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Libros de Arte, Cine y Música
¿Te apasiona el séptimo arte? ¿Todo lo que tiene que ver con la cultura? Si la respuesta es sí, no te puedes perder nuestra gran selección de libros de arte, cine y música. Compra libros de arte, cine y música online. En esta sección disponemos de una amplia selección de libros de arte, cine y música en distintos formatos y en múltiples idiomas. Encontrarás lecturas sobre distintas disciplinas y artísticas como interpretación, entre otras, sobre series y películas de televisión como Harry Potter, Juego de Tronos, Star Wars o Stranger Things y sobre la historia de cantantes y grupos de música como Bunbury, Led Zeppelin o Queen, entre muchos otros.
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De la contemplación de las obras de los antiguos,Johann Joachim Winckelmann recibió una especie de inspiración, mediante la cual encontróun sentido nuevo para el estudio del arte. En el conocimiento de la belleza, supo descubrir un camino nuevo para el espíritu humano.
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Retos para dejar volar tu imaginaciónMás de 50 tareas, ideas y sugerencias para expandir tu mundo y llenarlo de arte.Con consejos de Sonya Clark, Michelle Grabner, The Guerrilla Girls, Alec Soth, Pablo Helguera... ¡y muchos más! ¿DE DÓNDE SACAN LA INSPIRACIÓN LOS GRANDES ARTISTAS?¿Y CÓMO PODRÍAN AYUDARTE A HACER ALGO EXTRAORDINARIO? Este libro reúne a más de cincuenta innovadores artistas de todas partes del mundo para compartir sus técnicas creativas y proporcionarte ejercicios increíbles e imaginativos con los que inspirarte para crear.Entre muchas otras cosas, en estas páginas inventarás amigos imaginarios y paisajes increíbles, encontrarás un lugar tranquilo, contarás tu propia historia y te convertirás en alguien diferente (¡o por lo menos lo intentarás!). No necesitas materiales concretos ni experiencia previa. Tu único desafío es crear arte que refleje el mundo tal y como lo ves.
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Sigues un rebel de l'art
Amb un to despreocupat i una mica irreverent, aquest llibre està pensat per apropar l'art als infants, que aprendran que pot ser molt i molt divertit i esbojarrat. Sota la guia del gat Roc, descobriran que en l'art tot s'hi val, només calen ganes de passar-s'ho bomba. El text es complementa amb una magnífica combinació d'il·lustració i fotografia.
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Los ensayos que reúne Luis Pérez-Oramas en este libropodrían caracterizarse como una singular disputatiosobre la situación de un objeto específico. La cuestión es la (in)actualidad de ese objeto: la pintura, yentanto objeto esta ha de entenderse aquí en el sentido etimológico de la palabra: obiectum: algo arrojado,puesto enfrente.
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Sol Negro hace un inventario de las maneras en que las mujeres radicalizaron prácticas fotográficas a lo largo del siglo XX y hasta la fecha, en Latinoamérica,revelando posturas en los contextos sociales y políticos en que tuvieron que forjar sus carreras, y en territorios donde fue difícil crearse un espacio. Las 12 artistas proponen trabajos que permiten crear una narrativa de la soledad, discriminación y violencia.
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L'art d'explicar l'Art
Una pila de caramels acumulats en una cantonada, una piscina plena d'oli de motor, un terra de fusta per on passejar-hi, quadres enigmàtics amb mil i una interpretacions però amb només una història real al darrere... L'art -especialment el contemporani- pot sorprendre, deixar-nos indiferents o, fins i tot, indignar-nos quan creiem que té una simplicitat poc justificada. L'art d'explicar l'Art acosta obres d'art de tots els temps i, amb una explicació, pot fer que en gaudim, ens emocionem, ens posem tristos o, fins i tot, deixem anar alguna llàgrima de felicitat. El llibre explica els motius pels quals un artista fa el que fa i el missatge que vol transmetre, de manera que davant d'una obra d'aparença senzilla, potser no cal afirmar amb tanta rotunditat «El meu fill petit ho fa millor!», tot i que no dubtem gens ni mica de les enormes possibilitats de tots els fills petits.
