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Libros de poesía
Leer poesía ejercita el cerebro y hace cambiar la manera en que vemos el mundo. Por eso, te recomendamos repasar nuestra gran selección de libros de poesía. ¡Lecturas que levantarán tu pasión! Compra libros de poesía online. En esta sección encontrarás una amplia y variada selección de libros de poesía en formato de tapa dura y blanda y en múltiples idiomas: español, catalán e inglés. Descubre los mejores libros de poesía moderna, así como antologías de poesía española y catalana, poemarios, compilaciones y obras clásicas de los principales exponentes de este género literario, como Pablo Neruda, Jorge Manrique, Federico García Lorca o Gustavo Adolfo Bécquer, entre otros.
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Máxima figura del Barroco español allende el Atlántico, de talla comparable a la de Góngora y Quevedo, la mexicana Sor Juana Inés de la Cruz (1651-1695) reveló muy precozmente una personalidad singular y pronto cobró conciencia de su inquietud intelectual. La idea de preservar la posibilidad de dedicarse a esta llamada y escapar de las servidumbres de la condición femenina la llevó a tomar los hábitos después de brillar un breve tiempo en la corte del virrey de México. De obra abundante y variada en géneros, metros, temas y estilos, la presente «Antología poética» contiene una selección del género en el que fue capaz de expresar desde la sutileza conceptista y la sabiduría filosófica hasta las delicias y tribulaciones eróticas y la vena satírica. La presente edición incluye, íntegra, su obra maestra, «Primero sueño», en palabras de José Miguel Oviedo «uno de los grandes poemas de su tiempo y de la lengua española».
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Rainer Maria Rilke fue un poeta y novelista austríaco considerado uno de los poetas más importantes en alemán y de la literatura universal.
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les bèsties mudes és un descens salvatge i necessari cap a la pròpia timidesa. Una escletxa oberta al món ocult dels noms discrets, acostumats al joc subtil del camuflatge. On la culpa hi fa ferida i les urpes busquen caus com a recer del temporal. Convocar els cossos silents és el primer pas cap al bàlsam d'una mà estesa a la pell que aprèn a lluir-ne l'estampat. En paraules del jurat, format per Meritxell Cucurella-Jorba, Anna Gas, Francesc Gelonch, Anna Pantinat i Anton Not, les bèsties mudes destaca pel ritme i la sonoritat ben aconseguits, a través d'un treball acurat que combina els peus mètrics clàssics amb d'altres sistemes més lliures que donen moviment al llenguatge. També pel tractament que fa del tema de la identitat, una qüestió molt present a l'actualitat, on els moviments ideològics es plantegen la seva raó de ser a partir d'aquestes arrels col·lectives que fan, de la nostra, una societat plural.
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Premi València Nova de Poesia 2022. Un poemari sensible i sincer sobre el pas del temps, l'amor i el desamor que homenatja a autors clàssics com Vicent Andrés Estellés, Baudelaire i Miquel Martí i Pol. Mise in abyme és el camí introspectiu d'un viatge d'època pel desamor i per la luxúria de la desgràcia, la incomprensió al temps, a l'amor i al mateix sentit de la vida.
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El cuerpo poético de Adulta funcional es un cuerpo de frontera que habita entre lo doméstico y lo salvaje, la juventud y la vejez, la vulnerabilidad y la fuerza, ser madre y ser hija, el amor y la soledad, la esperanza y el duelo, las lavadoras y la espiritualidad, la intimidad y la exposición total, los recuerdos y los horizontes, la ternura y la ira, la amistad y la ruptura, la disidencia y la risa, la niña reivindicada y la mujer celebrada, el orgullo y la pena, los animales y las diosas, las escritoras veneradas y la libertad literaria, la mística y la terapia.Consciente de que todo puede ser verdad a la vez, Gloria Fortún, autora del poemario Todas mis palabras son azores salvajes y de la novela Roja catedral, descubre en cada verso que ser una señora, una señora bollera y gorda, es llevar un fuego dentro avivado por todas sus contradicciones, sueños y desobediencias, así como por su voluntad en combustión de que el deseo siempre venza a la norma.
