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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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Este libro es una invitación a sumergirse en la historia y el arte de una de las más destacadas joyas arquitectónicas: la Mezquita-Catedral de Córdoba, un tesoro histórico y cultural que presenta las más antiguas cúpulas nervadas que han llegado hasta nuestros días, las cúpulas de la Macsura de Al-Hakam, y que nos conducen a un apasionante viaje para explorar su complejidad constructiva e histórica. A través de esta obra, descubriremos las significativas intervenciones monumentales de las que han sido objeto, o cómo la decoración de mosaicos y pinturas, así como la distribución de los arcos, han evolucionado para mostrar una búsqueda constante de continuidad decorativa y una jerarquía de materiales y motivos ornamentales. Igualmente, nos invita a explorar las influencias recíprocas de distintos esquemas arquitectónicos, como la tradición romano-bizantina y la musulmana, y a apreciar la fabulosa fórmula de dobles arcos que tanta personalidad le confiere. El libro presenta las conclusiones de una jornada que abordó los descubrimientos constructivos y arqueológicos en las cúpulas de Al-Hakam de la Mezquita-Catedral de Córdoba. Promovida por el Cabildo de la Santa Iglesia Catedral de Córdoba, participaron numerosos arquitectos y especialistas. El Cabildo es responsable de la conservación del monumento desde 1239 y ha llevado a cabo trabajos de consolidación y restauración de forma continua.
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Este libro es un paseo, de más de 600 años, a través del cual la autora pretende hacer entender al lector la evolución física y cultural de la capital, desde la perspectiva de la transformación de la religiosidad representada en los cambios arquitectónicos y simbólicos de la iglesia de San Pedro. Un repaso por los acontecimientos más destacados de los que fue testigo inmutable una de las construcciones más reconocibles y reconocidas de Ciudad Real, y a la vez una de las tres iglesias históricas, imbricando la evolución del templo con la evolución social, geográfica y cultural de la ciudad. En definitiva, un pequeño recorrido que recala en los hechos popularmente más desconocidos y, sobre todo, en aquellos que más influyeron en los habitantes de Ciudad Real.
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Alexander Tairov (Romny, 1885 - Moscú, 1950). Actor y director escénico ruso. Discípulo de Konstantín Stanislavski y Vsévolod Meyerhold. En 1914 creó el Teatro de Cámara que en muy poco tiempo se convierte en el centro de la creatividad experimental para muchos actores, pintores, escritores y músicos rusos. Desarrolló lo que el denominó Teatro Sintético que incorporaba ballet, ópera, circo, pantomima, historia del teatro y malabares. Le da especial importancia al trabajo con la voz y al ritmo situando al actor como fuerza motriz de la acción dramática. Tairov sostenía que el teatro era un arte en sí mismo y no un medio para trasmitir literatura. En su escuela desarrolló una compañía de actores-maestros que fueron los principales creadores de las puestas en escena. A partir de 1924, Tairov que se había unido al régimen soviético más por entusiasmo que por convicción ideológica, fue duramente criticado por sus investigaciones teatrales y descrito como burgués y antirrevolucionario. Sometido a grandes presiones es enviado con el Teatro de Cámara a realizar una gira por Siberia que dura casi dos años. Sobrevivió a las grandes purgas de Stalin y evitó el exilio como le sucedió a Evreinov o el trágico final de Meyerhold, fusilado en 1940. En mayo de 1949, el Comité Soviético para las Artes emitió una orden oficial para cerrar el Teatro de Cámara bajo la acusación de esteticismo y formalismo y el edificio fue demolido. Es trasladado al Teatro Vajtángov trabajando bajo la supervisión de una junta de teatro estatal. En 1950 a Tairov lo ingresan en un centro psiquiátrico, falleciendo como consecuencia de un cáncer cerebral a los pocos meses.
