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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Nova edició d'un dels llibres essencials de Josep Carner.El veire encantat (1933) és un dels grans llibres de plena maduresa de Carner, i un dels que van tenir més èxit en vida d'ell: l'any mateix que va aparèixer ja es va haver de reeditar. Per primer cop des de llavors, ara els lectors poden descobrir una col·lecció extraordinària de poemes del més extraordinari dels poetes. Al fons de la boscúria, un dia sense vent, passo, de dol l'ànima estreta, alens de boires lliguen misteriosament les nues branques violeta.
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En el poemario 'Galgos', Víctor Briones pretende arrimarse a lo extraño, lo inadaptado, lo torcido, habla sobre sentirse alienado, perdido, roto, imposible de amar. Pero también sobre los momentos de lucidez, sobre ser transparentes y asilvestrados, sobre conectar con el dolor y el gozo de no saber y no necesitar pertenecer. Los poemas de 'Galgos' señalan la extrañeza que produce la realidad, buscan claros para que los diferentes nos reconozcamos, dejemos de intentar la inercia y nos acompañemos en la deriva. Todos tenemos rarezas que no nos enseñaron a airear y que nos definen mucho mejor que las competencias del buen ciudadano. Así, el autor plantea el abordaje de este libro como un lugar de reunión para poder quitarnos de encima vidas enteras de ocultaciones y disolver juntos la vergüenza, poder decir: «A mí también me pasa, no exactamente así, pero también me pasa».
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Este volumen póstumo de Luis García Arés se nos revela como el vértice donde converge su legado lírico. A través de sus páginas, el lector se embarca en un viaje donde la cultura clásica y la hondura espiritual se abrazan en un diálogo eterno. Desde la serenidad de los mitos griegos hasta la calidez de los afectos cotidianos y la fe más profunda, estos poemas son un refugio frente al ruido y la prisa del mundo contemporáneo.En un tiempo de versos fragmentados, García Arés recupera la autoridad del soneto y la musicalidad del romance con una precisión de orfebre. Es una obra que nace del contacto con los verdaderos maestros, en donde no se ha pretendido una originalidad vana, pues el autor sabía que nadie es dueño absoluto de su voz. Consciente de que su poética, tanto por temática como por estructura, no encaja en las corrientes actuales, el autor apuesta por la intemporalidad frente a la moda.La arquitectura de este libro sigue un orden vertical: una temática que, partiendo de Dios como fuente de toda poesía, desciende hacia la Naturaleza y atraviesa el interior del hombre. Cada rima y cada acento actúan como los hilos de un tapiz minuciosamente urdido, donde el rigor formal es el cauce perfecto para dotar de cuerpo a la idea.Atenea Pensativa es el encuentro con un hombre que supo mirar la vida con la pureza del sabio y el asombro del niño. Una obra reveladora para quienes buscan en la poesía algo más que palabras: una verdad que perdure, la prueba de que el pensamiento, cuando se hace verso, es capaz de detener el tiempo.
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Eduardo Mitre (Oruro, Bolivia, 1943) es profesor de literatura latinoamericana en Saint John's University, Queens, y miembro de número de la Academia Boliviana de la Lengua correspondiente de la Real Academia Española. Entre sus libros de poesía figuran Mirabilia (1978), Camino de cualquier parte (1998), Vitrales de la memoria (2008) y A cántaros (2021). Aunque ya nada es lo mismo es una crónica poética de un tiempo trágico, marcado por la pandemia, la guerra en Ucrania y el genocidio palestino, entre otras calamidades. Poesía polifónica, dicha por una pluralidad de voces: la temerosa de un migrante latinoamericano, la tierna de la madre inmigrante, la del amigo que nos habla en sueños... Poesía crítica, elegíaca y, por momentos, celebratoria, tocada por la gracia del asombro ante la vista de un par de tijeras o de majestuosos árboles vecinos, y por el don o donación de la escritura cifrada en una máquina de escribir Underwood, que un joven teclea, imprimiendo en la página el título de su primer libro, Ferviente humo.