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La gestión cultural, es sabido, vive desde hace años una etapa de notorio auge. Esta circunstancia obedece a la necesidad de armonizar el ingente campo de las Humanidades con las innovaciones que conllevan las nuevas tecnologías. Por dicha razón, ha crecido de manera exponencial la demanda de profesionales bien formados y capaces de gestionar un patrimonio de singular riqueza desde el respeto al pasado, al legado artístico, pero con la mirada puesta asimismo en el futuro inminente. Ahora bien, ¿qué hace exactamente un gestor cultural? ¿Dónde desarrolla su labor? ¿Qué formación requiere para ejercer con garantías de éxito su imprescindible labor? Este libro da cumplida y amena respuesta a todas esas preguntas. Una correcta gestión cultural supone el desempeño de una tarea multidisciplinar, en la que confluyen ámbitos muy diversos (la comunicación, la gestión administrativa, la tecnología...). Así pues, en función del entorno concreto donde se desarrolle, las funciones del gestor cultural habrán de contemplar elementos dispares. No son pocas las diferencias existentes entre hacerlo en un ayuntamiento o en un museo. Pero ambos tienen un elemento en común: la figura del gestor cultural. ''Este libro ofrece ideas, conceptos, estrategias y propuestas generados a partir de la propia experiencia de su autor. Expresados de forma amena, ayudarán sin duda al gestor cultural en el inicio de su carrera profesional, pudiendo aportar también una nueva visión al profesional en activo''. ANA VELASCO, presidenta de la Federación Estatal de Asociaciones de Profesionales de la Gestión Cultural ''Aborda la gestión cultural de forma clara y precisa, con aproximaciones acertadas a casos concretos. Este manual será de enorme utilidad para los profesionales del sector''. RAFAEL LÓPEZ GUZMÁN, Catedrático en Historia del Arte
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El cine que ens va obrir els ulls
Un recorregut per les grans obres cinematogràfiques del nostre tempsHi ha pel·lícules que ens fan plorar a llàgrima viva. Altres ens fan riure, xisclar de por o, simplement, ens enamoren. Algunes ens avorreixen, altres, no ens cansaríem de veure-les. Comèdies i melodrames. D'aventures i de l'Oest. Gemma Nierga i Jaume Figueras, àvids espectadors i grans conversadors, rememoren aquelles pel·lícules que al llarg de la vida ens han obert els ulls. I, en un diàleg viu i farcit d'anècdotes -de la samarreta d'en Marlon Brando al Travolta de Grease, de Love Story a Cinema Paradiso-, conviden a reviure la màgia del cinema i a celebrar-la cantant i ballant com en els grans musicals, com en els d'en Gene Kelly o La La Land. Un llibre bellament il·lustrat que rendeix homenatge al cinema i a l'amistat.
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Una advertencia sobre cómo la economía digital amenaza la vida y el trabajo de los artistas: la música, la escritura y las artes visuales que sustentan nuestras almas y sociedades. Se escuchan dos relatos sobre ganarse la vida como artista en la era digital. Uno surge de Silicon Valley: «Nunca ha habido un mejor momento para ser artista. Si tienes un ordenador portátil, tienes un estudio de grabación. Si tienes un iPhone, tienes una cámara de cine. Y si la producción es barata, la distribución es gratuita: se llama Internet. Todo el mundo es un artista, simplemente explote su creatividad y publique sus cosas». El otro relato proviene de los propios artistas: «Claro, puedes poner tus cosas ahí, pero ¿quién te va a pagar por ellas? No todo el mundo es un artista. Hacer arte lleva años de dedicación y eso requiere medios de apoyo. Si las cosas no cambian, el arte en gran medida dejará de ser sostenible». Entonces, ¿qué relato es el verdadero? ¿Cómo se las arreglan los artistas para ganarse la vida hoy en día? Deresiewicz, un destacado crítico de arte y de la cultura contemporánea, se propuso responder a estas preguntas. Sostiene que estamos en medio de una transformación de época. Si los artistas fueron artesanos en el Renacimiento, bohemios en el siglo xix y profesionales en el xx, un nuevo paradigma está surgiendo en la era digital.
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Las intuiciones de Diderot sobre los problemas expresivos y compositivos, sobre el dibujo y el color o sobre el claroscuro reflejan poderosamente el debate dela segunda mitad del siglo XVIII en torno a las artesfigurativas, tanto que su Ensayo sobre la pintura impresionó profundamente a los pensadores alemanes másdestacado de su siglo -Lessing, Schiller y especialmente Goethe, que los traducirá añadiendo sus propios comentarios-, y anticipan muchas de las cuestiones queabordará la crítica de arte posterior, influyendo notablemente sobre los escritos de arte de autores comoBaudelaire, Zola o Apollinaire.