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Que els cinc llibres responen a un pla unitari és senzill de veure -com destaca Víctor Martínez Gil en el pròleg a aquesta edició- fixant-se en les simetries formals que s'hi estableixen. A més, els cinc llibres tenen un sentit de conjunt perquè s'hi desenvolupa -amb gran rigor- un procés espiritual molt complex. Espriu convida el lector a acompanyar-lo al llarg d'un camí d'interiorització que culmina, en el darrer llibre del cicle, en una experiència de tipus místic.
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Nikos Gatsos (1911-1992) constituye un caso único enlas letras griegas contemporáneas. Tras la publicaciónde ''Amorgós'' en 1943, en plena ocupación nazi deGrecia, optó por el silencio y apenas volvió a publicarpoemas. Emprendió, sin embargo, una brilla
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Dividido en seis partes, con constantes homenajes a creadores relacionados con la literatura y la música, «El bosque errante» indaga sobre el abismo que supone emprender una obra artística. Se trata de trazar un recorrido por ese lugar simbólico del bosque en el que se entrelazan el signo y la naturaleza de la que surgen las interrogantes del existir y de la creación misma, y en el que el autor escucha los sonidos primigenios junto a los ecos de su interpretación en ese instante pleno del nacimiento en la palabra o a la forma artística. Con este poemario Juan José Castro Martín ha obtenido por unanimidad el IV Premio de Poesía San Juan de la Cruz - Academia de Juglares de Fontiveros.
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PERCY BYSSHE SHELLEY abandonó Inglaterra en 1818 para no regresar a su patria nunca más. Tenía veinticinco años. Se dirigió a Italia, buscando un clima favorable para su dañada salud. En Roma, en las termas de Caracalla, escribió en 1919 los tres primeros actos de este drama, que completaría con un cuarto meses después, ya en Florencia.Prometeo liberado es tal vez la obra más ambiciosa de su autor. En ella, a partir de los mitos griegos, que interpreta y renueva a su manera, plantea problemas fundamentales como la lucha entre el bien y el mal, el sistema de la creación y el destino de la especie humana, y la lucha de ésta y de la naturaleza por su liberación frente a las fuerzas de la opresión y la destrucción. El poema termina con un gran canto de esperanza en el triunfo del amor como ley del mundo.La versión ritmica castellana de este texto es obra de Alejandro Valero, poeta autor de Enfrentamientos (Badajoz, 1993), Contra Rilke (Madrid, Hiperión, 1998) y El rey Tarugo (Madrid, Ajonjoli, 1997), y traductor de Diagrama de flujo, de John Ashbery, (Madrid, Catedra, 1994) y, junto con Juan Abeleira, de No despertéis a la serpiente, anto- logía poética de Shelley publicada en esta misma colección.
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Los poemas de este volumen constituyen una colección articulada por el propio autor para ser publicada después de su muerte, y, si bien sería muy aventurado decir que todos pertenecen a sus últimos años, sin duda prevalece en ellos la mirada del poeta poco antes del final. Al margen de las circunstancias de deterioro físico, los poemas seguían surgiendo con fuerza porque eran para el autor una necesidad y llegó un momento en que éste no entendía la vida sin la palabra escrita, no había vida sin la plabra escrita. No hay razones lógicas para encasillar a Bukowski como poeta callejero y alcohólico. En este libro se descubrer como un escritor apasionado por la musica clásica, como un romántico confeso que salda sus deudas de gratitud con quienes le aydaron en tiempos difíciles y como admirador de Céline, Dostoiwsky o Vallejo, de los que se considera heredero directo. Bukowski nació en Andercach, Alemania, en 1920, hijo de un soldado americano, y murió en Los µngeles, donde siempre vivió, en 1994.
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Miquel Desclot creatiu i madur. BrillantDespertar-me quan no dormo és un exercici de maduresa creativa en el qual la contemplació de la natura i el diàleg amb la tradició poètica i artística conformen un univers de densitat moral i d'excel·lència formal. L'autor ens el presenta servint-se d'una escriptura brillant, en què el domini dels recursos poètics i la confiança en el poder creador del llenguatge són els arguments que donen a cadascun dels poemes, i al conjunt del llibre, una coherència i una solidesa excepcionals. Premi Carles Riba 2020
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Recull de poemes centrats en les peripècies de l'escriptor perifèric que escriu poesia en català. Reflexió sobre el procès de creació literària en forma de poemes.
