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Libros de arte
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En este cautivador artbook, la talentosa artista Ashleigh Izienicki -nacida en Colorado y conocida mundialmente bajo su marca, MissUpacey- nos invita a explorar su proceso creativo único, en el que combina hábilmente temas oscuros y macabros con un toque de delicadeza y feminidad. Con más de 603.000 seguidores en Instagram, un exitoso Patreon y una tienda online que ofrece productos de diseño exclusivo, como pines, fundas para teléfonos, calcomanías y artículos de papelería, Ashleigh ha logrado cautivar a una audiencia global con su estilo inconfundible. Actualmente radicada en California, Ashleigh trabaja tanto en medios tradicionales como digitales, y comparte en este libro una serie de tutoriales en ambos formatos, ofreciendo a los amantes del arte y sus seguidores una ventana íntima a su proceso, el diseño de su estudio y sus fuentes de inspiración. Además, abre su corazón sobre los retos y las alegrías de gestionar un negocio artístico, aportando consejos valiosos para los creativos que comienzan su camino. Hellebore: The Art of Missupacey refleja los valores de producción de excelencia que caracterizan a la editorial: papel de alta calidad y una exquisita edición en tapa dura con acabados especiales. Un verdadero tesoro para los seguidores de MissUpacey y para los amantes del arte en general, que disfrutarán de tener esta joya en su estantería por muchos años.
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Aterbil Ogolatac es un libro de artista concebido por Pedro Friedeberg a lo largo de diez años. Su título —“Aterbil”, “libreta” al revés, y “Ogolatac”, “catálogo” invertido— ya anuncia el juego de espejos, ironías y laberintos que caracteriza la obra. En sus más de trescientas páginas, Friedeberg combina dibujos, frases, ideas y experimentos visuales en un cuaderno que es al mismo tiempo diario íntimo, objeto artístico y reflexión sobre el acto de crear.Repleto de humor, símbolos, geometrías imposibles y guiños a la historia del arte, este libro ofrece una mirada única al universo personal de uno de los artistas más singulares de México.Aterbil Ogolatac es una invitación a perderse con placer en el orden secreto del caos.
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Vam descobrir el batec, el del món i el propi i calia proclamar-ho. Ens va semblar tan bona notícia, que hauria estat injust no fer-la saber i vam dir, des de tots els angles i amb la major contundència possible, que el món palpitava, es movia. Estàvem tan tips d’immobilisme, que encara que fos a sotragades vam triar apuntar-nos a l'incipient canvi. Somiàvem llibertat i drets i, assumíem els deures derivats. Mirant-nos al mirall havíem vist l’objectiu com el fons difuminat del voltant de la nostra imatge. Ens vam acostar al desig, el vam examinar de tots els vèrtexs trobats i, fins i tot en vam fer un tast. De cop, un mal vent i molts mals caps, ens van robar el somni. No ho hem callat i seguim explorant dreceres dins el cercle.
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Con solo papel y lápiz, tú también puedes dibujar al estilo manga siguiendo los consejos de Dalia. Paso a paso, aprenderás a dibujar caras, cuerpos y prendas de vestir, así como personajes de todas las edades y personalidades. Al final de cada capítulo, encontrarás una serie de ejercicio para practicar los temas aprendidos anteriormente. Así conseguirás crear una carpeta con muestras de tus dibujos que te permitirán ver tu progreso artístico. En las páginas de este libro, varios artistas contermporáneos comparten sus secretos del arte manga y muestran sus propios dibujos.