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Un libro que hará que los jóvenes descubran y se enamoren de toda la maravilla del cine, de la mano de uno de los más grandes maestros de la cinematografía. «Si todavía existiera un yo de doce años y si tuviese a alguien que me diera una lista de 50 películas para ver, me parecería el mejor regalo del mundo.» (Giuseppe Tornatore) ¿Cuáles son las películas que hay que ver para hacerse mayor? ¿Las que conmueven, las que hacen reír, pensar y aquellas que todo niño o joven debería ver para aprenderlo todo sobre el cine y, por qué no, sobre la vida? Este es un libro dirigido y editado por el director Giuseppe Tornatore que relata las 50 películas imprescindibles, desde la saga de Harry Potter para vivir una gran aventura y descubrir el valor de la amistad hasta El instante fugaz, para comprender lo importante que es afrontar la vida siendo fiel a uno mismo. Desde los grandes clásicos que han marcado una época hasta los éxitos cinematográficos más recientes, cada película se presenta para descubrir al lector, además de su argumento, sus temas principales, el director, los actores, anécdotas y curiosidades sobre el mundo del cine. En definitiva, toda la maravilla del cine de la mano de uno de los más grandes maestros de la cinematografía, a través de unas historias que no olvidará nunca.
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Este libro, a medio camino entre una guía turística, una enciclopedia musical y un relato de viajes, quiere ser sobre todo un modo de estimular la fantasía y la imaginación del lector, desvelar anécdotas e «historias que han hecho historia», todo ell
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La película más personal de Pedro Almodóvar. Ellibro más repleto de extras. Salvador Mallo es un veterano director de cine aquejado de múltiples dolencias, pero el peor de sus males es la incapacidad para seguir rodando. La mezcla de medicamentosy drogas hace que Salvador pase la mayor parte del día postrado. Este estado de duermevela le traslada a una época de su vida que nunca visitó como narrador: su infancia en los años sesenta, cuando emigró con suspadres a un pueblo de Valencia en busca de prosperidad. También se le vuelve a aparecer su primer amor adulto, ya en el Madrid de los ochenta, y el dolor quesupuso la ruptura. Salvador se refugia en la escritura como única terapia para olvidar lo inolvidable. Ese ejercicio lo devuelve al temprano descubrimiento del cine, cuando las películas se proyectaban sobre un muro encalado, al aire libre, con olor a pis, ajazmín y a brisa de verano. De nuevo, descubrirá queel cine puede ser su única salvación frente al dolor, la ausencia y el vacío. Esta edición contiene, además del guion original de la película (que incluye escenas que no se vieron en el cine), un sustancioso apartado de comentarios sobre su proceso creativo y el rodaje, firmado por el propio Almodóvar, y un precioso epílogo de Gustavo Martín Garzo. Además, está profusamente ilustrada a todo color con fotografías y fragmentos del storyboard.Un libro perfecto para todos los amantes del cine y la cultura.
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Este volumen recoge las seis conferencias que Luciano Berio (Oneglia, 1925 - Roma, 2003) impartió en la universidad de Harvard en 1993 y 1994. En ellas el compositor comparte con los lectores algunas experiencias que nos invitan a considerar la relación
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La incorporación de Ringo a los Beatles no fue una mera cuestión de suerte, sino la consecuencia de ser el mejor batería de Liverpool en aquellos tiempos, cuando tocaba junto a Rory Storm & The Hurricanes, donde se fue curtiendo como instrumentista. Igual
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En el tercer centenario de Kant: su estética.“Puede decirse que el problema estético no ha sido formulado con precisión hasta Kant. Los antiguos confundían lo bello con lo bueno, no distinguían en el fondo la ética y la estética. Los modernos, que antecedieron a Kant, cometieron idéntica confusión, mezclando unos la lógica con la estética y otros la estética con la moral. La visión sistemática, total, de los problemas de la filosofía fue la que permitió a Kant formular con precisión e independencia el problema estético. Esta es acaso su principal contribución a la teoría de la belleza.” Manuel García Morente (1886-1942), filósofo, traductor de las principales obras de Immanuel Kant (1724-1804), resume aquí los elementos centrales de la teoría estética kantiana.