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Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
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La Marea del plenilunio comienza con un sentido homenaje a Federico García Lorca, uno de los más grandes poetas y dramaturgos que conoció la literatura. La sinrazón que quiso callar su vida y sus versos tan solo consiguió procurarle la inmortalidad. A lo largo de las últimas décadas fui, de tanto en tanto, dejando en mi carpeta de cartón azul algún poema, escrito al son que mi ánimo dictase. De ahí nace la diversidad de temas que se recogen en el presente ramillete de versos, que conforman un recorrido vital de quien esto escribe.
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Ven, pasa a mi cuarto de desquicios y loquera, hay amor en los cajones, desamor en los rincones, y sobre la mesilla, un cuaderno con una pluma inquieta. Debajo de la cama vive la alegría, comparte espacio con tristeza, cada mañana pelean para ver quién me acompaña durante el día, aunque hoy ya tengo a alguien que me besa, se llama poesía.
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Musgo y dientes es un poemario que recorre el duelo desde la figura del pájaro como símbolo del tránsito entre vida y muerte, cuerpo gestante y memoria. Dividido en tres secciones —«El desprendimiento del pájaro», «Una pluma hendida bajo la piel» y «La sombra del vuelo»—, este libro despliega una genealogía íntima, donde la orfandad, la maternidad y el linaje femenino se entrelazan. Como destaca Mónica Picorel en el prólogo: «Serrano canta a la muerte y canta con la muerte. Así dignifica la vida que se pierde ante sus ojos […] hasta convertir en luz lo que está destinado a las sombras». A través de un lenguaje ritual, sensorial y simbólico, Marina Serrano elabora una poética donde el dolor se transforma en raíz y vuelo, en cuerpo que late todavía, en musgo que reverdece entre los dientes.
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Al llarg del temps, els qui han escrit la història de l’Àndalus no han deixat de meravellar-se de la instintiva genialitat dels andalusins en el conreu de la poesia àrab clàssica. A hores d’ara, però, no ens hauria de sorprendre gens que el focus més important d’irradiació de la cultura àrab a Occident durant segles donés una bona florada de poetes extraordinàries. De la quarantena de noms que ens han arribat a través de les fonts —cosa que indica clarament que aquest tresor literari no va ser pas fruit de l’atzar—, apleguem en aquesta antologia gairebé tots els poemes que s’han conservat d’elles, rutilants perles de la nit que per primer cop fan llum en català.
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En Estudi de les humitats, Víctor Benavides Escrivà converteix l’arquitectura i les patologies d’una casa en metàfora d’una identitat col·lectiva en crisi. Els murs que degoten, les esquerdes i les eflorescències esdevenen correlat d’una memòria fràgil, d’uns vincles que es trenquen i d’un món que cada vegada se’ns mostra més inhabitable. Amb una veu poètica precisa i fonda, aquest llibre cus la intimitat familiar amb la història compartida, i fa de l’aigua —que tot ho impregna— una imatge de persistència i de resistència.
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La obra de Federico García Lorca, el poeta más popular de la lírica española del siglo XX, logra reunir en su producción caracteres tan dispares como tradición y vanguardia, gracia popular en el ritmo y metáfora audaz, densa de simbolismo. Esta Antología recoge, en textos depurados de acuerdo con las ediciones más rigurosas de sus obras, los mejores poemas de este poeta único por tantos conceptos en el panorama de la lírica española.
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Ámala (siempre) libre captura los pequeñosy grandes momentos de la vida: la primera mirada de un nuevo amor en París, un baño desnudo y de noche en el mar, la irreprimible exuberancia del espíritu femenino o beber whisky en el desierto al amanecer. Est
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En la Duna Blanca es un poemario que explora las profundidades del amor, la pérdida y la memoria, fusionando la tradición elegíaca española con una sensibilidad contemporánea y un lenguaje exquisitamente trabajado. Desde playas inciertas y cuerpos entrelazados hasta la fragmentación existencial en poemas con estructuras, que no de contenido, de haikus bilingües, el libro construye un universo donde lo íntimo se vuelve universal y lo efímero se eterniza en la palabra. La obra se sostiene en metáforas de gran fuerza expresiva: la «duna blanca» como paisaje mutable y espacio de memoria, el «naufragio» como símbolo del desamparo amoroso y el «faro en Casablanca» que evoca la luz eterna y el abrazo anhelado. Las imágenes dialogan en un lenguaje sensorial y simbólico que convoca tanto el cuerpo como el alma. Mediante la musicalidad delicada de sus versos, el uso consciente de símbolos naturales (agua, viento, fuego, ceniza) y la integración de formas clásicas y contemporáneas el autor crea una voz poética única, que hace de la búsqueda de la belleza su fin primordial y convierte la lectura en una experiencia profundamente humana y estética.