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«Poemas de autoayuda de ro gotelé me parece un libro instagramer de los de ahora, pura sentimentalidadaparentemente, pero no: nada de eso: es un libro quees afilado como un fuckin cuchillo de inteligencia, honesto, complejo, directo, muy politizado». María SalgadoRo Gotelé sospecha de la lengua y por eso la violenta a sabiendas de que en el lenguajese dan relaciones de poder y de que, al final casi siempre quien manda se lleva el gato al agua. Escribe cuestionando la tradición, al tiempo que encubre su poesía con materiales extraídos de la calle y de las redes sociales. En cambio, lo que la mueve es un compromiso de exigencia que cuestiona el discurso dominante: aquel que estandariza el gusto, anula el disenso ysomete nuestra imaginación conforme a sus reglas. Sinprejuicios, se entrega a un lenguaje descastado y traza ante nuetros ojos un laberinto roto al que nos invita a entrar con ojos bien abiertos.Entren y comprueben: aquí la maravilla, la extrañeza yel miedo se agitan a lo loco junto a un humor sutil,bello e incómodo, no siempre agradable al tacto.Si comparamos un libro con un refugio, estoes, escrito para que resguardarnos, entonces diríamosque ro gotelé, con Poemas de autoayuda, ha construido uno en el que da a ver que la intemperie también sigue ahí.
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Edward Estlin Cummings escribió algunas obras de narrativa y teatro y un libro de crítica, I: six nonlectures que recopilaba las lecciones que impartió en la cátedra de poesía Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard, pero sobre todo fue poeta, con una docena de títulos publicados entre 1923 y el año de su muerte. La recopilación póstuma de sus Complete Poems abarca más de mil páginas.La poesía de Cummings, personal, rebelde, original, experimental, voluntariamente distinta y a menudo inclasificable, no fue bien entendida ni acogida por la crítica, pero supo llegar a sus lectores y ganárselos, y lo sigue haciendo, con su tono ferozmente individualista, su radicalismo crítico y su juguetona arbitrariedad.
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Nunca en la literatura universal se ha producido un florecimiento de poetas que en cantidad y calidad pueda ser comparado con el grupo poético del 27 español.La sola mención de sus nombres bastará para confirmarque estamos en uno de los períodos más brillantes denuestra lírica: Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, FedericoGarcía Lorca, Rafael Alberti, Luis Cernuda, Emilio Prados, Manuel Altolaguirre... Entre todos lograron unaoriginal síntesis de tradición y modernidad, de clasicismo y vanguardia, de lo español y lo universal. Algunos de sus libros, ilustrativos de las diversas corrientes poéticas de este siglo, representan las más altas cotas de la lírica española contemporánea.
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Jaume C. Pons Alorda (Caimari, 1984) escriptor, traductor i editor, i el 2025 ha estat comissari de l?Any Llompart. Viu a Vilafranca del Penedès. Està llicenciat en Filologia Anglesa a la UIB i té màsters de Teoria de la Literatura i Literatura Comparada a la UAB i de Gestió Cultural a la UOC. Els seus darrers poemaris fins ara són Riu, bèstia, Mil súmmums, Les cendres de Pasolini, Els continents ocults i El corc. Ara té entre mans la novel la Matances, final de la trilogia narrativa iniciada amb Faula i continuada amb Ciutat de Mal. Ha traduït al català Walt Whitman, Penelope Fitzgerald, William Wordsworth, Elizabeth Bishop, Edgar Allan Poe, William Blake o Iris Murdoch, entre d?altres. Compagina aquests treballs com a editor de les col leccions «Artificium» i «Debiaix» de Lleonard Muntaner, Editor. Ha merescut premis com el Premi Ciutat de Palma Joan Alcover de Poesia, el Premi Bartomeu Rosselló-Pòrcel, el Premi de la Crítica Serra d?Or, el Premi Ciutat de Tarragona de novel la Pin i Soler o el Premi Cavall Verd Rafel Jaume en dues ocasions, entre altres guardons. Recomana llibres a Ara Balears o al pòdcast de literatura L?Illa de Maians. www.jaumecponsalorda.cat Amb El corc Alorda ens convida a una festa caníbal de llibres i versos. Cada poema és un crit d?amor a la lectura, una rosegada jubilosa als grans noms i textos formadors. Amb epíleg de Núria Perpinyà, el volum celebra el deliri lector amb l?alegria d?un corc feliç i incombustible. Un homenatge esbojarrat i passional a la paraula viva.
