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Libros de teatro
En Abacus disponemos de la mejor selección de libros de teatro, ese género olvidado e ignorado por el público, pero que constituye en sí mismo una importante fuente de riqueza literaria. Descubre las obras de Shakespeare, Lorca, Valle-Inclán, Calderón de la Barca y muchos más.
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Enrique Jardiel Poncela (1901-1952) fue narrador, autor, director teatral y guionista cinematográfico. Su obra surge de la peculiarunión del teatro de humor castizo con las ideas literarias de vanguardia, pasadas por el cedazo de Gómez de la Serna. Su hu
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Don Juan Tenorio , el drama romántico por excelencia, es una de las pocas obras que han tenido y siguen teniendo una vida auténticamente popular. Difícil sería encontrar un español que no sepa recitar de memoria alguno de sus versos. El drama, que repite el viejo tema de Don Juan, ha adquirido una eficacia literaria inusitada en la mezcla de temas de capa y espada con los religiosos y morales. La edición que aquí se ofrece se basa en la francesa que Zorrilla dio como definitiva cotejada con el manuscrito autógrafo conservado en la Real Academia Española.
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A Berenàveu a a les fosques, Josep Maria Benet i Jornet analitza la submisa acceptació dels nous valors del franquisme en la societat de la postguerra. L'obra se centra en un grup de set personatges de la classe obrera, que viuen al Raval barceloní i representen les diferents actituds individuals i socials, degudament contrastades, davant del règim. A partir del relat d'una família, Benet i Jornet planteja una crítica al sector social dels que es van deixar convèncer i arrossegar per la imatge autocomplaent d'una societat del benestar servida per l'anomenada política desarrollista que la dictadura de Franco va promoure i difondre a partir dels anys seixanta.áá
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'La vida es sueño'', sin duda la obra más conocida de Pedro Calderón de la Barca, condensa magistralmente el ideario barroco en torno a la fugacidad de la existencia humana y la inconstante naturaleza del mundo. Su influencia en la tradición literaria hispánica y universal es innegable, y queda patente tanto en su perenne vitalidad sobre los escenarios de todo el mundo como en el gran número de nuevas obras que, inspirándose en ella, vuelven una y otra vez al problema de la vida como engaño o ilusión. Esta nueva edición crítica, precedida de una completa y aguda introducción, pretende poner este clásico a disposición de los lectores del siglo XXI.
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La producción teatral de William Shakespeare (1564-1616) puede dividirse en tres grandes grupos: comedias, dramas históricos y tragedias. La presente edición reúne las diez tragedias compuestas por el genio inglés desde 1590 hasta 1607 aproximadamente. La edición corre a cargo de Ángel-Luis Pujante, reconocido especialista en Shakespeare, y se incluyen dos traducciones inéditas: Tito Andrónico (de Salvador Oliva) y Timón de Atenas (de Ángel-Luis Pujante y Salvador Oliva).
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VERSIÓN TEATRAL DE FERNANDO MARÍAS Y JAVIER HERNÁNDEZ-SIMÓN. Los santos inocentes es una de las grandes novelas del siglo XX y su envergadura se agiganta ante el reto de transformarla en texto teatral. Delibes, en poco más de ciento cincuenta páginas, crea un universo tan sólido y veraz que a veces parece trascender a su autor. Habitan ahí personajes extraordinarios, más vivos y complejos en cada nueva lectura, que surgen de una mirada lúcida e inmisericorde sobre la España del franquismo, que es también una mirada sobre el ser humano, sobre el mundo y, sin duda lo principal, sobre la España de hoy. Delibes no muestra circunstancias y personajes que fueron y ya no son. Al contrario: advierte que esas circunstancias y esos personajes nunca se acabaron de ir, siguen estando ahí, aunque sea con otras formas, aguardando la oportunidad de retornar con fuerza nueva. El lector detectará en Azarías rastros de héroe anómalo, un silencioso corazón grande en Régula, la maldad impune de Iván, que todo lo quiere dañar. Paco, con su resignación férrea, es acaso el personaje de Los santos inocentes que más nos concierne. Paco el Bajo es la pregunta y cada uno de nosotros la respuesta.
