Aún no tienes productos en tu cesta
Libros de arte
Hoy -5% y envío gratis
Este libro se adentra en los entresijos del cuento de tradición oral La Barbe Bleue, fijado por Charles Perrault en 1697. La intención que rige la interpretación del profesor Puelles ha sido la de tomarlo como umbral de un modo del horror moderno irreductible al género «goticista» que a partir del siglo XVIII ostentará la hegemonía del miedo literario. Publicado en el gozne entre el clasicismo y el rococó, y llevándonos al paroxismo del terror visual, Barbazul abre el camino a una narrativa traumática, testimonial, de pura supervivencia, cuyos extremos alcanzan a Primo Levi, entre otros muchos. El macabro cuento que nos ocupa es también la ocasión para situarnos en un enclave en el que la experiencia del lector u oyente transita -quizá por primera vez- hacia territorios como lo sublime y lo siniestro en la ambivalencia entre el placer estético de la representación del horror y el conocimiento -más «antropológico» que estético- de la pura crueldad humana. Barbazul es, además, un espléndido contrapunto a la doctrina del cogito cartesiano, dándosele prevalencia al terror propio (y no lo hay más atroz que el de «verse morir») sobre aquellas otras condiciones en las que sí será posible ganar la distancia reflexiva. «Tengo miedo, luego existo», escribió Roland Barthes.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Este libro aborda las principales cuestiones y retos de la estética y de la teoría del arte en el cada vez más complejo contexto de la cultura digital. Ofrece un amplio, profundo y detallado estudio de los nuevos interrogantes, categorías y conceptos emergidos en el campo artístico a consecuencia de las transformaciones provocadas por la revolución informática, poniendo especial énfasis en lo acontecido en las dos primeras décadas del siglo XXI.La perspectiva de análisis filosófico de las nuevas prácticas artísticas entabla en este escrito un continuo y muy personal diálogo con las metodologías de los Estudios visuales y de la Historia del arte. Con ello se trata de facilitar la comprensión de las principales estrategias artísticas más comprometidas con la reflexión crítica sobre la era digital, así como atisbar sus líneas de evolución en el futuro.El texto hace hincapié en problemáticas centrales en el arte reciente, como la producción de subjetividad, la diferencia, la identidad, la participación , analizándolas en su relación específica con algunos de los nuevos desarrollos tecnológicos (redes sociales, inteligencia artificial, realidad aumentada, realidad virtual, blockchain ).Un libro, en definitiva, fundamental para la compresión del impacto que la evolución digital está teniendo sobre el desarrollo de la creación artística en nuestro presente, así como acerca de los nuevos caminos que se abren para su teorización, difusión y comercialización.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
En este nuevo libro, la popular acuarelista y profesora de arte Ana Victoria Calderón amplía nuestros horizontes creativos mostrándonos cómo crear una amplia variedad de texturas para dotar de contexto y profundidad nuestras obras. Desde sencillas líneas o puntos hasta salpicaduras espontáneas o patrones, a través de tutoriales paso a paso y retos creativos, en este manual las texturas se convierten en un elemento clave de nuestras creaciones en acuarela.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
El petit llibre de la història de l'art a Catalunya
Un recorregut essencial per l’art català.Si et fas un embolic entre el Renaixement i la Renaixença o entre el Modernisme i l’Impressionisme, aquest petit llibre, molt pràctic i accessible, et portarà de la mà a través de les diferents corrents i èpoques artístiques de la història. Entén d’una vegada les diferències bàsiques entre el Romànic i el Gòtic, i gaudeix de les millors obres artístiques de la història de Catalunya alhora que aprens a situar-les en el seu context històric i etapa artística. Descobreix com l’evolució de la història de l’art a Catalunya ha esculpit la nostra sensibilitat com a societat i la forma en què avui entenem les expressions artístiques.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
El carácter universal del jazz latino se manifiesta en la diversificación de sus repertorios. La importancia de este género de la música popular se aprecia por la influencia del Caribe y de Latinoamérica en todos los ámbitos de la cultura. Delannoy hace un registro de los músicos y las corrientes esenciales que han dado vida a esta expresión musical, además de hacer una invitación a profundizar en el estudio de los ritmos afrolatinos.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