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La representación de formas vegetales ha sido una constante dentro de la historia de la fotografía. Este catálogo bilingüe, entendido como un jardín contemporáneo, crea un relato visual a partir de una selecciónde obras de la colección ''Per Amor a l'Art'', incluyendo artistas como Karl Blossfeldt, Imogen Cunningham, Hans-Peter Feldmann, Richard Hamilton, Jochen Lempert, Alessandra Spranzi...
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Una película independiente sobre unos famosos asesinatos comienza su rodaje en la sierra de Madrid. Por ella desfilará un extenso elenco de divertidos personajes, a cuál más incompetente que el anterior, dejandoa su paso planos muy mal rodados y lecciones para toda la vida. En este libro encontrarás multitud de consejos y conceptos técnicos y artísticos de todos los departamentos que conforman un rodaje de cine desde unpunto de vista cercano, sincero y práctico. Como lector no tienes por qué saber mucho de cine para sentirla angustia de los protagonistas, pero este Manual de cine indie es más que un desternillante relato sobre los entresijos de una filmación. Es un inspirador viaje lleno de sorpresas y enseñanzas técnicas que invita a devorar sus páginas, el retrato de una forma dehacer cine en España que resultará muy familiar tanto para quienes estén empezando como para los que tengan ya el beneficio de la experiencia. Que, a veces, reírse de los demás es muy sano. Y hasta instructivo.Esta es la divertida y fascinante historia de un rodaje en el que todo lo que podría haberse hecho mal sehizo mal. AUTOR Ezequiel Romero (Jerez de la Frontera, 1987) es un director de fotografía con infinidad deproyectos audiovisuales a sus espaldas. La mayoría de ellos son tan pequeños que es difícil acordarse deellos, otorgándole un puesto privilegiado en primeralínea de la retaguardia cinematográfica. Miembro de esa primera generación audiovisual que ha tenido que lidiar con la llamada democratización del cine , Ezequiel se ha curtido en todo tipo de proyectos independientes en España y por todo el mundo, siendo parte tanto de la primera hornada de webseries en nuestro paíscomo de proyectos en el corazón de África, por todaEuropa o en el loco cine de Bollywood, en el que asegura no haber tenido que ponerse a bailar todavía. Suestilo cinematográfico nace de un espíritu aventureroy trotamundos, con la pasión puesta en la resoluciónde problemas con ingenio y con pocos medios, algo indispensable en el audiovisual actual. A día de hoy trabaja en un amplio rango de proyectos y géneros en cine y publicidad en España y Reino Unido (donde vive,quejándose siempre del tiempo). Sigue poniendo en práctica las distintas facetas de su experiencia tanto en fotografía como en efectos visuales, edición, guióne incluso interpretación. Ahora, además, ha escritoeste libro. Para más información: www.ezequielromero.com
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* Aprenda a dibujar el cuerpo humano sin miedo con Jake Spicer, profesor y autor. * Informativa e instructiva, esta guía completa ofrece todas las herramientasnecesarias para dibujar la figura humana, del naturalo reproducida en una pantalla. * Reúne la enseñanzade las habilidades de observación, expresión y comprensión, con una amplia sección de referencias anatómicas, y las trata desde un enfoque coherente. Comenzando con los principios clave de la observación, este libro le ayudará a construir una base sólida de habilidades para realizar dibujos bien observados y conproporciones precisas. A medida que progresa, analizará procesos y hará ejercicios que van más allá de lopuramente observado para expresar el gesto, la formay la esencia de su modelo. Incluye ejemplos fotográficos e ilustrativos a lo largo del libro que apoyaránsu aprendizaje a cada paso. La claridad de los tutoriales quedescriben paso a paso todos los procedimientos aporta una comprensión práctica de los materiales, habilidades e ideas clave en el dibujo de la figurahumana. Una amplia sección de referencias anatómicas, divididaen zonas manejables, ampliará su conocimiento de lafisiología humana.
