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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Los escritos sobre música de Robert Schumann son, como su obra musical, piedras angulares del romanticismo alemán. Piden ser leídos casi como páginas de una novela de Jean Paul, profusas en injerencias y en perspicacia crítica. Tuvieron su origen en las reuniones que, hacia 1833, mantenía en Leipzig un grupo de artistas jóvenes que querían honrar a los maestros pasados, descubrir a los futuros y combatir el filisteísmo. El año siguiente empezó a publicarse la Neue Zeitschrift für Musik, donde aparecieron la mayoría de los ensayos aquí recogidos. Danzas de la Liga de David llamó Schumann a uno de sus ciclos para piano. Esta Liga no existía más que en su cabeza, la integraban Florestan, Eusebius y Meister Raro, el mediador entre ellos, personajes todos que se inventó para emitir sus juicios. Dijo él mismo: ''Esta Liga de David es un hilo rojo que anuda poesía y verdad''. Robert Schumann (Zwickau, 1810-Bonn, 1856), compositor mayor del período romántico, era hijo de un librero y desde muy temprano estuvo solicitado parejamente por la literatura y por la música. Sus ciclos de lieder (Liederkreis, Dichterliebe, Frauenliebe und Leben), con poemas de Heinrich Heine y Adelbert von Chamisso, son una prueba de esta duplicidad, lo mismo que sus piezas para piano (Papillons, Kreisleriana, Davidsbündlertänze y Kinderszenen), escritas bajo el influjo de la pianista y también compositora Clara Wieck, su esposa. Fue además un activo y sumamente original crítico, sobre todo en la publicación Neue Zeitschrift für Musik, que él mismo fundó. Compuso cuatro sinfonías, un concierto para piano, otro para violonchelo, la ópera Genoveva y numerosas piezas de cámara. Pablo Gianera (Buenos Aires, 1971) es ensayista y crítico de música. Escribió los libros Formas frágiles. Improvisación, indeterminación y azar en la música (2011), La música en el grupo Sur. Una modernidad inconclusa (2011), Componer las palabras. Ensayos sobre música y lenguaje (2018), Lo pasajero, lo que queda (2019), La segunda puerta del sueño. Letras, imágenes, música (2022) y Persecución de la belleza (2023). Dicta clases de Estética en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. Tradujo libros de Novalis, Friedrich Hölderlin, Hugo von Hofmannsthal, Jack Kerouac, John Cage y John Banville, entre otros. Pablo Gianera (Buenos Aires, 1971) es ensayista y crítico de música. Escribió los libros Formas frágiles. Improvisación, indeterminación y azar en la música (2011), La música en el grupo Sur. Una modernidad inconclusa (2011), Componer las palabras. Ensayos sobre música y lenguaje (2018), Lo pasajero, lo que queda (2019), La segunda puerta del sueño. Letras, imágenes, música (2022) y Persecución de la belleza (2023). Dicta clases de Estética en el Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. Tradujo libros de Novalis, Friedrich Hölderlin, Hugo von Hofmannsthal, Jack Kerouac, John Cage y John Banville, entre otros.
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Los niños han estado presentes en el cine español desde el primer momento, pero nunca han recibido tanta atención, ni su tratamiento ha sido tan complejo, como en las películas de la década de 1970 y comienzos de la de 1980, época en la que el país experimentó un drástico cambio político y cultural al dejar atrás décadas de dictadura franquista represora. En ''Infancia y cine en la larga Transición española'', Sarah Thomas analiza al niño cinematográfico en esta compleja coyuntura histórica de un país que tiene a su espalda décadas de gobierno autoritario y ante sí un futuro incierto, examinando películas de distintos géneros y de cuatro directores clave de la Transición: Carlos Saura, Antonio Mercero, Víctor Erice y Jaime de Armiñán. La autora explora cómo se representa al niño como sujeto y como objeto, como yo y como otro, y cómo sistemáticamente lo encontramos en una posición intermedia entre categorías o polos binarios.
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Ballar em fa feliç
Guillem Alonso ? José Manuel Álvarez ? Pau Arnal ? Héctor Artal ? Nur Bloodrose ? Laura Carrau ? Enric Castan ? Maria Duran ? Arias Fernández (Joker) ? Patri Garcia i Xavier Rota (Ballaveu) ? Cesc Gelabert ? Anna Güell ? Devorah Korek ? Kayoko Nakata ? Laura Olivella ? Susana Pérez Testor ? Ariadna Peya ? Magda Requena ? Kim Solé ? David Teixidó ? Rick Tjia ? Berta Vallribera. «Martha Graham deia que la dansa és el llenguatge ocultde l'ànima. Ens agrada pensar que l'ànima de tot aquell que s'apropa a la dansa s'enriqueix, i aquest és el propòsit del llibre: enriquir i enriquir-se, com en una conversa entre bons amics parlant d'un món apassionant.» UN PANORAMA AMPLI I LLUMINÓS DEL MÓN DE LA DANSA EN TOTA LA SEVA EXTRAORDINÀRIA VARIETAT ACTUAL.
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Una cuidada recopilación de las canciones más populares y famosas de España y Latinoamérica, con las letras y los acordes para guitarra y piano. Este cancionero incluye algunas de las más conocidas y recordadas canciones de hoy y de siempre con los acordes para piano y guitarra. No es fácil realizar una antología como esta, ya que el acervo musical en español no solo es rico en calidad sino también en cantidad.
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Slow train coming, obra rompedora y absolutamente esencial en la Historia de la música popular del siglo XX, fue reflejo de la conversión al cristianismo de Bob Dylan. Este libro revela todos los detalles.D isco incomprendido e incluso repudiado en su momento, Slow train coming es una de las indiscutibles obras maestras de Bob Dylan. Con él inició el ciclo de sus álbumes cristia- nos, un periodo marcado por el escándalo que supuso, en 1979, su conversión a la fe cris- tiana. Tanta fue la polémica, que solo el tiempo ha situado a Slow train coming en el lugar de ho- nor que merece en el legado artístico y personal de Bob Dylan. Nunca, hasta ahora, se había publicado un libro tan exhaustivo sobre un tiempo esencial y de- cisivo en la trayectoria de Dylan como este Slow train coming.
