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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Música, Historia y Política. Aportaciones musicales al análisis historiográfico es una compilación de textos propios editados en diversas publicaciones durante el período comprendido entre 2014 y 2023. En todos los casos —una ponencia y tres artículos—, sus contenidos han sido revisados y considerablemente ampliados. Asimismo, cuenta con un extenso aparato documental que consta de 116 piezas, muchas de ellas originales e inéditas (fotografías, documentos oficiales, partituras manuscritas, hojas volantes…).Como protagonistas destacados de la presente investigación figuran Rafael del Riego, Pau Casals, Carlos Palacio y Rafael Pérez Contel, artífices, creadores o inspiradores en sus distintos campos profesionales y/o artísticos de propuestas dirigidas a intervenir en la dirección política de la nación. Su proyección temporal discurre desde el régimen absolutista de Fernando VII (s. XIX) hasta las postrimerías de la dictadura militar del general Francisco Franco y la transición (ss. XX-XXI).Adquiere especial relevancia en el presente volumen la consideración de la música como un elemento del discurso historiográfico y, por tanto, con plena capacidad, al igual que otras expresiones artísticas, de actuar como sistema vertebrador de la narración histórica. La multiplicidad de funciones confiere al discurso musical la condición de registro sonoro de su tiempo, de todos los tiempos, con una acreditada capacidad transformadora que lo sitúa en el centro del debate social, político e institucional. Algunas de las partituras estudiadas rememoran, frecuentemente, existencias trágicas propias de tiempos convulsos, cuyos ecos resuenan en el presente como invitación inexcusable a la reflexión sobre las circunstancias que las hicieron posibles y sus consecuencias. El ejemplo y la conciencia cívica de quienes denunciaron la barbarie deben ser considerados estímulos para la desautorización moral tanto de aquellos que prefirieron colaborar en su comisión o inhibirse ante ella, como de los que, décadas después, optan por ignorarla, negarla o, incluso, asumen sus postulados y su simbología. Su objetivo es recuperar políticas de exclusión y exterminio en distintas partes de Europa y de otros continentes. El genocidio actual del pueblo palestino es buena muestra de ello. Enrique Téllez Cenzano
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Un volumen profusamente ilustrado del trabajo visual de C.G. Jung, desde el dibujo hasta la pintura y la escultura.El éxito de la edición facsimilar de El libro rojo publicado en 2010 es prueba del enorme interés en las obras figurativas y creativas de Jung. Por primera vez Jung se hizo visible a un público más amplio, no sólo como figura fundadora de la psicología moderna, sino como un artista por mérito propio.Esta nueva obra editada por la Fundación de las Obras de C. G. Jung, destaca algunos de los rasgos únicos y característicos de las ilustraciones de Jung: una combinación de libertad en los colores, motivos y perspectivas, exhibiendo semejanzas con el desarrollo del arte moderno de comienzos del siglo XX, el juego con las luces y sombras para crear perspectiva y dimensionalidad, el uso de técnicas de transparencia y opacidad para crear efectos de luz y plasticidad, la manera de trabajar, muy libre y sin restricciones, otorgando a los objetos cualidades casi animistas.Los ensayos recopilados aquí presentan trabajos artísticos inéditos y abordan un espectro notablemente amplio de logros artísticos, tanto de forma independiente como dentro del contexto de El libro rojo, en sí mismo ampliamente representado. Incluyen dibujos, pinturas y esculturas no publicados anteriormente en El libro rojo y que fueron exhibidos posteriormente, así como otras búsquedas que llevaron al descubrimiento de dibujos tempranos de su infancia y adolescencia.Este libro nos permite presentar, finalmente, el corpus sustancial de la obra creativa de Jung en el contexto de su desarrollo personal e intelectual, así como el rol central de la imagen en su obra científica. A través de sus páginas hay continuas referencias al significado simbólico de las imágenes internas y de su vinculación con los motivos arquetípicos comunes a todas las culturas y épocas.