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El 11 de julio de 1897, el científico Salomon AugustAndrée, el ingeniero Knut Frænkel y el fotógrafo NilsStrindberg se embarcaron en el Örnen, un globo aerostático con el que pretendían explorar el Polo Norte.La increíble expedición, seguida con apasionado interés por la sociedad sueca de la época, tuvo un desenlace fatal: después de tres días de vuelo, el globo descendió hasta caer en un banco de hielo y los tres intrépidos aventureros subsistieron unos meses hasta fallecer. Probablemente, la aventura del Örnen se habríaido desvaneciendo en la memoria escrita y oral europea si no fuera porque, 33 años después, en una nuevaexpedición ártica, se halló el último campamento de los exploradores suecos. Entre sus pertenencias se encontraba todo el material fotográfico que había ido elaborando Nils Strindberg y, de repente, la cuasi leyenda del Örnen se hizo imagen.Esta historia esla que da origen al presente coloquio en dos ensayosentre el fotógrafo y crítico Joan Fontcuberta y el filósofo Xavier Antich. El viaje del Örnen y el legadode negativos fotográficos de Strindberg -deteriorados como un cuerpo herido- sirven a Fontcuberta para reflexionar sobre la humanidad de la fotografía y la perdurabilidad de las imágenes en una época en la que parecen haber perdido precisamente su carácter material esencial. Para el pensador, las fotografías puedenllegar a ser tan enigmáticas como la vida: nacen en un instante, fijan un momento y, a medida que pasa eltiempo, adquieren nuevas dimensiones vinculadas a lamemoria. Todo ello lleva a Antich a reflexionar sobrela propia construcción de la mirada y la memoria visual no solo a través de la fotografía sino también através del arte y la literatura.Dos ensayos incisivos que aportan una inteligente revisión del papel de la fotografía en nuestra saturada cultura audiovisual actual y, más allá de los límites del análisisfotográfico, nos regalan una estimulante exploraciónde ''lo humano'' en tiempos de algoritmos e inteligencia artificial.
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Este libro traza un recorrido desde los orígenes delgénero (Apartado de correos 1001, Brigada criminal oA sangre fría) hasta la época más reciente (Grupo 7,No habrá paz para los malvados o Que Dios nos perdone). También pasa por la contribución del injustamentedenostado Antonio Isasi Isasmendi y el cine quinqui de los ochenta. El cine negro español propiamente dicho arranca en 1981 con El crack, de José Luis Garci, que surge de la misma mitomanía que puso en marcha esanostalgia de la novela y el cine negro para retratarla corrupción.
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'El cine comienza con Goya'' cuenta los orígenes y creación de un lenguaje universal que será la matriz original del cine. Goya creó ese lenguaje visual dondese funda el lenguaje universal del cine. A la matrizgoyesca del lenguaje cinematográfico serán fieles todos los patriarcas fundadores. Georges Méliès, D. W. Griffith, Friedrich Wilhelm Murnau, Sergueï Eisenstein, Carl Theodor Dreyer, Fritz Lang, Alfred Hitchcock,Orson Welles, Luis Buñuel, Akira Kurosawa, Billy Wilder, John Huston, Stanley Kubrick, Andrzej Wajda, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Néstor Almendros, Luis García Berlanga, Carlos Saura, entre otros grandes maestros, utilizan, rinden homenaje y enriquecen el lenguaje universal concebido y creado por Goya para tocar latécnica y herramientas fotográficas con la gracia deun arte nuevo compartido por todas las civilizaciones.
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CON +600 BOCETOS DIFERENTES, DIBUJAR ANIMALES CON ALAS, 100 pájaros, mariposas y otros insectos es un libro de referencia visual indispensable para artistas en formación, ilustradores, periodistas de la naturaleza, dibujantes de la naturaleza y cualquier otra persona que quiera aprender a dibujar de manera más realista. o Crear formas y simetría básicas o Dibujar líneas para formas corporales, alas y sombras.o Mejorar su control de líneas
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Del carrer a l'estudi
CATÀLEG A PARTIR DE L'EXPOSICIÓ DEL CARRER A L'ESTUDI , DEL MUSEU DE VALLS _Del carrer a l'estudi_ preténámostrar dues visions entorn el grafit i l'art urbà. Per una banda, la seva història i pràctica en el context de Valls i el Camp de Tarragona, i per l'altra, l'apertura de mires dels seus practicants cap a altres llenguatges artístics. * El llibre inclou la contextualització, la història d'aquestes tendències a Valls i el Camp de Tarragona, un recull fotogràfic i les relacions entre la pràctica urbana dels creadors i la seva obra d'estudi.
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En 1928, Federico García Lorca escribió e impartió la conferencia sobre las «Canciones de cuna españolas» que ahora presentamos. Toda una obra de orfebrería literaria a la par que mapa melódico y social -muy respetuoso y tierno- de los pueblos de España y de sus múltiples entresijos. Vaya por delante que no es esta una edición crítica, sino popular y de lujo, que cuenta con una hermosa presentación del escritor José Javier León. «En esta conferencia no pretendo, como en las anteriores, definir, sino subrayar, no quiero dibujar, sino sugerir. Animar, en su exacto sentido. Herir pájaros soñolientos. Donde hay un rincón oscuro, poner un reflejo de nube alargada y regalar unos cuantos espejos de bolsillo a las señoras que asisten». Con estas palabras iniciaba el poeta granadino la que posiblemente fuera su conferencia más hermosa, más lograda. Una obra que deslumbra por su sensibilidad y rigor tanto en el contenido como en la forma y que seduce con su arrullo recordándonos, una vez más, por qué Lorca es uno de los escritores de nuestro país más importantes de todos los tiempos.
