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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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En tiempos recientes, los corridos tumbados han emergido como un fenómeno musical sin parangón. Su extraordinario éxito radica en la ingeniosa fusión de tradiciones que van desde los corridos tradicionales al rap y el trap, con íconos como Peso Pluma, Natanael Cano, Fuerza Regida, Luis R. Conriquez y Eslabón Armado, todos arraigados en las ricas y a menudo polé¬micas narrativas de la narcocultura. Sin embargo, más allá de su carácter musical, los corridos tumbados son un reflejo del deseo y el anhelo de una generación. Son la voz de millones de jóvenes que buscan, a través de sus melodías y letras, un escape a las aspiraciones frustradas, y que ven en estos ritmos la promesa de un estilo de vida soña-do, pero a menudo inalcanzable. Estas canciones hablan un lenguaje coloquial y presentan fusiones musicales que no solo resuenan en los oídos de aquellos familiarizados con el rap o lo regional, sino también en aquellos para quienes la violencia y el universo del narco son paisajes cotidianos. Este libro revela la potente influencia social de la narcocultura, poniendo de manifiesto cómo el narcomundo se ha convertido en un referente esencial en la construcción de la vida, la muerte y, sobre todo, la identidad. Como el reconocido corridista y musicólogo Juan Carlos Ramírez Pimienta menciona en el prólogo: «en México, el corrido es cosa de jóvenes».
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El arquitecto brasileño Paulo Mendes da Rocha (1928-2021) es uno de los protagonistas principales de la arquitectura latinoamericana y una de las figuras más interesantes del panorama de la arquitectura mundial. Catedrático en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de São Paulo, es autor de obras como el Gimnasio del Club Atlético Paulista (1961), el Pabellón de Brasil en la Expo de Osaka (1970), el Museo Brasileño de Escultura MUBE (1987), la restructuración de la Pinacoteca Estatal de São Paulo (1993-97), el Museo de las Carrozas de Lisboa (2009), el complejo Casa de las Artes de Vitória do Espírito Santo (2011) y el proyecto del Campus Universitario de Cagliari (2007). Su obra ha sido expuesta en la AA School of Architecture en 1999 y en la VII Muestra de Arquitectura en la Bienal de Venecia en el año 2000. Su obra y su pensamiento le han hecho merecedor de numerosos galardones y distinciones, entre los que destacan el Premio Mies van der Rohe para América Latina en 2001, el Premio Pritzker en 2006, el Leone d'Oro en la XV Bienal de Venecia en 2016, el Premio Imperial de Japón en es mismo año y la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects RIBA en 2016. Este libro recoge un compendio de valiosas entrevistas a Mendes da Rocha realizadas por Carlo Gandolfi entre 2009 y 2013 como parte de la investigación para su tesis doctoral, que versaba sobre la obra del arquitecto brasileño, al que además ha dedicado varias publicaciones.
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¿Por qué la Villa Rotonda está girada 45 grados respecto al eje norte-sur, igual que lo estaba el observatorio de Tycho Brahe? ¿Qué llevó a rotar 12 grados el monasterio de El Escorial? ¿Cómo propició Filarete la salubridad en su Ospedale Maggiore? ¿Por qué los palacios contaron con espléndidas pajareras y veletas? ¿Qué mecanismos utilizaron los caballeros de Costozza para refrigerar sus villas? ¿Cómo afectó la peste de 1348 a la arquitectura? ¿Por qué Scamozzi pensaba que los arquitectos debían ser meteorólogos? ¿Cómo respondió Philibert de l’Orme al encargo de diseñar un edificio donde se pudiera migrar de habitación en habitación, como “hacen las cigüeñas en invierno y primavera”? Estas y otras preguntas sostienen el hilo conductor de Los laberintos del aire, un relato apasionante y complejo sobre la relación de la arquitectura con la naturaleza a través de los vientos, el aire y las miasmas, y que aporta nueva luz a un periodo no menos complejo y apasionante, el Renacimiento.
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Este libro no es un simple manual, ni un tratado de violín al uso, Yuri Yanelévitch compartió en sus escritos una buena parte de su enorme y valioso conocimiento empírico sobre la formación violinística y musical. Aborda numerosas e importantes cuestiones técnicas, pero sin olvidar jamás su finalidad última: la de hacer música. Es por ello que se trata de un libro de gran interés para cualquier tipo de instrumentista y especialmente para los docentes que forman a los músicos del mañana.Un libro ampliamente conocido desde hace varias décadas en todo el mundo y que ha sido citado en numerosos trabajos y estudios.