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Una cuidada edición bilingüe de la tragedia más célebre de la literatura. Introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge Edición de Josep María Jaumà, catedrático de la Universitat Autònoma de Barcelona El tiempo no ha cerrado las heridas de los Montesco y los Capuleto, dos familias de Verona enemistadas por antiguos pleitos cuyo origen ya casi nadie alcanza a recordar. Con el odio llegó la violencia, y con la violencia, las primeras víctimas inocentes. Pero del odio nació también el amor entre dos jóvenes predestinados a la desventura: Romeo y Julieta. La suya es una de las historias más populares de todos los tiempos, a la vez que su trágico desenlace se ha convertido en un hito de la literatura universal, «pues jamás hubo tan triste suceso como este de Julieta y de Romeo». Presentada en la extraordinaria versión del traductor Josep Maria Jaumà, esta edición bilingüe se abre con la esclarecedora introducción de Adrian Poole, catedrático del Trinity College de Cambridge, quien nos acerca a este gran canto a la juventud, a la pasión, al amor y a los peligros insoslayables del odio.
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Calderón de la Barca, uno de los grandes autores de la literatura universal, escribió numerosas obras que trataban de cuestiones filosóficas. En El gran teatro del mundo, el Creador se dirige al Mundo y a sus personajes, los hombres: Nuestra vida -quiere decirnos- es parte de una gran obra de teatro y no importa el papel que se nos haya asignado en este mundo -rico o pobre, rey o labrador-, lo que importa es cómo lo desempeñemos. El lector asiste fascinado a esta reconstrucción tan amena y peculiar del Universo, de lo que significa nuestra vida y de los valores que la deberían guiar. Esta adaptación trata de acercar la obra a un público amplio, desde la adolescencia en adelante, en España y en Hispanoamérica, trasladando los valores del teatro del siglo de oro, su permanente juventud y actualidad. Partiendo de cierta libertad respecto al original, la adaptación es muy fiel al espíritu de la obra, y conserva en buena parte la belleza de los versos, pues Calderón fue un maravilloso poeta. Las excelentes acuarelas son de Begoña Summers, que también ha ilustrado en Gadir ediciones de Cervantes y Lope de Vega. Merece la pena volver los ojos hacia nuestro Siglo de Oro.
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Lanzada de nuevo a la popularidad por la versión cinematográfica que de la obra hiciera en 1993 el actor y director Kenneth Branagh, «Mucho ruido y pocas nueces», compuesta en 1598, fue ya en su día una de las comedias más celebradas de William Shakespeare (1574-1616). Situada en su mayor parte en un amable marco de jardines, aposentos y fiestas cortesanas, la obra gira principalmente en torno a dos fuertes personajes enfrentados, Benedicto de Padua y Beatriz, adversarios irreconciliables y ambos tan ingeniosos, mordaces y sarcásticos como desdeñosos del amor. A lomos de una trama animada por los equívocos, las traiciones y los imprevistos, los enemigos jurados acaban sin embargo, para su propia sorpresa, en aquel lugar a donde se prometieron nunca ir a parar y, lo que es más, en la compañía para ellos más insospechada.
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En ''Julio César'' aborda William Shakespeare la polémica figura del emperador romano con aguda visióny con una originalidad dramática inédita hasta entonces. Siguiendo la pauta trazada por Plutarco en las Vidas paralelas, contrasta virtudes y defectos de los protagonistas, resalta las ironías del destino y aprovecha el valor de la anécdota. De ahí que los personajes de la tragedia acusen un relativismo y una ambivalencia que confieren a la obra, en apariencia muy sencilla, una notable complejidad. Edición y traducción de Ángel-Luis Pujante, premio Nacional de Traducción.
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Inspirada en l'Antígona de Sòfocles i en la de Jean Anouilh, Treball de recerca ens presenta l'Andrea: una noia que fa batxillerat i tria com a tema del seu treball de recerca esbrinar què se'n va fer de la gent que va deixar el poble al final de la guerra civil. Però no aconsegueix trobar-ne pistes, fins i tot es comunica amb els llocs on se suposa que aquelles persones van anar a viure, i ningú no en sap res. Només té unes cartes que un dels exiliats va enviar des de l'Argentina. Tot i així, l'Andrea està decidida a seguir investigant. I comença a trobar obstacles, sobretot per part de l'alcalde del poble, però també per part de la seva mare i de la seva millor amiga. Inicialment només li fa costat el seu xicot, però deixa de fer-ho quan la seva relació amb l'Andrea fa un gir inesperat.Al final de la seva recerca, l'Andrea acaba descobrint que el poble amaga un secret terrible. I pagarà un preu molt alt pel seu descobriment.