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Frente al tiempo lineal, acelerado y capitalizado del presente, en las últimas décadas un gran número de artistas ha tratado de explorar modalidades alternativas de experiencia temporal: interrupciones, demoras, alteraciones, saltos, discontinuidades, desincronizaciones... contratiempos que ponen en jaque un imperialismo cronológico cuyo origen puede buscarse en los albores de la modernidad y cuyos efectos llegan hasta nuestros días, multiplicados y expandidos. Partiendo del análisis de la obra de artistas como Rodney Graham, Tacita Dean, Fernando Bryce, Patrick Hamilton o Xu Bing, y de pensadores como Walter Benjamin, Georges Didi-Huberman, Mieke Bal o José Luis Brea, los ensayos de este libro modulan esa tesis a través de una serie de cuestiones fundamentales para entender el arte y la cultura visual de las últimas dos décadas: la potencia crítica de la obsolescencia y el retorno de la materialidad, el arte de historia y su cuestionamiento de la linealidad temporal, el anacronismo y la heterocronía, las estéticas migratorias, la complejidad del arte global, el fenómeno del bienalismo y la ética curatorial, las políticas del arte o la potencia del pensamiento visual. Cuestiones todas atravesadas por la convicción de que el arte piensa y nos hace pensar, y que, hoy más que nunca, se configura como un espacio único para ensayar formas críticas y diferentes de recordar el pasado, habitar el presente e imaginar el futuro.
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La crisis provocada por el coronavirus amenaza con desestabilizar nuestros hábitos a nivel global y estructural, pero desde el arte y la educación siempre vamos a disponer de mecanismos críticos con los que transformar e intentar mejorar la sociedad. Huerta incorpora el neologismo tecnoinmersión para definirlo, ya que alumnado y profesorado somos carne de cañón de la deriva digital. Apasionado por las artes desde lo educativo, incorpora originales modelos de lucha, defendiendo la tecnología, el diseño y la cultura popular como esencia de nuevas reivindicaciones sociales y culturales. La educación digital es una realidad que habita en cualquier modelo educativo, por lo que las cuestiones de género y diversidad deben abordarse abiertamente, sin tapujos ni hipocresías. Las ideas que aquí se exponen pueden resultar muy atractivas para docentes, artistas y profesionales de las humanidades, para todas las personas que estén interesadas por las tecnologías digitales, incidiendo en la mirada crítica, la seducción comunicativa, la educación online, y la ironía, elementos sugerentes que caracterizan los textos del autor.
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William Morris es una de las figuras culturales y políticas más importantes de la Inglaterra de finales del siglo xix. Su labor se extendió por la poesía, la pintura, la novela, el grabado, la edición, la decoración y un largo etcétera de «facetas» a las que hay que sumar la de socialista y revolucionario durante las últimas décadas de su vida. Sin embargo, Morris siempre estuvo convencido de que a través de la arquitectura se podían conjugar todos estos aspectos parciales en una actividad artística que en verdad estuviera unida a la vida de las gentes y facilitara tanto las relaciones sociales como la expresión artística de la comunidad de la que salía. Sobre esta convicción, Morris desarrolló a lo largo de toda su vida una deslumbrante labor teórica acerca del papel social de la arquitectura, así como de la forma en que se crean, suceden y decaen los diferentes estilos, cuyas particularidades serían consecuencia del estado de las relaciones sociales, culturales y económicas concretas de cada sociedad en el tiempo. Aunque Morris nunca recopiló sus ensayos sobre el tema, esta preocupación por la arquitectura recorrió toda su obra y le inspiró algunos de sus textos más importantes. La presente antología recoge una amplia selección razonada de estos escritos, muchos de ellos inéditos en castellano hasta la fecha.
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¿Eres una de esas personas que se sienten perdidas en un museo o entre las piezas de una exposición? ¿No sabes qué mirar cuando miras un cuadro? ¿En qué consiste un comisariado? O, si te gusta pintar, ¿acaso no has sentido pánico frente al lienzo en blanco? ¿Es necesaria la técnica? ¿Es el arte una mera construcción intelectual? ¿Dónde quedan las sensaciones? ¿Me gusta, no me gusta...? ¿Lo entiendo o me emociona? ¿Cómo miran el mundo los y las artistas? Este libro atesora respuestas para quienes se hacen estas preguntas, para todos y todas las que intuyen que algo interesante y atractivo sucede más allá de la imagen evidente, bajo la última capa del cuadro. Aun así, no esperéis en estas páginas un libro de instrucciones, ni pautas a seguir, ni obligaciones que asumir, ni fechas, nombres o acontecimientos que recordar. Simple y llanamente, encontraréis sugerencias que estimulan y facilitan la experiencia y el conocimiento de la pintura. Una bendita y placentera maldición, de la que no podemos ni queremos escapar.