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El estreno del primer capítulo de ''Twin Peaks'', el 8 de abril de 1990, está considerado como un momento fundacional en la historia de la televisión: en gran medida, David Lynch y Mark Frost sentaron las bases de lo que sería en el futuro el formato de la serie televisiva, anticipándose a fenómenos como Perdidos. Desde aquel momento, ''Twin Peaks'' se convirtió en una obsesión constante para quienes vieron sus dos primeras temporadas ...ni la exégesis más tenaz ha sido capaz de desentrañar todas sus claves simbólicas..., y a día de hoy sigue siendo un referente absoluto de la cultura popular de nuestro tiempo. Sin embargo, tal y como argumenta Pacôme Thiellement en este volumen de ensayos iluminadores sobre el que sin duda es uno de los trabajos más conocidos y reconocidos de David Lynch, la intención del creador de ''Twin Peaks'' no fue tanto revolucionar la televisión como reflexionar sobre el lenguaje televisivo de su tiempo y, de paso, alertar sobre la crisis que estaba atravesando la ficción concebida para la pequeña pantalla. El primero de estos tres ensayos, «La mano izquierda de David Lynch», analiza la serie a partir de sus ingredientes más esotéricos y de sus múltiples referencias fílmicas y literarias. El segundo ensayo, el más breve de los tres, se adentra en uno de los espacios más emblemáticos de la televisión: la Logia Negra. El tercer ensayo, «La sustancia de este mundo», aborda de forma exhaustiva y brillante la tercera temporada, estrenada en 2017, aportando nuevas claves de interpretación y de análisis. Además, la presente edición incorpora a modo de epílogo un cuarto ensayo en el que Pacôme Thiellement repasa el cine de David Lynch después de Twin Peaks, y en el que se constata, una vez más, que todo cambió después de la muerte de Laura Palmer.
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Un recorrido didáctico para aprender a dibujar. En
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Si en tiempos premodernos las mujeres fueron consideradas físicamenteinferiores a los hombres, se insistía en su irracionalidady se las recluía a la vida doméstica, eso no significa que todas ellasestuvieran privadas de capacidad de decisión ni que sus vidas fueranirrelevantes para la cultura y la sociedad de su tiempo. Aunquefueron experiencias minoritarias, hubo mujeres que se destacaronen el ámbito público, e incluso otras heroicas, símbolos de la virtudfemenina, la justicia y la fortaleza.La historia de Tomiris es, precisamente, una de esas anomalías:reina de los masagetas (siglo VI a. C.), ante una amenaza exteriorcontra ella y su pueblo, actuó con inteligencia, valentía y singularjusticia. Este libro se ocupa tanto de su historia como de la vida póstumade su figura, de las fuentes de quienes la contaron y de las apropiacionesy usos que hicieron de ella. Recorrer esos caminos nospermite descubrir también algunas de las expresiones culturalesy sociales que se opusieron a la emancipación de las mujeres, asícomo las que propusieron, justificaron y posibilitaron un papeldistinto para ellas en el pasado.
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Una deslazada y ondulosa cabellera de mujer ha sido,secularmente, un elemento de enorme admiración y, asimismo, de capacidad turbadora en los mitos eróticos de la sociedad masculina, un agente fetichista incitador de secretas fantasías en su imaginación, que se manifiestan tanto en la literatura como en el arte. Sinembargo, aquella ''corona real de la femineidad'', como la calificó Paracelso, ha encontrado condenas y restricciones morales y religiosas en muchos periodosde la historia. A pesar de ello, el pelo, su adorno,cuidados y belleza, ha inspirado a multitud de poetas, literatos y pintores, como recogen las páginas de este libro. Desde Ovidio al caballero Brantôme, hastalos modernistas, su glosa ha sido una constante en los campos de la sensibilidad artística.
