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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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YERMA, cuerpo de tragedia típica que yo he vestido con ropajes modernos es, sobre todas las cosas, la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad. Un alma en la que se cebó el Destino, señalándola para víctima de lo infecundo. Y es de ahí, del contraste de lo estéril y lo vivificante, de donde extraigo el perfil trágico de la obra.Federico García Lorca(Entrevista a Alfredo Muñiz, 1934)Vista desde el ángulo más directo y más humano, YERMA está incompleta porque no tiene, ni va a tener, un hijo. Sin embargo, le falta mucho más que un hijo: le falta todo lo que lo haría posible: el amor, la ternura, la compasión, la pasión, la liberación, la curiosidad de explorar “la experiencia que se encuentra más allá de los límites familiares”.
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Una obra imprescindible de Shakespeare sobre la ambición, el poder y la traición en el marco fascinante de la antigua Roma. De regreso a Roma tras su exitosa campaña en España, Julio César se hace nombrar cónsul y dictador perpetuo. Es entonces cuando, en defensa de la República, Casio pone en marcha una conspiración para asesinarlo con ayuda del noble Bruto. Sin embargo, Marco Antonio volverá la opinión pública en contra de los conspiradores, en una jugada que llevará a los lectores a reflexionar sobre el honor, la ambición y la integridad. En el imprescindible prólogo escrito para nuestra edición, el novelista y experto en literatura inglesa Santiago Posteguillo destaca la plena vigencia de esta pieza en la que el ejercicio de la autoridad llama a los peores excesos políticos. Santiago Posteguillo ha dicho:«Todo el mundo debería leer la obra de teatro Julio César de Shakespeare, al menos, una vez en la vida».
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El mercader de Venecia y Como gustéis pertenecen al grupo de las llamadas «comedias románticas» de William Shakespeare. En ellas, con el amor como motor principal de la acción, los protagonistas alcanzan la solución feliz en un mundo alternativo de fantas
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Té una obra necessàriament breu set peces teatrals, uns quants guions televisius, un diari i algunes novel·les incompletes, però va influir molt en la literatura anglesa posterior a la generació dels Angry Young Men. Orton ens col·loca com a espectadors en una posició de voyeurs, encarant-nos a converses pujades deto i pràctiques escandaloses que, en l'època de l'estrena, s'haurien mantingut circumscrites a un àmbit privadíssim. Però sobretot, l'autor, en una declaració d'intencions clara sobre les llibertats sexuals, deixaque en la peça s'escolin aquí i allà desafiaments a la doble moral burgesa. L'estratagema amb què Orton, homosexual en una època que aquesta condició era malvista i perseguida legalment, canalitza la frustració davant una societat que vol controlar i posar límits als impulsos naturals. En aquest segon volum trobarem les obres: Pel forat del Pany (What the Butler Saw, 1969), El camp Erpingham (The Erpingham Camp, 1967),El criat fidel (The Good And Faithful Servant, 1970)i Jocs fúnebres (Funeral Games, 1970).
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EDICIÓ A CURA DE ROGER ROIG «La producció teatral de Narcís Oller respon als mateixos estímuls literaris que orientaren la seva producció narrativa: els de la tradició realista. A més, les seves traduccions pretenen contribuir a la regeneració de l'escena catalana en un moment de veritable crisi del model dramatúrgic impulsat primer per Frederic Soler i de l'escassa capacitat de convocatòria que tenien les fórmules literàriament més ambicioses, si exceptuem el teatre d'Àngel Guimerà.» (Del pròleg de Ramon Bacardit)
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Lectura Prescriptiva de Literatura per a les PAU 2020-2022 a la Comunitat Valenciana. Ara bé, més enllà de l'acció concreta que desenvolupen, totes dues ens proposen temàtiques i reflexions universals. Quant a l'escriptura, som davant obres que responen a models molt diferents, tot i que tenen en comú un treball amb el subministrament de la informació que les fa esdevenir molt atractives, de la mà d'un joc constant d'enganys i de sorpreses.Rodolf Sirera és un dels grans autors vius en llengua catalana, amb una producció ja molt extensa iniciada a finals dels anys seixanta del segle passat. Aquestes dues obres editades s'inscriuen en un moment en què Sirera assaja amb diferents gèneres i formes teatrals, de manera que són una bona mostra d'una de les seues constants com a creador: la voluntat d'experimentar amb el llenguatge teatral i amb els seus límits.A l'edició en paper: Estudi preliminar, propostes de treball i comentaris de text a cura de Ramon X. Rosselló, professor de la Universitat de València, especialista en teatre contemporani en llengua catalana.