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Para lectores amantes del cine documental / Para los que quieran acercarse a la personalidad inclasificable de Joaquim Jordà / Para los que deseen conocer algo de la Escuela de Barcelona, un grupo transgresor del cine de los años setenta. Lúcidos e incisivos, los textos ensamblados en el presente volumen reflejan la forma de pensar de Joaquim Jordà. Su método se basa en el intercambio con otros, en la curiosidad, en la escucha atenta, en la diferencia y en lo fortuito, y lo convierte todo en un estímulo para hablar de la vida, la amistad, la enfermedad, la muerte, el cine, la política de base... a su manera. Estímulos reúne escritos propios, fragmentos de entrevistas y registros orales procedentes de intervenciones de Jordà en sus películas o en las de otros realizadores que le invitan a reflexionar ante les cámaras. Un «pensamiento Jordà» que nos habla desde su singularidad e ilumina, aún más si cabe, su extraordinario legado cinematográfico.
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La biografía definitiva de Ian Curtis y Joy Division, en el 40 aniversario del fin de la mítica banda. Con una breve carrera que incluyó dos álbumes y varios conciertos legendarios, Joy Division se convirtió en la banda alternativa más exitosa e interesante de su generación. La formación tenía en su ADN el espíritu de la transformación social y física que flotaba en los setenta sobre un Manchester maltrecho, en los albores del thatcherismo. Protagonistas del post-punk y predecesores de géneros como el indie rock, la promesa quedó truncada cuando su líder, Ian Curtis, se quitó la vida antes de iniciar una gira por Estados Unidos. Una luz abrasadora, el sol y todo lo demás es la crónica de cómo una banda resucitó a una ciudad, de cómo se reunieron sus descomunales talentos en unas circunstancias tan azarosas como extraordinarias, y de cómo su música transformó a toda una generación de fans, artistas y músicos. Es también un relato acerca de unos jóvenes que, armados con guitarras eléctricas y buen gusto literario, cambiaron el mundo con cuatro acordes y temas de tres minutos y medio. Y es también una historia sobre cómo la enfermedad y los demonios interiores lograron arrebatarle al mundo a un cantante y líder asombroso, de cualidades chamánicas, un letrista de alto voltaje poético, un verdadero visionario. Jon Savage, uno de los máximos exponentes mundiales del periodismo musical, ha reunido entrevistas realizadas a lo largo de tres décadas a los principales actores de la historia para construir un relato humano y luminoso sobre una ciudad y cuatro jóvenes que encontraron en ella un éxito que no todos supieron manejar.Reseñas:«Jon Savage es [...] un tipo que lo vivido todo y todo lo ha explicado excepcionalmente. [...] El resultado es excepcional.»Oriol Rodríguez, Mondo Sonoro «Un frondoso retrato coral. Una cuarentena de testimonios [...] que cristalizan en esa luz dinamizadora pero letal que, para Savage, envolvió siempre a Joy Division más allá de su estética sombría.»Jordi Bianciotto, El Periódico«Se lee como una tragedia a cámara lenta [que] abre la veda de una historia oral que busca, precisamente, encontrar ese maldito agujero por donde brotó a mediados de los 70 toda esa música oscura y bella. [...] La crónica más precisa hasta la fecha.»Juan Losa, Público «Indispensable.»Esteban Linés, La Vanguardia«Excelente. [...] Es la historia oral definitiva de una de las leyendas más inolvidables del rock.»Rolling Stone «Te hará vibrar.»Elle «Savage nació como una respuesta a la represión sobre los jóvenes.»Jehnny Beth«El formato oral le da una calidez y flexibilidad que evita que se convierta en otro desagradable repiqueteo del osario. [...] Insufla vida en la historia, y por ello la hace más devastadora.»The Sunday Times «El mejor relato de la historia del grupo que puedas encontrar.»The Irish Times«Casi partícula a partícula, desde descripciones de los comienzos industriales de Manchester hasta el vacío cultural del área, Savage te hace comprender que los miembros de Joy Division se vieron forzados a crear algo de una belleza inmensa, como si no tuviesen otra opción.»Los Angeles Times «Insuperable.[...] Un retrato conciso y vívido de un grupo cuya música todavía conmociona y asombra después de cuarenta años.»Mojo «La meditada orquestación que Savage hace de la historia del grupo es iluminadora. Cuestiona las líneas de su ahora mítica narrativa. [...] Estas entrevistas son un archivo precioso.»New Statesman «Contiene toneladas de verdades sobre Ian Curtis, Joy Division y su pesoen el transcurso de uno de los cambios de sensibilidad más importantes en la historia musical reciente.»Fantastic Plastic Mag «El relato de Savage no puede iluminar demasiado la oscuridad, pero es interesante cómo emerge con fuerza la culpa que persigue a unos entrevistados que estan a punto de cumplir los sesenta, conscientes de la vida que Curtis podría, o debería, haber llevado.»Uncut «Una visión decisiva de lo que ocurrió, contada desde dentro.»The Wire
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Juan Antonio Bardem aparece hoy, a los cien años de su nacimiento y dos décadas después de su muerte, como un creador indispensable para entender no solo los caminos del cine español, sino también la propia historia de nuestro país en la segunda mitad del siglo XX. Su obra es la columna vertebral de la disidencia crítica y regeneracionista que genera la renovación cinematográfica de los años cincuenta y, a la vez, el tronco del que nacen luego el realismo crítico del Nuevo Cine Español a comienzos de los años sesenta y el cine metafórico de la Transición política, cuyas raíces más fértiles están en obras como ''Muerte de un ciclista'' y ''Calle Mayor''. Ciudadano comprometido con su tiempo y con su país, con la causa de la democracia y con la defensa de sus ideas, partícipe activo en todos los foros e iniciativas progresistas del tejido social y profesional de la España que combate contra la dictadura franquista, Bardem y su obra son el germen del cine español moderno y un ejemplo permanente de coraje civil, cultural y profesional.