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Aquesta FotoGuia explica amb detall els orígens de la presència grega i romana a Empúries, lloc d'arribada del món clàssic a la península Ibèrica. La puixança d'ambdues ciutats va convertir Empúries en un gresol de cultures. Un recorregut visual, il·lustrat amb les principals peces que allotja el Museu, que permet conèixer la bellesa del Conjunt Arqueològic d'Empúries. Un tresor clàssic al cor de l'Empordà.
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«¡Pobre Puccini! ¡Qué mal te quieren los técnicos circunstanciales que padecemos y cuánto te aplaude el mundo entero! ¡Qué malo eres y cuánto ganas! ¡Los críticos te censuran y el público te ensalza!». Las palabras expresadas por el colaborador del diario El Correo, en enero de 1910, pueden servir como reflejo de cómo España recibió a uno de los grandes compositores de la historia de la ópera: Giacomo Puccini. El presente libro estudia las interrelaciones culturales entre España e Italia en el ámbito de la ópera, partiendo de la recepción española de la figura y obra del maestro italiano. Esta publicación cubre la necesidad de ofrecer un conocimiento exhaustivo de la recepción de Giacomo Puccini y sus óperas en España, dado que la bibliografía existente sobre el tema se ha limitado a unos pocos artículos de carácter divulgativo y referencias en estudios generales. La recepción del maestro italiano en España es la historia de un compositor novel que rápidamente experimentó una importante transformación, pasando del más profundo desconocimiento a alcanzar una popularidad notable. Puccini se convirtió vertiginosamente en uno los compositores de ópera italiana imprescindibles en la cartelera teatral del país. Mientras el público y las empresas teatrales vieron en Puccini a su nuevo compositor predilecto, un determinado grupo de críticos nacionales tuvieron motivos estéticos y comerciales para atacarlo. A pesar de enfrentarse a los negativos juicios de los partidarios de la ópera nacional y seguidores del músico alemán Richard Wagner, la influencia de Puccini en la cultura y sociedad española fue innegable.
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Se conoce con el nombre de pre-code a ese periodo de la historia de Hollywood, de 1929 a 1934, en el que el cine fue realmente libre. Mujeres con poder, parejas de hecho, hijos ilegítimos, adulterio, prostitución, guiños homosexuales, drogas… formaron parte de modo insistente del cine de aquellos años. Este segundo tomo pretende dar a conocer esta fascinante y sorprendente etapa del cine norteamericano a través de nuevas películas que complementan a las del primer tomo. Todo lo que Hollywood no podría después mostrar hasta bien entrados los años sesenta, ya se hacía en los años treinta.
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Un libro que recoge lo más significativo de la obra de TVBoy, el artista urbano que además de reconciliar artísticamente a rivales políticos y futbolísticos, con sus obras denuncia la contaminación o la situación de los refugiados, o defiende los derechos de lacomunidad LGTB. Más allá de un libro de arte,es un retrato de personajes contemporáneos, desde una mirada muy especial, y que conecta muy bien con elpúblico joven. En estas páginas, el autor hace una reflexión irónica sobre cómo ha cambiado el culto a los iconos. De las figuras religiosas de antes alos músicos, los influencers o los futbolistas de hoy. También reflexiona sobre el valor del arteurbano, que siendo efímero puede llegar a millones depersonas gracias a las redes sociales, y que se convierte en el arte más democrático, pues convierte a las calles, a los muros, en galerías de arte accesiblesa todo el mundo.
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Una lectura crítica y especulativa orientada a futuros posibles atributos de nuevos modelos de práctica profesional.Existen prácticas que nos fascinan, y solo una mirada poliédrica hacia las mismas permite descifrar sus particularidades verdaderamente distintivas. Euralille fue para OMA un proyecto transicional que acompañó a Rem en la transformación de una oficina en revisión, en una práctica más estratégica que pudiera afrontar retos contemporáneos en un panorama profesional cambiante. A partir de este complejo proyecto, el ensayo de Verónica Meléndez propone una lectura crítica y especulativa orientada a futuros posibles atributos de nuevos modelos de práctica profesional.