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La vida es sueño es una de las obras más importantes del teatro barroco español. En ella, Calderón recoge las principales inquietudes éticas, religiosas y filosóficas de su época, y construye, a través del conflicto dramático, una reflexión sobre el tema de la libertad del hombre para elegir entre el bien y el mal.La presente edición contiene el texto marcado con notas explicativas para facilitar su comprensión, así como una introducción y unas actividades orientadas a su estudio en Bachillerato.¿A quién va dirigido el libro La vida es sueño?Se trata de una obra clásica de la literatura española, por lo que su público objetivo es amplio. Es especialmente adecuado para estudiantes de literatura española, aquellos interesados en el teatro del Siglo de Oro español y en general, a lectores interesados en la filosofía, la política y la condición humana. Existen ediciones adaptadas para facilitar su comprensión y estudio en entornos educativos, incluyendo materiales complementarios como estudios preliminares, propuestas didácticas, textos complementarios, comentarios de texto, bibliografía y glosario. Estas ediciones están pensadas para facilitar el acceso a la obra tanto a estudiantes como a profesores.Temas que trata el libro La vida es sueñoLa vida es sueño explora una serie de temas complejos y entrelazados, propios del Barroco español:La naturaleza de la realidad y el sueño: La obra plantea la cuestión de si la vida es un sueño o una realidad, explorando la dificultad de distinguir entre ambas y las implicaciones filosóficas de esta incertidumbre. La experiencia de Segismundo, confinado desde su nacimiento, sirve como metáfora de esta confusión existencial.El libre albedrío versus el destino: El destino de Segismundo está preordenado, pero sus acciones y decisiones dentro de ese destino plantean la cuestión del libre albedrío y hasta qué punto podemos controlar nuestro propio futuro. La obra explora el conflicto entre la predestinación y la capacidad humana de elegir.El poder y la política: La obra presenta un complejo entramado político, con intrigas palaciegas y luchas por el poder. El reinado de Basilio y la situación de Segismundo reflejan las tensiones y conflictos inherentes al ejercicio del poder.La condición humana: A través de la experiencia de Segismundo, la obra reflexiona sobre la naturaleza humana, sus virtudes y defectos, sus pasiones y sus contradicciones. Se exploran temas como la ambición, el amor, el odio, la justicia y la venganza.La naturaleza del ser humano: La obra cuestiona la esencia del ser humano, su capacidad para el bien y el mal, y su lugar en el universo. Segismundo, en su cautiverio y posterior liberación, sirve como un estudio de caso para comprender la complejidad de la condición humana.La justicia y la venganza: La obra explora la búsqueda de justicia y la sed de venganza, mostrando sus consecuencias y las complejidades morales que las acompañan. Las acciones de los personajes y sus motivaciones revelan las diferentes perspectivas sobre la justicia y la venganza.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro La vida es sueñoAún no se dispone de un resumen de críticas, opiniones y valoraciones específicas para esta edición en particular de La vida es sueño. Sin embargo, la obra es considerada una pieza maestra del teatro español y universalmente reconocida por su profundidad filosófica y su complejidad literaria. Su impacto en la literatura y el teatro es innegable, y continúa siendo estudiada y representada en la actualidad.
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Molière era el pseudònim amb què Jean-Baptiste Poquelin (París, 1622-1673) signava les seves obres. No únicament va ser un gran dramaturg sinó també un gran poeta i actor, que va interpretar moltes de les seves pròpies creacions. El personatge central d’,El malalt imaginari és Argan, un home sa que es pensa que està malalt, i que està tothora consultant els metges. Tanta obsessió té amb la seva salut, que pretén que la seva filla Angèlica es casi amb un metge. Ella s’,hi nega, ja que està enamorada d’,un jove que ha conegut pocs dies abans. Toneta, la criada de la casa, s’,empesca un pla per evitar el casament.