El título Siempre rojo no implica que nunca fuera a cambiar. Quería decir con ello que nunca comprometería mi oposición a la cultura y la sociedad burguesas. Publicados por primera vez en 1960, los ensayos reunidos en este libro fueron escritos entre 1954 y 1959 en forma de artículo para la revista marxista New Statesman, con la que John Berger colaboró durante más de una década. En evidente oposición al gusto burgués -de ahí el título-, el crítico de arte nos acerca de forma íntima y cálida a varios artistas, algunos de ellos minoritarios o desconocidos en ese momento, para hablarnos de sus dificultades y sus luchas, sus éxitos y sus fracasos. Una nueva mirada muy lejana a la de la historiografía convencional de quien comprende el arte y el artista en el contexto cambiante de la historia.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
En esta historia alternativa del «largo siglo XX», Raunig analiza las concatenaciones entre arte y política, desde la Comuna de París de 1871 hasta las turbulentas protestas contra la globalización en Génova en 2001, pasando por Sergei Eisenstein, Bretch y Benjamin, los situacionistas, el accionismo vienés y el teatro transgresor del PublixTheatreCaravan, con una coda hasta el 15M y las acciones feministas de la última década. En esta investigación sobre qué ocurre exactamente cuando durante cierto tiempo se desarrollan zonas de solapamiento entre las máquinas revolucionarias y las máquinas artísticas (sobre qué ocurre a lo largo de la línea de fuga de arte y revolución), siguiendo el arte de fabricar conceptos preconizado por Deleuze y Guattari, Raunig desgrana momentos en los que arte y revolución se suceden sin apenas contacto, otros de concatenaciones negativas de oposición y momentos en los que priman las relaciones jerárquicas de subordinación. Son las concatenaciones transversales, cuando los métodos de la acción política y la práctica artística se infiltran mutuamente y se solapan temporalmente, las que pueden poner en marcha un devenir revolucionario, una máquina revolucionaria con todos sus componentes de resistencia, insurrección y poder constituyente. Y es que al analizar las concatenaciones de arte y revolución, Raunig despliega además una propuesta concreta de revolución, una que no se limita a la toma del Estado, a partidos que se convierten en aparatos del cierre de la revolución en las instituciones: la música de la revolución social se empieza a tocar en el terreno maquínico-social y consiste en recolectar y ensamblar, inventar y componer socialidad, cooperación social, ecología social.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Carmen de Burgos, Colombine, en 1927, decía que parecía haber muchos siglos de distancia entre las mujeres de 1899 y las de su época. Una evolución repentina que se reflejó sobre todo en las modas y el surgimiento de nuevos gustos. El siglo XX comienza en
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Centrada en el modelo de protección, patrocinio y coleccionismo de las artes de los Habsburgo que gobernaron en España a lo largo del siglo XVI, la presente publicación es una llamada de atención sobre los lugares en los que se desarrolló este patrocinio, mostrando su complejidad y diversidad: desde El Escorial, El Pardo o el Monasterio de las Descalzas Reales, a entornos como catedrales, monasterios o palacios, en principio ajenos al entorno cortesano, pero que se vieron influidos por el mismo o que acabaron siendo receptores de obras de arte que procedían o eran muy dependientes de la corte. Espacios muchos de ellos en los que, además, es difícil delimitar los ámbitos precisos estrictamente profanos o «políticos» de los religiosos y devocionales, como sucede en El Escorial o las Descalzas Reales. Esto lleva a pensar y plantear un «modelo» propiamente habsbúrgico de las artes a lo largo del siglo XVI que muy pronto se vio reflejado en los ámbitos distintos, aunque cercanos, de las cortes y palacios nobiliarios tanto españoles como italianos y de otros lugares de Europa. La recepción de obras de arte y el desarrollo de actitudes en torno a la acumulación de piezas influidas por el pasado grecorromano, tan típico de la época, no solo se vio influido por la importancia de lo clásico y el coleccionismo anticuario, sino también por la importancia de los mundos recién descubiertos más allá del Atlántico. Todo ello hace que categorías estilísticas, como arte de la Edad Media, Renacimiento o Manierismo, así como delimitaciones geográficas, como arte español, italiano o flamenco, aparezcan como insuficientes para explicar muchas obras y actitudes artísticas que tuvieron lugar en Europa, sobre todo en la Europa de las cortes, a lo largo del siglo XVI.