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El Jazz es la base de toda la música estadounidense.Empezando como una revolución rítmica en Nueva Orleans, el jazz se transformó en big band swing, bebop yrhythm and blues, mientras que sus ideas de groove eimprovisación se convirtieron en parte integral del soul y el rock, luego del funk y el hip-hop. Este libro se centra en el desarrollo del jazz en las comunidades afroamericanas de cinco ciudades: Nueva Orleans,Chicago, Kansas City, Nueva York y Los Ángeles —,a través de una combinación de estudios urbanos, contexto histórico y perfiles clave de figuras importantes. También es una guía auditiva: las listas de reproducción seleccionadas iluminan la interacción dinámica de sonido y solo, blues y grooves, improvisacióny swing en conjunto. Los maestros de jazz enseñaron alos músicos del planeta cómo encontrar sus propias voces individuales y luego arriesgar esto en una conversación dinámica con otros. El jazz es una historia de arte, cultura, raza, libertad, estética, política,lucha y autoexpresión.
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Una nueva forma de crítica literaria.“¿Cómo es que el arte se ha vuelto tan poderoso que ni siquiera podamos imaginar una realidad que no esté gobernada por sus parámetros?”. El joven académico alemán Markus Gabriel, autor de varias obras renovadoras del panorama filosófico contemporáneo, como Por qué no existe el mundo y Yo no soy mi cerebro, intenta responder en este breve ensayo un tópico ampliamente discutido en la historia del pensamiento: la naturaleza del arte.En El poder del arte, junto con desplegar un audaz cruce entre epistemología, cultura popular y contingencia social, Gabriel sostiene que el arte ostenta un poder incontrolable. Por eso nadie, ni el observador ni el artista, están en posición de dirigir y dominar su destino. Cada obra de arte genera su propio juicio estético y, así, es capaz de juzgarse a sí misma.Al mismo tiempo, junto con dar luces sobre el vínculo entre la estética y su propuesta filosófica, el Nuevo Realismo, El poder del arte es una perfecta puerta de entrada al corpus filosófico de uno de los pensadores más influyentes de la actualidad.
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Los textos aquí reunidos —escritos sobre Tintoretto (1518-1594) entre la segunda mitad del siglo XVI y finales del siglo XVIII, algunos en español y otros traducidos del italiano y del francés— constituyen una auténtica anatomía del pintor veneciano. Ninguna de las preguntas que nos hacemos los Modernos ante la obra de Tintoretto es nueva: ¿en qué consiste la “dificultad” de Tintoretto?, ¿están acabados sus cuadros?, ¿qué es una obra “acabada”?, ¿qué lugar ocupa el azar en la producción artística? Tintoretto, ¿borra o pinta? ¿Es la suya una pintura de borrones, “hecha de un modo que se suele usar en Venecia, por así decir, confuso”, como ya dijo Boschini en 1660? La antología incluye textos nunca antes traducidos al español de autores como Sansovino, Doni, Ridolfi, Roger de Piles o Cochin, así como extractos de la Memoria de Velázquez y de las apostillas del Greco.
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Son numerosos los estudios que abordan los usos y costumbres establecidos en Sevilla sobre la época barroca. Este estudio viene a complementar visualmente dichos trabajos gracias al análisis de un amplio repertorio de imágenes que reproducen bodegones sevillanos. Su examen nos permite advertir con perfección los detalles de la vida cotidiana vinculados a la subsistencia alimenticia. Estas escenas tienen lugar en cocinas y comedores donde apreciamos las distintas labores que conlleva la gastronomía de aquel tiempo. También un segundo aspecto, reflejado a través de la pintura de floreros, nos permite conocer la sensibilidad y el buen gusto que imperaba en las clases sociales medias y superiores, que decoraban sus mansiones con lienzos en los que aparecen bellos repertorios florales. La gratitud visual de estas obras emana primero de la sensibilidad del pintor que las interpretó, pero también del buen gusto y el refinamiento de aquellos que encargaban este tipo de obras. Este recorrido, que dura un siglo y medio por la historia de los floreros y bodegones sevillanos, se inicia a principios del siglo XVII, momento en el que lentamente se fue implantando un claro sentido de la realidad. En principio estas novedades se ciñeron a formas escuetas y severas pero a partir de 1650 se incorporó el vitalismo y la teatralidad que caracterizaba al espíritu del arte barroco. Analiza este trabajo, a través de los bodegones y floreros pintados en Sevilla durante el periodo barroco, el sentido del gusto (gastronomía y estética) que en esta época tuvo la sociedad hispalense, imbuido siempre de una nítida inclinación hacia el equilibrio y la mesura. Enrique Valdivieso es catedrático Emérito de Historia del Arte de la Universidad de Sevilla ha ejercido la docencia en la misma durante 40 años desde 1976 a 2016. Al mismo tiempo se ha dedicado a la investigación con especial predilección por el ámbito de la pintura, realizando numerosos trabajos en los que ha estudiado los conjuntos pictóricos de la Catedral de Sevilla (1978), Palacio Arzobispal (1978), Hospital de la Santa Caridad (1980), Universidad (1980) y Museo de Bellas Artes (1993). Y aparte ha realizado también varios libros sobre la historia de la pintura sevillana (1986) y de la pintura barroca (2003). Ha publicado sucesivas monografías dedicadas a los principales pintores de la ciudad, como Pedro de Campaña (2008), Francisco Pacheco (1990), Francisco de Zurbarán (1988), Bartolomé Murillo (2010), Juan de Valdés Leal (1988), Francisco de Herrera el Mozo (2015) y Sebastián de Llanos Valdés (2021). Ha realizado también numerosas exposiciones dedicadas a Murillo (1982), Juan de Roelas (2008), Francisco de Zurbarán (1998) y Juan de Valdés Leal (1991).
