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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En el centro de aquel Jardín del Edén de los relatos del origen había dos árboles, el Árbol del Conocimiento del Bien y del Mal y el Árbol de la Vida, y el mito responde a una realidad palmaria: venimos del árbol, vivimos en sus frondas, y él fue el primero en darnos alimento, sombra y refugio, dejando una huella imborrable en nuestro inconsciente.Tomando como título un verso del escritor Álvaro García, Quedan los árboles reúne en sus páginas sesenta poemas de otros tantos poetas españoles contemporáneos que han encontrado en la figura del árbol un interlocutor, un símbolo o un motivo para la contemplación meditativa, como lo fue para el pintor Godofredo Ortega Muñoz, a quien este libro debe su inspiración primera: árboles que viven en la memoria o nos interpelan día tras día, árboles que nos llaman desde la niñez o son cifra del porvenir, del carácter perdurable de nuestros afanes y deseos.
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Avanzada la segunda mitad del siglo XIX, otro nuevo movimiento se va imponiendo en la literatura española. Es el Realismo, que dará sus mejores frutos en la novela, primero en Francia e Inglaterra y algo más tarde en España. Entre el costumbrismo anterior y el realismo que empieza su andadura, sobresale «El sombrero de tres picos», la obra maestra de Pedro Antonio de Alarcón, quien logró en ella su novela más popular. El acierto artístico de esta novela corta brilla con luz propia en la creación de un conflicto cómico protagonizado por un caricaturizado corregidor de escasas fuerzas y una recia y simpática molinera, en la plasticidad de los retratos, en el dinamismo de la acción, en la fluidez de las escenas dialogadas y en el colorido y la vivacidad de los cuadros ambientales.
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Luz en retirada, con imágenes y sentencias de gran hondura y belleza, sorprende gratamente por la extraordinaria calidad de sus versos, que respiran arte y respiran oficio, que respiran madurez y respiran decisión por los cuatro costados. Reyes ha necesitado proyectar sobre el escenario del papel sus remembranzas como una especie de obra de teatro, jalonada esta por lo real y por lo onírico, para acabar metamorfoseando en un retiro hacia la luz para salir de las tinieblas de su cotidianeidad y resurgir. PEDRO J. PLAZA GONZÁLEZ “,Un libro que indaga sobre el asombro que significa la figura del padre y ser testigo de su vejez y cercanía de la muerte'' FEDERICO DÍAZ-GRANADOS “,Luz en retirada es un libro en el que la presencia de la muerte es una sombra sobre la que se cimenta el lenguaje poético'' FERNANDO VALVERDE “,Reyes consigue unir lo vulnerable y lo auténtico”, JOTA SANTATECLA “,Es un poeta que va abriéndose paso entre las sombras para mostrarle al lector dónde encontrar la luz'' LENA CARRILERO
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Este poema dramático (o monólogo poético) que ahora editamos, y que aún no ha sido llevado a escena en esta versión definitiva, está libremente inspirado en la vida y la obra de Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011), prestando especial atención a los años europeos y a su estancia en España. Alberto Conejero -uno de los más destacados dramaturgos españoles contemporáneos- ha dado forma a una pieza de una belleza deslumbrante y afilada. Leonora, además de ser un magnífico acercamiento al universo de la célebre pintora surrealista, es un poema en el que se abordan, entre otros, temas como la fragua de la vocación artística, la imaginación como potencia salvífica o la relación entre creación y herida.
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Admirado por Jorge Luis Borges y por la «joven literatura» española del decenio de 1920 (Pedro Salinas, Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre, José Bergamín), que veían en él a una suerte de hermano mayor, y con el cual participan en varios proyectos, Alonso Quesada (1886-1925) es uno de los autores más representativos de una fase decisiva de la poesía hispana, aquella que, con raíces en el modernismo, desemboca en pleno nudo de la vanguardia. La temprana desaparición del poeta, antes de cumplir los 39 años, no impidió que nos legara una escritura cuya singularidad y originalidad empiezan a ser valoradas hoy —ya con suficiente perspectiva temporal— en su verdadera dimensión. Una voz única. Aun perteneciendo como pocos al tiempo histórico y cultural que le tocó vivir, Alonso Quesada nos sigue hablando hoy como nuestro estricto contemporáneo.Andrés Sánchez Robayna
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L'obra narrativa d'Alfons Maseras
Volum que completa l’estudi iniciat el 1995 amb el llibre «Alfons Maseras: intel·lectual d’acció i literat. (Biografia. Obra periodística. Traduccions)». Aquesta segona aportació analitza l’obra narrativa de l’escriptor a la llum del context literari català i europeu del seu temps, en perfila les etapes de producció i explica la seva vinculació al modernisme, al noucentisme i als corrents estètics i ideològics posteriors.