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarcamuy diversos géneros, su legado literario ha ejercidouna influencia decisiva ante todo en el dominio delteatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió lacompañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación críticaa través del distanciamiento. Este séptimo volumen dela serie que recoge su «Teatro completo» incluye dospiezas escritas entre 1938 y 1939: '' Vida de Galileo '' y '' Madre Coraje y sus hijos '' . Traducción de Miguel Sáenz
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SERGIO: ¿Estás bien, mamá? Saldremos de esta. Dentrode poco me pagarán. ¿Mamá? JUANI: He pasado la mayorparte de mi vida en esta casa y ahora quieren echarme de ella, quieren dejarla vacía como si nunca la hubiera habitado. SERGIO: No tardarán en llegar a nuestra puerta. JUANI: En esta casa he hecho el amor conmi marido, he visto crecer a mi hijo y a mi hija, hacerse grandes, he visto a mi nieta dando sus primerospasos por estos pasillos. En esta casa he llorado todas las veces que me he sentido triste, he reído, he sido la persona más feliz del mundo y la más desgraciada. Van a vaciarme de ella y dejarla como una cáscarade nuez. LV PREMIOS LITERARIOS KUTXA CIUDAD DE SAN SEBASTIÁN (MODALIDAD TEATRO EN CASTELLANO)
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Casa con dos puertas, mala es de guardar ejemplifica la maestría en el engranaje preciso de un dramaturgo ya maduro que domina a la perfección el juego teatral de este tipo de piezas (comedias de capa y espada) e ilustra con claridad la actitud de un poeta dramático que sabe evadirse con oficio de la repetición formularia de un artilugio teatral a través de la experimentación y la aplicación de nuevas e ingeniosas formas de resolver un enredo excesivamente tipificado.
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Alejandro Casona juega con la fantasía y la realidad en el teatro. Estamos, y se ve desdela primera escena, ante una escenificación del teatro dentro del tetaro, no al modo pirandelliano, sino instrumentando elementos del vodevil. Esta obra nos ofrece un mundo tocado de fantasía y unos personajes que ejemplifican una idea moral. Desde la escena pretenden mostrar y demostrar al espectador el bien, la belleza, la vida en su expresión más genuina, bondadosa y maravillosa. Su función es orientar hacia el sendero de las fuentes cristalianas y limpias de una vida mejor.
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Després de Albertine, també d'Anne Carson, Vaso Roto continua la seva línia en català amb Norma Jeane Baker de Troia.Anne Carson ens entrega no només una paròdia que mostra un sentit ètic i estètic en la seva dimensió més elevada. La guerra de Troia és el pretext per ordir el text, per brodar-lo, abordar-lo des de l'origen de la paraula guerra i els seus derivats: baralla, combat, batalla, llança, mort, violació, crim, abandó, absurditat, deshumanització, qualsevol acte que navegui en contra del que hauria de ser la finalitat última de la nostra existència. No hem sabut escoltar, no hem sabut desxifrar, i encara menys qüestionar-nos.La lucidesa i erudició d'Anne Carson ens porten a navegar cap a un port en el qual no sabem si és la mateixa mort, qui ens espera, o si és una nena violada, o l'infern, o una mare en seva desesperació més ofegada. La paraula que no se sosté en un text tramat des de la seva arrel etimològica no té sentit en la concepció literària d'aquesta autora.Carson ens ha entregat les versions més fresques i actuals de Safo, Catulo Eurípides per presentar-nos en aquest llibre innovador una Helena deTroia, símbol de la pèrdua de sentit, de l'amor. L'autora ens diu que brodem el tapís del món com cecs, sumits en una indiferència lacerant que atropella altres vides sense que ens n'adonem.En nou lliçons d'història amb els seus corresponents ensenyaments, la poeta desenvolupa un pensament per associacions que entrega al lector amb el seu deix habitual d'ironia, i una indignació punyent. Mostra que hem fet de la guerra una manera obtusa d'obtenir la glòria, el que anomenem poder, possessió, taca, sang, ceguesa. Vivim en la foscor i naveguem cap a la riba on es lliura una guerra que no sabem com es va iniciar. En fer-ho, obnubilem l'altra banda del dolor, és a dir, l'altíssima bellesa que abasta tot dolor transcendit.