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El gran innovador de la escultura del siglo XX.Proyectar y dibujar en el espacio con ayuda de nuevos medios, aprovechar este espacio y construir con él como si se tratara de un material recobrado, en esto consiste mi búsqueda. Si la escultura tradicional tenía horror de los huecos y los vacíos, la nueva escultura de Julio González (1876-1942) los utilizará, convirtiéndolos en materiales indispensables.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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Tras los paradigmas del arte-como-texto de los años setenta y el arte-como-simulacro de los ochenta, Hal Foster sostiene que somos testigos de un «retorno de lo real», un retorno del arte y la teoría que buscan asentarse en los cuerpos reales y en los sitios sociales.A lo largo de sus páginas se presenta una lectura original del arte y de la teoría de las últimas décadas, con especial atención a las polémicas conexiones entre ambos, al tiempo que reflexiona sobre la relación entre las vanguardias históricas y las neovanguardias. El resultado es una genealogía acreditada del arte y la teoría desde el minimalismo y el pop hasta el presente.Como señala Miguel Ángel Cajigal en el prólogo que ha preparado para esta edición conmemorativa, este libro clave de la historiografía artística contemporánea «se afirma como una lectura comprometida del arte, sus tensiones y conflictos, que se consolida como testimonio fundamental en la historia del arte de aquel tiempo en el que quisimos ser modernos».
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Colormorphia es un homenaje al talento del ilustrador Kerby Rosanes y al de sus seguidores. Esta obra reúne las mejores imágenes de la exitosa serie de libros Morphia. Contiene una sección de trabajos exquisitamente coloreados por los fans con comentarios y opiniones del propio Kerby. Además, las obras coloreadas también se incluyen en una sección en blanco y negro, para que puedas poner toda la inspiración recibida al servicio de tus propias creaciones.
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La peinture de Balthus est une révolution incontestablement dirigée contre le surréalisme, mais aussi contre l'académisme sous toutes ses formes. Par-delà larévolution surréaliste, par-delà les formes de l'académisme classique, la peinture révolutionnaire de Balthus rejoint une sorte de mystérieuse tradition.
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Mediante una selección comisariada de citas, imágenes y entrevistas, este libro nos da acceso a las mentes de los pensadores y creadores más influyentes del mundo. Descubra cómo los titanes del mundo del arte, desde Ai Weiwei hasta Ana Mendieta, desarrollaron sus propios estilos visuales, las ideas centrales en las que se sustentan sus prácticas y, lo más importante, qué es lo que le transmiten sus creaciones. 50 artistas excepcionales, entre ellos: Marina Abramovi?, Lisa Reihana, Theaster Gates, Tracey Emin, Nam June Paik, Gerhard Richter, Louise Bourgeois, Cindy Sherman, Yinka Shonibare y Mona Hatoum. Se reúnen citas de 50 artistas junto con reproducciones de sus obras y una visión general de sus distintas prácticas. Encontrará pintores y escultores, cineastas y fotógrafos, todos ellos con característicos puntos de vista sobre toda suerte de cuestiones, desde la corporeidad de la pintura hasta la naturaleza conceptual de la creación de imágenes. Se incluyen además cinco entrevistas realizadas exprofeso para este volumen y en las que se ahonda en la forma en que estos innovadores artistas realizan su obra.
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Una corriente oculta de pensamiento ha avivado las llamas de la creatividad y del arte durante siglos, impulsando la creación de obras que conectan y dialogan con distintas ramas del conocimiento esotérico y de la filosofía oriental. Accesus ad veritatem nos ofrece una puerta privilegiada de entrada a estas fuentes de inspiración y reflexión, mediante un abanico de estudios que arrancan en la primera mitad del XIX (con la figura visionaria de William Blake) hasta llegar a los últimos compases del siglo XX (con la inspiradora combinación de tecnología y Budismo Zen en la obra de Nam June Paik).Entre medias, Iñigo Sarriugarte alumbra la estrecha conexión de las Vanguardias Históricas con la teosofía y la antroposofía, el potente vinculo de ciertos artistas con el ámbito de la mediumnidad y el espiritismo, o la atrevida exploración de la cuarta dimensión en el Cubismo o en el legado de Mondrian o Malevich. Además, este volumen ilustra la continua experimentación de otros muchos creadores, marcados por la interrelación del arte, la ciencia y la espiritualidad. Y ofrece también una aproximación a la pintura sanadora de Emma Kunz, el chamanismo performativo de Joseph Beuys o el influjo determinante del pensamiento oriental en el movimiento Fluxus, entre otros.