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Giacona Belli, nacida en Nicaragua, en 1948, destaca de las letras Hispanoamericanas contemporáneas. Fresca y vitalista, profundamente personal, tiene un estilo que escapa a cualquier corriente o escuela.
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Escriptors i erudits contemporanis. Novena sèrie
Aquest volum conté divuit capítols que complementen els apareguts als anteriors de la sèrie. Hi destaquen el dedicat a Montserrat i la llengua catalana, l’inventari del Refranyer de Marià Aguiló –desconegut fins ara, l’estudi de l’evolució del projecte de Rossend Serra i Pagès Llegendari Popular Català, i les contribucions sobre la revista “Serra d’Or”, amb motiu del seu cinquantenari.
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50 poemes per dir a dalt de la cadira
Inclou nadales tradicionals, poemes breus i obres clàssiques de Jacint Verdaguer, Salvat Papasseit o Guerau de Liost, entre d'altres. El recull ha estat elaborat per Jaume Subirana, escriptor i professor universitari, autor d'altres reconegudes antologies. Ideal per aprendre i recitar, petits i grans.Altres títols de la col·lecció:Per dir sí. 50 poemes per a casamentsQue no mori la llum. 50 poemes per a funerals
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Aquest volum –que complementa Teatre modern a Mallorca (Biblioteca Miquel dels Sants Oliver, 8)– recull nou treballs que Antoni Nadal (Palma 1958) ha elaborat entre els anys 1999 i 2004, i que tenen com a matèria comuna el teatre català del segle XX referit sobretot a les illes Balears.
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Este libro coral es fruto del estudio y la discusión colegiada entre sus autores a lo largo de tres años. Se trata, a la vez, de un libro de crítica (literaria, audiovisual) y de teoría poética. Nuestro objeto de estudio es el universo ficcional de Patria (Aramburu, 2016 HBO España, 2020) y, al hilo de las necesidades de ese estudio particular, hemos revisado e inventado las categorías necesarias para una adecuada interpretación de las obras. Por ejemplo: utilizamos la noción de ''mímesis de vigencias sociales'' -entre ellas, la del silencio- para profundizar en el modo en que la serie y la novela nos permiten revivir y comprender la enrarecida atmósfera que se respiraba en el País Vasco durante los años del terrorismo. La recepción cultural de la inspiradora obra de Aramburu, las lecturas de la novela y de la serie televisiva y la reflexión teórica sobre los mundos posibles poéticos aparecen hermanados en estas páginas con dos objetivos: primero, contribuir a la gran conversación sobre el terrorismo de ETA y segundo, aportar una metodología para explorar y aprovechar el valor especulativo y práctico, las posibilidades de reflexión ética y social, de los mundos posibles poéticos.
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Poesia, escriptura i societat: els camins de March
En aquest treball els cançoners són analitzats des del punt de vista material i de les eines de treball intel·lectual emprades, dels processos successius d'intervenció, al llarg del temps, sobre l'exemplar original, de les empremtes que han deixat els lectors i de la història externa. Aquestes observacions ens permeten de dibuixar un mapa completament nou de la poesia catalana del segle XV.
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Leyenda viva de las letras españolas, desobediente del clasicismo, voz luminosa y pausada en un mundo de oscuras turbas, Caballero Bonald representa la poesía en un estado poco puro: el de los grandes descontentos porque la vida se imponga en sus aspectos más indecentes. [.] Sus vuelos no exigen más compañía que la de quienes quieran compartir uno de los más hermosos testimonios vitales de un poeta capaz de no renunciar ni siquiera a lo que niega. - Mariano Antolín Rato Aunque José Manuel Caballero Bonald es mayoritariamente conocido como novelista, es en el terreno de lo poético donde se encuentra el centro motor de toda su obra. En efecto, aunque participa de todas y cada una de las líneas dominantes que caracterizan a la generación del 50 -en la que historiográficamente se le suele incluir- no es reductible a ninguna de ellas. Pese al tono quevedesco de muchos de sus fragmentos, a la musicalidad a veces lopesca de su dicción, es en Góngora, y en su inmediato antecedente, Juan de Mena, donde encontramos los orígenes de una poética que, tanto en lo que se refiere al utillaje formal de la escritura, como en lo que remite a la concepción crítica del hecho literario, asume plenamente el carácter retórico, es decir, verbal, de nuestra relación (mediada) con el mundo.