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Un tren sin rumbo es un viaje poético que atraviesa los territorios más íntimos del ser: el amor, la identidad y el desencanto. Cada poema es una estación donde el alma se detiene, observa, recuerda o se despide. Hay versos que celebran la belleza del deseo y otros que enfrentan el silencio de lo no dicho, lo que duele, lo que nunca llega a pronunciarse. Dividido en tres miradas —tú, yo, nosotros—, el libro recorre el anhelo, la herida y la rebeldía frente al mundo. Habla de lo que se ama y se pierde, de quienes fuimos y de quienes aún buscamos ser. No es un mapa, sino un trayecto interior: hay poemas que abrazan, otros que hieren, todos con la intención de conmover y acompañar. Porque incluso los trenes sin destino esconden una verdad en movimiento. Este poemario invita al lector a subir sin certezas, a dejarse llevar por los desvíos y a descubrir, tal vez, que también en uno mismo hay un viaje en espera.
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Paul Verlaine (Metz, 1896), el «padre y maestro mágico, liróforo celeste» invocado por Rubén Darío con toda admiración y un algo de sorna, fue y sigue siendo el poeta más representativo del simbolismo francés. Hijo de un oficial de la Armada y de una joven de familia terrateniente, estudió en París y empezó a escribir versos, como casi todos los poetas, desde muy joven. Su primer libro, Poemas saturnianos, nos lo muestra bajo la influencia bifronte de Baudelaire, el primero de los modernos, y la de los ya un tanto ajados poetas de El Parnaso. A Verlaine se le recuerda hoy casi más por su tormentosa vida (su relación con Rimbaud, incluyendo un disparo en plena calle y dos años de cárcel, sus crisis religiosas y sus crisis alcohólicas, sus días de negra miseria y su dorado nombramiento casi final, dos años antes de su muerte, de «Príncipe de los poetas») que por los poemas que escribió, pero fue poeta, un magnífico poeta, de amplia influencia sobre los poetas que le siguieron y buena parte de su obra es aún mucho más que historia y arqueología y puede seguir leyéndose con gusto. En España fue el determinante de la gran aportación traída por Darío a la poesía castellana y en los años veinte llegaron a publicarse una docena de sus principales obras traducidas por buenos poetas del momento como Mauricio Bacarisse, Enrique Díez-Canedo, Emilio Carrere, Guillermo de Torre y Eliodoro Puche. Fiestas galantes (1869) es el segundo, y uno de los mejores, de sus libros, que rescatamos en la casi desconocida versión del gran Manuel Machado, uno de los grandes admiradores de Verlaine. Incluye una presentación de Miguel d'Ors, especialista en la vida y la obra poética de Manuel Machado.
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En esencia, toda poesía que merezca tal nombre es elegíaca: el río de Heráclito y de Jorge Manrique es el símbolo, literario y espiritual, de la finitud humana. El poeta lo registra no desde la vivencia, sino desde el recuerdo de la vivencia. Ese «recordarse vivir» que atestigua la palabra poética se convierte en el mármol invisible que desafía al olvido.
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Aura Christi (Chisináu, Moldavia, 1967) es poeta, novelista, ensayista y editora. Ha publicado más de treinta libros, por los que ha recibido numerosos premios en Rumanía y en el extranjero, entre ellos, el Premio de la Academia Rumana. Algunos de sus libros de poemas son Elegías nvórdicas (2002), Jardines austeros (2010) y La órbita del dios (2016). La complejidad de la voz de Aura Christi en esta antología titulada El salón azul -una selección de sus tres primeros libros- oscila entre lo lúdico y lo clásico. La poeta utiliza con maestría diferentes estilos literarios y crea una obra poética de gran fuerza lírica y desbordante imaginación, en la que destaca el uso perfecto de los más diversos recursos estilísticos, bien pensados y colocados en el lugar adecuado. La felicidad, el diálogo con Dios, el amor, la vida y la muerte, tratados como un todo absoluto, el redescubrimiento del ser como entidad espiritual son temas universales que impregnan la poesía de Aura Christi, una poesía motivada por los valores más nobles.