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Al iniciarse las Germanías, el italianismo de cariz cuatrocentista ya había dejado en Valencia obras cimeras de la pintura hispana que iban a influir en sus talleres de forma decisiva. A las llegadas de Niccolò Delli en 1469 o Paolo da San Leocadio y Francesco Pagano en 1472 les sucedió la de Fernando Llanos y Fernando Yáñez de la Almedina en 1506, mientras se finalizaba el retablo de plata de la catedral de Valencia por el orfebre pisano Bernabeo di Tadeo di Piero de Pone entre otros colegas locales, además de un formidable elenco de obras importadas de las que conocemos solo algunas, como las que –a título de ejemplo– eran poseedores los Borja, los duques de Segorbe y el marqués del Cenete, o se trajo de la península transalpina el embajador Vich, que, por su novedad, debieron de causar también un impacto no menor en la dinámica gremial autóctona.
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Escrito a propósito de la exposición del mismo títuloen la Sala Amós Salvador de Logroño, este es un libro formado por una serie de ensayos que tienen algo detentativas para comprender el presente. En cierto sentido, se trata de un «cuaderno de bitácora», un sedimento de lecturas que vienen a problematizar lo que nos pasa.
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Art (in)útil reflexiona al voltant de la idea d'artista emergent i institució cultural com a ens legitimador. El contingut d'aquest marc només és la punta de l'iceberg sobre la mediatització cultural entre art, artista i institució, però serveix per entendre com s'inicia l'artista en un circuit i quins mecanismes es fan servir per absorbir-lo. Així és com s'allunya l'art de ser una eina política crítica de pensament, i es converteix en producció i, per tant, en un producte més del context postfordista. A partir del canvi de paradigma sobre la idea d'exposició amb l'objectiu de donar visibilitat a obres -una visibilitat necessària perquè arribin a ser art-, Daniel Gasol es pregunta si l'artista s'adapta a la producció institucional que s'entén com a art. L'autor també valora si, per contra, és l'exposició institucional la que dota el treball d'una importància hipotètica, amb la conseqüència indirecta de generar legítimament creacions confrontants de semblança formal i conceptual. Gasol explora l'existència de diversos tipus de creació o contextos que projecten què ha de ser art, així com sobre què considerem art emergent o obra expositiva. També qüestiona les institucions adients per exhibir produccions artístiques, i com el sistema del capital i laboral afecta la creació i l'exposició d'art. -------------------------------------------- És útil, l'art? Què ens porta a decidir què consumim? ¿Relacionem inconscientment que una obra artística és millor per tenir un volum d'audiència elevat i per aparèixer als mitjans de comunicació? Són els artistes realment lliures a l'hora de crear o estan sotmesos a certs paràmetres i s'hi adapten?
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Testimonio de una función periclitada, la ruina es también un renacimiento de la forma en medio de un bautizo de caos. Carente de limitaciones o proporción, ladestrucción expresa en la ruina una catarsis definitiva que, por encima del tiempo y del poder de los seres humanos, hace florecer la materia en cuanto formaestética y evocación poética.
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Desde la imponente Sagrada Família hasta la brillante fachada rica en texturas de la Casa Batlló, pasando por el maravilloso paisaje del Park Güell, es fácil entender por qué Antoni Gaudí (1852-1926) se ganó el epíteto de ''el arquitecto de Dios''. Con formas fluidas y una precisión matemática, su obra ensalza el milagro de la creación natural: las columnas se elevan como troncos de árboles, los marcos de las ventanas se curvan como las ramas en flor y las baldosas de cerámica brillan como la piel escamosa de los reptiles. Con esta extraordinaria atención a los detalles naturales, su inspiración en la estética neogótica y orientalista, y el compromiso de toda una vida con la identidad catalana, Gaudí creó una vertiente única del movimiento modernista que definió el paisaje urbano de Barcelona. Este libro da a conocer la visión extraordinaria y el legado único de Gaudí, ya que analiza las influencias y los detalles que hacen posible que sus construcciones impresionen, inspiren y sorprendan un siglo después de su construcción. No en vano siete de sus proyectos están declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
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Betty Edwards, la profesora de arte que conquistó a millones de lectores con su emblemática obra Aprender a dibujar con el lado derecho del cerebro, vuelve con apasionantes aportaciones sobre la percepción y la creatividad. El dibujo, nos enseñó Betty Edwards, nos permite activar el hemisferio derecho del cerebro, en el que reside la creatividad, que suele estar supeditada al pensamiento verbal, racional y digital del hemisferio izquierdo. Este libro amplía aquella propuesta de autodescubrimiento describiendo las diferencias entre los dos ojos -uno verbal, el otro perceptual- a la hora de percibir, crear y comunicarse. En un emocionante recorrido salpicado de referencias artísticas, practicaremos ejercicios para descubrir cuál es nuestro ojo dominante y aprender cómo afectan estas diferencias a nuestra forma de percibir la realidad (y cómo somos percibidos por los demás), para desarrollar una mirada más rica que no solo mejorará nuestras habilidades pictóricas sino también el aprendizaje, la resolución de problemas y el pensamiento en todos los campos.