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Escenarios urbanos de cine se atiene a un esquema cronológico, desde los inicios del negocio cinematográfico hasta los años setenta, recomponiendo un largo trayecto que va de los Lumière hasta los Situacionistas, plagado de movimientos brillantes e irrepetibles, como el Neorrealismo y la Nouvelle Vague, y con obras de cineastas imprescindibles y muy distintos entre sí, encuadrados sobre todo en las capitales mencionadas en el subtítulo: París, Berlín, Moscú, Nueva York y Roma.La originalidad y la innovación se han conseguido al no ceñirse estrictamente el libro a las relaciones entre el cine y la ciudad, incluyendo también las artes plásticas, sobre todo la pintura, y además la arquitectura. Como escribe el autor, el cine y la arquitectura son actividades singulares de modificación de lo existente y el texto tampoco se circunscribe a una ciudad determinada por cada capítulo, porque en la mayor parte de ellos se relacionan títulos rodados por cineastas en otras poblaciones diferentes, alcanzando valor tanto para quienes no tienen conocimiento sobre este tema como para especialistas, ya que en cada uno de sus apartados se han ido aportando nuevos aspectos notables que enriquecen los estudios sobre las relaciones entre cine y ciudad. (del prólogo de Jorge Gorostiza)
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El libro de Francisco de la Maza (1913-1972) ''Cartas Barrocas desde Castilla y Andalucía'', fue publicado por primera vez en 1963. En esta obra se relata el itinerario que realizó en 1956 el doctor De la Maza con el objetivo de conocer a fondo la arquitectura barroca de Castilla y Andalucía, con una selección precisa de edificios y autores, lo que no quita, que se interese por otras manifestaciones artísticas, tanto técnicas como de periodos culturales ajenos al barroco. La estructura en formato ''cartas'' se traduce en una prosa amena, viva y fresca que nos revela sus intereses artísticos viajando desde Burgos a Cádiz, desde León a Granada, con páginas dedicadas a Toledo, Salamanca, Madrid, Sevilla y otras ciudades y poblaciones, siempre con especial predilección por la arquitectura barroca. A lo largo de su diario también se encuentra con personalidades de la cultura del momento como Diego Angulo, René Taylor, Miguel de Unamuno o Rafael Manzano. Visita centros de estudio como la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando o la Biblioteca Nacional. Además hace acopio de libros que le servirán para la redacción final, ya de vuelta a México. Esta obra ha servido para muchos mexicanos que han visitado nuestro país siguiendo los itinerarios de Francisco de la Maza, por su capacidad de comunicación y apreciación estética, descubriendo matices sobre nuestra arquitectura barroca de interés, también, para nuestra propia historiografía. Razones suficientes para que se edite este trabajo en nuestro país.
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Buena parte de la historia de la música popular española pivota en torno a la figura y la obra de Teddy Bautista, un músico que aprendió los secretos del pop antes que casi nadie y que se ganó el privilegio de crecer como artista con su banda en Estados Unidos.Profeta del soul al frente de Canarios, buscó nuevas fronteras musicales en el góspel, el rock apegado al sonido de los metales y el rock progresivo con un pie en la electrónica y la experimentación: su disco Ciclos es objeto de culto en todo el mundo. Lideró con Camilo Sesto la versión española del revolucionario Jesucristo Superstar y trabajó en varias películas. Fue productor de, entre otros, Luis Eduardo Aute, Triana, Leño, Topo o Nacha Pop, y aparcó temporalmente la música para afrontar un nuevo reto: liderar la renovación absoluta de la SGAE.Durante más de dos décadas, Bautista peleó por devolver la dignidad a los autores y a los artistas, enfrentándose a oscuros intereses financieros que no cesaron de hacer campaña en contra de su gestión. En 2011 fue detenido por orden de la Audiencia Nacional y sometido a un largo y penoso proceso judicial y mediático que terminó diez años después con la absolución de las cuatro causas que le imputaron. Un daño no reparado del que habla, como nunca antes, en este libro.A través de estas páginas, Teddy Bautista aborda su incansable trayectoria vital y profesional, reflexiona sobre sus aciertos y sus errores, subraya su apasionada visión de la música y el arte y reivindica su legado. Todo ello en un libro fascinante, fruto de más de cuarenta horas de conversaciones con Luis Lapuente, en el que ofrece una panorámica crítica y sosegada de la música y la cultura españolas desde la posguerra hasta nuestros días.