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La península del ojo es un poemario escrito en un estilo que mezcla el tono lírico con la ironía y la alucinación como única manera de enfrentarse a una sociedad extraña, alienante e incapaz de dar sentido a la existencia. La obra se divide en tres partes: la primera, llamada La realidad, es el recorrido por la vida perezosa de una persona atrapada en la frustración, en paseos solitarios por plazas donde «el aroma vaga preso por la celda de sus flores» y el deseo de ver más allá de sus días iguales, la segunda parte, El desengaño, nos trae la tormenta, la ruptura amorosa, la visión de una niebla que «inventa a los pájaros en su bosque» mientras anticipa el silencio futuro. Por último, se produce su ingreso en «la prisión más moderna de España», desde la que mantiene un vis a vis con la ausencia, el más allá y sus «queridos muertos», la tercera parte, El final del viaje, nos conduce, de manera hipnótica, a un norte geográfico y vital en el que el mar, «el lado sincero de lo infinito» y el viento conceden la liberación a nuestro protagonista, quien, a través del recuerdo de su amor, llega a la claridad de su propia muerte.
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Quan el nostre pas mira a Ponent, fem una retrospectiva per valorar el camí viscut i provar d’entendre la coherència entre els diversos aspectes de la nostra biografia.Que podrem intuir quines forces han intervingut i ens han acompanyat en aquest, a voltes difícil, fascinant viatge?Hem seguit una línia traçada des de sempre? Fins a quin punt som lliures? Existeix el destí?
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Al pròleg del primer llibre d'Albert Roig, Córrer la taronja, aparegut el 1989, Blai Bonet deia que «l'Infinit» d'aquell jove poeta, i «català fondo», era «fer la casa que no tenia, la seva casa d'existència i la seva casa de nació». El seu darrer llibre, La tempesta, escrit a Marsella i al Brasil, és el mirall de The Tempest de William Shakespeare. Ara és un vell i torna a llegir l’ària última del duc de Milà, Ye elves of hills, brooks, standings lakes, and groves, i escriu Els Seus Ulls, el rèquiem per al seu amic pintor Leonardo Escoda, mort el 27 de novembre de 2022 a Tortosa.
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Todo comenzó un 23 de febrero de 2024. Desde Marta Garcês entonces, cada día fue un pequeño temblor. Lo que no nombras es un diario íntimo y fragmentado que recoge los meses en los que el padre de Marta Garcês fue diagnosticado con cáncer de pulmón. A través de textos breves, fotografías y silencios, la autora construye un relato tan delicado como feroz, donde la escritura se vuelve refugio, memoria y pulso. No es solo una crónica del ingreso, el tratamiento y la espera. Es también una cartografía emocional: el amor que no cabe en una cama de hospital, las palabras que no llegan a decirse, la herida que solo se calma cuando se nombra. Un libro escrito desde la ternura, la lucidez y el coraje. Todos los beneficios serán destinados a la investigación y tratamiento del cáncer metastásico de pulmón.
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Caer al cielo es un muestrario de saltos y golpes. Un poemario que juega entre la niñez y la adultez, en un tono elegante y lírico, rozando una serie de emociones inevitables del pasar de los años. En cada poema vive el sonido que hace un cuerpo al caer sobre otro cuerpo, o sobre la nada.Patricia Conor presenta estos poemas que se animan al vértigo, para transformar la caída en lo deslumbrante. Cómo entender el mundo, cómo despedirse de un ser amado, cómo descubrirse en el deseo, cómo aprender la lucha, la lucidez.
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Emily Dickinson sentía un gran amor por las aves, que inspiraron muchos de sus versos. Esta antología bilingüe presenta cuarenta y siete poemas sobre aves comunes en Nueva Inglaterra. Algunas composiciones menos conocidas salen a la luz, fortaleciendo nuestro vínculo con la gran poeta de Amherst. En este volumen destacan las maravillosas ilustraciones de Ester García y la cuidada traducción de Abraham Gragera.
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La reconocida autora y veterinaria María Sánchez le da forma de libro a su proyecto Almáciga, con el que pretende reivindicar el entorno rural con un viverode palabras asociadas al campo. Este glosariopoético tiene como objetivo recoger un mínimo de 70palabras de las diferentes lenguas de nuestro territorio, que antaño eran habituales en el medio rural pero que, poco a poco, están desapareciendo. Acompañan los textos las bellas ilustraciones de CristinaJiménez, artista con gran sensibilidad para el mundorural.