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La mirada incisiva de John Berger inaugura nuevos modos de ver donde la mirada hacia el arte y hacia la vida se confunden combinando un exhaustivo análisis que tiende a ser 'objetivo', entre materialista y purovisualista. El ojo de la cámara y el ojo del artista nos hablan del significado oculto en la mirada cotidiana con la que contemplamos paisajes, animales o personas queridas. En los lienzos de Millet, Courbet, Turner, Magritte y Bacon, Berger evoca experiencias que confunden el propio misterio que rodea al arte con nuestras propias vidas, paseando entre categorías literarias, del relato al ensayo, sin casi reparar en ello.
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Una innovadora propuesta al analizar obras de arte: una búsqueda visual que deconstruye 50 creaciones clave para descubrir los elementos que componen una obra maestra. Una introducción a la historia de la cultura visual que presenta nuevas tipologías artísticas y ofrece una visión renovada de los objetos conocidos. 50 obras que abarcan un extensísimo periodo, que va desde las primeras imágenes creadas por humanos que conocemos, que datan de hace unos 30 000 años, hasta una instalación en la frontera entre México y Estados Unidos realizada en 2017. Un libro que pretende disolver las barreras entre los distintos tipos de artefactos culturales, de forma que junto a la pintura y la escultura -que a menudo se consideran las formas artísticas tradicionales- se analizan dibujos, fotografías, grabados, ornamentos, máscaras, miniaturas y carteles. Como objetivo secundario, se establecen vínculos entre el arte «occidental» y el del resto del mundo. La historia del arte es un tema apasionante, repleto de reglas complejas y de palabras técnicas. Ni siquiera los más avezados diletantes están a salvo del eterno enigma que plantea la forma de pensar el arte. Este libro le ayudará a resolverlo.
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'La práctica hace al maestro''. Este dicho también se aplica a la escritura, y aprender a escribir es fácil, siempre y cuando se mantenga una práctica regular. Elija los abecedarios que más le gusten y diviértase. Solo de esta manera podrá desarrollar el amor y la paciencia para mantenerse activo en la práctica hasta conseguir dominar las letras.Con este cuaderno de ejercicios, practicar resulta sencillo. Sumérjase paso a paso en el fascinante mundo de la escritura: ¡podrá implementar cada abecedario directamente en la hoja de ejercicios correspondiente! Todo ello con la ayuda de las instrucciones detalladas para cada letra individual. No solo podrá conocer las escrituras caligráficas más importantes, sino que también aprenderá todo lo que necesita saber sobre el espaciado entre letras y el diseño de páginas. En los capítulos sobre lettering, las formas de las letras constituyen el centro de atención. ¡Pruebe los diferentes estilos y dé rienda suelta a su creatividad!
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Leer a manotrata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo. Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones. Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia, producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario, un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas. Las artes y la arquitectura no pueden convertirse en el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.
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«Estoy seguro de que en los siglos venideros la palabra interpretación cambiará de forma similar a su significado para cubrir un horizonte más amplio de pensamiento y para englobar nuevas necesidades y prácticas» (Freeman Tilden, 1957). Invocando la cita del maestro, este libro dedica especial atención a la definición de interpretación, su relación con la mediación o la animación y la necesidad de abrirla a la comunicación mediada, y revisa los principios y técnicas de la interpretación del patrimonio a la luz de la teoría de la comunicación humana, ilustrándolos con ejemplos tomados de la experiencia profesional y docente de los autores. Asimismo, busca propiciar el conocimiento mutuo de interpretación y museología (en sentido amplio) y ofrecer claves para la comunicación efectiva del patrimonio cultural. La obra está dirigida principalmente a personas vinculadas a la gestión y comunicación al público de museos y lugares culturales y, en relación con estos, al turismo, la animación, la recreación histórica, el voluntariado o la formación universitaria.