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Este volumen reúne una muestra exhaustiva del trabajo del artista de renombre internacional Leandro Erlich a través de 72 imágenes que representan obras de arte cautivadoras, modernas e interactivas.A lo largo de estas imágenes, ensayos críticos de Dan Cameron, Adrian Dannat, Andrés Duprat y Mari Carmen Ramírez ofrecen observaciones agudas sobre el encuentro de las obras de arte, el espacio y las personas.Publicado como parte de la exposición de Erlich ''Liminal'' en el Perez Art Museum Miami, el catálogo se erige como un camino perspicaz en la mente del artista y como testigo de la experiencia de los visitantes
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
El autor explora treinta y tres películas importantes, influyentes y populares que permitieron una creación y proliferación de las imágenes queer. Constituye un repaso a la historia política, social y cultural de gays, lesbianas, bisexuales, travestis y transexuales. Desde películas hollywoodianas hasta las experimentales. De las de culto a las nacionales o pertenecientes a otras nacionalidades.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Asociado a la eclosión de los Nuevos Expresionismos en los años ochenta, Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957) ha sido después uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Su obra, en último término singular, abierta a la experimentación constante, y ya lejos del contexto de sus inicios, se ha expuesto luego en grandes museos de todo el mundo, de Montreal a Tokio, de Ciudad de México a Londres, de Sâo Paulo a París, y de Buenos Aires a Venecia, haciéndolo siempre con un gran reconocimiento, tanto por parte de la crítica especializada como del público. El poeta y escritor Enrique Juncosa (Palma, 1961), amigo de juventud del artista y gran conocedor de su obra, es, por su parte, un destacado comisario de arte con una trayectoria también internacional. Ambos han colaborado a menudo juntos, durante un periodo de tres décadas, en exposiciones y libros. Escritos sobre Miquel Barceló recoge una muy completa selección de los ensayos escritos por Juncosa sobre el artista, publicados desde 1994 hasta hoy, y revisados ahora con motivo de su nueva edición. Los ensayos hablan de pinturas, dibujos, cerámicas, libros ilustrados y grandes proyectos públicos, además de aspectos temáticos específicos, como retratos y autorretratos, o el uso del color blanco. Juncosa, que ha tenido la oportunidad de conocer todos los estudios del artista y ver gran número de sus exposiciones a lo largo de todos estos años, escribe con gran claridad, explorando los temas y la iconografía dominante en la obra de Barceló, y facilitando al hacerlo numerosas claves para su interpretación y disfrute.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
El primer cambio en mi pintura fue el color. Abandoné el color natural por el color puro. Llegué a sentir que los colores de la naturaleza no podían ser reproducidos enla tela. Instintivamente comprendí que la pintura debía encontrar una nueva manera de
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Breu història de l'art als Països Catalans
Un viatge per l'evolució de la pintura, l'escultura i les altres arts plàstiques a les terres de llengua catalana. Partint de l'art antic, el pes principal del llibre recau en l'art romànic, el gòtic, el renaixentista, el barroc, el neoclàssic, el modernista i les diverses tendències del segle XX. Si bé el Renaixement i el Neoclàssic tingueren aquí una presència essencialment importada, els altres estils -compartits amb la resta d'Europa- hi fructificaren amb personalitat pròpia. En època medieval, era molt freqüent la presència d'artistes dels diferents regnes de la confederació catalano-aragonesa fora del territori originari, pràctica que continuarà però amb menys intensitat. En canvi, la influència de l'art català a l'estranger, bé que també existí abans, no es fa patent amb contundència fins l'edat contemporània. Un fenomen abassegador com la colonització cultural castellana, a nivell lingüístic, és, però, molt menys intens a nivell plàstic.