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El formato estrella de presentación de arte contemporáneo sigue siendo la exposición. Una exposición quesufre modificaciones constantes, que necesita adaptarse a las propuestas de los artistas, repensarse desdesu uso, analizarse según sus posibles funciones y que, en definitiva, nos pide a gritos una reformulación.Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado) es un acercamiento a las posibilidades dela exposición, un deseo, una mirada para compartir con la voluntad de repensar el modo cómo el arte se conecta con la sociedad.
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Barcelona és un mosaic de paisatges i ambients: el port i la Rambla, el circuit gòtic de Ciutat Vella, l'Eixample, el Modernisme i Gaudí, l'urbanisme olímpic, els museus i les escultures, l'oci i la nit… Un complet reportatge visual complementat amb mapes generals i temàtics de la ciutat. Gaudiu Barcelona ara també en un nou format més gran, nou disseny i noves fotografies.
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En la impresión que provoca la vieja Florencia predomina una felicidad persistente, una sensación de cordura, de algo humano y sensato, la sensación de un lugar propicio a la vida.ö
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Cuando David Hockney descubrió el iPhone como medio artístico, se abrieron posibilidades totalmente nuevas para su arte. Hizo sus primeros dibujos digitales la primavera de 2009, describiendo el paisaje matutino con líneas anchas y deslumbrantes colores directamente en una pantalla que ofrecía matices sutiles como expresiones de pura luz sin mezclas. Después, en 2010, Hockney empezó a trabajar con un iPad. Gracias a la pantalla más grande, amplió su repertorio artístico y permitió una interacción aún más compleja de luz, línea y color.Cada imagen de este libro capta un momento fugaz visto a través de una ventana de la casa de Hockney en Yorkshire: desde el vibrante amanecer y el cielo lila de la mañana hasta las apacibles impresiones nocturnas o la repentina llegada de la primavera. Detalles fascinantes revelan gotas en los cristales de las ventanas, luces distantes en la noche, reflejos en jarrones, o una abundante y variada vegetación en el alféizar. En 120 dibujos realizados entre 2009 y 2012, seleccionados y secuenciados por el propio artista, experimentamos el paso del tiempo a través de los ojos de David Hockney.Este libro de artista, que apareció por primera vez en una exclusiva edición firmada, vuelve ahora en tirada ilimitada y con un generoso formato XL que muestra las impresiones de Hockney en brillante resolución. Así que ahora es la ocasión perfecta para hacer caso al consejo del crítico del Times sobre este libro: ''Si quiere que David Hockney le regale un ramo de flores, esta es su oportunidad.''
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Pensado en especial para los numerosos museos que operan en el mundo conrecursos limitados y poco personal, y partiendo de un amplio espectro deexperiencias prácticas, en sus páginas se proporciona una guía básica detodos los aspectos del trabajo museístico, de la educación y laformación del público a la organización y planificación del museo,pasando por la gestión y conservación de los fondos y colecciones.Organizado con un concepto modular con más de 100 unidades, el libro sepuede utilizar como obra de referencia para abordar la gestión diaria, ytambién como libro de texto clave en programas de formación.
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Aunque independientes, los ensayos que conforman estelibro se encuentran conectados mediante tres cuestiones que los cruzan transversalmente y vinculan sus contenidos. En primer lugar, la crítica de la estéticaoccidental como fuente privilegiada de la
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Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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Nueva edición del catálogo de exposición que acompañó Pinta la Revolución. Arte moderno mexicano, 1910-1950, una muestra organizada en conjunto por el Philadelphia Museum of Art y el Museo del Palacio de Bellas Artes, y presentada en ambas sedes entre octubre de 2016 y mayo de 2017. Esta nueva edición está dividida en tres volúmenes donde se abordan los temas más representativos del arte moderno mexicano. Se conservan las ilustraciones del catálogo original, agrupadas en secciones cuyos títulos reflejan los núcleos temáticos de la exposición. El tomo II se concentra en las alternativas de la vanguardia en el México posrevolucionario, la fotografía como medio y el impacto del arte moderno mexicano en los Estados Unidos.