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Alguna vegada, gaudint d'una novelúla, una pelúlícula o una obra de teatre, no has tingut la sensació que estaven contant una part de la teua vida? Eixe és un dels poders de la ficció, posar-nos al davant un espill deformat per a mostrar-nos els nostres desitjos cobejats, el que som, el que sentim i, fins i tot, allò en què ens podem arribar a convertir en el futur. En definitiva, mostrar-nos la nostra ànima i fer-nos reaccionar.
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Antonio Buero Vallejo, un clásico ya en la historia del teatro español, ha definido el propósito de suobra como «gafas para cegatos que quisieran ver». Apoyándose en la anécdota histórica que le sugiere un grabado del siglo XVIII –,la cruel humillación de una orquestina de músicos ciegos por parte de un empresario parisino–, teje en El concierto de San Ovidio una parábola que, en el momento de su escritura, podía ciertamente reflejar la experiencia colectiva de los españoles de la etapa franquista, pero que, rebasando con mucho aquella concreta circunstanciahistórica, por la fuerza universalizadora del arte, nos presenta la realidad profunda del momento actual.Profesor de la Universidad de Strathclyde en Glasgowy uno de los mejores conocedores de la ideología bueriana, David Johnston desvela en esta edición las múltiples dimensiones de una obra que, transmitiendo unagran lección moral de esperanza, constituye un ejemplo artístico de extraordinaria calidad.
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La teniente Teresa Fernández trabaja muy duro para lograr ascender en el ejercito. Ha hecho de su trabajosu prioridad vital. Por eso, cuando su desempeño llama la atención del teniente coronel Castaño, recien llegado a la base, no puede menos que sentirse halagada. Sin embargo, lo que empieza como admiración profesional pronto se tornará en unas muestras de afecto quesobrepasan los límites marcados por Teresa. Ante eltono cada vez más íntimo y acechante de su superior,nuestra protagonista deberá elegir entre guardar silencio o denunciar lo sucedido, aunque eso suponga arriesgarse a perder todo por lo que ha luchado. Una guerra invisible lleva al campo de la literatura dramática el acoso sexual y laboral que sufren muchas mujeresen el seno de instituciones patriarcales como el ejercito, y las consecuencias que puede tener para las víctimas la denuncia de estas prácticas.
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Don Juan Tenorio es sin duda la obra más popular del teatro español del siglo XIX. Su argumento responde plenamente al modelo de teatro romántico de la época: misterio, duelos, desafíos, escenas nocturnas, raptos, enigmas, muerte, el mundo de ultratumba…, La obra está ambientada en el siglo XVI, en Sevilla, y tiene como protagonistas a don Juan, prototipo universal del hombre seductor y libertino, y a doña Inés, que simboliza el amor puro e idealizado del Romanticismo. Desde su estreno en 1844, Don Juan Tenorio, convertido ya en un clásico, se representa todos los años en alguna localidad española.
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Teresa de Jesús vuelve a la vida quinientos años después de su muerte, pero, a diferencia de Cristo resucitado, descubre que no tiene un cuerpo en el que encarnarse. La razón es que su cadáver fue descuartizado y esparcido por todo el planeta, convertido en múltiples reliquias.Mientras se busca a sí misma, y al tiempo que se da de bruces con la ''ejemplar'' sociedad civil contemporánea, intenta comprender el motivo por el que ha sido devuelta a la vida.