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La breu història dels Estats Units és el retrat d’un imaginari exòtic que ha empeltat la nostra vivència cultural. Un poemari creat amb un llenguatge tallant i contundent, que teixeix una teranyina més enllà el somni americà i que reivindica una manera d’entendre el fet creatiu.
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Con voz mesurada, pequeña, casi susurrada, se poetiza el dolor para expresar la pérdida de nuestros seres queridos, que abandonan el mundo. ¿Cómo enfrentar la dureza de la vida? ¿Dónde encontramos consuelo?Estos poemas son intentos por encontrar una respuesta a la idea de la muerte en nuestro mundo occidental, al mismo tiempo que se atraviesa el duelo y se abren nuevas puertas de vida.
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La publicación de Azul...(1888) se convirtió en el hito fundacional de la literatura modernista, en el vigoroso cambio de rumbo en la brújula de la sensibilidad artística. Desde el enigmático título hasta la inusual estructura de la obra, compuesta por cuentos y poemas, hacen de este lírico volumen una referencia fundacional del Modernismo: renovación de los temas, ambientes lujosos, galantes y refinados, culturalismo francés, fantasía, obsesiones individuales, técnicas e imágenes impresionistas y un vocabulario exótico y expresivo.
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Paisajes humanos de mi país es la obra más importante del poeta. La escribió durante los trece años consecutivos que pasó en las cár-celes de su país. Con esta obra quiso crear un género nuevo que reuniera poesía, prosa, teatro y cine para reflejar las múltiples facetas de su país en aquellos años que coincidieron con el ascenso de los fascismos y la Segunda Guerra Mundial.Con esta obra Nâzim Hikmet se propuso romper las fronteras entre los diversos géneros literarios. De hecho, en este largo poema encontramos frecuentes escenas dialogadas, incursiones en la historia y, sobre todo, una composición cinematográfica, una arquitectura que debe mucho a la técnica del guion cinematográfico.
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«Quien escribe un poema lo escribe, antes que nada, porque el poema es un colosal acelerador de la conciencia, del pensamiento, de la percepción del mundo». Del discurso de Joseph Brodsky al recibir el Premio Nobel de Literatura A caballo entre dos lenguas durante décadas, el bilingüismo de Brodsky no solo revitaliza con singular desenvoltura un lenguaje heredado, sino que también proyecta una radical y profunda exploración de sus metros e imágenes, elevada a una forma particular de metafísica. Sin embargo, Brodsky es también un poeta eminentemente físico, cuyo tema fundamental es la encrucijada entre el espacio, el tiempo y los sentidos. Ningún otro escritor contemporáneo habla tanto de la intemperie. Sus musas no son Calíope ni Tersícore, ni sus artísticas hermanas asociadas con emociones y sentidos, sino Urania, musa de la astronomía, «más vieja que Clío», matrona del conocimiento estelar, del espacio puro, de esas extensiones heladas en medio de las cuales el hombre parece el derrubio lodoso que arrastra un glaciar. Esta antología recoge una muestra esencial de la poesía de Brodsky en una traducción que intenta hacer justicia a su grandeza formal.
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Cartografía de mi ansiedad es un mapa íntimo de un cuerpo que grita: el nudo en la garganta, la despersonalización, el peso del trauma y la infancia rota. Entre evasiones etílicas, soledades fértiles y el vacío del alma, la autora convierte el síntoma en lenguaje y dibuja rutas de supervivencia. Este coro de voces revela que la ansiedad, aunque solitaria, resuena en lo colectivo: miedo, culpa y heridas compartidas. Al final, entre cenizas y sencillez, emerge un renacimiento sobrio: la posibilidad de habitar la propia raíz y compartir el viaje para trazar mundos nuevos.