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Las imágenes construyen formas de vida: nuestras formas de vida. Sin que seamos conscientes de ello, en el origen de muchos de nuestros estados de ánimo, expectativas y renuncias se encuentran los mensajes que estas nos transmiten. Las imágenes son, por lo tanto, dispositivos de poder, herramientas que generan mecanismos de autoridad, fundamentalmente en nosotras mismas. Haciéndonos cargo de este poder, hemos partido del concepto de soberanía alimentaria para llevarlo hacia el consumo de imágenes: si la soberanía alimentaria consiste en el derecho a decidir cómo nos alimentamos, la soberanía visual consiste en el derecho a decidir nuestro propio sistema de consumo de productos visuales. A partir de los conceptos de consciencia, autogestión y autocuidado visual, así como lo que hemos denominado «semiótica interseccional», atendiendo de manera explícita a los ejes de género, raza y clase, este libro constituye una guía para aprender a autogestionar las imágenes que consumimos, en definitiva, para que seamos nosotras las que decidamos sobre las imágenes y que no sean ellas las que decidan por nosotras.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
¿Es el color tan sólo una reacción psicológica, o una pura sensación física? ¿Tiene un efecto en nuestros sentimientos o estados de ánimo? John Gage examina desde una perspectiva nueva y extraordinaria el fenómeno del color, convencido de que, como el lenguaje, es un hecho históricamente determinado cuyo significado reside en los diversos contextos en los que se experimenta e interpreta. Así, su erudita investigación-ilustrada con más de cien imágenes, treinta y siete de ellas en color-abarca temas tan diversos como las mezclas ópticas en una técnica como el mosaico, la simbología medieval de los colores, la sintaxis de los colores y sus usos en Latinoamérica en tiempos de la conquista, la temprana historia de la óptica y el prisma, o las ideas sobre el color en la obra de Goethe y Runge, Blake y Turner o Seurat y Matisse. Un texto lleno de ideas, tan esencial como ameno.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Se suele decir que el ideal de libro de Benjamin era un texto compuesto enteramente de citas, en que el autor fuese solo el compaginador, en el sentido cinematográfico del término, estrictamente una cuestión de montaje en la cual la autoría pareciera borrarse. El trabajo de Benjamin es expurgado por motivos ideológicos, atribuibles a la oportunidad, por Horkheimer, pero también por Adorno en la primera versión publicada en alemán y en este caso lo es por divergencias en la consideración de ciertos fenómenos del arte popular. Los textos se complementan con todas las variantes, las notas, apuntes bibliográficos e incluso los pasajes desechados por el autor.Es el único libro que reúne las cuatro versiones de este texto tan leído y tan estudiadio.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
A la par que otros surrealistas como Max Ernst, Paul Éluard o André Breton, Salvador Dalí también fue un asiduo visitante de las páginas de La Nature, una revista de divulgación científica que a finales del siglo XIX alcanzó altas cuotas de popularidad. El libro que el lector tiene en las manos analiza el uso que el pintor catalán hizo de esta célebre publicación como fuente de conocimiento y sobre todo como suministrador de contenidos visuales. Un hecho que merece ser puesto de relieve y que hasta la fecha nadie había hecho.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Vacío y plenitud es una de esas obras fundamentales que permiten acceder a la comprensión de la pintura china. Su autor, François Cheng, conocido especialista en poesía y pintura chinas, expone el desarrollo que, a lo largo de quince siglos, ha tenido la pintura en China, pero su estudio no es de carácter histórico sino filosófico. La primera parte explora el sistema de la pintura en relación con la filosofía taoísta a partir de la noción de vacío que todo artista debe conocer, eje fundamental de la concepción china del universo y su comprensión del mundo objetivo, ligado a la idea del aliento vital y al estado supremo al que el hombre debe tender. Cheng explica también al lector occidental la adscripción de este arte a la concepción taoísta, incorporando fragmentos de pintores y tratadistas chinos sobre elementos y momentos de la actividad pictórica.