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Con la música me rebelo contra una sociedad que no me gusta.El libro que tenemos delante pretende demostrar la influencia de la música en la formación de una identidad progresista y de izquierda además de cuestionarse la infrautilización que los partidos políticos están haciendo de esta parte de la cultura. Los partidos políticos parecen ignorar uno de los elementos más aglutinadores y que más ayudan a conformar un sentimiento de unión. Para ello, no sólo acudiremos a la literatura existente, sino que presentaremos testimonios de experiencias vitales, relatos personales, donde la música ha sido nodular para la configuración de su pensamiento.
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Unrealised Projects is the latest instalment in the Norman Foster Foundation’s Conversation Series.This unique book features an interview conducted by Hans Ulrich Obrist with Norman Foster on the topic of his unrealised projects.The interview, conducted in 2019, has been carefully transcribed and edited into written form. The book features an introduction by Hans Ulrich Obrist who rightly points out that the subject of unrealised projects is often not well explored, even for architects such as Norman Foster.Beginning with the early years of Foster’s career, the interview traces the various reasons why some projects remain unrealised—from politics and finances to misleading competition guidelines. It becomes clear that whilst a project may be unrealised, elements from its design can later be incorporated into realised projects, sometimes even decades later.This publication includes a small ion of drawings from the Norman Foster Foundation Archive that illustrate some of the unrealised projects that Foster and Obrist discuss. The result is a compact and intimate telling of Norman Foster’s career from a different perspective, one which celebrates projects big and small, realised and unrealised.
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Adolf Loos fue uno de los pocos arquitectos capaces d
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Ricardo Aroca nos cuenta en este amplio volumen qué es estructura y cuáles son las características que la definen: equilibro, resistencia, estabilidad, rigidez...Cuando, como alumno, entré en contacto con las estructuras, con la ilusión de que por fin iba a usar para algo las matemáticas que llevaba estudiando desde la infancia, me extrañó que las estructuras que sobre las que teníamos que trabajar parecían salir de la nada y pronto empecé a preguntar, sin obtener respuestas convincentes ¿cómo se empieza? Las clases eran rigurosas pero crípticas y como se corrió la voz de que yo me enteraba, aunque no era del todo cierto, me vi arrastrado a implicarme en la docencia. Entonces me di cuenta de que la mejor manera de entender de verdad algo es tener que explicárselo a otros, agradezco a mis alumnos su involuntaria colaboración en mi empeño por comprender las estructuras. Antes de comprobar la validez de una estructura (cosa que hace estupendamente un programa informático) es preciso definirla. Las herramientas de análisis usadas de forma genérica pueden servir para orientar las decisiones de diseño y espero que anime y ayude a los lectores a comprender la función estructural. He estructurado la obra en cuatro libros correspondientes a equilibrio, resistencia, rigidez y estabilidad precedidos de un volumen de introducción.
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El brillante ensayista que es Oscar Wilde, con su prosa ágil y certera, profunda y desenfadada, a menudo irónica y siempre amena y desbordante de inteligencia, nos ofrece, en estos breves ensayos sobre arte, una deliciosa muestra de su sabiduría. Wilde fue cofundador del movimiento Arts and Crafts (Artes y Oficios), que anticipó las vanguardias artísticas del siglo XX, y expone aquí las ideas centrales de una forma de ver el arte que sigue teniendo hoy pleno vigor. Preconiza la unidad espiritual de las artes y las vincula estrechamente con la artesanía, devolviendo a esta la dignidad artística y la pulsión creativa que clasicismo y romanticismo le habían negado. Vincula el arte a la vida, como algo que otorga sentido a lo cotidiano y que desentraña sus secretos, pone en relación el arte, la arquitectura, el diseño y la artesanía en sentido amplio, aborda temas como la decoración, la escultura, la impresión y la encuadernación de libros, el diseño de ropa... En definitiva, este libro constituye un breve tratado del buen gusto, una sencilla y magistral lección de estética aplicada al arte, al diseño y a nuestra vida, una invitación a abrir los ojos a la belleza que nos rodea y a mirar la vida con la inteligencia estética que predicó Wilde.