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El primer poemario de Víctor Prieto Lorenzo indaga en las preocupaciones de la sociedad anestesiada de hoy: las inseguridades, las dudas, las preguntas que quedan sin resolver. El agua se presenta como una metáfora esquiva de una sociedad líquida en los afectos, las relaciones y los compromisos, donde las redes sociales representan la cascada que nos arrastra hacia el abismo. Pero hay en estas páginas una esperanza: una esencia que permanece y que resiste los embates del cambio bajo el nivel de los embalses y que aflora en los momentos de crisis, en la sequía.
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El cordó de la rel en el crit d’una veu —l’abans en l’ara però ara enllà de la rel. el plor, el primer salt, els passos per cruïlles i filats, llocs que ens fan ser, des dels altres, l’altra (veu). A rels de veu la pèrdua és la ferida d’una fi que llega un buit (blanc) a una represa: les fulles caduques en el conreu de la terra o l’aigua en l’aigua que flueix fins al gorg o la mort i la vida, succeint-se. Com ser-hi? En la veu, en el cos, en la fragilitat i la força de l’espera, muda, al revers del batec en dir, endins.
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Nosaltres, purs desposseïts, errem perduts mentre assagem donar sentit a un discurs que —ho sabem— no escoltarà ningú, però ferms en la convicció profunda que tot poema ha de sorgir de la foscor, de la ceguesa, de l’obscuritat, del fons ignot de cadascú on la paraula es fa silenci, a mig camí entre l’udol de l’animal i la impassibilitat dels ídols. La llengua, el poema.
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'Cuando ahora, como en este volumen y en los anteriores, se da noticia de todo lo que escribió y quedó póstumo, es cuando sabemos que nos estuvo engañando. Sequedaba siempre en casa, escribiendo lo que ahora esun monumento de generosidad hacia los suyos, hacia sutierra y hacia la poesía. (...) Quien toca este libro toca todos los libros de este hombre, y toca también su alma.'' Juan Cruz.
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El primer amor, las mariposas, la tristeza y la felicidad a partes iguales, la pérdida y la capacidad de volver a levantarse. ''Cicatrices que sangran'' es un recorrido entre la prosa y la poesía que recoge cuatro años de experiencias que han marcado profundamente a su autora. Una obra que se adentra en los primeros pasos de la vida adulta y en la manera en que aprendemos, a tientas, a enfrentarnos a sentimientos hasta entonces desconocidos. Este libro busca acompañar a quienes alguna vez se rompieron por dentro y encontraron en las palabras un lugar donde refugiarse. Sus páginas invitan a cada lector a reconocer en ellas una parte de su propia historia y a hacerlas también suyas.
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GIOCONDA BELLI, nacida en Nicaragua, en 1948, destaca en las letras hispanoamericanas contemporáneas. Fresca y vitalista, profundamente personal, tiene un estilo que escapa a cualquier corriente o escuela. Erótica, feminista y revolucionaria, su voz sincera es un salto hacia el mundo.Sobre su poesía, dice José Coronel Urtecho: «Leyendo una vez más a Gioconda Belli, como acostumbro hacerlo, me dan ganas de compararla, o por mejor decir, de ponerla a la par, no sólo de las mejores poetas actuales del mundo, sino de todas las grandes poetas que han existido desde Safo... de las pocas mujeres que han hecho franca y sincera poesía de amor».Su anterior obra poética está publicada en esta colección: El ojo de la mujer. Poesía reunida 1974-1992 (nº 291), Apogeo, 1998 (nº 386) y Fuego soy, apartado y espada puesta lejos (nº 637).
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«Gálata moribundo» es un libro que nos remite a la perdurabilidad de la belleza como un discurso de salvación: una luz que ilumina el camino de los errantes en medio de una sociedad de consumo. Trae a la actualidad aspectos grecolatinos con una estética filosófica y reaccionaria. Premio Nacional de Poesía Joven Grande Aguirre 2026.