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Los textos reunidos en este libro representan secciones a través de una carrera de especulación, investigación y experimentación cuya ferocidad y asunción de riesgos no tiene parangón en la historia de la arquitectura de los últimos 50 años. Sin duda, los textos seleccionados para este volumen tienen un único foco que encaja muy bien con el de la carrera que, de algún modo, sintetizan: la dificultad y la necesidad de colocar el pensamiento arquitectónico en una plataforma formalista defendible. Este ha sido, en suma, el Santo Grial de la obra y de los textos de Peter Eisenman. Las antologías retroactivas de textos tienen la habilidad especial de colocar un volumen de trabajo en una perspectiva específica para proporcionar ángulos de percepción no disponibles en el período en el que fue creada, ya solo por esto, estas antologías no tienen precio.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos.El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
La serie de dibujos y cuadros que Robert Delaunay (1885-1941) dedicó a lo largo de tres décadas a la Torre Eiffel constituyen uno de los hitos de su obra. Delaunay quiso asociar a esta serie a sus amigos poetas, invitándoles a componer textos inspirados en la Torre. Este libro reúne así las imágenes creadas por el pintor y los poemas de Blaise Cendrars, Guillaume Apollinaire, Vicente Huidobro, Louis Aragon, André Breton, René Crevel, Jean Arp, Philippe Soupault y Tristan Tzara.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Assaig teatral on es recrea un programa radiofònic habitat de personatges que repassen algunes de les obres de Txékhov per esbrinar si, més de cent anys després, ens hem acostat a aquest futur meravellós que presagiava l'escriptor.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Los encantos de China, para muchos extranjeros, radican en sus culturas tradicionales, costumbres étnicas, y cómo estas se encuentran integradas en el proceso de modernización. De acuerdo con su rica historia, los urbanistas deben asegurar que los elementos antiguos y tradicionales de la ciudad no desaparezcan. Como resultado, el entorno y el trazado de la ciudad contienen a menudo elementos antiguos y modernos. Varias ciudades, como Lhasa, Lijiang y Beijing, poseen una sólida afiliación histórica y cultural, por tanto, constituyen símbolos culturales del país. Con una gran diversidad de herencias culturales, diferentes unas de otras, estas ciudades chinas presentan un entorno estimulante para poder disfrutarlas a plenitud.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Este libro recoge conversaciones con nueve artistas y colectivos cuya obra no solo diagnostica las tensiones y desafíos actuales, sino que propone alternativas prácticas y conceptuales para habitar nuestro planeta. El libro tiene como inspiración a los hongos, especialmente los matsutake que, como nos recuerda Anna Tsing, prosperan en paisajes devastados, deviniendo en un potente modelo para imaginar formas de vida resilientes y colaborativas. Desde esta perspectiva, las ruinas dejan de ser un símbolo de nostalgia inmovilizadora para convertirse en terreno fértil de posibilidades.A través del género de la entrevista, el libro teje reflexiones sobre la vulnerabilidad, los cuidados y el duelo como formas de estar en el mundo. Las voces de los artistas abordan no solo el qué de la crisis ambiental, sino también el cómo: cómo construir imaginarios alternativos, cómo repensar nuestras relaciones con lo humano y lo no humano, y cómo el arte puede trascender la representación para convertirse en un activismo práctico.Entre Ruinas es un semillero de ideas y prácticas que desafían los imaginarios hegemónicos del capitalismo, el antropocentrismo y el especismo. Una exhortación a ensanchar las posibilidades y a pensar otros mundos posibles desde el arte y la acción colectiva.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Diego Rivera, desde las vanguardias europeas al muralismo mexicano“En la figura de Diego hay una flojedad rara y suntuosa, como si todo pesase sobre él, como si pudiendo con todo, lo llevase todo colgado tranquilamente a sus hombros, como si llevase insistiendo sobre él las más grandes ideas, como si reposase sobre él la responsabilidad de la creación, como si en el fondo de su alma y en el fondo profundo de sus grandes bolsillos llevase cosas materialmente muy grandes, monstruosas, compactas y macizas.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