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Des de la seva creació la Biblioteca Museu Víctor Balaguer ha comptat amb un dipòsit important de quadres procedents del Museu del Prado. Inaugurada el 1884 a Vilanova i la Geltrú, en pocs anys comptava ja amb una cinquantena d'obres que complementaven les col·leccions pròpies. Al llarg d'aquests 136 anys la presència de peces del Prado ha estat constant i amb obres realment destacades, com _L'Anunciació_ d'El Greco o el _Dos de maig_ de Sorolla, al costat de pintures de Murillo, Ribera, Juan Bautista Maíno o Goya. El llibre mostra les peces que actualment estan en dipòsit a la Biblioteca Museu, producte d'aquesta llarga i fecunda col·laboració amb el Museu del Prado, i que el 2019 van formar part d'una exposició amb gran èxit de públic. També hi ha una edició en castellà a Lectio Ediciones.
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El presente libro ofrece una perspectiva realmente nueva a la hora de abordar el análisis de la producción artística de los últimos cien años, ya que, al margen de cuestiones estilísticas, estudia el trabajo de algunos de los creadores más relevantes del pasado siglo (Tatlin, Picasso o Beuys lo son, sin lugar a dudas) en el que se encarnan ideas de revolución y transformación humana y social: esto es, la creación artística como algo más que un mero espectáculo de índole estética. De la Revolución rusa al reciente mundo globalizado, pasando por la Guerra Fría, en los distintos capítulos Jonathan Harris explora la idea de que el linaje globalista-utópico en el ámbito del arte sigue dividido entre su anhelo de libertad y una identificación cada vez más profunda con lo espectacular como artículo mercantil y de consumo, una encrucijada fundamental para entender no sólo la evolución y el significado de la vanguardia artística sino la situación actual de una creación sometida a (y desnortada por) los designios del dios Mercado. Estamos, pues, ante una crítica innovadora y bastante esclarecedora del arte contemporáneo y de sus instituciones.
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Ensayo fundamental de la literatura cinéfila española, en el Leo McCarey de Miguel Marías sigue brillando, inalterable al paso del tiempo, la incisiva y cultivada pluma de uno de nuestros mejores críticos y uno de los principales expertos mundiales en su obra. A partir de una familiaridad desacostumbrada con la filmografía del director de películas legendarias como The Awful Truth, Make Way for Tomorrow o An Affair to Remember, y de una férrea voluntad por desbrozar de tópicos y malentendidos a la débil historiografía del cine (que seguía y sigue considerando un simple panfleto anticomunista una película tan sutil y compleja, si bien frágil y de fortuna esquiva, como My Son John, a la que el libro dedica un justamente famoso análisis), Marías entra de lleno en los entresijos creativos de McCarey, ofreciendo al lector, muy lejos de la jerga especializada, un emocionante ensayo que amplía las consideraciones estéticas y éticas del clasicismo cinematográfico y contextualiza a uno de los grandes creadores nacidos y formados en el cine mudo. De modo ejemplar y clarificador, más allá de su objeto de estudio, esta profunda cata en el legado de McCarey prescinde de herramientas metodológicas y quincalla narratológica (incluso de la todopoderosa «puesta en escena») a la hora de comprender el arte de un cineasta que confió más en los actores y en los instantes que en los temas, las secuencias y los planos.
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Vestir de luz y expresar emociones a flor de piel a través del cuerpo y la imagen. Así define Antonio Garci la fotografía de desnudo artístico, cuyos fundamentos técnicos y estéticos condensa en este nuevo libro colmado de ejercicios, teoría e inspiración. La fotografía de desnudo artístico habla del cuerpo humano, de su fragilidad y su resistencia, de lo sutil de un gesto y de la fuerza de una mirada. Habla de la libertad, del poder, del sexo, del amor, de la soledad y la belleza. Y lo hace de una forma tan clara porque cumple el mayor principio del poder de la imagen: cuando quitas todo lo que sobra, lo que queda es la verdad. Si te adentras en las páginas de este libro, aprenderás cómo dar tus primeros pasos en la fotografía de desnudo artístico, la búsqueda y la comunicación con los modelos, las guías de pose, esquemas de iluminación y claves esenciales para lograr imágenes sutiles, sensuales y elegantes, utilizando la luz para crear, el trato humano para transformar y la visión para encontrar tu estilo personal.