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Cómo la literatura y la pintura reinventaron este mito entre 1830 y 1930.Cleopatra VII, la última reina de Egipto, fue un per-sonaje histórico pero, a partir del Romanticismo, se convirtió también en un icono literario y de la cultu-ra popular. Este ensayo, escrito de forma documenta-da pero amena, recorre los textos y las obras plásticas que alimentaron una auténtica fiebre: Cleopatra como femme fatale, fruto de la misoginia y la mirada mascu-lina, pero también como símbolo de transgresión.Las máscaras de Cleopatra recupera y lee con mirada incisiva un conjunto de poemas, relatos y obras teatra-les de autores como Rubén Darío, Théophile Gaultier, Manuel Machado, Ramón Goy de Silva, Salvador Díaz Mirón, José María de Heredia, Victor Hugo, Enrique Gómez Carrillo o Rachilde. Además, establece un diá-logo con las pinturas que les sirvieron de inspiración: Moreau, Alma Tadema, Gérôme o Franz Von Stuck.
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UN VIAJE FASCINANTE Y DIVERTIDO POR EL APASIONADO MUNDO DEL ARTE Y LOS ARTISTAS La vida de la galardonada periodista Bianca Bosker, obsesionada con la obsesión, dio un giro inesperado cuando se introdujo en el mundo del arte y no pudo quitarle los ojos de encima. Intrigada por los artistas que hiperventilan en torno a sus colores favoritos y los fanáticos que exprimen sus tarjetas de crédito para enseñar trozos de metal que creen capaces de cambiar el mundo, Bosker se propuso entender por qué el arte es importante y de qué manera ella o cualquiera de nosotros podría sumergirse en él más profundamente. En Ahora me cuadra, la autora se adentra en el corazón del arte y de las personas que viven por y para él, es decir, los galeristas, los coleccionistas, los comisarios y, por supuesto, los propios artistas, en especial aquellos que tienen que hacer malabares para mantener sus atelieres mientras luchan por mostrar sus obras al mundo. En su particular aventura, Bosker se las arregla para asistir a fiestas de alto nivel llenas de coleccionistas multimillonarios, permite que un artista casi desnudo se siente sobre su cara en una performance y se queda mirando una sola escultura durante horas y horas mientras trabaja como guardia de seguridad en un museo, todo para descubrir no solo el funcionamiento interno de la maquinaria de canonización del arte, sino también un modo de vida más abierto. Esta obra toca temas tan variados como las pinturas rupestres, Instagram, la ciencia de la visión y la importancia de la belleza, y analiza el papel del arte en nuestra cultura, nuestra economía y nuestros corazones al ritmo de una exploración trepidante que cambiará para siempre nuestra forma de mirar.
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Un estudio único de 350 obras de arte de artistas LGBTQ+ de todo el mundo, muchos de ellos poco reconocidos y olvidados, de los últimos 50 años.Aunque los disturbios de Stonewall sean ahora la abreviatura del inicio del movimiento por los derechos de los homosexuales, gran parte del arte y la cultura han sido ''queer'' desde el principio de los tiempos. En About Face, el historiador del arte y comisario Jonathan D. Katz explora este concepto de frente, comisariando un tapiz de obras que conectan hilos históricos y revelan cómo el género y la identidad sexual han sido entretejidos por artistas contemporáneos y posteriores a Stonewall.Con más de 350 obras de más de 40 artistas LGBTQ+ de distintas nacionalidades y generaciones, y textos originales de artistas y académicos, About Face es tan sorprendente como importante.Jonathan David Katz, PhD, es Profesor Asociado de Práctica en Historia del Arte y Estudios de Género, Sexualidad y Mujer en la Universidad de Pensilvania. En 2019, Katz comisarió About Face: Stonewall, Revolt and New Queer Art en la galería Wrightwood 659 de Chicago.Con textos de Julian Carter, Anthony Cianciolo, Amelia Jones, Ava L.H. Kim, Joshua Chambers-Letson, Christopher Reed, Jacolby Satterwhite y Dagmawi Woubshet.