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El teatro de Alfonso Sastre es un teatro de investigación y revelación y nunca de propaganda, un teatro rico en experiencias humanas y en sutileza poética
porque Sastre comprendió desde un principio que la fuerza dramática se consigue no por el dogma, sino por la revelación social y existencial, no dando soluciones panfletarias a problemas complejos, sino preguntándose acerca de dichos problemas. Escuadra hacia la muerte es, probablemente, su obra más emblemática. En una hipotética tercera guerra mundial, un escuadrón de cinco hombres son enviados de avanzadilla para informar de los ataques enemigos. Es la historia de un grupo de hombres enfrentados con el poder que Sastre convierte en una elocuente denuncia antimilitarista y donde los más esenciales conceptos humanos, como el miedo, la lealtad, la vida o la muerte, se unen para formar un mosaico de trágicas consecuencias. Por su parte, La mordaza, obra estrenada un año después, en 1954, trata encubiertamente el tema de la dictadura, la represión y la censura. El déspota Isaías Krappo asesina a quien fue víctima suya durante una guerra civil y, aunque su familia lo sabe, sólo su nuera rompe la mordaza del silencio, compuesta de miedo, respeto y fidelidad familiar. Isaías muere en prisión y eso alivia a sus hijos.
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Renovador del exhausto género de la comedia en Francia, Jean-Baptiste Poquelin, Molière, entreveró la capacidad de observación, el talento literario y el impulso crítico, para alumbrar un espectáculo nuevo en elque los propios contemporáneos suministraban la materia adecuada para la creación de personajes inolvidables que animan tramas perfectamente estructuradas. Elpresente volumen reúne dos de sus obras más características: ", Tartufo o El impostor ", (1644), sátira sobre la falsa religiosidad cuyo personaje principal ha trascendido, con el paso del tiempo, a la categoría de arquetipo, y ", Don Juan o El festín de piedra ", (1665), en la que el dramaturgo, anticipándose a los personajes de Gide y de Genet, transforma al célebre seductor y libertino en campeón de lalibertad absoluta, aunque la busque por el camino del mal.
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Cuando baja el telón, el espectador de 'Bodas de sangre' siente que ha asistido a la representación de un rito antiquísimo y renovado, casi a un sacrificio, cuyo significado último es simple y terrible: el amor más intenso solo es posible a costa de la vida, quienes se ven envueltos en el torbellino del amor acaban siendo sus víctimas. En 'La casa de Bernarda Alba' no hay cabida para los buenos sentimientos. La dictadura de la madre ha envenenado la convivencia para siempre. La obra se cierra, como se abrió, con un luto: ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto!, ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. La dictadora es incapaz de aceptar que la realidad, a su alrededor, siga un curso distinto del que ella le ha marcado. Es necesario seguir fingiendo que allí no ocurre nada anormal, que nada ha perturbado, ni con su cara risueña -el hijo que probablemente esperaba Adela- ni con su cara oscura -el suicidio-, el orden impuesto por la autoridad indiscutible.
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La epopeya transcurre entre dos puestos de acarajés, el de Dinha y el de Cira, en Salvador de Bahía. Orson Welles, disfrazado de Macbeth, se ha hecho con el control de la región y ha reinstaurado la esclavitud. Neronga se une al popular motociclista de acrobacias Evel Knievel para liberar al pueblo bahiano de la tiranía de Macbeth-Welles. Trifulca, rayos, navajazos, patadas voladoras, verso blanco pentámetro yámbico es el cuadro desolador que se encuentran los filósofos Lisias y Demóstenes al llegar a Salvador de viaje de fin de estudios venidos desde Atenas como polizontes de un navío herrumbroso que cargaba una escenografía para una obra de Esquilo versión moderna (lo de siempre: un falo gigante recubierto de purpurina jugando con el estilo jónico) que se iba presentar en un festival internacional ahora anulado, como era de imaginar, por la guerra en la Bahía.