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Todos los escritos que Novalis llegó a dejar en su vida breve adoptan la forma de una constelación. Los fragmentos de su Enciclopedia, la novela Heinrich von Ofterdingen, sus relatos y sus monólogos pueden pensarse en una relación mutua. Pero esa constelación gira alrededor de un punto fijo: los Himnos a la Noche. Ese astro negro, sol de melancolía habitado por la esperanza, organiza una filosofía poética y una poesía filosófica con la experiencia de la pérdida de la amada. El romanticismo alemán estaba recién nacido, y nunca habría de llegar tan lejos.
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Un cosmos dentro de un poema. Un poema a través de un cosmos. Cuerpo y es orografía. Es erotismo y también naturaleza. En esencia, este poema es un juego con el lenguaje, una metáfora de la sensualidad y una declaración de amor al mundo y su geografía. Las ilustraciones enriquecen el texto logrando evocar un mundo imaginario de complicidad absoluta entre el cuerpo y la naturaleza.
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«El mar de la poesía es amplio, evoca paisajes en encuentros fortuitos que permiten creer de nuevo en la posibilidad de editar un libro que nace de una conversación con un traductor, con un poeta que se ha convertido en un amigo, pues siempre que haya un lector que camine a nuestro lado y se hable del naufragio de la vida, que finalmente no es tan descorazonador como se cree, la verdad de la poesía nos redime». De este modo, el poeta Kepa Murua cuenta el encuentro con otro poeta, Don Cellini, lo que es en sí el inicio de una amistad entre ambos, pero también la génesis de un libro de poesía compartida, Otra vía, que El Desvelo Ediciones publica en edición bilingüe castellano-inglés. Lo que surgió como una labor de traducción de un poeta a otro ha devenido en una nueva nueva obra a dos voces que comparten la intimidad del hecho creativo.
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Decimal blanco (Décimale blanche), publicado en 1967 por la prestigiosa editorial Mercure de France, fue el primer libro del longevo poeta, ensayista y memorialista Jean Daive (Bon-Secours, Bélgica, 1941). Un texto exigente y sin concesiones, que remite a la larga estirpe de experimentación verbal, gráfica y sintáctica abierta por Mallarmé, y que de inmediato llamará la atención de críticos y lectores, tanto en Francia como en Alemania y Estados Unidos. El libro, sin embargo, estuvo a punto de no ver la luz. Con las incertidumbres propias del poeta que comienza, Daive se resistía a publicarlo, sería uno de sus interlocutores más célebres, el poeta rumano Paul Celan —tal vez el mayor renovador de la lírica europea del siglo XX—, quien le animaría a hacerlo. Leyendo estos poemas, en la magnífica traducción de los poetas Rafael Antúnez y Juan Antonio Bernier, no es difícil entender la afinidad que Celan sintió con Daive: una poesía que reduce al mínimo sus elementos, que transforma la sonoridad en materia del poema y se acerca a la experiencia mística, de borrado personal, para abrirse a algo más a través del lenguaje.
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Heredero de la gran tradición lírica chilena —reconocida anteriormente por el premio Reina Sofía en la figura de Gonzalo Rojas y Nicanor Parra—, su obra revela el aliento épico y la ambición de la totalidad presente en La Araucana de Ercilla y continuada con títulos como Altazor, de Vicente Huidobro o Canto general, de Pablo Neruda. Estas grandes creaciones, a las que habría que añadir otras universales como la Divina Comedia dantesca —eje vertebrador de su escritura—, la Biblia, el Popol Vuh, Finnegans Wake, Pedro Páramo, los Cantos de Pound o las leyendas mapuches, dan idea de la magnitud de una poética enmarcada en la tradición de la ruptura pero, asimismo, deudora de los títulos mayores de la historia de la literatura, signada por la coherencia a lo largo de cincuenta años de carrera. Francisca Noguerol A la vista de Purgatorio, de Anteparaíso y de Canto a su amor desaparecido, el poeta comprometido se había transformado en el escritor visionario que hablaba por la comunidad y daba voz a los derrotados, lo que significaba asignar al arte la función señalada y otra más: «hacemos literatura, música, pintura, porque no hemos sido felices», explicaba Zurita como justificación de la poesía, destinada a conjurar los desequilibrios propios de los tiempos modernos. Era muy consciente de ello cuando encontraba en un verso de Robert