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La moda durante el franquismo, periodo aciago marcado por la represión, la escasez y el atraso, coincidió, tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, con el surgimiento de una nueva sociedad. La cultura pop modificó gustos y actitudes, bajo el liderazgo estadounidense. La alta costura dio paso a la ropa lista para llevar y a los grandes almacenes. La España de la mantilla y las camisas viejas quedó atrás: la minifalda, los vaqueros y el bikini hicieron su aparición. Novedades que también encarnaron las rebeldes chicas topolino, con sus zapatos de coja y su llamativo estilo. E incluso muchachas menos extravagantes, más acordes a la Sección Femenina de Falange, que, peinadas con el recogido arriba España, soñaban con casarse con un velo de tul ilusión. Este libro habla de los sueños y las realidades que modelaron y reflejaron las modas en la sociedad española a lo largo de casi cuatro décadas. De Mariquita Pérez, muñeca fascista pero moderna, que acompañó y marcó el vestir de las niñas hasta que tomaban las galas de muje. De las creaciones de diseñadores españoles como Ana de Pombo, Flora Villarreal o Balenciaga. También de la Guardia Civil y las incautaciones de tejidos del mercado negro, donde las medias eran tan preciadas como los cigarrillos y las drogas. Del Sindicato Nacional del Textil, de los salones de belleza, los desfiles de modelos y de la tienda Loewe en el Castellana Hilton, donde compraba Ava Gardner.
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Una profesora de danza se sienta ante su escritorio de madrugada para trazar su última coreografía, aquella que le permita no bailar nunca más. Ha abandonado una relación, su profesión, su posible maternidad. Propone una aventura a su madre, una mujer que una tarde decidió dejar de caminar. Un baile en forma de paseo. Ambas recorren su ciudad de provincias en dirección a oriente, hacia la luz. Conforme el viaje avanza, el trayecto se convierte en el protagonista. Un camino en línea recta que atraviesa la ciudad. Que cruza este libro. Que sigue más allá. Un libro íntimo y poético que a través de este peregrinaje nos introduce en los deseos, ausencias y penas, muchas veces no desveladas, de una madre y su hija. De trasfondo, la ciudad, el trayecto compartido, personajes que las acompañan, una historia de la danza y coreografías icónicas. Pómulo y lejanía, de movimientos suaves, es el brillante debut novelesco de la periodista y docente Stefanía Caro.
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Del siglo xx al xxi recoge trece textos sobre artistas y movimientos artísticos europeos. Los seis primeros abordan prácticas desde principios del siglo xx hasta los años 60 rastreables en el trabajo de los futuristas italianos, Matisse, Léger, Dalí, Hartung, Tàpies y Brus, mientras que los siete restantes se ocupan de la obra de artistas actuales de España (José Álvaro Perdices), Portugal (Miguel Palma, Vasco Araújo), Francia (Xavier Veilhan), Bélgica (Jan de Cock), Hungría (Orschi Drozdik) y Alemania (Andy Hope 1930). Este abanico plural de temas, periodos y materiales adquiere unidad gracias a la atención que presta el autor al modo en que los mencionados creadores han recibido y negociado las historias –tanto sociales como estéticas– que han heredado y con las que viven y trabajan. El libro se abre con el examen de un momento clave, en torno a 1910, cuando el interés de los futuristas en la construcción física y la producción social de la ciudad moderna comenzó a verse eclipsado por nuevos asuntos relacionados con la representación de «estados mentales», la expresión simultánea de puntos de vista interiores y exteriores, y la articulación formal de apresuramiento y velocidad, color y luz. Welchman sostiene que la historia es rehén de la composicionalidad moderna y las objetificaciones faciales de Matisse y Léger, que para Dalí se trata de un objeto oscuro e imposible, mientras que en las semiabstracciones densamente matéricas de Tàpies la historia se estratifica con la alegoría, la complicidad y el mito. Drozdik conecta la ciencia ilustrada y el socialismo del siglo xx con la subjetividad femenina, al tiempo que Veilhan evoca un museo de «historia no natural», y De Cock y Perdices, diferentes sistemas de camuflaje histórico. Palma se compromete una vez más con las fuerzas motoras de la máquina, Araújo, con la codificación histórica, y Ande Hope 1930, con un sorprendente rearbitraje del omniverso del cómic y del momento histórico que adoptó para su nombre. El resultado de tan particular análisis es un novedoso y clarificador recorrido por el panorama artístico europeo desde las primeras vanguardias hasta nuestros días.