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Pocas obras dramáticas se muestran tan vigentes hoy en día como La vida es sueño. Drama religioso o filosófico que, desde el absoluto seiscentista, urde sus raíces en los mitos orientales, la literalidad de su lección moral es capaz, sin embargo . de traducirse en lectura política (educación de príncipes) y en grito revolucionario. Pero, sobre todo, es pieza clave en la historia del conocimiento, del reconocimiento por parte del hombre de su conciencia de existir. Desde el mito de la caverna de Platón hasta la frontera de la modernidad que supone su proximidad en el tiempo y en las inquietudes a la filosofía cartesiana, La vida es sueño se constituye en un modelo de la duda metódica resuelta no a través de la seguridad del pensar, sino por medio de una peripecia trágica que desemboca en el absoluto moral. Por medio de una magnífica parábola literaria y de la grandiosidad de una puesta en escena que vislumbramos en la fuerza suasoria del discurso, Calderón muestra cómo sobre el error no se puede levantar el edificio de la verdad. Y que para la pasión, como todo lo humano, puede someterse a sistema.
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Dos historias fantásticas basadas en cuentos populares que nos aseguran un buen rato de humor, aventuras y emocionesEn «La verdadera historia de la princesa y el dragón», incapaz de dominar su pasión, Regaliz, el dragón, rapta a la princesa Peladilla, quien al final se ve conquistada por la ternura y la honestidad de su carcelero. «Besos para la bella durmiente», por su parte, muestra cómo una joven y hermosa princesa es víctima de un hechizo que la obliga a permanecer dormida hasta que la despierte un beso de amor. ¿Podrá el amor de un modesto paje vencer todos los obstáculos? Basándose en cuentos populares, José Luis Alonso de Santos ha escrito estas dos obras pensando en lectores de cualquier edad y condición. Nos regala, así, unas piezas repletas de humor, personajes tiernos y sentimientos nobles que nos trasladan a un universo mágico donde el color de los mejores sueños ilumina por un instante la oscura realidad en que nos desenvolvemos a diario.
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Única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo. El desarrollo tiene lugar en Galilea, Belén, Nabatea y Egipto, con dos ángeles intérpretes que señalan, predicen o exaltan lo que va a ocurrir o está sucediendo. Fue estrenada en 1962 y obtuvo el premio Calderón de la Barca. El texto hace evocar el mejor teatro de Lope de Vega. La crítica ha dicho: «Nueva edición de la única obra dramática del poeta, en forma de auto navideño en torno al nacimiento de Cristo» Revista, OMNES.
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És un matí de setembre i fa una calor insuportable als arrossars. Quan el cotxe se’ls avaria en una carretera de terra, Isabel i Gerard no podran esquivar els problemes que els acacen. Tots dos són professors d’Art Dramàtic d’una de les escoles d’interpretació més prestigioses del país, i també figures importants i referents de l’escena teatral. Aquesta setmana, però, s’han fet públiques unes denúncies que canviaran les seues vides per sempre. La veritat esclatarà en aquella carretera solitària i perduda en el laberint de camps d’arròs daurats llestos per a la sega.Una carretera sense arbres és la poderosa obra de teatre amb què Clàudia Serra ha captivat crítica i públic. Un text carregat de veritat, però també de matisos, que s’endinsa en les diferents cares de l’abús de poder per parlar-nos de les conseqüències dels silencis i les complicitats que l’acompanyen. Una premiada creació escènica que, estrenada per la companyia Lluna Plena, ha recorregut el territori agitant emocions i removent consciències. Una història necessària sobre supèrbies i violències quotidianes, que ens posa davant l’espill d’uns personatges que esdevenen dues bèsties a punt d’explotar.
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La fam, de Joan Oliver, es va estrenar al Teatre Català de la Comèdia (avui Poliorama) el 15 de juny de 1938. L?obra, escrita i publicada aquell mateix any, s?inspira en el procés revolucionari viscut a partir del 19 de juliol de 1936.á
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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El caballero del Olmedo (9788431636685) de Lope de Vega, es una edición de F. B. Pedraza Jiméneznpara Vicens Vives pensada para estudiantes de Lengua y Literatura de ESO. Cuenta con una introducción, notas al texto y una sección de actividades en las que se analiza la obra desde el punto de vista literario e histórico. Es el número 12 de la colección Clásicos Hispánicos.