Desnos («Tanto soñé contigo que pierdes tu realidad») a la vez una compensación y una denuncia frente a los hornos del campo de concentración de Terezin, a las bombas sobre Hiroshima y Nagasaki y a las dictaduras latinoamericanas: «Únicamente por esa frase la violencia es infinitamente más violenta, el asesino es infinitamente más asesino y el genocida es infinitamente más genocida», aseguraba antes de entrever en esos contrastes de amor y crueldad «como si el infierno necesitara, en medio de él, de su pequeña porción de paraíso». En esa función compensatoria del arte encontraba su mejor justificación la obra de Zurita, cuyas inquietudes parecían profundamente identificadas con las dominantes en aquellos años y entre sus lectores. Teodosio Fernández Nacido en Santiago de Chile en 1950, Raúl Zurita estudió Ingeniería Civil en Valparaíso, ciudad en la que conoció al poeta y artista Juan Luis Martínez en 1970, desarrollando junto a él una consistente actividad artística, y que tuvo una importancia capital en el desarrollo de su obra. Fue uno de los fundadores del grupo CADA (Colectivo Acciones de Arte), grupo de jóvenes artistas que experimentaban con el cuerpo, el archivo, el lenguaje y la ciudad que entre 1979 y 1985 actuó espacios trabajando la creación artística, buscando formas de resistencia y enfrentamiento a las formas represoras de la dictadura del general Pinochet. Zurita realizó diversas acciones utilizando su cuerpo como medio de expresión: «quería expresar la impotencia frente a la realidad y la necesidad de decir sin palabras». Dictadura que le marcó su vida y que le dejó significativas huellas emocionales y vitales, además de haber estado detenido y torturado. Terribles experiencias que son parte importante de su propuesta poética. La historia, la naturaleza y la biografía personal son la base fundamental del nuevo lenguaje que nos ofrece Raúl Zurita. Ha merecido numerosos premios internacionales, entre ellos el Pablo Neruda (1988), Premio Nacional de Literatura de Chile (2000), José Lezama Lima de Cuba (2006), Premio de la Crítica de Chile (2012), Premio Internazionale Alberto Dubito de Italia (2018), Premio Iberoamericano Mario Benedetti (2020), Premio Iberoamericano Reina Sofía en Salamanca (2020), Premio Internacional Federico García Lorca de Granada (2022). Arte y poesía son términos intercambiables y para mí el arte es hacer de tu enfermedad, de tu ruina, de tu precariedad, de tu egoísmo y miseria, una obra maestra. Solo los enfermos, los débiles, los miserables son capaces de crear obras maestras. Quien no ha sentido en el fondo de sí mismo el latido del asesino, quien no ha estado al borde de matar a otro no será jamás un artista. Pero aquel que ha cruzado ese borde y ha matado a otro es solo un asesino. El borde es la medida de toda poesía y de todo arte. O soy un enfermo o soy Miguel Ángel, no hay más alternativas (Dobry 2014: 181). Raúl Zurita
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Apología del desamor es un viaje poético por los paisajes del dolor, la memoria y la ausencia. Con una voz íntima y honesta, Pepe Gálvez explora los rincones más oscuros del amor que no pudo ser, los besos que nunca llegaron, las promesas incumplidas y las despedidas que se pronuncian en silencio. Este libro es una reflexión sobre el desamor como parte esencial de la experiencia humana: lo que nos quiebra, nos despoja y, sin embargo, nos construye. Cada poema es un recordatorio de que, aunque el olvido duela y la nostalgia abrace con fuerza, siempre queda la palabra como salvación. Apología del desamor no es solo un canto a la pérdida, sino también un homenaje a la dignidad de quienes, a pesar del desgarro, siguen creyendo en la vida y en la belleza. Un poemario imprescindible para quienes aman la poesía que rasga y cura, para quienes no temen mirar de frente sus cicatrices. Porque el desamor, en sus versos, deja de ser derrota para convertirse en arte.
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Este libro habla del amor, y del tiempo, y de la lluvia, tan presente a veces, aunque no haya sido intencionado, se ve que en algunos momentos importantes andaba por allí. Habla de lo que fue y pasó, y hoy es casi nada, un recuerdo, apenas desdibujada memoria. Y de lo que es y pasa, y será nada cuando toque, pero todavía no, porque ahora es vida, mi vida. De la emoción de haber vivido, de la emoción de vivir, de la emoción del amor. De la emoción de vivir el amor. Y también habla de algunos otros momentos que han dejado huella en mi existencia.