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Vicent Torrent
Vicent Torrent és una figura clau en la història de la música actual del nostre país. Amb el grup de la seua vida, Al Tall, va escriure cançons que són autèntics himnes populars i que formen part de la nostra història. Però el seu treball incansable ens ha deixat un llegat encara més valuós: va canviar per sempre la nostra manera d’entendre la cançó popular del País Valencià, va restaurar el vincle perdut entre el present i la memòria antiga de les velles generacions, ens va reconnectar amb la Mediterrània com a marc cultural de referència i va dotar d’autoestima i relat propi els moviments populars d’arreu del territori. Perquè la seua biografia és la de milers de joves que van créixer en la desmemòria i que a les acaballes del franquisme van protagonitzar una apassionant revolució personal i col·lectiva cap a la descoberta de la pròpia identitat. Una generació que va haver de reconstruir la casa en ruïnes de la nostra cultura.Durant més de cinc dècades, Vicent Torrent ha treballat sense treva per reconstruir-la malgrat els atacs de l’extrema dreta i els intents de censura i invisibilització, amb projectes com la Fonoteca de Materials, en què va recórrer el territori enregistrant de viva veu la gent de la terra, o amb l’articulació del concepte de sobirania musical contra l’homogeneïtzació i colonització cultural, encoratjant des de la pràctica la creació musical entorn del concepte de la riproposta i la cançó popular. Aquesta sembra ha fructificat en una extraordinària escena musical valenciana que el té com a mestre. També, en un gran reconeixement institucional, acadèmic i, sobretot, popular.En aquesta biografia, Josep Vicent Frechina ens acosta a la profunditat de la seua figura i obra. Un llegat imprescindible per a entendre qui som i d’on venim. I per a seguir combatent els discursos monoculturals, censors i repressors que ens continuen amenaçant.
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La naciente disciplina del psicoanálisis muy pronto demostró interés por las problemáticas estéticas, no ya sólo en las representaciones de los sueños y delirios. Empezando el siglo XX, el círculo de Sigmund Freud se dispuso a analizar las relaciones entre la psicología del individuo -con sus pulsiones, traumas y anhelos- y la creatividad artística, interpretando la obra de arte como la manifestación o resolución, siempre cambiante, de los conflictos del artista consigo mismo y con su entorno, o también como la concreción, más o menos armoniosa, de los tránsitos entre lo consciente y lo inconsciente.El presente texto de Otto Rank, publicado en 1907, fue, en este sentido, pionero, y abrió el camino a otros escritos sobre arte y psicología a cargo, señaladamente, de su maestro Freud o de su, por entonces, condiscípulo, Carl Gustav Jung.
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Paco Loco es nuestro productor musical más emblemático. Es nuestro Phil Spector. Grammy nominated, columnista ocasional, víctima de un síndrome de Audiógenes incurable, Paco Loco nos abre las puertas de su estudio y nos invita a descubrir los secretos de su sabiduría chiflada y de sus míticas grabaciones.Conoceremos a Muni, pero también a Hiss & Hum, huiremos de coches que explotan, entenderemos lo de los ruidos que no se oyen, pero sí que se escuchan, aprenderemos cómo se puede ser un yonqui de lo retro y afirmar que el futuro es el pasado y que hay que volver al cassette y que lo peor es la rutina (Turner) y que los Pactos Locos (Donald, Lucas) es un gran nombre de grupo y que… Hay que leer este libro que cuenta con la participación de algunos de los nombres más significativos del panorama musical: Muni Camón, Nacho Vegas, Fran Nixon, Joaquín Pascual, John Agnello, Paco Neuman, Steve Wynn, Mikel Erentxun, David Carabén, Juan Santaner, Pedro Vigil, Miguel Fuentes, Pablo Errea, Josh Rouse, Gary Louris…
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Una nueva retrospectiva sobre la época que conocemos como Movida MadrileñaEl autor combina su testimonio directo del periodo denominado finalmente como Movida Madrileña, con otros testimonios solicitados y su propia investigación en la temática de la moda, los diseñadores, las múltiples tendencias estéticas que eclosionaron, unidas al fenómeno de las tribus urbanas, principalmente las corrientes asociadas a estilos musicales de los rockers, punkies, mods, siniestros y neorrománticos. Los conciertos, exposiciones, fiestas en espacios públicos y privados, comics, fanzines, revistas, tiendas y puestos en el Rastro, galerías de arte y ARCO, películas y cortos, configuraron un espíritu y dinamismo ininterrumpido en esos años, allí donde la modernidad y postmodernidad dieron un nuevo color, reflejaban todo lo último de Londres, Nueva York y Berlín, para finalmente colocar a Madrid en el mapa de la vanguardia internacional. Toda esa actitud vital, toma cuerpo en la manera libre y ocurrente de vestirse, siguiendo modas atrevidas de nuestros diseñadores destacados y muchos otros que participarían de dicha creatividad, así como estos, del mismo modo se inspirarían en la calle y de ese espíritu ''imparable''.Contextualizado a través de las distintas ondas y estilos producidos internacionalmente, comenzando por la llamada contracultura y el underground, con su permeabilidad e influencia en nuestro país y concretamente en Madrid, se atestigua el proceso evolutivo estético y creativo, paralelo a nuestra llamada Transición. Un fenómeno que permearía, tomaría su fuerza y consolidación, durante al menos una década, la primera de nuestra democracia. Un Madrid, el de entonces, donde el autor ha querido, no sólo reconocer a nuestras figuras más relevantes, sino también mostrar y demostrar que hubo muchas movidas, nombrando a numerosa gente genuina que hizo cosas, que estuvo allí, con su propia singularidad, imagen, o/y perteneciendo a referentes e identidades colectivas, formando así parte de ese apasionado e intenso tiempo.