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Al pròleg del primer llibre d'Albert Roig, Córrer la taronja, aparegut el 1989, Blai Bonet deia que «l'Infinit» d'aquell jove poeta, i «català fondo», era «fer la casa que no tenia, la seva casa d'existència i la seva casa de nació». El seu darrer llibre, La tempesta, escrit a Marsella i al Brasil, és el mirall de The Tempest de William Shakespeare. Ara és un vell i torna a llegir l’ària última del duc de Milà, Ye elves of hills, brooks, standings lakes, and groves, i escriu Els Seus Ulls, el rèquiem per al seu amic pintor Leonardo Escoda, mort el 27 de novembre de 2022 a Tortosa.
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María José Rico (Sevilla, 1962) es poeta y licenciada en Historia del Arte y en Filología Inglesa. Ha publicado los libros de poemas Mi vida que no entiendo (Renacimiento, 2008) y El huerto vacío (2021). También ha publicado cuatro libros de poesía infantil: Los poemas de Vera (2004), Hasta los gatos quieren zapatos (2009), Abecedanzas (2010) y Olla de grillos (Espuela de Plata, 2016). «Los poemas de Llegar a esto son pequeños relatos minimalistas que tocan el nervio del lector. Leyéndolos, descubrimos que nos están hablando de experiencias que todos hemos vivido o podríamos haber vivido. Son poemas delicados y dramáticos. Son hermosos. Y desolados». Eduardo Jordá
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¿Y si la poesía fuera simplemente una forma de escuchar lo que aún no sabemos decir? Principio de entropía es un libro que vibra en los márgenes del lenguaje. Sergi de Diego Mas escribe desde la fisura, desde el ruido, desde ese espacio donde el yo se disuelve y se multiplica: «Yo es plural, como la lluvia que cae sobre el centeno». Aquí, la poesía no se limita a representar el mundo: lo atraviesa, lo distorsiona, lo escucha. Estructurado como un mapa de fragmentos —poemas, notas, cartas, errores de servidor, murmullos urbanos—, este libro compone una cartografía emocional de lo contemporáneo. Entre la memoria y la pantalla, entre el cuerpo y el dato, la escritura se vuelve materia líquida. «El cuerpo es inalámbrico, dentro y fuera son dimensiones inexistentes», leemos. En esa oscilación entre lo íntimo y lo técnico, lo real y lo recordado, el lector navega una experiencia de lenguaje viva, inestable, radicalmente abierta. ¿Puede escribirse el desorden sin traicionarlo? ¿Cómo nombrar un mundo que se borra mientras lo decimos? Principio de entropía es también una elegía del presente, una meditación sobre lo efímero y lo común. «Las moscas perfilan con tiza la entrada a un reino sin historia», escribe el autor. Y desde esa intemperie, la poesía aparece como la única forma posible de resistencia: escuchar, nombrar, permanecer. Un libro inclasificable, eléctrico y profundamente humano. Una obra que no responde: pregunta. Ana Gorría
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Cuando dos corazones se traban en la adolescencia se crea una relación difícilmente borrable. De eso trata este ramillete de poemas, contado cincuenta y tantos años después. Es también un intento por recuperar la luz y el brillo de la adolescencia y, al mismo tiempo, contradecir la canción de Violeta Parra, Volver a los diecisiete. Su canción es la exaltación de esa edad, este poemario describe un camino diferente.
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‘‘Éticas de dormitorio'' es una historia autobiográfica escrita en versos, y hecha de ternura y crudeza. Se narra con una voz que se mueve entre lo sensorial y lo ensayístico. A través del amor, el deseo, la pérdida, la emigración y el hogar, se arraiga en lo cotidiano: los rituales, los objetos domésticos y las escenas nocturnas. Desde ahí, insiste en la vulnerabilidad como método disruptivo y de supervivencia, para desde esta mirada cuestionarse qué es lo realmente ético y lo realmente obsceno. A lo largo de sus cuatro partes, juega con la idea de lo que ocurre cuando se existe, se crea y se ama sin disculpas y sin miedo.