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Publishing is the opening number to a line of publications from MACBA’s Education Department inspired by the day-to-day educational practices within contemporary art and museums. This first edition in the Quadern d’educació (Educational Notebook) provides time to think about our experiences, share what we have learnt and to think about publishing as an artistic and pedagogical practice. As such, fanzines, stickers, conceptual maps, picture books and hashtags become gestures that cause us to reflect on the how, why, and to whom education is made public.Why the need to publish? How can we make ourselves public? What has been published so far? A set of essays proposes possible answers to these questions. Aida Sánchez de Serdio Martín follows the historic tracks of education in museums through a DNA analysis of its thoughts and historical moments, Macarena García and Belén Soto explore concrete methods for ‘publishing’. The first, in a text which investigates a rather singular artefact, the challenging picture book, and the second opens up the meaning of ‘publishing’ in the context of the internet era and social media, Lluc Mayol and Alba Oller review Massa Salvatge’s experiences with editorial processes conceived as educational projects, or conversely, educational processes conceived as editorial ones, and Camila González Simon turns our gaze towards fanzines as a community-building medium as sources of creativity and pedagogy. Finally, a series of footnoted images, which uses as a pretext different activities of MACBA’s Education Department, are interspersed throughout the notebook as a working tool to think about those same questions.
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Las magas de Nalsara lo han intentado todo para proteger a Cham, pero los addraks demuestran ser más fuertes. Raptan al chico y lo encierran en la Fortaleza Negra. Allí, Cham encuentra a su madre, desaparecida desde hace mucho tiempo. Los dos tienen una sola idea: escapar de la torre en la que están encerrados. Pero solo Nyne puede ayudarlos. La misión parece peligrosa...
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Publicado con motivo de la exposición El Greco. Santo Domingo el Antiguo, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 18 de febrero y el 15 de junio de 2025.Las nueve pinturas realizadas por el Greco para el convento toledano de Santo Domingo el Antiguo, su primer encargo en España, fueron la carta de presentación del pintor en Toledo y figuran entre las más memorables de toda su producción artística. Las obras realizadas para los tres retablos de la iglesia deslumbraron en su día por su calidad y su audacia, y contribuyeron decisivamente a forjar una estrecha relación entre el convento y el artista, que eligió enterrarse en él.El conjunto comenzó a dispersarse en 1830, con la venta de la Asunción, la gran tela central del retablo mayor. Esta exposición reúne, por primera vez desde entonces, ocho de esas nueve obras que el Greco pintó entre 1577 y 1579.Este libro que acompaña a la exposición, a cargo de Leticia Ruiz, jefa del departamento de Pintura española del Renacimiento del Museo del Prado, hace un repaso completo a la historia de estas obras, desde su encargo por parte de Diego de Castilla (h. 1507-1584), deán de la catedral de Toledo, hasta su dispersión a partir del siglo XIX. El libro incluye además una parte de catálogo con las fichas comentadas y la reproducción de las nueve obras (ocho de ellas presentes en la exposición) que formaban los tres retablos.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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En 1893 una joven francesa comenzó a escribir un diario que mantendría durante toda su adolescencia. “Siempre he querido llevar uno”, señalaba con determinación, “así que creo que voy a empezar ahora”.El nombre de aquella chica era Julie Manet y procedía de una familia artística verdaderamente notable. Su padre, Eugène, era el hermano menor de Edouard Manet y su madre, la destacada pintora impresionista Berthe Morisot. La familia contaba a Renoir, Degas y el poeta Mallarmé entre sus amigos más cercanos.El diario, de hecho, ofrece una fascinante visión de primera mano del mundo de los impresionistas y de la propia Francia en el cambio de siglo. La vida aparentemente idílica de Julie se vio truncada por la prematura muerte de sus dos queridos padres en un corto periodo de tres años, quedó huérfana con sólo dieciséis años de edad. Bajo la tutela de Stéphane Mallarmé, se fue a vivir con sus primos de quienes se sentía muy cercana. Recibió también el apoyo de artistas amigos de la familia, Renoir en especial, que tuvo a Julie durante todo el verano tras la muerte de Berthe, dando muestras de gran bondad y de un continuo interés por su bienestar.