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En este poemario el autor parece un trasunto de sus personajes mitológicos en donde las situaciones de los dioses son un reflejo de los mortales, con sus pasiones, sus fallos y sus perdiciones, y por eso en esta nueva publicación nuestro autor sigue en esta línea, dejando claro que los dioses no son otra cosa que las creaciones de los humanos. Está estructurado en tres partes: «Sobre los dioses y sus deseos», en donde nos encontramos varias historias de amor, como la de Apolo y Jacinto, la de Hércules y Yolao, la de los y las amantes de Zeus, pero también aparecen personajes como Perseo o Sísifo. «Sobre los mortales y sus inquietudes» es un conjunto de poemas en donde el autor canta al amor maternal, al amor paternal, al amor conyugal, pero también a la amistad y a la naturaleza. «Sobre las brujas y los hechiceros que nos acechan» es una advertencia para alejarnos de aquellas personas que pueden dañarnos y para ello nos ofrece unas singulares recetas.
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En muy pocos poemarios de calidad la reflexión sobre el zeitgeist del presente se da la mano con el espíritu apocalíptico de la ciencia-ficción. Este es uno de ellos: Que nadie se aburra, / no habrá tiempo para el bostezo. / El futuro nos ha tomado por sorpresa. / Se nos viene un vendaval / de estímulos psicoeléctricos, y nuevas obligaciones / en el vastísimo / botadero cibernético [...] / Aburrirse genera cortocircuitos / en el sistema de recompensas / de los algoritmos. / Que nadie se aburra. / No hay tiempo para el bostezo. La poesía como una hermenéutica de la materia, donde están los residuos, el resto, lo que nadie ve.
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Estravagario es sin duda uno de los libros más originales y curiosos de Pablo Neruda (1904-1973), consagrado con el Premio Nobel de Literatura 1971. Esta reedición, en la Colección Aniversario, es la confirmación de que la personalidad del poeta chileno, quizá la figura poética dominante del siglo XX en el continente latinoamericano, fue múltiple y no se agotó en el exaltado lirismo de sus Residencias ni en la recobrada sencillez de sus Odas elementales.
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'Los poemas de Seth Michelson, uno tras otro, transforman el mundo brutal y destrozado en algo que canta''. ROSS GAY ''Latidos e himnos, oraciones y maldiciones, los versos vigoro-sos y fascinantes de Seth Michelson abordan lo insoportable y lo que no se debe decir''. ALICIA PARTNOY ''Seth Michelson es un joven poeta de grandes dones, energías y pasiones. Intenso, ebrio del lenguaje, ebrio de los sonidos del lenguaje, enamorado de las posibilidades del lenguaje sin descuidar sus responsabilidades. Sus poemas me parecen más vivos que los de muchos poetas (¡jóvenes o viejos!), más necesarios''. THOMAS LUX
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Los poemas clandestinos del maestro del amor. Pablo Neruda constituye una de las cotas más altas de nuestra tradición poética. Edición del texto de los poemas revisada i definitiva.Publicado anónimamente en Italia en 1952, Los versos del Capitán constituye un libro controvertido en la obra de Pablo Neruda. Dados a conocer originalmente sin nombre de autor, estos poemas encierran un origen secreto, clandestino y conmovedor. Los amantes ocultos –Pablo y Matilde– saben de los inconvenientes para declarar a viva voz el sentimiento que los une y, más allá de los impedimentos, se refugian en la isla de Capri. Así, el Capitán no dirá ser el autor de esos versos míticos y durante diez años ese libro será un hijo natural no reconocido. El poeta canta su amor a Matilde Urrutia, la nostalgia que se siente en el destierro por la patria, la ternura y la pasión, y la palpable universalidad de sus palabras: «Ay vida mía, / no sólo el fuego entre nosotros arde, / sino toda la vida, / la simple historia, / el simple amor / de una mujer y un hombre / parecidos a todos». «El poeta más grande del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez
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Misteri buffo
Misteri Buffo és l'obra més significativa de Dario Fo en la seua original recerca de les arrels del teatre popular. Es tracta d'una interpretació lliure dels textos sacres medievals, vestits, il·lustrats i reexplicats per l'autor a través de diverses peces que ens porta un joglar. En aquesta obra, Fo exposa les contradiccions del poder eclesiàstic, entrella-çant l'edat mitjana amb l'actualitat, en un atac polític evident, mitjançant paròdies de passatges bíblics o fets històrics.