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Labyrinthus es un viaje a través de los laberintos de la mente y del corazón. Cada poema explora los trastornos de personalidad, las emociones incomprendidas y la lucha interna de quienes los viven, así como el impacto en quienes los rodean. Entre versos que cuestionan la idea de “normalidad”, el libro nos recuerda que todos, en algún momento, nos salimos de las reglas que la sociedad impone. Con sensibilidad y cercanía, Labyrinthus abre espacios de comprensión, empatía y reflexión, mostrando que en la diversidad emocional reside también la belleza de lo humano.
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El poemari que donà inici al corrent literari anomenat hermetisme, caracteritzat per ser una desesperada fe en la poesia, un refugi moral, una manera silenciosa de sobreviure i mantenir la torxa de la dignitat humana en els tumultuosos anys trenta. La poesia, també, concebuda com una forma de preservar el pes de la paraula sonora: un ferm segell per protegir una sensibilitat amenaçada.
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Los libros de poesía son obras impresas que reúnen composiciones líricas centradas en la expresión estética del lenguaje. La poesía explora emociones, pensamientos y experiencias a través del ritmo, la imagen y la metáfora. Los libros de poemas permiten disfrutar de una lectura pausada y reflexiva en formato papel, favoreciendo la relectura y la interpretación personal de cada texto.
¿Qué es la poesía y qué ofrecen los libros de poemas?
La poesía es un género literario que utiliza el lenguaje de manera condensada y simbólica para transmitir sensaciones e ideas.
Definición
Los libros de poemas recopilan textos escritos en verso o en prosa poética que destacan por su musicalidad, su intensidad expresiva y su capacidad de sugerencia. Cada poema propone una experiencia íntima que invita a la reflexión.
Diversidad temática y estilística
La poesía puede abordar temáticas como el amor, la memoria, la naturaleza o la crítica social. Existen estilos clásicos y contemporáneos, así como propuestas experimentales que exploran nuevas formas de expresión.
Cómo elegir libros de poesía
Escoger entre distintos libros de poemas implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de voz poética que se desea descubrir.
Criterios de selección
Es recomendable considerar el estilo del autor o autora, la época literaria y la temática predominante en la obra.
- Poesía clásica o contemporánea.
- Obras centradas en la introspección o en la dimensión social.
- Antologías que reúnen diferentes voces poéticas.
- Ediciones comentadas para facilitar la comprensión del texto.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía en formato papel presentan distintas propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones completas de un autor o autora.
- Selecciones temáticas de poemas.
- Antologías generacionales o históricas.
- Libros ilustrados que dialogan con el texto poético.
El cuidado de la maquetación y la disposición del verso en la página forman parte esencial de la experiencia de lectura en papel.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de poesía en papel estimula la sensibilidad estética, el pensamiento simbólico y la capacidad interpretativa.
Desarrollo del lenguaje
Los libros de poemas enriquecen el vocabulario y fomentan la apreciación de los recursos expresivos, como la metáfora y el ritmo.
Experiencia reflexiva
La lectura pausada que propicia el formato en papel permite interiorizar el significado de cada poema y establecer un diálogo personal con el texto.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de poesía?
Los libros de poesía están dirigidos a personas que buscan una experiencia literaria íntima y profunda.
- Lectores y lectoras interesados en la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan el análisis poético.
- Personas que valoran la lectura breve pero intensa.
- Quienes desean descubrir nuevas voces poéticas.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía
¿Qué diferencia hay entre poesía clásica y contemporánea?
La poesía clásica suele seguir estructuras métricas tradicionales, mientras que la contemporánea experimenta con formas y estilos más libres.
¿Cómo elegir un libro de poemas adecuado?
Es recomendable considerar la temática, el estilo del autor o autora y el tipo de poesía que despierta mayor interés personal.
¿Qué aportan los libros de poesía a nivel educativo?
Favorecen el desarrollo del lenguaje, la interpretación simbólica y la sensibilidad literaria.
¿Por qué leer poesía en formato papel?
El formato en papel permite apreciar la disposición del verso, facilita la relectura y favorece una experiencia de lectura más concentrada.