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Dominique Moïsi es uno de los máximos referentes internacionales en el ámbito de la geopolítica. Es consejero del prestigioso Institut Français de Relations Internationales, profesor en la Universidad de Harvard, en el Collège d'Europe... Pero también le gustan las series de televisión. Y hace no demasiado tiempo llegó a la siguiente conclusión: comprender el mundo de las series de televisión supone comprender el mundo actual. Entonces, y contra los consejos de todos sus colegas igualmente bien pertrechados en las instituciones y la academia, decidió escribir este libro: un ensayo sobre geopolítica que toma las series como materia prima, para comprender así la evolución actual de la política internacional y las emociones que la dominan. No podemos olvidar que tras el 11-S, la geopolítica ha tomado literalmente lo real, pero también nuestro imaginario. Y las series se han convertido en una de nuestras máximas referencias políticas y culturales. Algunas de las mejores nos hablan sobre todo de nuestro miedo: a la barbarie, al caos, a la llegada del otro, al fin de un determinado orden del mundo, a nuestra pérdida de control sobre una realidad que ya no comprendemos. De este modo, Moïsi analiza los últimos atentados en suelo europeo, la situación en Siria, la crisis de los refugiados, el fenómeno del populismo, la nueva distribución del poder de las superpotencias... a través de series como «Juego de tronos», «House of Cards», «Homeland», «Downton Abbey», «Occupied», «Borgen», «El ala oeste de la Casa Blanca», «The Americans»... Nos demuestra, por ejemplo, cómo las series occidentales critican y minan su propio sistema, que aparece siempre como corrupto y decadente, mientras las series chinas o rusas glorifican los suyos respectivos. ¿Cómo sostener o reequilibrar esta presión? Y más allá incluso: algunas de estas magníficas series occidentales no sólo reflejan la realidad política que vivimos, no sólo profetizan la que podríamos vivir, sino que su influencia es tal, tanto a nivel popular como en las altas esferas, que están contribuyendo a definir y construir esa realidad. «Winter is coming», no cabe duda.
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Este libro es tanto una guía turística como una crónica periodísticaamena y convincente por las variadas historias de pueblos, ciudades ytambién de personajes que fueron los artífices de la música popularestadounidense que creció en las riveras del Misisipi. Desde el góspel ylos espirituales negros pasando por el blues, el jazz, y rhythm andblues hasta el soul, el country o el rock. Un viaje excepcional que noslleva desde Memphis y Nashville en Tennessee por la Natchez Trace y laHighway 61, la autopista del blues, hasta Clarksdale y Dockery Farms enMisisipi para, bordeando el río, llegar a Lafayette en Luisiana yfinalizar en Nueva Orleans, la gran ciudad de la música. El libro secompleta con una agenda de direcciones comentada, una guía de audición,bibliografía seleccionada y una lista de canciones para poder escucharmientras se lee el libro. Miquel Jurado- Periodista musical en el diarioEl Paísdesde 1983. Radiofonista especializado en música: Ràdio Club 25Terrassa (1980-1981), Radio Barcelona Cadena SER (1981-1983), CatalunyaRàdio (1983-1984). Fundador de la revista especializada Quàrtica Jazz en1981. Asesor musical desde 1985 a 2004 de la Fundació La Caixaorganizadora de diversos festivales (Festival de Músiques del Món,Festival de Música Antiga, Semana de Música Religiosa, Encuentros deMúsica Contemporánea,...). Asesor del área de cultura del Ayuntamientode Barcelona en diferentes periodos. Responsable de varios Piromusicalesde las Festes de la Mercè en Barcelona.
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Desde que el cine es cine y, más concretamente, desde que se establecióel star system, la industria cinematográfica se ha encargado desuministrar el consiguiente merchandising para que los fans no sólosoñasen en la oscuridad de una sala de cine sino también en su propiacasa: revistas, fotografías firmadas, reproducciones de carteles y, enun momento determinado, muñecos con la imagen de la estrella. MarleneDietrich, Greta Garbo, Vivien Leigh, Elizabeth Taylor... la solaevocación de sus nombres ya nos traslada al Hollywood clásico de losaños 30 y 40, el de las películas en glorioso blanco y negro o radianteTechnicolor. Este libro habla de estrellas con glamour, de filmsinolvidables y de las muñecas y demás memorabilia que se han puesto a laventa para deleite de los coleccionistas. Nada mejor que volver arecordar aquellos films míticos, como Lo que el viento se llevó, El Magode Oz, Los caballeros las prefieren rubias, Casablanca o My Fair Lady,gracias a la perfecta reproducción de sus protagonistas, reducidas apoco más de treinta centímetros. Este es un paseo mágico con laseguridad que no dejará indiferente al lector, al contrario, esperamossorprenderlo en cada nueva página.
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Tras un proceso de documentación de dos años y entrevistas con los principales actores de la escena, Richard King ha compuesto uno de los ensayos de la literatura musical más vibrantes de los últimos tiempos. " Freak Scene" documenta la fasc
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¿Es The Wire (Bajo escucha) mejor que Breaking Bad? ¿Y Cheers mejor que Seinfeld? ¿Cuál es la mejor serie de ambiente universitarioque se haya hecho? ¿Por qué se hundióMoonlighting (Luz de luna)? ¿La temporada de Netflix de Arrested Development fue bri
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A partir de su propia experiencia cinéfila desbordada, Vicente Monroy desarrolla en este ensayo una apasionante historia de los mitos de la cinefilia y de susargumentos fundamentales, de las múltiples formas enque el cine, ese arte joven pero siempre en crisis,ha llegado a enfermar a sus amantes.De Orson Welles aMartin Scorsese, pasando por los Cahiers du Cinéma oSerge Daney, pero también dialogando con la historiade la filosofía y de la literatura, Monroy consigueconstruir en estas páginas una elegante síntesis de las ideas y polémicas más profundas que se han dado sobre el cine y su significado histórico.