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Estéticas coherentes con el desarrollo sostenible, propuestas artísticas ecológicas, reciclaje. Con más de 100 imágenes donde Ardenne presagia una nueva era en el arte.Del desafío ecológico actual depende la supervivencia de la especie humana. Es necesario ya mismo luchar contra el desastre medioambiental, pero ¿qué puede hacer el arte en esta lucha? Contra la ola de calamidades que prosperan con la irresponsabilidad humana, este libro da cuenta de un combate en muchos aspectos desesperado: el de los pintores, escultores, landartists, fotógrafos, videastas, performers, instaladores y creadores de web comprometidos en la lucha ecológica.Es necesario reanudar una relación más sincera con el mundo natural, una relación más respetuosa. Los artistas que presenta este libro nos ayudan a hacerlo. Ellos adoptan como principio la ejemplaridad. Abren un surco de esperanza, una vez más, contra las fuerzas de la muerte.
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Las poderosas ideas de Bang respecto al efecto que tiene la composición de las imágenes sobre nuestras emociones y la manera como una obra de arte logra contar una historia, permanecen insuperables por su simplicidad y genialidad. ¿Por qué las diagonales transmiten tensión? ¿Por qué las curvas tranquilizan? ¿Por qué el rojo se siente cálido y el azul frío? Publicado inicialmente en 1991, Imagínatelo ha cambiado la manera en que ilustradores, especialistas, críticos y lectores observan y comprenden el arte visual.
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De la contemplación de las obras de los antiguos,Johann Joachim Winckelmann recibió una especie de inspiración, mediante la cual encontróun sentido nuevo para el estudio del arte. En el conocimiento de la belleza, supo descubrir un camino nuevo para el espíritu humano.
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El cuerpo es últimamente centro de interés creciente de las ciencias humanas. Sus secretos están lejos de ser completamente desvelados. Estudios recientes insisten en que el cuerpo tiene una historia y que esta historia abarca apariencia y profundidad, deseo y poder, caída y apoteosis, vida y muerte. Este es el contexto en el que el presente libro pretende adentrarse, apelando a los instrumentos del historiador de las imágenes. Hasta hoy, el comentario estético tradicional se ha situado esencialmente en el terreno de las apariencias, escamoteando la confrontación con lo que las supera, lo visible no es únicamente cuestión de superficie. El cuerpo es una representación, inseparable de la mirada que lo elabora y de los ''media'' que lo exhiben, indisociable de su propio envoltorio cutáneo (maquillajes, incisiones, armaduras, velos, adornos) y traducido por palabras, letras, películas de color, bloques de mármol, pantallas de proyección. Este libro estudia el papel que desempeñan en la construcción del imaginario del cuerpo las creencias, los efectos de conciencia, los gustos estéticos, los deseos, los caprichos, las obstrucciones y los temores.
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HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición,actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las
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* El mundo del arte contemporáneo puede resultar desconcertante hasta el extremo: enormes sumas de dinero y una nómina mundial de artistas que abordan una gama ilimitada de enfoques. ¿Por dónde empezar a desentrañar este panorama? * La comisaria y escritora Natalie Rudd se abre paso a través de la jerga artística para explicar diversos aspectos del arte contemporáneo (incluida la variedad de enfoques, disciplinas y temas) y cuestiones como la personalidad del artista, la ética de la creación y el potencial del arte para mejorar el mundo y provocar cambios políticos. * Una perspectiva internacional y multinarrativa que comienza por resumir y contextualizar el importante legado artístico del siglo XX que conforma la práctica reciente. En cada capítulo se aborda una cuestión central con el apoyo del análisis de obras relevantes y visualmente atractivas. En la sección de referencia se ofrece una serie de recursos de valor incalculable, entre ellos consejos sobre cómo interpretar el arte contemporáneo, dónde encontrarlo y cómo relacionarse con la escena artística de su entorno. Explicaciones sucintas, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Jamás la pintura usó de armonías más suaves, de tonos más emocionantes y líricos, de coloraciones más transparentes. Murillo poseeun hechizo que no encontraremos en ningún otro pintor.ö
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En el mundo contemporáneo, la parodia ha acompañado con frecuencia a la recepción del arte, históricamente asociado con la seriedad.Este libro analiza el fenómeno como recurso humorístico, durante un periodo en el que estuvo omnipresente en la vida cultural y política española a través de la prensa. El objetivo es reconocer cómo, por qué, para qué, cuándo y con qué consecuencias el imaginario artístico llamó la atención de los humoristas gráficos y suscitó tanta atención entre los lectores de periódicos. El humor aparece siempre ligado a la dualidad y al relativismo de nuestra posición ante un mundo inestable. Si todo aquello sobre lo que se bromea encierra un tabú, la utilización del mundo del arte como objeto de risa pone de manifiesto los temores de su incomprensión y, al propio tiempo, la fascinación que suscita. Esa dualidad es uno más de los desdoblamientos y de los constantes cambios de posición del ser humano, ligados a una inseguridad por la pérdida de un canon: el que ríe es objeto de risa, el observador es observado, el poder se convierte en contrapoder, lo serio se transforma en cómico.En definitiva, la risa es ambigua. Quién sabe si lo que nos hace reír hoy nos hará llorar mañana.