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José María González Cuasante es catedrático de pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Coautor de la obra Introducción al color, ha realizado diversos trabajos de investigación, ha dictado cursos monográficos y ha impartido conferencias sobre este tema. Como pintor siempre ha estado interesado en los aspectos cromáticos de la pintura, la interacción de los pigmentos y las dificultades que plantean las mezclas de los mismos, en los fascinantes y diversos resultados que se obtienen según la clase de pigmento y la proporción que se utilice en la mezcla, siendo éste un problema matérico al que hay que sumar la dimensión perceptual, «la plasmación o manipulación de la materia está condicionada por la sensación visual». Este libro muestra y desarrolla esta interesante problemática: «Todas las pruebas y reflexiones que sobre el color de la pintura se exponen en este libro son fruto de aproximadamente veinte años de investigación».
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* Una lectura obligada para todo aquel que se sienta hechizado con el arte excepcional. * Un esclarecedor homenaje a 100 piezas artísticas que revelan qué es lo que las hace obras maestras. * Chloë Ashby explica por qué cada pieza que presenta resulta tan vital. Incluye obras seleccionadas para ofrecer una yuxtaposición única de estilos, medios y escuelas artísticas, para que incluso los más expertos historiadores del arte se crucen con obras infravaloradas, fuera del canon tradicional, y para conocer a visionarios rebeldes que aún ejercen su influencia en artistas de vanguardia. Con datos sobre los géneros más importantes, este libro es un resumen de las obras de arte que importan y una descripción de por qué no se las puede perder. Repleto de enlaces y sugerencias para leer, escuchar, ver y disfrutar. La vida es demasiado corta para el arte malo. Las propuestas de este libro valen la pena.
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Norman McLaren dijo que «la animación no es el arte de los dibujos que se mueven, sino el arte de los movimientos que se dibujan. Lo que pasa entre cada fotograma es mucho más importante que lo que hay en cada fotograma». ¿Qué veríamos, pues, si pudiéramos parar el tiempo entre fotograma y fotograma? ¿Cómo se manipulan estos intersticios invisibles, esta otra dimensión paralela a las imágenes? Elena Duque, cineasta y profesora especializada en animación experimental nos propone un recorrido que empieza en la primera década del siglo XX, con los primeros estudios de animación, y nos lleva hacia el trabajo de la animación experimental analógica a través del análisis de una serie de películas creadas por artistas de reconocimiento internacional.
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Presentamos un recorrido de más de mil quinientos años de historia de la pintura en Japón a través del análisis de sus obras más representativas con la explicación de los principales artistas, estilos y movimientos culturales: un viaje visual desde las primeras expresiones pictóricas en los antiguos túmulos funerarios a la pintura nihonga formulada tras la Restauración Meiji a finales del siglo XIX, pasando por los estilos yamatoe, suibokuga, Kano, Rinpa, ukiyoe, etc.Sin dejar de lado la rigurosidad académica, su enfoque didáctico apoyado en una cuidada maquetación, revela las claves de la pintura japonesa. Sus páginas profusamente ilustradas, con un color veraz y ajustado, transmiten la belleza y la riqueza de una tradición pictórica excepcional.Además, encontrarás fichas explicativas, gráficos y curiosidades que enriquecerán tu comprensión y apreciación del arte japonés. Ya seas un amante del arte, un estudiante o simplemente alguien que busca ampliar sus horizontes culturales, este libro es una ventana a un mundo lleno de color, historia y creatividad.
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Esta quinta edición revisada y ampliada de Historia de la música —pensada para los amantes de la música— es una invitación para acercarse a los fundamentos más relevantes que han configurado los principales cimientos de las obras de la música occidental, y también de sus prin¬cipales protagonistas. Desde sus inicios en la Grecia clásica hasta la música de masas como la del pop y el rock —pasando por la música Medieval, la del Renacimiento, la del Barroco, la del Clasicismo, la del Romanticismo y la de los siglos XX y XXI— la autora de este libro nos acompaña con un gran rigor intelectual y una manifiesta pasión y sensibilidad por los distintos contextos que han constituido los paisajes referenciales de la historia de la cultura occidental. Esta última edición incluye la obra de las mujeres compositoras de todos los siglos que han sido olvidadas por la mayoría de los libros de Historia de la música. En este sentido, es una obra que rinde un fervoroso homenaje a algunas de ellas para que, en un momento en el que estamos viviendo el auge de distintos feminismos, ellas también tengan su reconocido lugar en la Historia. En este libro se resaltan las principales características de los estilos musicales y sus formas más representativas, a la vez que se nos propone des¬cubrir, compás a compás, la magia que se encierra en este arte tan peculiar —lenguaje artístico universal por excelencia— que es la música.