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Cincuenta años después de la desaparición de Jim Morrison, ocurrida el 3 de julio de 1971 en París, y envuelta en el más profundo misterio, este libro quiere celebrar la vida del músico-poeta y cantante de losDoors, cuya obra, filosófica, esotérica y transgresora, inmersa en el ardor de la contracultura norteamericana y los estertores del hipismo, trató de liberarala gente de su limitado modo de ver y sentir la vida. Tras seis discos publicados a finales de losaños sesenta y polémicos conciertos-rituales en losque Morrison parecía poseído por un alma chamánica,mientras los Doors creaban una música hipnótica paraproducir un efecto catártico, Morrison renunció a losfavores de la gloria y la fama, se arrancó la máscara de sex-symbol, y eligió el «viaje tranquilo» para imponerse como poeta que trabaja en su propio jardín:«La auténtica poesía abre todas las puertas ?diría Jim?. Puedes cruzar la puerta que más te convenga. Poreso me atrae tanto, porque es eterna. Mientras haya gente enel mundo, podremos recordar palabras y combinacionesde palabras. Solo la poesía y las canciones pueden sobrevivir a un holocausto. Nadie puede recordar una novela entera, ni describir una película, una esculturao una pintura, pero mientras haya seres humanos, lascanciones y la poesía sobrevivirán».
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El estudio definitivo sobre el movimiento punk, los Sex Pistols y la cultura inglesa de finales de los años setenta. «Sean infantiles. Sean irresponsables. Sean irrespetuosos. Sean todo lo que esta sociedad detesta.»Del manifiesto de los Sex Pistols England's Dreaming es el ensayo más importante sobre el movimiento punk, sus progenitores, los Sex Pistols, y su época: los años setenta en Inglaterra. Repleto de anécdotas, de entrevistas inéditas y en exclusiva, relata la historia del meteórico ascenso y la fulminante caída de la última banda de rock´n´roll, los Sex Pistols. Jon Savage se sitúa en el momento en que el sueño imperial inglés comenzó a mostrar sus fisuras y la subcultura se volvió el mejor lugar de resistencia. Adentrándose en el Londres más underground, este libro mezcla la teoría con la peripecia cotidiana para mostrar la metamorfosis de la identidad inglesa, y lo hace a partir de la piedra de toque de su transformación: la música punk. Críticas:«La gran biblia del punk inglés. Se anuncia como el ensayo definitivo de la época, y nadie le cuestiona el trono. Estamos ante un análisis hecho con un rigor que pocas veces se ha visto en un libro musical. Pero es que el punk, y los Pistols, fueron mucho más que canciones y una estética determinada. Eran la respuesta que buscaba una generación deprimida con aires de revolución.»M. Jordi Garrigàs, Time out Barcelona «El mejor libro sobre el punk rock y la cultura popular que se ha escrito jamás.»New Musical Express «El libro más completo que puedas encontrar sobre el movimiento punk, los Sex Pistols y una época cumbre en la historia de Inglaterra.»The Times«Un ensayo excepcional, repleto de emociones sutiles y complejas con respecto al género musical más brutalmente simple que se ha creado hasta la fecha.»Entertainment Weekly «El libro de referencia sobre el fenómeno del punk lo escribió el periodista inglés Jon Savage en 1991: England's Dreaming. Reservoir Books recupera el texto cuarenta años después de la publicación de ''God save the Queen'', la mítica canción de los Sex Pistols.»Toni Mata i Riu, Regio7 «Este es el mejor libro sobre el movimiento punk y sobre su época en una edición actualizada. England 's Dreaming es el ensayo más importante sobre el movimiento punk, sus progenitores, los Sex Pistols, y su época: los años setenta en Inglaterra. Repleto de anécdotas, entrevistas inéditas y en exclusiva, relata la historia del meteórico ascenso y la fulminante caída de la última banda de rock'n roll, los Sex Pistols.»Qué Leer «Savage sabe cómo desvelar todas las verdades escondidas tras la mitología del punk.»Esquire «England's Dreaming de Jon Savage y Rastros de carmín de Greil Marcus... son dos ensayos clásicos y compatibles, que noquean del modo menos punk. Profusa y lentamente.»Rockdelux«Aunque nunca se ha de juzgar la profundidad o el contenido de un libro solo por su volumen, en este caso, el grosor de 816 páginas de este libro, sí que cumple lo que promete. El nacimiento del punk en la Inglaterra de los 70 y de los Sex Pistols en particular, es solo la excusa para montar una gran estructura ensayística en torno a lo que estabapasando en Reino Unido y en el mundo durante aquellos años, musical y políticamente hablando.»Juanjo Villalba, Vice
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El crítico cinematográfico y director de SensaCine, presenta su primer libro, un recorrido filmico para comprender por qué el cine y la vida siempre van de la mano. Naces, creces, te reproduces y... ves cine.A lo largo de la vida, las personas disfrutamos, de media, de más de cinco mil películas. Nos emocionamos con historias y personajes que hacen un clic en nuestro interior que no sabemos explicar. ¿Y si alguien pudiera ayudarnos a entender por qué el cine se ha vuelto imprescindible para el ser humano?En Una película para cada año de tu vida, el periodista y crítico de SensaCine Alejandro G. Calvo se convierte en nuestro guía particular y nos recomienda qué películas ver según el momento vital en el que nos encontramos. Con un estilo que combina erudición y relato personal, Calvo explora el hilo que conecta a Steven Spielberg con nuestros sueños, a David Lynch con nuestras pesadillas y a Jean-Luc Godard con nuestro gran amor, y nos demuestra que siempre hay una historia en pantalla dispuesta a ofrecernos una lección de vida.El crítico cinematográfico y director de SensaCine, presenta su primer libro, un recorrido filmico para comprender por qué el cine y la vida siempre van de la mano. Naces, creces, te reproduces y... ves cine.