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Estás en presencia de un anacronismo. Me refiero al libro que tienes en las manos, claro.El anacronismo empieza ya por el título En la Mansión de los Céfiros. ¿A quién se le ocurre hoy poner un título así? ¡Menos mal que el subtítulo lo arregla algo!Bueno, lo arregla y lo aclara, (cosa que agradecerán algunos lectores), aunque, para ello, incurra en una cierta profanación del carácter poético de la obra.Otra cosa en la que se manifiesta el anacronismo es en lo que podríamos señalar como el entorno de la obra, aunque tampoco en esto soy original. Recuerdo a varios autores que han hecho algo parecido, entre los que destacaría a Alfonso Reyes, que, en pleno siglo xx, fue capaz de hacer una obra que hubiese firmado con mucho gusto el propio Sófocles.Y, por último, esta obra es un anacronismo en lo que trata: ¡trata del amor!, ¡del amor que todo lo puede!Pues fíjate en lo que te digo: a pesar de todos sus anacronismos, te aconsejo que te leas En la Mansión de los Céfiros, porque, en ocasiones, es necesario salir del tiempo para encontrarse.
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A El nom, la poeta reflexiona sobre l'existència, el pas del temps, la llengua, la vida... El llibre compta amb un epíleg de la prestigiosa i premiada poeta Corina Oproae.
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Con Ceremonia de despedida, Marcelo Rioseco regresa a una escritura de orden metafísico, la cual sigue el hilo conductor de libros anteriores respecto a temáticas concernientes a la extranjería, donde se produce un desdoblamiento del hablante lírico por su condición de inmigrante radicado en Oklahoma, Estados Unidos. A partir de dicha irradiación surgen libros como La vida doméstica (2016) y Olivia en los suburbios (2020), por citar solo dos de sus últimas entregas. El poema que da inicio al volumen, es una clara muestra de ello y se titula, “También son extranjeros”. Allí escribe: “Para el desterrado no hay patria ni casa / ni forma de regresar. / Se ha caminado / demasiado y todas las ciudades se parecen”. Sin embargo, el poeta tiene un lugar en el mundo, y ese lugar es el lenguaje y Rioseco lo utiliza de manera maestra. Su país natal es la metáfora de lo que ya no se puede asir, y a la vez, se desmorona y linda con lo fantasmagórico, características propias de nuestra época. Por lo mismo, su obra es actual y nos podemos leer en ella. En “Regresar a la patria”, escribe: “Regresar a la patria, / arrastrando otro país a cuestas, sentados ahora alrededor de una mesa / rodeados de extranjeros”.La poesía de Marcelo Rioseco, en estas páginas, nos invita a reflexionar sobre la muerte, lo filial, dios y, finalmente, la existencia. Su mirada es incisiva y aguda, dejando en el lector más interrogantes que respuestas. Esto resulta singular, pues constituye, a fin de cuentas, el trasfondo de todo lo metafísico.
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Estos poemas recorren los días del presente incierto, se acogen a la memoria con gratitud o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana.Con su séptimo libro de poemas, Juan Bonilla entrega una obra de plena madurez donde se alternan los tonos elegiacos y una suerte de vitalismo desengañado que no renuncia a celebrar el esplendor del mundo, sin dejar de ver ni de señalar sus miserias. Desde el inicio, Los días heterónomos parte de la limitación provocada por la enfermedad para constatar su paradójica ampliación de campo, el acceso a una ''luz distinta'' que es descrita con la rica e imprevisible imaginería del autor, siempre alejada de los modos consabidos. Estructurados en cuatro secciones de nueve composiciones cada una, a las que se suman un prólogo y un epílogo en verso, los poemas recogidos en el libro recorren esos días en los que, en efecto, como sugiere el título, ''no somos ley de nuestro propio estar'', pero también se acogen a la memoria, con gratitud no exenta de aristas, o proyectan una mirada crítica sobre la realidad cotidiana, de algún modo redimida por el don -''esa es su magia: / la poesía es fiebre y se contagia''- que la convierte en acuñación memorable: ''Por encima del arte / que a Adonis hace fiero y bello a Marte, / cántico de la vida, / no le pidas que te cierre una herida, / más bien que te las abra / con eficaz palabra / helada en luz tan pura / que sea un simulacro de sutura''. En el proceso de edición, el autor ha añadido al original premiado por el Hermanos Machado, cinco poemas ya conocidos que encuentran su lugar natural en un libro que tiene mucho de balance o recuento, hecho de fragmentos o cristales rotos con los que fabrica un espejo donde se refleja un hombre dañado pero sereno y como de costumbre incisivo, batallador, dispuesto a seguir entonando ''este himno de estar vivos''.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.