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Elogiada en su día por la mejor crítica, desde Unamuno a E. Díez-Canedo, «Yerma» (1934) es, tal como la definiera el propio Federico García Lorca (1898-1936), «la imagen de la fecundidad castigada a la esterilidad» dentro de ese dramático juego universal en el que se mueven las criaturas lorquianas: la oposición entre las fuerzas de la vida, con su destino de libertad, y la opresión que sobre esas fuerzas se vuelca incluso hasta llegar a la muerte. A cargo de Mario Hernández, la presente edición de esta obra dramática fija su texto de forma escrupulosa y se enriquece con una serie de entrevistas con el poeta rescatadas de la prensa española de los años 1934 y 1935.
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Maria Rosa (1894) és un drama social i amorós, ambientat en la classe obrera, que forma part del cicle més reeixit d'Àngel Guimerà, al costat de Terra baixa i La filla del mar. És una obra determinant d'Àngel Guimerà en la creació d'un model dramàtic propi i, alhora, és el drama que arrodoneix la seva aproximació al realisme. Hi trobem una síntesi entre la visió realista / naturalista, que reforça la sensació de «veritat», i la dimensió tràgica, que accentua el caràcter simbòlic dels protagonistes i dels elements que els envolten. La pervivència de Maria Rosa en l'escena constata la seva consideració d'obra clàssica i canònica del teatre català. Aquesta edició voldria assajar una lectura aprofundida de l'obra donant protagonisme als aspectes més relacionats amb el llenguatge teatral. Conté una introducció, notes i una proposta didàctica a cura del professor Anton Carbonell.Anton Carbonell és catedràtic i professor de llengua catalana i literatura a l'institut Castellar, de Castellar del Vallès. Ha publicat diversos manuals de literatura catalana (Mirada, per a primer de batxillerat, és l'últim) i edicions d'obres d'Àngel Guimerà (Maria Rosa, Terra baixa, Mar i cel) i de Josep Maria Benet i Jornet (El somni de Bagdad).
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'Así que pasen cinco años. Leyenda del tiempo'' es una de las creaciones mayores del teatro de Federico García Lorca. Pieza novísima en forma y contenido, fue el resultado del ambicioso proyecto del poeta de ''crear un teatro nuevo, avanzado de formas y teorías'' que había de originar el deseado ''Teatro del porvenir''. Equivocadamente considerada durante mucho tiempo como obra inacabada, es en realidad la única de las llamadas ''comedias imposibles'' que ha llegado hasta nosotros completa. Destaca en ella la contemplación erótico-filosófica del destino humano expresada en el eterno juego del tiempo, el amor y la muerte, y consigue, en su peculiar calidad de poema dramatizado, la más completa simbiosis de los conceptos de poesía y teatro de la producción lorquiana.
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Obra en la que el genio de William Shakespeare (1564-1616) brilla con especial fuerza, la tragedia de Hamlet traza el admirable retrato de un legendario príncipe de Dinamarca soñador y contemplativo, sumido en dudas e irresoluciones, que, obligado a esclarecer los motivos que llevaron a la muerte de su padre, sucumbe ante la fatalidad de las circunstancias. Poblada, como señala en su prólogo Vicente Molina Foix, por una abundante y compleja galería de personajes secundarios, la obra ha gozado de una constante vigencia a lo largo del tiempo, que ha hecho que se incorporen al lenguaje común numerosas expresiones de la obra («ser o no ser», «palabras, palabras, palabras», «lo demás es silencio») que han llegado a hacerse emblemáticas. La ambigüedad, la ambivalencia y la desorientación del protagonista lo aproximan notablemente, por otro lado, a a la sensibilidad de nuestra época.
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Antoni i Cleopatra, de William Shakespeare, traducció de Salvador Oliva. Un clàssic editat per Vicens Vives, per a estudiants de Llengua i literatura. Una tragèdia històrica en cinc actes que mostra la relació entre Cleopatra i Marc Antoni fins al suïcidi. El principal antagonista d'Antonio i Cleopatra és Octavi August, company de triumvirat d'Antonio i futur primer emperador de Roma. Shakespeare crea una atmosfera de luxe barroc i d'imatges exuberants.
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Es sol crema! sa claror és pura il·lusió, clar que es blat necessita sol per créixer, per. arriba un diaque es sol és foc. o es pagès no sega es blat abans es sol no el consumeixi? es sol mos dona sa vida, per. si el miram fixament, si no miram res més, mos enlluerna, mos desorientam i perdem el món de vista.