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Jim Sullivan escribió un disco sobre extraterrestres y desapareció en el desierto de Nuevo México sin dejar rastro, Ernie K-Doe se coronó Emperador del Universo y los parroquianos de su bar lo veneraban y las hermanas Wiggin vivieron encerradas durante una década obligadas por su padre a grabar el peor disco de la historia. Sus vidas fueron perras y en sus historias hay dolor, pero de algún modo extraño también hay redención.Vidas Perras, el primer libro del periodista Alfonso Cardenal, director de Sofá Sonoro, es una colección de cuentos musicales alrededor de artistas marginales y olvidados: vagabundos, trotamundos y mentirosos. Personajes terribles que, sin embargo, transmiten una absurda ternura. En estas páginas hay pioneros de los derechos LGTBI, abuelas que grabaron discos a los noventa años mientras hacían ganchillo y asesinos patosos.Todos tienen dos cosas en común: fueron habitantes de un submundo musical cada vez más lejano y fueron personajes reales. Aunque parezca imposible y surrealista las historias que se cuentan en este libro son reales porque la realidad siempre es la mejor ficción.
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El cine asiático lleva décadas demostrando, a través de pequeñas piezas de enorme talento, que el Star System de Hollywood ha quedado caduco en pos de nuevas propuestas procedentes de oriente. Desde el thriller surcoreano hasta el cine chino de artes marciales pasando por el anime japonés, cientos de productos audiovisuales asiáticos han logrado hacerse un hueco entre el gran público. En esta primera antología de Break, algunas de las voces más relevantes de la crítica cultural nacional reflexionan sobre cómo han repercutido estas obras entre nuestras fronteras. Además, el compendio sirve tanto para hacer un repaso de la filmografía de figuras como Takeshi Kitano o Bong Joon-ho como para descubrir, a través de voces expertas en el campo, joyas escondidas que merecen ser recuperadas.
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Curiosidades y anécdotas de la vida y obra de grandes músicos. Entre en el mundo de la música por sus bastidores y prepárese para un viaje insospechado por las intimidades de sus protagonistas. Un libro ameno, chispeante, divertido, que recrea sucesos de los principales artífices de la música, sus virtudes, defectos, disputas, altercados, rarezas y también excesos.
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Una mirada divertida y reveladora sobre la música que invita a la escucha libre, desprejuiciada y mucho más placentera de cualquier género musical. Este libro derriba con gracia y brillantez una idea que a menudo nos impide disfrutar abiertamente de ciertos géneros y obras: la idea de «música intelectual», que tan a menudo se interpone entre el oyente y el placer de la escucha. Además, ofrece algunas claves para que cualquiera pueda adentrarse en ciertas músicas supuestamente más impenetrables. Con un tono cercano, por medio de anécdotas divertidas y reveladoras y empleando un enfoque completamente alejado de lo académico, Peyrou plantea una serie de argumentos en contra de la noción de que ciertos estilos exigen una escucha intelectualizada. El libro, no obstante, desborda ese objetivo y se convierte en una lección sobre cómo funciona la música: cómo piensan los compositores y qué deseos los guían, en qué consiste la innovación y por qué encuentra tanta resistencia entre el público, qué tienen en común los diversos géneros y qué los diferencia, qué actitud es la más adecuada por parte de los oyentes. Relacionando músicas muy variadas (clásica y contemporánea, popular y folclórica, jazz, rock) pero también ideas procedentes del arte, la literatura, la filosofía y la antropología, el autor traza conexiones sorprendentes y propone una manera diferente de escuchar. La crítica ha dicho: «Libro a libro, ha renovado los modos del lenguaje y los enfoques de la mirada de una obra poética y narrativa tan personal como extrañamente prodigiosa».ANTONIO ORTEGA, Babelia «Esas raras veces en que el ingenio se acompaña de sustancia, el resultado puede ser fascinante. En ese momento es cuando yo dejo de llamarlo ''ingenio'' y lo llamo ''talento''».SARA MESA, Estado Crítico «Su sentido del humor y su controlado gusto por la broma lingüística adquieren un feliz tono propio».NADAL SUAU, El Cultural «Innovador, ácido, lúdico, lúcido».ÁNGELES LÓPEZ, La Razón «Uno de nuestros grandes poetas del lenguaje».VICENTE LUIS MORA, Diario de Lecturas «Mariano Peyrou me parece un excelente escritor».JOSÉ MARÍA GUELBENZU «Una de las escrituras más personales y sorprendentes del panorama actual».LUIS BAGUÉ QUÍLEZ, Babelia «Uno de los narradores españoles más inteligentes en el juego con el lenguaje».EUGENIO FUENTES, La Nueva España «Dan ganas de anunciarle al lector que esto no es una novela. ¿Y esto es bueno o malo? En el caso del autor madrileño, es bueno. Muy bueno. Endiabladamente inteligente».J. ERNESTO AYALA-DIP, Babelia, sobre Los nombres de las cosas «Son muchas las cuestiones existenciales y artísticas que plantea De los otros. Impulsada por un estilo introspectivo, con derivas en el flujo de la conciencia y diálogos con frases inconclusas. Peyrou sobrecoge al lector».FRANCISCO SOLANO, Babelia «Peyrou da rienda suelta a su aventura lingüística sin que la vanguardia desemboque jamás en gratuidad».JUAN ANDRÉS GARCÍA ROMÁN, Babab «No es una novela de humor, y sin embargo es divertida como pocas que haya leído en los últimos años».JUAN MARQUÉS, La Esfera de Papel, sobre Los nombres de las cosas
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Los monstruos no surgen de la nada. Son criaturas que tardamos en reconocer a través de la bruma y que, antes de alcanzarnos, han hecho un largo y vacilante camino desde orígenes muy diversos. Un caso mediático de la crónica negra, un episodio histórico, un hallazgo científico, una creencia mitológica, un edificio maldito, una fantasía distópica, un trauma colectivo,... a veces cristalizan en nuestra imaginación bajo una apariencia monstruosa, agudizada por un sentimiento muy familiar: el miedo. A quienes siempre se han acercado al cine de terror con una mezcla de escepticismo y aprensión, les sorprenderá la enorme influencia de las veinticinco películas ilustradas y reseñadas en este libro, convertidas en clásicos y en iconos reconocibles para todo el mundo. Su diversidad, sus fuentes de inspiración (casi siempre literarias), su calidad artística y técnica y su frecuente carácter intemporal, justifican la existencia de fieles y multitudinarios aficionados a la irrupción del terror en la pantalla. Uno de los géneros cinematográficos con mayor capacidad para que nos revolvamos en nuestras butacas, nos sintamos zarandeados en nuestras emociones y no nos recuperemos tan fácilmente tras la palabra FIN. (Alberto Gil)
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El cine y la arquitectura comparten una historia de encuentros. Ya desde sus inicios, el séptimo arte ha necesitado de la arquitectura, del marco construido, como telón de fondo de las acciones desarrolladas en la pantalla. El cine, por su parte, ha permitido establecer una mirada diferente sobre el territorio que los hombres habitamos, una mirada subjetiva, intencionada y distante. El presente diccionario aborda la posibilidad de diseccionar intencionadamente el campo de coincidencias visuales y operativas entre el trabajo del cineasta y del arquitecto a partir de un posible conjunto de términos comunes. La propia enunciación de los mismos, en absoluto entendidos como entidades cerradas, habla de la posibilidad de innumerables relaciones cruzadas, algunas de ellas contenidas en sus páginas, otras por descubrir. Cada una de las voces del diccionario se puede leer como un pequeño ensayo en sí mismo. Desde este punto de vista, su redacción obedece tanto al intento de desarrollar aquellos aspectos que los autores consideran más cercanos a sus propias sensibilidades e inquietudes como, a su vez, a la intención de que se postule como una guía para orientar posibles futuras investigaciones a partir de cualquiera de las entradas que constituyen su índice. Escrito a cuatro manos por dos arquitectos, la que se despliega es, obviamente, la mirada del arquitecto.