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Las corporalidades, identidades y orientaciones no-heterosexuales, trans e intersexuales han estado tradicionalmente alejadas del ámbito de la educación formal, como si la vida y la escuela fuesen dos realidades disociadas entre sí. Con la llegada de la educación afectivo-sexual, se abrió una oportunidad para que estas formasen parte de la cotidianeidad escolar, pero los contenidos ligados a los riesgos en torno a las infecciones de transmisión sexual y los embarazos no deseados, junto con su prevención, han acaparado el tratamiento que se hace de la sexualidad en nuestros centros. Son contenidos que, además de desplazar al colectivo LGTBIQ hasta su borrado en este campo educativo, esconden mensajes discriminatorios que reproducen y legitiman las distintas violencias que sufren las personas que no se ajustan a los parámetros normativos de sexualidad (binarismo, ciscentrismo, heterocentrismo, monosexualidad, LGTBIQfobia, etc.). Así, mientras que las formas no hegemónicas de transitar la sexualidad están siendo cada vez más visibles entre las generaciones más jóvenes, en el ámbito de la educación escolar existen múltiples dificultades para atender a esta diversidad de manera profunda e integral. En este sentido, el presente libro explora esta relación entre educación afectivo-sexual y colectivo LGTBIQ -más caracterizada por sus desencuentros que por sus encuentros-, trazando un recorrido por distintas dimensiones de la realidad sociocultural, desde el foco en lo que el autor denomina sistema normativo de sexualidad hasta el marco escolar y la educación afectivo-sexual. Seguidamente, se plantean los resultados de un estudio y se finaliza con algunas propuestas que permiten orientar la práctica docente hacia el logro de una educación afectivo-sexual diversa e igualitaria.
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Los orígenes y el desarrollo del Museo del Prado soninseparables de los debates sobre el destino del Estado liberal en España, de la evolución de las ideas museísticas en Europa y de la amalgama de experienciasque ofrecía el paseo del Prado. Sin asumir que sus visitantes hubieran llegado a estar de acuerdo algunavez en cómo interpretar el museo, este libro aborda su historia como la de un debate público a muchas voces. Al igual que aquellos visitantes que cruzaban el umbral del museo y no siempre trazaban una línea claraentre lo que podían ver o hacer dentro y fuera del edificio, en el paseo del Prado y en sus alrededores,los participantes en este debate consideraban la visita al museo como un pasatiempo íntimamente conectadocon otras actividades públicas y, por tanto, parte deun debate más amplio sobre ciudadanía y derecho al voto, el ascenso de Madrid a la condición de capital moderna y la creciente brecha entre campo y ciudad. Siguiendo el ritmo agotador de la modernización, el museo y el paseo del Prado coevolucionaron de formas queconvirtieron el ocio en un fenómeno tan relevante como tantos otros estudiados por los historiadores de los museos: los cambios en las exposiciones y colecciones, la reforma del edificio y las definiciones cambiantes de la conciencia nacional española.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.