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En el 75 aniversario de la primera película de la famosa trilogía de la caballería de John Ford, el libro analiza exhaustivamente los films que la componen: Fort Apache,La legión invencible y Río Grande.
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En este libro se muestra la capacidad compositiva de la improvisación libre y se describen otras cualidades que desarrollan los músicos y artistas que la practican. Es un intento de equilibrar la balanza entre la improvisación libre y la composición escrita, recuperar el valor que se le ha negado a la improvisación. A través de los escritos de diferentes autores, de las entrevistas personales a un número importante de compositores e improvisadores del panorama internacional, así como del análisis de su experiencia práctica (las relaciones entre la improvisación libre/composición y el free jazz, la poesía escénica, la sensibilización artística de personas con discapacidad intelectual y las orquestas de improvisadores), Chefa Alonso investiga las similitudes y diferencias entre la improvisación libre y la composición escrita. La historia musical occidental se ha centrado en las composiciones escritas y ha sobrevalorado la importancia de la partitura, que ha terminado por convertirse en el objeto central de la actividad musical oficialmente reconocida. Por otro lado, es comprometido estudiar y analizar algo que no está escrito, es difícil entender comportamientos donde las reglas no son transparentes, como es el caso de la improvisación libre. El mundo académico infravalora la formación de los improvisadores y desconfía de los resultados musicales de una negociación artística y social espontánea que implica tolerancia y habilidad para tomar decisiones dentro de un contexto colectivo. Las razones que justifican el rechazo de la improvisación no están basadas en cuestiones de “forma” o de “poética” musical, sino que obedecen más a prejuicios ideológicos derivados de condiciones históricas y sociales.
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Descubre el mundo íntimo de las Maiko de la mano de la mayor experta en los Hanamachi de Kioto y en la cultura de las geishas.Los hanamachi —literalmente, «ciudad de las flores»— son los barrios en los que residen y trabajan las geishas: un pequeño universo donde el tiempo parece haberse detenido, un lugar en el que perviven antiguas tradiciones y en cuyas calles se respira el arte y la belleza de la milenaria ciudad imperial de Kioto. La fama de los hanamachi ha trascendido las fronteras de Japón y hoy en día estos pintorescos barrios son conocidos en todo el mundo atrayendo a miles de turistas. Las maiko —aprendices de geisha— son su símbolo y, ataviadas con sus coloridos kimonos, recorren sus calles, acuden a eventos y reciben formación e instrucción en las artes y las tradiciones más antiguas de Japón.
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Colección de dibujos del prestigioso arquitecto modernista Lluís Domènech i Montaner, que incluye algunos del Palau de la Música Catalana y del hospital de Sant Pau.Para Lluís Domènech i Montaner, la arquitectura es una disciplina que engloba el pensar y el construir, y la practica escribiendo tanto tratados históricos como crítica contemporánea, enseñando en la Escuela de Arquitectura de Barcelona y diseñando en el tablero de dibujo edificios y objetos, incluidas las artes gráficas y las industriales aplicadas. Este libro recoge toda una serie de documentos que reflejan la constante energía, aparentemente dispersa, pero conceptualmente concentrada, de un arquitecto que entendió también su vida como un juego apasionadamente intenso, pero racionalmente controlado.
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La colección de la Spanish Gallery en Bishop Auckland alberga un grupo notable de pinturas que iluminan los ricos y variados intercambios artísticos entre España e Italia hacia 1600. Algunos destacados artistas españoles desarrollaron parte de su carrera en Italia, mientras que sus colegas italianos aprovecharon las oportunidades que les surgían en los dominios de los Austrias Españoles y trabajaron también para mecenas afincados en Roma y Nápoles a las órdenes del rey de España.
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El libro reúne varias criticas de arquitectura a través de las cuales se aprecia la evolución de la arquitectura en los últimos diez años. De proyectos de gran envergadura que pretendian transformar el entorno hasta edifcios mas sostenibles que responden a criterios de funcionalidad.
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Este libro muestra y describe los puentes más destacados del mundo, desde los simples pasos construidos en la Prehistoria a las actuales maravillas de la ingeniería. Puentes de viga, de arco, apuntalados, móviles, colgantes o atirantados. Hermosos, impresionantes, inspiradores.