La presente guía se compone básicamente de cuadros o tablas en los que se ofrece la información correspondiente a cada uno de los personajes tratados. Las tablas dedicadas a los distintos dioses y divinidades tienen 4 secciones (episodios, atributos, funciones y representaciones), mientras que en las dedicadas a los héroes son sólo 3, pues desaparece la referida a las funciones. La obra se completa con cuatro apéndices dedicados al estudio de aspectos concretos de iconografía clásica: el primero, a elementos y símbolos de iconografía funeraria. el segundo, al proceso de asimilación y apropiación de la mitología por el cristianismo. el tercero hace un recorrido por la distinta valoración y significación iconográfica que ha tenido la figura de Venus y el desnudo femenino desde la Edad Media hasta el Barroco. y el cuarto y último, a la utilización del legado clásico por las monarquías autoritarias y absolutas de los siglos XVI y XVII en la configuración de una iconografía del poder político. Completan el libro un índice de nombres y una orientación bibliográfica sobre mitología e iconografía clásicas.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
La evidencia científica de fenómenos como el cambio climático, el agotamiento de recursos (comenzando por los combustibles fósiles) y la acelerada pérdida de biodiversidad revela que estamos chocando con la realidad impuesta por los límites biofísicos del crecimiento. Pero, a pesar de ello, continuamos sin emprender el camino de la transformación social necesaria para evitar un cada vez más probable colapso civilizatorio a escala planetaria. Lo que de aquí se desprende es que esta crisis no es un problema meramente ''técnico'': en su origen encontramos factores sociales, culturales y políticos que la convierten en una crisis que más bien deberíamos denominar ''sociecológica'' o ''ecosocial''. En este sentido, las Humanidades ecológicas aportan visiones transdisciplinares que, en el marco de un diálogo constante con las ciencias naturales y sociales, permitan pensar las diferentes dimensiones de la crisis -filosóficas, éticas, estéticas, económicas, sociales y culturales- con el fin de abordar los difíciles pero necesarios procesos de transición hacia formas de organización social de verdad sustentables: una humanidad justa integrada en una biosfera próspera.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Esta obra es una selección de estudios sobre las complejas relaciones entre la imagen y el lenguaje, y sobre las dependencias ideológicas nacidas de su relación. El planteamiento de cada uno de los trabajos que se recogen aquí aborda transversalmente trasfondos metodológicos de máxima actualidad derivados de las crisis de las disciplinas que se venían encargando de analizar las prácticas artísticas, las instituciones culturales, los imaginarios globalizados y las formas de comunicación masiva inscritas en nuestras narrativas actuales.En todos estos casos, se impone una aproximación intermedial para analizar con nuevas herramientas y perspectiva suficiente fenómenos dispares pero unidos por esta dimensión migrante entre diversos soportes, medios y contextos institucionales. En este volumen podrá encontrarse una propuesta de análisis liberada de determinismos históricos, centrada en la capacidad de los casos de estudio, con independencia de su ubicación o su distancia histórica, para revelar las pervivencias actuales de estos mecanismos de interacción imagolingüísticos.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Yo veo / Tú significas es una novela experimental sobre espejos, mapas, relaciones personales, sobre el océano, el éxito esquivo y la felicidad como posibilidad. A través de un collage de fotografías verbales, diálogos, encuentros sexuales, material encontrado y dispositivos de auto-identificación (astrología, el I Ching, quiromancia, Tarot) narra de pasado a futuro la cambiante relación entre dos hombres y dos mujeres. Entre líneas suceden muchas cosas. La crítica de arte Lucy Lippard escribió esta novela en 1970 y se convirtió feminista en el proceso: ''Empecé escribiendo y me di cuenta que estaba avergonzada de ser una mujer. Entonces tuve que saber por qué. Luego me enfadé. La forma fragmentada y visual del texto bebe del arte contemporáneo y las emociones conflictivas de las confrontaciones políticas de los 60, todo esto sugirió una nueva forma de recolocar las cosas, de forma abierta, de una manera femenina que no pretende conclusiones''. Esta primera edición en castellano sucede cuarenta años después de su publicación en inglés y recuerda la actualidad del legado de su autora en la crítica y la práctica del arte contemporáneo. Esta edición cuenta con una introducción de la crítica de arte e investigadora Paloma Checa-Gismero responsable de su traducción.