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Los mejores libros jamás escritos Edición de Enrique Rull, profesor de Literatura Española en la UNED Si Calderón de la Barca esel autor teatral barroco por excelencia, cabe decirque La vida es sueño es la obra que sustancialos grandes temas de este movimiento. La historia delpríncipe Segismundo, que sale de la cueva en la quehabía sido encerrado por su padre para convertirse enrey por un breve lapso de tiempo -un tiempo soñado-,antes de ser devuelto de nuevo a ella, da pie a un complejo drama sobre el libre albedrío, la fugacidad de la vida y la falsedad de las apariencias. Esta edición incluye un aparato de notas, una introducción que contextualiza la obra, una cronología y una bibliografía esencial, así como también varias propuestas de discusión y debate en torno a la lectura. Estáal cuidado de Enrique Rull, profesor titular de literatura española en la Universidad Nacional de Educación a Distancia. «Y la experiencia me enseñaque el hombre que vive sueñaloque es hasta despertar.»
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Renovador del exhausto género de la comedia en Francia, Jean-Baptiste Poquelin, Molière (1622-1673), entreveró la capacidad de observación, el talento literario y el impulso crítico para alumbrar un espectáculo nuevo en el que los propios contemporáneos suministraban la materia adecuada para la creación de personajesinolvidables que animan tramas perfectamente estructuradas. El presente volumen reúne dos de sus obras más características. En '' El avaro '' (1668), su protagonista, Harpagón, se nos muestra consumido por supasión hacia el dinero, pero ansioso de amor y de respeto, aproximándose así, como señaló Goethe, a la tragedia más que a la comedia. '' El enfermo imaginario'' (1673) gira alrededor de la figura de un hipocondríaco que teme la intervención de los médicos, gremio cuya sátira estaba muy de moda en la época. Prólogo y traducción de Francisco Castaño
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Anna i Lluís coincideixen a la sala d'espera d'un hospital després de més de vint anys sense veure's. És una situació incòmoda, perquè van estar molt enamorats durant l'època universitària, però no es van retrobar després del trencament. Aquesta comèdia amb tocs agredolços ens fa testimonis d'un gran distanciament entre ells, així com de certs ressentiments i retrets. Però en el fons, la parella no ha passat per les fases típiques del desamor: quedarà alguna espurna d'aquella passió?
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Sueño de una noche de verano es una de lascreaciones más personales de William Shakespeare. Enel singular bosque del dramaturgo, siguiendo el modelo de las pastorales desde Sannazaro hasta Spencer, los elementos son los aprendidos de esas fuentes: alejamiento de la sociedad y adopción de un disfraz y de una existencia rústica, hasta que el equilibrio y la justicia sean restablecidos.Pero los amantes delSueño de una noche de verano pierden su identidad sexual, están sometidos a una especie de disfrazcolectivo en el que nadie es el que era, en el que todos podrán expresarse más allá de lo que ellos mismos hubieran podido sospechar. El bosque es el lugar para la celebración lírica de un pasado lleno de nostalgia y ambigüedad.
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George Bernard Shaw predicó con convicción que la controversia y la polémica (que abundaban en su teatro) eran un requisito previo para el progreso social, político y cultural. Fue defensor de muchas causas que en su época (y algunas aún hoy) parecían adelantadas a su tiempo: el vegetarianismo, la reforma del alfabeto... y también el sufragio femenino y la independencia de las mujeres. Vivió casi cien años y acabó convirtiéndose en el escritor inglés más prolífico de todos los tiempos. Murió en 1950, después de haber ganado el Nobel en 1925 y el Óscar por su participación en la redacción del guion de la adaptación cinematográfica de Pigmalión de 1938. Pigmalión satiriza el sistema de clases inglés y la artificiosidad con el que este dividía a las personas, a la vez que celebra el individualismo que es capaz de romper con esas cadenas, personificado en Liza, la florista protagonista. Shaw critica la rigidez de un sistema en el que la brecha entre los pobres y la alta sociedad no solo se debe a una cuestión económica, sino también a diferencias estructurales imposibles, en un principio, de sortear. El protagonista, Henry Higgins, un afamado y peculiar fonetista, se embarca en una apuesta y acoge a Liza para, a través de clases de fonética, poder hacerla pasar por una duquesa en una fiesta. Shaw reescribe así el mito latino recogido en las Metamorfosis de Ovidio: Higgins, un misógino irredento, será su peculiar Pigmalión, y Eliza Doolittle su Galatea.