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Este libro pretende ser un manual sobre teatro y drama en educación para docentes de educación formal -de todas las etapas educativas- y no formal. Ofrece 78 maneras de hacer teatro en las aulas sin necesidad de que el alumnado memorice textos para romper así con el prejuicio de que solo de este modo se puede practicar teatro en la educación. Contiene, asimismo, más de 400 creativas y rigurosas propuestas adaptadas a las asignaturas curriculares de las distintas etapas educativas. Además, cuenta con más de 300 sugerencias audiovisuales, por medio de códigos QR, que completan el acercamiento a cada técnica, garantizando así la efectividad del libro como herramienta didáctica. Todo ello completado con un repaso de los principios metodológicos que deben regir cualquier propuesta basada en el teatro/drama en educación, a fin de conseguir que la persona docente se sienta confiada a la hora de aplicarla a la realidad de su día a día.Este libro es un manojo de llaves que abre múltiples puertas. Si ya lo tienes en tus manos, no hay marcha atrás: ha comenzado la aventura creativa de explorar para conocer... y las posibilidades son infinitas.«¡Todos podemos crear algo bello! Esta es la convicción de los autores de este espléndido texto, útil, concreto y muy inspirador. Enhorabuena por una obra tan sólida y útil, una guía para que adultos, niños y jóvenes puedan adentrarse en el crecimiento y el aprendizaje a través del arte y de la improvisación.» —Elsa Punset.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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Este libro reúne escritos sobre la voz, la escritura y el deciren los que Ixiar Rozas ha trabajado desde hace años. Durante este tiempo la autora se ha acompañado de una investigación trans—arte, filosofía, literatura, feminismo, estudios escénicos, culturales, visuales, sonoros…— con la que ha sentido, pensado y practicado la escritura, la danza, la performance y el arte sonoro. Entre la poesía, las partituras lingüísticas y la teoría, a veces sonido, a veces imagen, a veces texto, en las que ha apoyado su propio trabajo. Dar voz a la palabra, sonarla, sería la antipolítica —tal vez contrapolítica— de la política actual, generalizante, desvocalizada, en la que la escucha y sus extensiones han quedado ensombrecidas. La voz que respira puede arrojar algo de luz a una mirada encerrada en su pensamiento y en la cárcel de lo semántico. Sonar la voz quiere decir hacerla vibrar en todos sus ritmos. Sea o no palabra, tal vez mero sonido, imagen, gesto. Y eso nos sitúa en escuchas y lugares imprevistos, en los que podemos com-ponernos y com-penetrarnos con otros seres.Este libro incluye un epílogo de la filósofa Marina Garcés.
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En el transcurso de la historia, la música nos ha definido como especie. Sin embargo, es una parte ignorada del relato de nuestros orígenes. En busca de ese cosmos musical, este libro nos ofrece un viaje estimulante sobre la relación del ser humano con este arte. Una obra extraordinariamente tejida que abarca desde su evolución hasta los daños del colonialismo musical, pasando por un enfoque más científico sobre cómo responde el cerebro a la experiencia de músicos y aficionados. Una lectura para reflexionar sobre la importancia de la música y su presencia en nuestras vidas.