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Per a un grup de rock, complir cinquanta anys en actiu és una feliç animalada. La Companyia Elèctrica Dharma no només hi ha arribat, sinó que ho ha fet en una forma esplèndida, amb el mateix esperit i la mateixa energia del primer dia. Arreu del món són molt poques les bandes que poden presumir d'aquesta fita. En aquest llibre la Dharma ens ofereix una peça de col·leccionista, amb una pila de material inèdit, un relat gràfic que és una autèntica autobiografia col·lectiva, i els testimonis de nou autors de capçalera que han saltat als seus concerts en algun moment d'aquest llarg viatge. Un viatge musical que és, més que cap altre, una mostra del pols del país entre els temps de l'últim franquisme i avui mateix.
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El Museo del Prado no es solamente la mejor pinacoteca del mundo, es también el álbum familiar de las dinastías españolas, los Austrias y los Borbones, quehan regido los destinos de España desde hace cinco siglos. En este libro, Juan Eslava Galán, con su inconfundible estilo ameno y riguroso, nos propone un recorrido por el museo, del mismo modo que repasamos nuestro álbum familiar contando quién fue cada persona. Pero no se trata en esta ocasión de una historia de nuestro país, sino de una historia del día a día de susprotagonistas: de sus reyes, esposas e hijos, pero también de personajes ilustres, pintores, amantes y plebeyos. Y de los episodios más emocionantes, las anécdotas más divertidas y los secretos mejor guardados que se esconden tras los cuadros. «Nadiecuenta la historia como Eslava Galán. Esa mezcla desabia erudición, arte narrativo e ironía inteligentesuele producir mezclas explosivas», Arturo Pérez-Reverte.
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La idea de lo sublime se funda en los conceptos de elevación, que es su significado primero en lengua griega, de grandeza, que es la especificación añadida por Longino, y de lo absolutamente grande -la fuerza o poder de lo informe y lo ilimitado en
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Tanto si acabas de descubrir el mundo del grabado y la impresión como si buscas ideas nuevas para dar vitalidad a tus obras, en El grabado y la impresión artesanal encontrarás inspiración a raudales. Desde métodos tradicionales como la serigrafía, el aguafuerte y la litografía hasta técnicas modernas como la risografía y el collage digital, este libro rebosa de ideas nuevas, procedimientos y consejos en cada página. Artistas contemporáneos atraídos y motivados por las cualidades táctiles y singulares del grabado nos hablan aquí de sus ideas y de sus métodos prácticos, para queaprendamos de ellos y recibamos un estímulo. Cualquier persona, lega o experta en esta actividad puede emplear este libro para encontrar métodos nuevos y atractivos o para redescubrir procesos que haya probado con anterioridad. Repleto de ejemplos audaces, cautivadores y hermosos de grabados de todo el planeta, elevará tu creatividad y te inspirará nuevas ideas.
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¿Crees que la acuarela es sinónimo de paisajes bucólicos, evocadorasmarinas o delicados bodegones? ¡Olvídate de la imagen anticuada quetienes de ella y sumérgete en una de las técnicas más versátiles ysorprendentes que existen! Este libro te presenta la acuarela 2.0, lanueva era de uno de los lenguajes plásticos más potentes.Técnicas y trucos. Conoce los materiales y herramientas más básicos dela acuarela, y aprende a jugar con las variaciones de color, lasmezclas, las transparencias y las técnicas fundamentales.Juegos y experimentos. Mezcla la acuarela con otros medios como ellápiz, el pastel o la tinta china, e incluso con el bordado, el collageu objetos de la vida cotidiana como un peine o un cepillo de dientes. ¡Descubrirás la acuarela desde un nuevo e insólito punto de vista!25 tutoriales. Sigue las sencillas instrucciones paso a paso de los 25ejercicios prácticos que te propone el libro.En la acuarela el secreto consiste en innovar y descubrir que tú tambiénpuedes hacerlo. Este libro no solo te revela las ideas y losdescubrimientos de la autora durante años de experiencia, sino que teenseña, ante todo, a experimentar por ti mismo. ¡Redescubre la acuarela!