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El món del cinema ha reflectit de múltiples maneres la sòrdida existència dels presoners dels camps de concentració nazis. Tanmateix, Barracó 62 (1963) és una de les poques obres de teatre que tracta aquest assumpte i alhora li dóna un valor universal en convertir-lo en una paràbola de la vida humana. En aquesta presó veurem, a més dels problemes i enfrontaments que brollen entre els seus pobladors masculins, els nous conflictes que genera la convivència temporal amb presoneres.
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Hikikomori és una paraula japonesa per a designar un jove, generalment adolescent, que, incapaç d'assolir les metes rígides traçades per la societat, reacciona aïllant-se'n. En aquest llibre, ambientat al Japó, trobarem un retrat àcid del buit que, en el món desenvolupat actual, impera en la vida de molts joves i del procés d'autodestrucció que alguns emprenen. Hikikomori (L'era del buit) va resultar guanyador del XXII Premi de Teatre Ciutat de València.
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'Sin dejar de profundizar en el corazón del canon del siglo xvii, he buscado la interpretación dramática y artística más rigurosa a partir de elementos e ideas de nuestro siglo XXI, poniendo en marcha la maquinaria del tiempo que nos enlaza con Molière a través de cuatro siglos para ofrecer al público la referencia del momento histórico en que se forjó la obra. En El enfermo imaginario Molière descubrió una faceta del ser humano que no se limita a su tiempo, sino que ha ido aumentando hasta llegarnos convertida en una pandemia universal: la de quienes, para remediar frustraciones y fracasos personales, sufren o creen sufrir enfermedades que no son otra cosa que fruto del descontento ante unos deseos y proyectos de vida insatisfechos''. (Josep Maria Flotats)
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«Y tú, ¿volverías a tener dieciséis años?». Ali, Dylan, Naima y Rober son cuatro jóvenes que se conocieron en el peor momento de su vida: justo después de querer quitársela. Todos ellos intentaron suicidarse cuando rondaban los dieciséis y ahora, a sus veintipocos, el hospital donde estuvieron internados les propone colaborar en un taller con adolescentes en su misma situación. Acuden con ganas de ser útiles y, a la vez, con miedo de que las grietas se abran y se liberen de nuevo los fantasmas. Monstruos cotidianos de los que apenas se habla. Vidas invisibles —las suyas y las nuestras— que no protagonizan titulares ni ocupan espacio en los medios. Realidades que no existen porque no se nombran y que, sin embargo, todos compartimos. Y es que, aunque nos empeñemos en negarlo, aquellos #malditos16 siguen viviendo bajo el adulto que fingimos ser.
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Peribáñez y el Comendador de Ocaña es una de las más famosas comedias de Lope de Vega perteneciente a un género que podría denominarse de ''comendadores''. En ella el honor, ideal crucial del drama barroco, encuentra una plasmación artística notable y casi paradigmática y se refleja su código estricto y laorganización social que lo sustenta. Una vez reparadoel conflicto, provocado por la pasión y llevado a cabo mediante un abuso de poder, aparece el orden rígido de la España del XVII que tiene en la Monarquía lacúspide política y, en cierto sentido, religiosa.
