje a través de veintidós estaciones, en las que nos encontraremos, entre otros personajes y lugares, a Miguel Ángel, Honoré de Balzac, Goethe, Lucrecio, Dante, Thomas Mann, Víctor Hugo, Montaigne, Shakespeare, Durero, Picasso, Nietzsche, Rilke, Dostoievski, Mantegna, la Cappella Sansevero, la nave Soyuz, la piedra del escultor, lo espectral, las montañas o el silencio. Un libro lleno de ecos convocados con sabiduría por uno de nuestros escritores más brillantes.
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Arte y cotidianeidad hacia la transformación de la vida en arte
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Este libro recoge una serie de apasionantes y esclarecedores escritos de Ignacio Gómez de Liaño sobre Salvador Dalí, sin duda una de las figuras capitales delarte del siglo XX, a cuya obra y personalidad Liaño ha dedicado varios libros, como El camino de Dalí (Diario personal, 1978-1989) y el titulado sencillamenteDalí, además de incontables artículos. Dalí funde y amalgama arte y vida en un continuo inseparable, cumpliendo ejemplarmente una de las aspiraciones de las vanguardias: su propia vida se convierte en creación deliberada y, sin ella, su multiforme obra (pintura, dibujo, poesía, prosa...) no puede ser cabalmente entendida en toda su riqueza y complejidad. El Surrealismo, lo comestible, el oro, Gala, el método paranoico-crítico… son algunas de las múltiples y acaso contradictorias variables que hacen que Dalí siga planteando,como todo gran artista, una ecuación cuya incógnita permanece irresuelta. Gómez de Liaño se acerca a Dalídesde el análisis de su pintura y el interés común enla “persistencia de la memoria” y también desde la palabra del pintor. Cimentadas sobre la amistad e incontables conversaciones con el artista, a quien visitaba a menudo en Portlligat o en el Teatro-Museo de Figueras, acompañándole incluso mientras pintaba, estaspáginas despliegan una suerte de personal desciframiento del enigma daliniano.
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Las luchas del pasado aún contienen plusvalía partisana para hoy.Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfiguradosen la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.