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Leonardo da Vinci (1452-1519), uno de los seres humanos más brillantes que haya existido jamás, sigue siendo el paradigma del genio renacentista. La presente obra es un compacto catálogo razonado de todas las obras maestras pictóricas del artista, y constituye el acompañante ideal de la edición Leonardo da Vinci. Obra gráfica. Este libro, realizado a partir de nuestra edición XXL, nos acerca al Leonardo hombre y a su época a través de 10 capítulos, reúne sus pinturas y dibujos más conocidos, sus cartas, contratos, anotaciones de diario y escritos. En sus páginas podrá admirar con todo lujo de detalles los más grandes tesoros de los mejores museos del mundo, ya sea del Louvre, del Prado o de la National Gallery, de Londres. Desde la Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño hasta la famosa Mona Lisa, así como obras de Leonardo perdidas en el tiempo, pero no menos sorprendentes en su precisión y fuerza.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Edición en inglés.El volumen y el color han marchado unidos a lo largo de milenios. Gracias a la policromía la escultura ganó en verosimilitud y vivacidad, convirtiéndose en un eficaz instrumento de persuasión desde los momentos más tempranos de la historia. La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corpórea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia más cercana y real. Escultores y pintores trabajaron al unísono para crear unas obras en las que ambas labores se fundían con perfección. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirtió en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores escénicos, ya fuera al formar parte de una procesión o al ser representada en un lienzo.Este catálogo y la exposición a la que acompaña ilustran la incansable búsqueda de realismo en el arte español del Renacimiento y el Barroco en todo aquello que afectaba a la envoltura de la figura, y muestran a partir de un centenar de obras, pinturas, estampas y esculturas la integración natural de la pintura en la escultura y su triunfo en el mundo hispánico, destacando el valor de lo tridimensional en la transmisión del mensaje sagrado.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
SI BUSCAS UNA ACTIVIDAD SENCILLA Y CONSCIENTE PARA DESARROLLAR TU CREATIVIDAD, ESTE ES TU LIBRO.Es muy fácil dibujar pequeñas fl ores con unos cuantos trazos y crear con ellas todo tipo de estampados, ramos, coronas... Todas las fl ores que encontrarás en este libro se desglosan en elementos simples que podrás reproducir sin problemas, y se acompañan de consejos para superar el miedo al papel en blanco e ideas para que puedas aplicar tus creaciones en cualquier proyecto que te propongas.Flores para dibujar paso a paso: Brezo, Espliego, Cosmos, Áster, Tulipán, Hortensia, Azucena, Paniculata, Anémona, Peonía, Maravilla, Narciso, Rosa, Margarita, Girasol, Violeta… y muchas más.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Una reflexión sobre aquellas obras de arte que han sufrido deterioro a lo largo del tiempo.El arte deteriorado acumula las señales que la experiencia histórica ha añadido sobre la obra original. Son grietas, signos de barbarie o huellas que la naturaleza ha dejado marcadas en la obra del ser humano. El paso de las estaciones, una tras otra, poco a poco, ha ido señalando las horas del derribo físico.Lejos de toda consideración negativa, entendemos las señales del tiempo como un valor estético añadido. Se trata de una carga comunicativa que enriquece la acción creativa inicial.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Hoy -5% y envío gratis
Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.El color es como el aire que respiramos. Está en todas partes: desde la naturaleza hasta los edificios, desde la pintura hasta los carteles publicitarios, desde la moda hasta el lenguaje de las flores, desde la cromatografía hasta la heráldica...Pero, ¿sabías que el significado de los colores difiere según las culturas e incluso las épocas? ¿O que las catedrales eran originalmente multicolores? ¿Hay nombres de colores que no pueden traducirse a algunos idiomas? ¿Quién descubrió el espectro electromagnético de la luz? ¿El negro es un color?Amandine Gallienne despliega una paleta de cien definiciones para reflexionar sobre nuestra percepción y mostrarnos que el color es un marcador cultural por excelencia.
Has añadido la cantidad máxima disponible.
Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.