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Ambientada en Nueva York tres décadas después de la irrupción de la epidemia del sida y poco antes de laselecciones de 2016 que dieron la victoria a Donald Trump, La herencia de Matthew Lopez nos presenta un mosaico de relaciones y conexiones entre hombres gais dediferentes edades y clases sociales, en el que reflexiona sobre cuáles deben ser las responsabilidades deuna generación con la siguiente.El autor adapta muy libremente la novela Regreso a Howards End deE. M. Forster, convirtiendo al escritor inglés en unode los protagonistas de la trama. Su obra ha recibido el elogio unánime de la crítica, que la ha considerado un clásico moderno instantáneo.
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«En este instante yo podría beber sangre caliente, y hacer cosas tan amargas, que el día temblaría de verlas.» Versión y epílogo de Tomás Segovia Introducción de Alan Sinfield, profesor emérito de la Universidad de Sussex. En una gélida noche, tan funesta que el viento se vuelve mensajero de terribles presagios, Hamlet, Horacio y tres soldados se reúnen con el propósito de desentrañar el misterio en torno al espectro que ha aparecido en las últimas noches cerca del castillo. Solo hablará con Hamlet, pues esa criatura castigada a vagar por las tierras de Elsinor fue su padre, el último rey de Dinamarca. Su hermano Claudio le traicionó arrebatándole la vida, el trono y su reina. Un horrible crimen que reclama justicia. Frente al magnífico texto original presentamos la versión de Tomás Segovia, una de las más apreciadas en español. Asimismo, cuenta con una introducción a cargo de Alan Sinfield, catedrático emérito de literatura inglesa de la Universidad de Sussex.
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Arthur Schnitzler (1862-1931) fue uno de los más relevantes escritores de la Jung-Wien, grupo de autores entre los que se pueden contar, entre otros, a Hofmannsthal, Beer-Hofmann, Altenberg, Salten, Dörmann y Leopold von Adrian. Su extensa obra abarca el teatro (entre otras obras, Liebelei y Reigen), la novela (p. ej., Der Weg ins Freie y Therese. Chronik eines Frauenlebens) y sus narraciones (entre las que cabe destacar Lieutenant Gustl y Flucht in die Finsternis). Su autobiografía, Jugend in Wien, fue publicada póstumamente en 1968.
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La senyoreta Júlia és potser l'obra d'August Strindberg més reconeguda internacionalment, la més representada, i també la més polèmica. Les representacions i reinterpretacions han estat constants des de la seva estrena el 1889. L'acció de La senyoreta Júlia transcorre durant la nit de Sant Joan, Midsommarsnatten, i té com a protagonistes l'arrogant senyoreta Júlia, el seu servent Joan i la cuinera Cristina. Els diferents punts de vista que conté aquest drama polièdric ?feminista, patriarcal, classista, misàntrop...? el converteixen en un fòrum de temes d'actualitat. Traduïda directament del suec, fins avui només hi havia a l'abast dels lectors catalans una edició descatalogada del Teatre Lliure. La traducció s'acompanya d'un estudi d'Antoni Nadal sobre la recepció del teatre de Strindberg a les Balears.
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El teatro de Casona trata de crear en el espectador un revulsivo ético basado en la moral occidental y en los mandamientos cristianos laicizados. Sus obras pueden considerarse autos, no sacramentales, cargados de enfrentamientos entre virtudes y pecados capitales, dentro de la más depurada concepción evangelizadora. De ahí esa sensación que el lector o espectador posee, a veces, de hallarse en una clase de teología sin theos, en una clase de antropología filosofal a pequeña escala. La barca sin pescador es un buen ejemplo de crítica de aquellos que siempre están dispuestos a saltarse las normas morales para conseguir sus objetivos. «Para sufrir con el dolor ajeno, lo primero que hace falta es imaginación. Un día sabemos que va a morir un pescador en una aldea del Norte, y nos encogemos de hombros. Otro, leemos que en un frente de guerra han caído treinta mil hombres, y seguimos tomando el café tranquilamente, porque aquellas treinta mil vidas no son, para nosotros, más que una cifra. Y no es que tengamos duro el corazón, no. Es la imaginación la que tenemos muerta».