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Little Richard abrió el camino para generaciones de músicos: los Beatles, James Brown, los Everly Brothers, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Elton John, Prince...La lista es interminable. Él era «el Origen», «el Innovador» y el autoproclamado «Rey y Reina del rock and roll». Cuando falleció el 9 de mayo de 2020, La gran vida de Little Richard, que estaba casi terminado, se actualizó inmediatamente para cubrir la respuesta internacional a su muerte. Esta es pues la gran biografía de Richard Wayne Penniman de Macon (Georgia, Estados Unidos), quien fue, hasta su fallecimiento, el último dios vivo del rock, el gran Little Richard. Mark Ribowsky, aclamado biógrafo de íconos musicales, explora la maestría musical de Little Richard, su vida familiar, su lucha contra el racismo, sus relaciones con otros personajes famosos de la época y con los medios de comunicación, y su eterno conflicto interior entre su religión y su sexualidad.
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El notable cuerpo de trabajo de Wangechi Mutu toca temas como la sexualidad, la ecología, la política y los ritmos y el caos que gobiernan el mundo. Sus pinturas, esculturas y collages, a menudo enriquecidos con materiales culturalmente cargados, como té, cabello sintético, tierra de Kenia, plumas y arena, entrelazan la realidad con la ficción, generando una forma única de creación de mitos que la diferencia de la historia clásica o cultura popular. Este es el primer libro que documenta su evolución y explora su impacto.Adrienne Edwards es curadora de Performance en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.Courtney J. Martin es directora del Centro de Arte Británico de Yale en New Haven.Kellie Jones es Profesora Hans Hofmann de Arte Moderno en los Departamentos de Historia del Arte y Arqueología, y Estudios Afroamericanos y de la Diáspora Africana en la Universidad de Columbia.Chika Okeke-Agulu es Directora de Estudios Africanos en la Universidad de Princeton, Nueva Jersey.
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Cuando la Historia de la ópera analice el final del siglo XX y el comienzo del siglo XXI, todos los nombres que aparecen en este libro tendrán un capítulo especial como representantes de cuatro generaciones entrecruzadas. Por un lado, la de Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Josep Carreras o Teresa Berganza, por otro, la de Renée Fleming, Barbara Hendricks y Roberto Alagna, junto a quienes también han marcado con fuerza las dos primeras décadas del nuevo milenio, como Cecilia Bartoli, Anna Netrebko, Sondra Radvanovsky, Carlos Álvarez, Jonas Kaufmann, Juan Diego Flórez, Javier Camarena, Rolando Villazón o, después, Philip Jaroussky y Jakub Jozef Orlinsky. En el escenario todos ellos se sienten, en su fortaleza y su fragilidad, auténticamente divos. Pero también, desde fuera, figuras como Peter Gelb o Gerard Mortier, verdaderos magos, han sido capaces de transformar, desde su audaz visión de la cultura, un espectáculo como la ópera, para que sobreviva en el futuro. A todos ellos los ha conocido de cerca y entrevistado a menudo Jesús Ruiz Mantilla, como cronista musical. Juntos conforman una visión apasionada, lúcida y polémica del mundo del arte y de la música. Todos abordan sus valores y filosofías de la vida, sus carreras, la política, el amor, ciertas manías, pasiones, excesos y locuras, sus glorias y ocasos… Un retrato colectivo donde prima la dimensión humana de estos seres divinos que bordean la tragedia y saben también reírse de sí mismos y de lo que les rodea sin dejar indiferente a nadie.
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Comprender es todo lo contrario de describir, y para comprender es necesario observar. Además, «la calidad de la comprensión depende de la calidad de la observación». Es decir, su resultado no solo necesita del observador, sino de cierta especialización para poder representar esa realidad que se desea transmitir. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es una llamada a una preocupación pedagógica que entiende el dibujo como una forma de pensar propia de la arquitectura. Construye un contexto y un marco conceptual donde los libros Learning from Las Vegas (1972) y Made in Tokyo (2001) se reconocen como proyectos pedagógicos potenciales por practicar una sensibilidad hacia lo existente, y por reaccionar con objetividad ante una realidad convulsa a través de registros y procedimientos soportados en dibujos, observaciones que lograron transmitir teorías trasgresoras de proyecto. Además, son sustancia del pensamiento combinado resultante de enseñar, practicar, e investigar en arquitectura. Pedagogías dibujadas para tiempos de crisis es también una especie de guía para quien desee aprender y enseñar a proyectar. Ofrece una serie de ideas sobre cómo podría abordarse un proyecto de enseñanza hoy: diez bazas operativas de dibujo abren una ruta exploratoria y útil para reaccionar ante escenarios de incertidumbre radical.