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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Aquest és un llibre molt especial perquè no sols conté dues obres d'autors diferents que es fusionen en el seu interior, sinó perquè en el cas de la primera es tracta d'un text pràcticament inèdit de Pere Calders que és, alhora, l'única incursió teatral que ens ha llegat. David Vila i Ros, en el pròleg, ho explica així: «Calders ens presenta un seguit de personatges -o potser hauríem de dir persones, ja que la vareta màgica de l'autor ens els fa reals, tangibles- que ens ofereixen el seu punt de vista sobre una societat canviant, en evolució constant, i que sovint no som capaços d'entendre. [...] Taula rodona enllaça amb La joia de ser catalans, i ho fa amb un gir sorprenent, profundament caldersià. [...] Cedint l'autoria del text a Víctor Alexandre, aquest la reprèn i se la fa seva i li dóna una continuïtat i un final que, sense moure's del perfecte equilibri entre realitat i absurd que caracteritza els textos de Calders, ens recorden a l'ensems la visió crítica que Alexandre té de molts aspectes de la catalanitat. Els debats estèrils, les disputes internes o la incapacitat per arribar a acords desfilen per davant de l'espectador i esdevenen un retrat satíric del país. [...] I curiosament, els protagonistes, que representen els nostres pitjors vicis, en lloc de despertar-nos l'animadversió, se'ns fan entranyables, propers i, no cal dir-ho, ens hi sentim plenament identificats. Riure's dels nostres propis defectes, és, sens dubte, la millor manera d'afrontar-los. Hi ha llibres que no necessiten pròleg. I hi ha escriptors que no necessiten cap mena de presentació. El llibre que teniu a les mans n'és un bon exemple, de tot plegat.»
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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En la madrugada del 15 de octubre de 2016, se produce a las puertas del bar Koxka, en Altsasu (Navarra) un altercado en el que se vieron implicados varios vecinos del pueblo, dos agentes de la Guardia Civil y las parejas de éstos. El resultado fue de dos detenidos y un tobillo, el del teniente, roto. En menos de 24 horas Altsasu se convierte en un plató de televisión y el caso en un asunto de Estado. Altsasu es una ficción creada a partir del «caso Altsasu» que nace en el seno del proyecto «Cicatrizar» (Nuevo Teatro Fronterizo) y que busca promover la reflexión sobre la memoria y la dramaturgia contemporánea.
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Lucrècia Borja és una de les obres més representatives del teatre didàctic de Victor Hugo i ha passat a la posteritat com un dels textos que més han ajudat a nodrir la llegenda negra dels Borja, la família valenciana més poderosa del Renaixement. La vida de Lucrècia va estar envoltada d'històries fosques, matrimonis de conveniència i traïcions, que han contribuït a fer més gran el mite dels Borja. Un drama colpit per l'amor, la traïció i la mort en el marc d'una Itàlia renaixentista dominada pel poder del papa Alexandre VI.
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El teatro de Alfonso Sastre es un teatro de investigación y revelación y nunca de propaganda, un teatro rico en experiencias humanas y en sutileza poética
porque Sastre comprendió desde un principio que la fuerza dramática se consigue no por el dogma, sino por la revelación social y existencial, no dando soluciones panfletarias a problemas complejos, sino preguntándose acerca de dichos problemas. Escuadra hacia la muerte es, probablemente, su obra más emblemática. En una hipotética tercera guerra mundial, un escuadrón de cinco hombres son enviados de avanzadilla para informar de los ataques enemigos. Es la historia de un grupo de hombres enfrentados con el poder que Sastre convierte en una elocuente denuncia antimilitarista y donde los más esenciales conceptos humanos, como el miedo, la lealtad, la vida o la muerte, se unen para formar un mosaico de trágicas consecuencias. Por su parte, La mordaza, obra estrenada un año después, en 1954, trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y, aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos.
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Escrita por Federico García Lorca, Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos. En la casa de Bernarda vive ella, una mujer que ha enviudado por segunda vez, con sus cinco hijas y dos criadas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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La dama duende es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, elprotagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público. El personaje de Doña Ángela marca elcurso de la acción, es ella la que vive un conflictoque debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.
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Dos actors de teatre parlen al camerino poc abans de començar la que pot ser la seua última funció junts, Espasmes. Dalt de l'escenari troben una felicitat que contrasta amb les seues vides quotidianes, bastant anodines. Després de més de 20 anys xafant escenaris per tot arreu, només la ficció podrà donar-los tot allò que la vida els nega. Això sí, només necessiten per a aconseguir-ho una miqueta de sort.Que tinguem sort! és una comèdia agredolça que ens parla del pas de la vida, dels amics, de la mort... Un text que ens arriba amb la ironia i l'estil inconfusible de Carles Alberola i el segell creatiu d'Albena Teatre.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