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Us hem dit que sou febles, insegurs, apàtics. Us hem dit que res no us importa i que sou fràgils, que les generacions anteriors som millors. Molt millors.Una visita extraescolar a un museu acaba amb el llançament d'una beguda a un quadre. Alguns adolescents hi estan implicats. Potser ha estat un accident. Potser no. El quadre és el de Sant Jordi matant el drac. També apareix una princesa, però això no és tan important.Princeses, cavallers i dracs denuncia el tracte que es fa dels joves i de la suposada generació de vidre i posa el focus en la responsabilitat de les famílies en l'educació emocional dels adolescents.L'obra ha estat escrita per Guadalupe Sáez, escriptora teatral i guionista, i Jerónimo Cornelles, que compagina el seu treball com a autor juntament amb la direcció d'escena i la interpretació.
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Los libros de teatro son obras impresas que recogen textos dramáticos pensados para la representación escénica y la lectura reflexiva. El teatro como género literario se construye a partir del diálogo, la acción y la estructura en actos o escenas. Aunque a veces se habla de novelas teatrales, el texto teatral posee características propias que lo diferencian de la narrativa tradicional. El formato en papel facilita la lectura pausada, el análisis del diálogo y la comprensión de la estructura dramática.
¿Qué son los libros de teatro?
Los libros de teatro son publicaciones en papel que contienen obras dramáticas destinadas tanto a la representación como a la lectura individual.
Definición
Una obra de teatro se estructura en actos y escenas y se desarrolla principalmente a través del diálogo entre personajes. Los libros de teatro permiten acceder al texto íntegro, analizar sus acotaciones y comprender la construcción escénica.
Características del género dramático
El teatro se caracteriza por la acción directa, la interacción entre personajes y la presencia de indicaciones escénicas. La lectura en papel facilita la visualización de la puesta en escena y la interpretación del conflicto dramático.
Cómo elegir libros de teatro
Seleccionar entre distintos libros de teatro implica considerar el periodo histórico, el estilo del autor o autora y el tipo de dramaturgia que se desea explorar.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca teatro clásico, contemporáneo o propuestas experimentales.
- Obras teatrales clásicas del canon universal.
- Dramaturgia contemporánea con temáticas actuales.
- Teatro breve o monólogos.
- Ediciones comentadas para el estudio académico.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de teatro en formato papel pueden incluir diferentes propuestas editoriales que enriquecen la experiencia lectora.
Tipos de libros y contenido
- Obras completas de un autor o autora.
- Antologías teatrales temáticas o históricas.
- Textos acompañados de estudios críticos.
- Dramaturgia contemporánea de nuevos autores y autoras.
Estos libros permiten analizar la estructura dramática, el ritmo del diálogo y la evolución de los personajes.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de teatro en papel favorece la comprensión del lenguaje escénico y el desarrollo de habilidades interpretativas.
Comprensión del conflicto dramático
El análisis de obras teatrales ayuda a entender la construcción del conflicto y la dinámica entre personajes.
Fomento de la lectura expresiva
Los libros de teatro invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación, fortaleciendo la expresión oral y la sensibilidad artística.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de teatro?
Los libros de teatro están dirigidos tanto a lectores y lectoras interesados en la literatura dramática como a estudiantes y docentes que trabajan el texto teatral.
- Personas interesadas en el arte escénico.
- Estudiantes de literatura y artes escénicas.
- Grupos de lectura que practican la lectura dramatizada.
- Quienes desean conocer la evolución histórica del teatro.
Preguntas frecuentes sobre libros de teatro
¿Qué diferencia hay entre una obra de teatro y una novela?
La obra de teatro se construye principalmente a través del diálogo y está pensada para la representación escénica, mientras que la novela desarrolla una narración extensa en prosa.
¿Qué aportan los libros de teatro a nivel educativo?
Favorecen la comprensión del lenguaje dramático, el análisis del conflicto y el desarrollo de la lectura expresiva.
¿Cómo elegir un libro de teatro adecuado?
Es recomendable considerar el periodo histórico, el estilo dramático y el interés por determinadas corrientes teatrales.
¿Por qué leer teatro en formato papel?
El formato en papel facilita la lectura detallada del diálogo, la comprensión de las acotaciones y la interpretación pausada del texto dramático.