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RazónLa danza siempre fue una pasión que acompañó a Campbell a lo largo de los años. Tras su primera vivencia de joven en la Escuela de Verano de Bennington –en la que tuvo la impresión de «estar contemplando una epifanía de la humanidad del fu-turo»–, pudo seguir cultivándola de cerca gracias a su mujer, Jean Erdman, destacada figura de la danza contemporánea norteamericana. Con ella fundó en 1972 el Open Eye Theater, donde ambos fueron desplegando durante quince años un am-plio y exitoso programa de baile y teatro mitopoéticos, ilustrado los fines de semana por las iluminadoras conferencias que pro-nunciaba él mismo sobre las representaciones escénicas que allí tenían lugar. En la primera parte de El éxtasis del ser se reúnen por primera vez ocho significativos artículos de Campbell sobre el tema de la danza. La segunda parte del libro la constituye «Mitología y forma en las artes escénicas y visuales», una investigación acerca del arte moderno y la danza en la que estaba trabajando poco antes de su muerte en 1987, donde desarrolla la idea de que el arte es «el embudo por el que el espíritu se derrama sobre la vida».
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Tecnologías de la edad es un volumen imprescindible para trascender la concepción dominante del envejecimiento fomentada por los discursos fílmicos hegemónicos, que contribuye a la invisibilización y homogeneización de las personas mayores y a la demonización de la vejez. Los análisis contenidos en estas páginas sostienen que la edad es una intersección universal, pero no unidimensional, y, por tanto, la experiencia del envejecimiento repercute en el ser humano de maneras diferentes, con lo que el cine tiene el poder de implantar otros conceptos sobre la edad que desnaturalicen los hegemónicos. La primera parte de Tecnologías de la edad recoge una serie de textos teóricos fundamentales que forman las líneas más claras de aproximación teórica a las representaciones culturales del envejecimiento. La segunda parte se dedica a desgranar el espectro de las múltiples formas de envejecer según su intersección con diversos discursos cinematográficos y contextos geográficos. La última parte del volumen incluye, a modo de epílogo, entrevistas con algunas de las personas a cargo de la organización de dos festivales cinematográficos sobre la vejez, los cuales contribuyen a la visibilización de la diversidad de la experiencia del envejecimiento y a su celebración. Un estudio necesario para promover una representación más diversa y no edadista de las personas mayores en la sociedad.
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Da capo
Da capo, anotación en una partitura que indica al músico que debe reanudar la pieza desde el principio, es el título de esta monografía, que recopila una selección de textos escritos por Francesc Torres desde los años setenta hasta nuestros días. De este artista son especialmente conocidas las instalaciones multimedia que representan la velocidad, la competición y el machismo como fuentes de violencia. La guerra como expresión sofisticada de esta violencia y la fragilidad de la memoria histórica están igualmente presentes en su trabajo.
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* Guía de bolsillo de la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. * A través de sesenta obras maestras, que van desde los pigmentos que adornaban las cuevas prehistóricas hasta las luces de neón de Dan Flavin, los monocromos de Yves Klein y las creaciones de Veronés, Van Gogh, Delaunay, Warhol y Rothko, se exploran la historia, los materiales y el simbolismo de los colores a lo largo de los siglos y las culturas. * Accesible, conciso y profusamente ilustrado, se analiza el cuándo, el cómo y el porqué de la evolución de los colores. Compuesto por cuatro secciones diferenciadas, el libro puede leerse por separado o en conjunto. Las referencias cruzadas al final de cada página invitan a recorrer las distintas secciones. Con recuadros en los que se presentan las grandes aportaciones, las principales características o la trayectoria de cada artista. ''El color ya no es un elemento que se utiliza para describir un tema, ahora tiene vida propia. Se convierte en protagonista''. Sonia Delaunay
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La práctica escultórica de June Crespo se sitúa voluntariamente en la encrucijada de múltiples caminos y líneas de investigación contemporáneas. Por un lado, establece un diálogo transformador con los conceptos que han marcado el arte vasco de las últimas décadas, `pares móviles` como la abstracción y el gesto, lo trágico y lo opaco, la ligereza y la extrañeza. Igualmente se hace cargo de cuestiones cuya urgencia estaba ausente de los grandes debates hasta hace relativamente poco, particularmente en lo que respecta a la sensibilidad feminista y los ciclos de producción y reproducción industrial y posindustrial. El carácter vivo y activo de la materialidad ha acompañado la práctica de Crespo hasta hoy y se encuentra en la base del proyecto Vascular, su exposición en el Museo Guggenheim Bilbao, que este libro cataloga, planteando, además, su propio despliegue de materiales. Destaca entre ellos el conjunto de anotaciones del `Diario Vascular` de la artista, un documento inédito en el que da cuenta de su metodología y del recorrido (personal y artístico) de los dos últimos años en los que ha concebido y producido la muestra. Las notas de la artista se unen a un ciclo poético escrito por Miren Agur Meabe, premio Nacional de Poesía 2021, así como los ensayos críticos de Jara Rocha y Manuel Cirauqui, comisario de la exposición.