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Después de doctorarse en 1813 con su tesis filosófica Sobre la cuádruple raíz del principio de razón suficiente, Arthur Schopenhauer se ocupó un tiempo de la ciencia, a pesar de tenerla por actividad menor frente al arte y más aún a la filosofía. Lo hizo a raíz de su encuentro con Johann Wolfgang von Goethe, el cual, tras haber leído dicha tesis doctoral, se interesó por el joven filósofo, al que introdujo durante 1814 y 1815 en su todavía reciente Teoría de los colores (1810), así como en sus observaciones y experimentos al respecto. En esos años, se encontraron en alguna ocasión y mantuvieron una viva correspondencia que fue volviéndose cada vez más escasa tras la publicación de la obra de Schopenhauer fruto de todo ello: Sobre la visión y los colores.
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¿Quién no ha soñado, al visitar un museo, con poseer las claves para descifrar una pintura? Françoise Barbe-Gall toma como punto de partida las impresiones que sentimos frente al lienzo y nos enseña a agudizar la mirada. Gracias a la claridad expositiva y a la simplicidad de la demostración, todo se vuelve luminoso y accesible. El discurso da la espalda a la enseñanza tradicional de la historia del arte. Nos invita a dejarnos llevar por nuestras impresiones para tomar poco a poco conciencia del sentido de las obras: Giotto, Rembrandt, Vermeer, Goya, Hopper, Rothko... Y el arte se torna límpido. 42 CUADROS PRINCIPALES PARA OBSERVAR Y ENTENDER•, Análisis de la obra «paso a paso»•, Detalles puestos de relieve 42 PÁGINAS DE REFERENCIAS PARA PROFUNDIZAR AÚN MÁS•, Contexto histórico y cultural•, Cuadros complementarios
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Cesc, cartellista
Un llibre que ens convida a (re)descobrir l'obra d'un dels artistes més importants de la nostra història. «Cesc, fill del gran dibuixant del Noucentisme D'ivori, va fer un pas endavant i va deixar de banda els tics repolits d'aquesta herència per endinsar-se en una realitat històrica i social pròpia dels seus temps, com era lluitar contra una dictadura, sempre amb contenció per no alertar la censura. Cesc va saber crear un codi propi gairebé sempre basat en la figura humana en totes les seves etapes, sovint mostrant la convivència de generacions. Aquest nou llibre sobre Cesc era necessari perquè cobreix vessants fins ara no recollides, com ara treballs fungibles, publicitat, felicitacions de Nadal, promoció de la lectura i de la recuperació de la llengua catalana, etc. I en tots els camps Cesc és imaginatiu més enllà dels tòpics. [...] Però la seva essència és el ninot, seguint l'estela dels ninotaires catalans. El dibuix a ploma, fluid, sempre amb gestualitat expressiva, convida a la reflexió empàtica. És el gran sociòleg de la Catalunya del franquisme. Parli d'anar a escola o de marxar de vacances, el seu compromís polític, és a dir amb la polis, és sempre present.» Daniel Giralt-MiracleCesc va ser un dels grans cronistes del seu temps, d'un humor no càustic, que representava totes les classes socials sense malícia.
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¡Crece como artista, aprende y experimenta nuevas técnicas y que tu arte mejore constantemente! Dibuja lo que amas pretende, sencillamente, animar a la gente a dibujar. El momento perfecto no existe, lo único que hace falta es tener el deseo de crear, la motivación para lanzarse a ello de cabeza y, claro está, no decaer y seguir mejorando y avanzando. Para adquirir destreza en el dibujo, lo que hay que hacer es, básicamente, dibujar mucho. En esta obra, la autora profundiza en los procesos y comparte conocimientos, técnicas exclusivas y secretos comerciales aprendidos durante su carrera, mediante divertidos proyectos desglosados y tutoriales guiados, aprovechando así la oportunidad de crecer a la par que las personas a las que enseña.
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La melodía del violín de Lev fascinó a Helena Attlee desde la primera vez que la oyó en un concierto. Pronto averiguó que se trataba de un viejo instrumento italiano que llevaba el nombre de su antiguo propietario ruso y contaba con una rica historia. Ávida por descubrir los detalles de su origen y el resto de secretos que albergaba su delicado cuerpo de madera, Attlee se dirigió a Cremona, la cuna del violín italiano y el punto de partida de un extraordinario viaje de fin inesperado. A través de las visitas a talleres polvorientos, bosques alpinos, iglesias venecianas, lujosas cortes florentinas y remotos mercadillos rusos, El violín de Lev nos lleva del corazón de la cultura italiana a sus más lejanos confines. Una historia asombrosa de lutieres y científicos, príncipes y vagabundos, instrumentistas, compositores y viajeros, que es a la vez una conmovedora meditación sobre el poder de los objetos, de los relatos y de la música para crear culturas enteras y transformar la vida de las personas.
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