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Los divertidos y prácticos libros de la serie «Dibujar en 10 pasos» están diseñados especialmente para aspirantes a ilustradores, dibujantes y aficionados al arte. Los ayudarán a familiarizarse con las nociones básicas del dibujo para animarlos a crear sus propias obras artísticas. Con Dibujar en 10 pasos: Animales adorables, los artistas en ciernes aprenderán a dibujar más de 50 animales diferentes, desde una rana a un coatí, en una variedad de posturas encantadoras siguiendo sencillas instrucciones paso a paso. Una introducción sobre los materiales necesarios y los métodos para colorear completan este fantástico manual que le enseñará a dibujar una gran variedad de animales adorables.
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En Técnicas para pintar bodegones la destacada artista y profesora Sarah Sedwick presenta detalladas instrucciones paso a paso y consejos sobre las numerosas posibilidades creativas que ofrecen el dibujo y la pintura de naturalezas muertas. Desarrolle sus dotes de observación preparando y valorando diferentes composiciones, agrupaciones y formatos. Evalúe las formas abstractas de una composición creando estudios de valor en blanco y negro. Aprenda el proceso de pintar con la técnica alla prima, desde aplicar una capa base hasta mezclar y aplicar colores. Con ejemplos inspiradores de otros distinguidos artistas que trabajan con diferentes medios, Técnicas para pintar bodegones es una obra informativa y muy visual que animará a todos los artistas, sean principiantes o expertos, a explorar este género clásico mediante nuevas configuraciones, estilos y estudios visuales, dándoles la capacidad de desarrollar y ampliar sus habilidades técnicas y creativas.
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La obra de este arquitecto, ingeniero y artista plástico valenciano ha traspasado fronteras desde los inicios de su carrera. En España le lanzó a la fama la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia y desde entonces ha estado a la cabeza de grandes obras, como complejos urbanísticos, puentes, torres o arte cinético, por todo el mundo.
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Sorpresa, admiración, desconcierto, rechazo, incluso risa. Los efectos que las exposiciones de arte contemporáneo tienen sobre el público son completamente distintos a aquellos que las expresiones artísticas generaron hasta la modernidad.
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Desde la aparición de su primer poemario en 1956, Leonard Cohen se convirtió en uno de los héroes culturales más reverenciados en los círculos literarios de Canadá y Estados Unidos. En los años sesenta, Leonard Cohen cambió la pluma por la guitarra y fue aclamado como «el poeta del rock por excelencia», influyendo en numerosas generaciones de músicos que le han rendido homenaje. Leonard Cohen dejó perpleja a su legión de seguidores cuando se retiró a un monasterio budista durante toda la década de los noventa, para reaparecer en 2008, en una gira triunfal que le llevó a las grandes salas de conciertos de todo el mundo.
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A través de un fragmentario conjunto de fotografías, recuerdos e intuiciones, Rodrigo Hernández reconstruye en Conchita la historia de su abuela materna, nacida en el País Vasco, a la que la Guerra Civil llevó de muy niña a México, apartándola de su familia y de un origen al que jamás volvió. A través de un juego de espejos invertidos, teje una biografía escindida y el paisaje común transitado por abuela y nieto, que, como en un sueño que quisiéramos atrapar, se dibuja y desdibuja a golpe de memoria.El artista comienza en el callejero de Durango («El nacimiento de Conchita aparece ligado al número 25 de la calle de Barría en Durango, provincia de Vizcaya. El año es poco claro si se comparan todos sus documentos, cada uno dotado de alguna incongruencia con respecto al resto, quizás 1932, el 30 de noviembre o el primero de diciembre. Nadie sabe a ciencia cierta») y termina visitando a su abuela en la residencia donde pasa sus últimos años: «Recuerdo que en alguna ocasión entramos a su cuarto y nos sentamos juntos al borde de su cama. Sacaba una cajita con fotos, cartas y pequeños recuerdos que mirábamos mientras ella los describía uno a uno. No sabía entonces —ni sé ahora tampoco— qué pasaba realmente en el corazón de mi abuela, qué o quién era lo primero que aparecía en su mente cuando despertaba en esa habitación pequeñita, en ese edificio lleno de personas solitarias. Me preguntaba qué la hacía o la había hecho feliz durante su vida, cuál era su idea del amor. A quién recordaba. Qué provocaba ese recuerdo en el presente».