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En 1870, el enfado de Cézanne (1839-1906) ante los sucesivos rechazos del Salon parisino a su trabajo acabó en advertencia: «Reirá mejor quien ría el último». Tomó dos guías seguros, Hércules y Moisés. Y buscó sin desaliento dotar a su arte de una base ética y conseguir «la lógica de las sensaciones organizadas». Arte, ciencia, literatura y filosofía recorren cada momento de su paciente trabajo. Para descifrar su objetivo: «la verdad en pintura». Y para ello diseñó un triple programa: escrúpulos ante las ideas, sinceridad ante uno mismo, sumisión ante el objeto. De modo que en la mente de Cézanne se registró una biblioteca imaginaria en tres volúmenes. El primero contenía la creencia de que tenía un proyecto, un camino, y que bastaba con seguirlo sin desfallecer. El segundo era un ensayo sobre el mundo moderno en el que se declaraba que éste era un lugar desgarrador pero que, sin trascenderlo, todo trabajo era inútil. El tercero revelaba que la realidad de su nacimiento y su formación lo colocaba en ventaja sobre los artistas y escritores parisinos de su tiempo, para imponerles un ritmo que superaba todo entendimiento. Charles Bigot escribió: «Cézanne puede desafiar a sus compañeros, ninguno lo igualará. Él golpeó primero los límites de la intransigencia». Liliane Brion-Guerry se sorprendió ante los descubrimientos del pintor de Aix: «Un logro tan raro y que parece evidente no se adquiere más que al precio de mucha ciencia, renuncia y humildad». Y concluye: «Cézanne ha desmontado literalmente el espacio. Lo sustituyó por un campo de tensiones, estallidos, rupturas, reencuentros, modulaciones». El aforismo del pintor nos pone en guardia: «El arte es una religión. Su finalidad es la elevación del pensamiento». Humildad, admitió Cézanne al decir: «El cerebro del artista es como una placa sensible con una receptividad. Un largo trabajo, la meditación, el estudio, la han preparado. Una meditación constante sobre los procedimientos de los maestros más el medio en el que nos movemos ... el sol ... el azar de los rayos ... ¿quién pintará jamás eso? ... Somos simplemente un poco de calor solar almacenado ... un poco de fósforo que arde en las meninges del mundo». Un modo de actuar y sentir que tiene elocuentes resultados. Y consecuencias. Las conocemos.
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Relato escrito por J. M. Coetzee en el marco del programa de residencias para escritores Escribir el Prado, organizado por el Museo Nacional del Prado con el patrocinio de la Fundación Loewe y en colaboración con Granta en español. Su estancia en el museo tuvo lugar entre finales de junio y mediados de julio de 2023. J. M. Coetzee nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica, en 1940. Además de ser uno de los novelistas más ilustres del mundo, es lingüista, crítico literario y traductor. En 2003 se le concedió el Premio Nobel de Literatura y la Academia Sueca alabó entonces la “brillantez analítica” de su quehacer literario y una “honestidad intelectual nada propensa a hacer concesiones”. Su obra ha sido distinguida asimismo en dos ocasiones con el prestigioso premio Booker. En la actualidad reside en Adelaida (Australia), a cuya universidad está vinculado, y también ha sido profesor invitado en las universidades de Harvard, Johns Hopkins y Stanford. En España ha sido galardonado con los premios Reino de Redonda (2001), creado por Javier Marías, y Llibreter (2003), y su última novela, El polaco, está ambientada en este país. En El vigilante de sala, que escribió como residente inaugural del programa Escribir el Prado, aparece su célebre alter ego, Elizabeth Costello.
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El arte de la batería representa un recorrido por los entresijos del instrumento y la profesión de baterista. Se trata de un repaso sincero, lúcido, amable y dinámico a la experiencia de hacer música rodeado de tambores y platos. El libro consta de veinte capítulos que van enfocados a profundizar en el arte la batería para conseguir un sonido propio, un lenguaje y un sello reconocibles. La obra va dirigida a bateristas de todos los niveles, instrumentistas, amantes de la música y lectores que simplemente sientan curiosidad por los asuntos que ocupan el pensamiento de los músicos. «Además de resultar útil para quien se inicia en el arte de la batería, este libro interesa a todo buen lector. Tiene valor de documento que permite aproximarse al modo de pensar de los músicos, quienes siempre me han parecido una especie rara de pensadores [...] Generalmente se comportan como materialistas sin contemplaciones, pero saben volar alto con la imaginación. Pocas veces ponen sus ideas por escrito, mas cuando lo hacen conviene prestarles atención». Santiago Auserón, Prólogo
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La tecnología de ordenadores y sintetizadores o la perfección técnica que alcanzan las grabaciones, con todas sus ventajas, pueden tender a convertir una interpretación musical en una mera ejecución, muy perfecta pero aséptica, fría, sin alma. Monique Deschaussées, pedagoga de reputación internacional, penetra en el misterio de una partitura, y propone al intérprete un itinerario humano, filosófico y artístico, exigente y luminoso, a la hora de situarse ante la partitura, ante el compositor y, quizá y sobre todo, ante sí mismo. Invita así a descubrir la música en su realidad orgánica, como algo vivo, frente a interpretaciones rutinarias que parecen olvidar que este arte tiene corazón. La música es una historia, no una gramática: no hay que esterilizarla, sino escucharla, comprenderla e interpretarla vinculada a una concepción global de la vida. Desde esa perspectiva valora el ritmo, el tiempo o la respiración.
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