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Ibai Llanos: «Un libro fascinante. Es como vivir los orígenes del freestyle en primera persona. Bruno, eres el mejor». Mientras el fenómeno del freestyle (o rap improvisado) se expandía a una velocidad trepidante por todos los parques del país, Bruno Pol Feliu García (más conocido como Kapo 013) era un chico raro, regordete y cargado de inseguridades que pronto encontró en el universo raperil de las batallas callejeras un primer espacio de confort en el que sentirse parte de un movimiento. Hoy ese movimiento es una potente industria, la pasión de millones de hispanohablantes en todo el mundo que, más allá de las guerras dialécticas que se libran sobre el escenario, ha logrado erigirse como un arte cargado de amor. Un amor que a ojos de Bruno —,que, a sus 30 años, puede considerarse uno de los testigos y narradores más excepcionales de la escena—, poco tiene que ver con el afecto o el contacto físico, sino con compartir tiempo y lugar en explosiones de apasionada energía junto con otras personas. Y es que, aunque pueda parecer lo contrario, el freestyle va de eso, de servir como vehículo del amor, por mucho que también fabrique miedo, este lleve al odio y, por ende, al dolor. Porque, si algo queda claro después de leer este emotivo testimonio sobre la revolución del rap de estilo libre, es que amor y dolor riman siempre. «Lo contrario del miedo no es la valentía, es el amor. Y de eso voy sobrado, en parte, gracias al freestyle y a todo lo que me ha dado», Kapo 013.
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La mayoría de los manuales de dibujo nos enseñan cómo dibujar o pintar lo que vemos: bodegones, paisajes, retratos... ¿Qué sucede, en cambio, cuando queremos crear una imagen realista de algo que solo existe en nuestra imaginación? Este libro muestra los métodos más eficaces utilizados por los artistas, desde el Renacimiento hasta nuestros días. Convirtamos nuestras ensoñaciones en reales obra de arte. «Realismo imaginativo de Gurney es una mina de oro para artistas que quieren crear imágenes evocadoras, impactantes, que deleiten al espectador con ricos elementos visuales de otro mundo». -Erik Tiemens, artista conceptual, La guerra de las galaxias: Episodio II y III. «Gurney ha recopilado distintos métodos de enseñanza y prácticas de pintura sacados tanto de su propia experiencia como de la historia del arte, en particular de finales del siglo XIX, y ha puesto estos valiosos conocimientos a nuestro alcance». -Dennis Nolan, profesor de ilustración, Hartford Art School. «Realismo imaginativo es una obra de referencia indispensable y perfecta que ayudará a los creadores visuales de cualquier disciplina a dar vida a sus propios reinos de la imaginación». Frank M. Constantino, ASAI, SI, JARA, cofundador de la American Society of Architectural Illustrators. «Este libro, a la vez enciclopédico y lleno de anécdotas, debería estar en la mesilla de todo pintor narrativo. Es una guía exhaustiva sobre la disciplina de la pintura y la narración visual, además del entretenido testimonio visual de la vida de un artista comprometido con su profesión, una vida vivida plena y apasionada. Se lo recomiendo a todos mis estudiantes de todo corazón». Charles S. Pyle, director, ilustrador, Academy of Art University, San Francisco.