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* Un precioso alfabeto para colorear (con números y símbolos), perfecto para todo tipo de artistas: con dos ilustraciones diferentes de cada letra del alfabeto y dos conjuntos distintos de números (0 al 9), así como otros símbolos útiles. * Los caracteres, con su exquisita decoración, se entrelazan con flores e insectos curiosos, todo ello con el estilo único y característico de Maggie Magoo. * Tanto si se dedica a colorear con consciencia como si prefiere personalizar sus propios proyectos, pruebe a poner toda su creatividad en cualquier letra que signifique algo especial para usted. ''Me gustaría compartir el amor por el arte y el mundo natural con todos los lectores mientras se embarcan en sus propios viajes de descubrimiento y colorean sus propias creaciones. Estoy deseando ver los mundos vibrantes que crean a partir de mis diseños, y espero que los compartan en las redes sociales''. ''Como las antiguas letras del Libro de Kells o un paseo por el bosque, deje que su imaginación vuele libre por la página y aporte su propia vitalidad a cada diseño, a través del color, con sus lápices y rotuladores. Las letras únicas y coloridas podrían ser un bonito regalo para sus seres queridos y alegrar sus hogares''.¿A quién va dirigido el libro Letras creativas para colorear?Este libro está dirigido a un público amplio, incluyendo a artistas de todos los niveles, desde principiantes hasta expertos. Su diseño permite que tanto quienes disfrutan del coloreado mindful como aquellos que buscan personalizar sus propios proyectos puedan encontrar en él una herramienta creativa. La naturaleza accesible de las ilustraciones lo hace adecuado para adultos y jóvenes con interés en el arte, el lettering y la expresión creativa a través del color. Es también una excelente opción para aquellos que buscan un regalo original y estimulante.Temas que trata el libro Letras creativas para colorearEl libro Letras creativas para colorear presenta un alfabeto ilustrado con dos versiones diferentes de cada letra, además de números y símbolos. Cada letra está exquisitamente decorada con flores e insectos, creando un estilo único y característico. Los temas que se trabajan son:Lettering decorativo: El libro ofrece una amplia gama de letras ornamentadas, perfectas para la práctica del lettering y la caligrafía decorativa. Se fomenta la exploración de diferentes estilos y la personalización de las letras.Coloreo creativo: Se invita al lector a explorar su creatividad a través del color, añadiendo su propia vitalidad a cada diseño. No se imponen paletas de colores específicas, permitiendo la libertad de expresión individual.Naturaleza e ilustración botánica: Las ilustraciones incorporan elementos de la naturaleza, como flores e insectos, creando un ambiente orgánico y relajante. Esto permite la conexión con la naturaleza a través del arte.Artesanía y manualidades: El libro puede ser utilizado como base para proyectos de manualidades, permitiendo la creación de tarjetas, posters, o cualquier otro elemento decorativo personalizado.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro Letras creativas para colorearAún no hay opiniones o críticas sobre Letras creativas para colorear.
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Han transcurrido cien años desde la publicación del Manifiesto del surrealismo por André Breton, una centuria, pues, del nacimiento de un vigoroso proyecto –a caballo entre lo poético y lo vital– que cuestionó la condición humana en su totalidad política y cultural, individual y colectiva. La propuesta surrealista, más que un pensamiento o un arte revolucionarios, entrañaba una práctica vital que permitía ver que las cosas «realmente» podían ser diferentes, otras.Loreto Casado ofrece aquí una nueva traducción que actualiza la lectura del Manifiesto del surrealismo y propicia un exhaustivo y profundo comentario sobre su calado histórico y artístico. Propone, además, un recorrido desde la fundación del grupo hasta su disolución, dando voz a quienes vivieron más de cerca la disrupción surrealista, cuyo sentido heroico y revolucionario perdura aún, como aliento inspirador, un siglo después.
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