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Acostumbramos a hablar del mundo de la ficción como si a un texto o una imagen le correspondiera uno y solo un mundo, como si una novela representara todos los estados de cosas y los hechos de ese mundo. Sin embargo, los estados de cosas descritos y los hechos narrados en una novela no dibujan un mundo en su totalidad, ni siquiera son todos los que necesitamos para entenderla. El mundo desborda el texto de la obra y a la propia la obra, que sería ilegible sin ese mundo sobre el que tiene sentido. El lector hace inferencias, establece hipótesis, llega a conclusiones y adopta actitudes -más o menos deliberadamente- haciendo uso de supuestos y creencias que no son explícitas, sino que tienen que ver con ese mundo de trasfondo. Los personajes adultos han tenido una infancia, las emociones que motivan sus actos tienen una historia, cuando la acción deja de centrarse en ellos, siguen existiendo, los acontecimientos siguen teniendo consecuencias, las geografías de los lugares preexisten o en todo caso se suponen el escenario permanente de las historias, etc.
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Lola Flores es sin duda una de las grandes estrellas que ha dado España y un mito que va más allá de la música, el cine y la televisión. Es todo un fenómeno social. Un grupo de expertos analizan en El universo de Lola Flores todas sus películas, su carrera, sus compañeros de reparto, su familia …. Todas las constantes de su vida y obra.
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Un retrato de Madrid desde diversas ópticas, con textos de Victoria Acebo, Berta Gutiérrez, Gonzalo del Val, Carlos Copertone y Patxi Eguiluz. Entrevista de Paula García-Masedo al estudio Burr, reseña de Lluís Alexandre Casanovas Blanco sobre el último libro de Uriel Fogué. Un proyecto de María Langarita y Víctor Navarro, y un colegio de Andrés Jaque. En el ámbito de la escena artística, Julia Spínola se encuentra con José Diaz y Yaby nos muestran un retrato posible de lo que significa generación en la capital.
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Contando con la colaboración de varios autores, expertos todos ellos en el arte de la entrevista literaria, Andrew Sarris nos ofrece en este libro un panorama del cine universal visto a través de las declaraciones de los más famosos directores. Basta que el lector eche un vistazo a la lista de las personalidades entrevistadas para advertir la trascendencia de este libro en la historiografía del séptimo arte: Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman, Robert Bresson, Luis Buñuel, Charles Chaplin, Carl Theodor Dreyer, Sergei M. Eisenstein, Federico Fellini, John Ford, Jean-Luc Godard, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, John Huston, Buster Keaton, Akira Kurosawa, Fritz Lang, Joseph Losey, Pier Paolo Pasolini, Otto Preminger, Nicholas Ray, Jean Renoir, Alain Resnais, Roberto Rossellini, Josef von Sternberg, Erich von Stroheim, François Truffaut y Orson Welles.Los más grandes directores ?aquellos que con su genio creador han convertido el cine, en poco más de un siglo, en el arte más influyente y en una de las industrias más poderosas de nuestro tiempo? desfilan por estas páginas, dejando para la posteridad uno de los documentos esenciales para el conocimiento de la evolución y los secretos del espectáculo de masas por excelencia.
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En casi todos los guiones hay palabras que expresan lo que dicen, y palabras que no. A veces son mentiras, y otras un modo alternativo de comunicación, indispensable para construir un guion excelente. Pero cabe también expresar ese mismo contenido mediante asociaciones de imágenes, objetos, nombres y evocaciones, que proporcionan al espectador la información que necesita para sospechar, alegrarse y amar, desconfiar o sorprenderse con los personajes, que adquieren una realidad inesperada. El subtexto constituye un lenguaje indispensable para el gran cine, y también para la novela. Linda Seger elabora, como siempre de un modo sintético, un magnífico manual divulgativo para amantes del cine y de la creación literararia, novelistas y guionistas, pero también para academias y universidades, y para todo aquel que busca disfrutar y aprender con el buen cine.
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