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El presente libro ofrece una reflexión sobre el arteatravés de sus «derivas», es decir, los movimientosque anidan en la creación y que hacen que en el arteactual quepan todas las maneras. A lo largo de sus capítulos no sólo se considera la creación propiamentedicha sino también la disciplina de la Historia del arte,sus límites y la necesidad de plantear nuevos métodos y estrategias de lectura. Y ello a partir de unmodode entender el conocimiento a través de intercambiosde saberes entre disciplinas –afines o no–, enlugarde querer encapsularlo en un único y delimitadocampo.Son estos saberes reticulares los que explican las mencionadas «derivas», que, partiendo de un núcleo central que podría resumirse en un análisis de lateoríay la historia del arte global de las dos últimas décadas, se diversifican en múltiples visiones nojerárquicas que dan cuenta de los contextos en los que se generan y operan. En definitiva, este texto desarrolla una serie de «líneas de fuga» que, desde la crítica dearte, los Estudios Visuales, el concepto dearchivo oel de globalización, tanto convergen comodivergen buscando un movimiento continuo y, en últimotérmino, generan un espacio común desde el que reconocer que tanto o más importante que el arte que nuestro momento global concibe, lo es la manera de analizarlo, de narrarlo, de comunicarlo y de hacerlo extensible a una audiencia activa y participativa.
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Durante la segunda mitad del siglo XIX, en los verdes campos de los alrededores de Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) se consagró a la representación de paisajes y naturalezas muertas que se convertirían luego en obras clave del arte moderno. Con pinceladas compactas e intensas y un audaz acercamiento al espacio y la luz, Cézanne intermedió entre el impresionismo y los movimientos fundamentales de principios del siglo XX y se convirtió, en palabras de Matisse y Picasso, en «el padre de todos nosotros». Esta nueva aproximación a su trabajo selecciona las obras clave que permiten entender el desarrollo, las innovaciones y la influencia crucial que Cézanne ha tenido en el arte moderno. Desde composiciones de frutas y peras hasta escenas de bañistas, recorremos su experimentación con el color, la perspectiva y la textura para evocar «una armonía paralela a la naturaleza», así como el propio proceso de ver y representar.Por el camino, nos detenemos en su famosa serie de pinturas Los jugadores de cartas, con su combinación de capas de colores cálidos y fríos para construir forma y superficie, y en el rigor geométrico de sus paisajes de los alrededores de Aix-en-Provence, tan brillantes en su captura de la luz del sur de Francia como atrevidos por su concepción radical de las dimensiones y la profundidad.
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Se trata de una serie de relatos, escritos entre 1990 y 2011, en los que Jose Luis Garci habla de vivencias, recuerdos, sensacionesy deseos relacionados con el cine, todo narrado desde la exquisita sensibilidad y el don de saber contar que siempre muestr
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El rock es una expresión de rebeldía, un fenómeno social, una manifestación artística y una actitud irreverente y gamberra que sigue reinventándose a lo largo de las décadas: psicodelia, punk, new wave, grunge, post punk… Su historia está reple
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Este libro es una herramienta para despertar inquietudes, para conocer mejor el propio cuerpo y ver cómo intérpretes de diferentes actividades artísticas pueden mejorar en su tarea diaria. Es también la llave con la que artistas de cualquier disciplina podrán conseguir un cuerpo más libre, aprendiendo a respirar correctamente, con el fin de que tanto estos profesionales como los espectadores que acuden a ver su trabajo puedan disfrutar íntegramente de cualquier espectáculo.
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Los niños han estado presentes en el cine español desde el primer momento, pero nunca han recibido tanta atención, ni su tratamiento ha sido tan complejo, como en las películas de la década de 1970 y comienzos de la de 1980, época en la que el país experimentó un drástico cambio político y cultural al dejar atrás décadas de dictadura franquista represora. En ''Infancia y cine en la larga Transición española'', Sarah Thomas analiza al niño cinematográfico en esta compleja coyuntura histórica de un país que tiene a su espalda décadas de gobierno autoritario y ante sí un futuro incierto, examinando películas de distintos géneros y de cuatro directores clave de la Transición: Carlos Saura, Antonio Mercero, Víctor Erice y Jaime de Armiñán. La autora explora cómo se representa al niño como sujeto y como objeto, como yo y como otro, y cómo sistemáticamente lo encontramos en una posición intermedia entre categorías o polos binarios.
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