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Papelería del purgatorio continúa la trilogía iniciada con Inventario del paraíso (Premio Christian Bobin, Ediciones El Gallo de Oro, 2025). Esta es la segunda entrega de un recorrido inverso al camino dantesco, puesto que debe culminar en una suerte de nómina infernal con un tercer libro aún inédito. Aquí el poema en prosa se transmuta en cartas, tratados, actas... un abecedario del condenado para el resto de los condenados. El texto erige sus siete gradas o terrazas cual sitio de purgación para el pecado de publicarlo todo. Como buen hijo de obrero, el autor sabe que los burócratas archivarán estas páginas, pero él es el cantor y entra sonriendo a las batallas.
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La poesía está en el centro de toda la obra de Rosa Chacel, una de las figuras femeninas de mayor importancia en la Generación del 27. Impregna sus novelas, llenas de imágenes líricas y recursos expresivos sorprendentes, sus cuentos y sus ensayos, y afloró continuamente a lo largo de su vida como un incontenible impulso que la propia autora jamás consiguió aplacar. Este volumen recoge toda su producción poética, incluyendo, además de la publicada en libros, la dispersa en revistas, cartas y archivos personales, así como algunas de sus mejores traducciones y una completa introducción.
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Recordando el famoso aforismo griego «Conócete a ti mismo», esta antología busca ahondar en las entrañas de la poesía. Una mirada sobre la propia voz.Tienes en tus manos un libro distinto, sin precedentes, un volumen confesional en el que 140 poetas, cada uno en su estilo, a su manera y a su gusto, han querido compartir la experiencia de la introspección y decirnos quién es, cómo se ve o cómo se imagina.Sin máscara o con ella, los autores nos desvelan su propia identidad. Recorremos con cada uno las encrucijadas del dédalo en una especie de camino iniciático, buscando el centro personal que a cada cual le corresponde.Es sabido que un poeta se encuentra consigo mismo cada vez que inicia un poema. Puede estar al lado, detrás, delante, cerca siempre, pero hay ocasiones en que decide estar dentro y ser él mismo el destino total de sus versos, contarse a sí mismo, decirnos quién es, quién quiso ser, quién quiere llegar a ser.En esta antología de autorretratos lo que en el fondo se intenta es levantar el velo que cubre lo que podría parecer un espejo donde reflejarse —véase la cubierta de este libro—, y descubrir que no es tal sino un laberinto en el que dejarse perder, en el que abandonarse. Encontrar el centro íntimo puede ser difícil, pero dar vueltas y más vueltas puede conseguir que lleguemos a ver muchos aspectos que tal vez desconocíamos.
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Llama eterna: poemas de amor y transformación es un viaje poético que explora el amor en todas sus formas: la emoción del primer encuentro, la intensidad de la pasión, los desafíos del conflicto, el dolor de la pérdida y la transformación hacia una conexión universal. A través de más de setenta poemas divididos en secciones temáticas, el lector es llevado por un recorrido emocional y filosófico que aborda el amor no solo como experiencia íntima, sino como una fuerza que trasciende el tiempo, el espacio y la individualidad. Cada poema, escrito con un estilo moderno y accesible, invita a reflexionar sobre la esencia del amor como chispa que ilumina nuestras vidas, nos conecta con los demás y nos vincula con el universo. «El amor no termina, simplemente cambia de forma para recordarnos que, en cada suspiro, en cada paso, llevamos la chispa de lo eterno».
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La poesía siempre ha cargado con el sambenito de ser difícil, indescifrable y solo apta para unos pocos. Para el lector medio (o inexperimentado) muchas veces se presenta como un terreno inhóspito e intimidante. Por eso, la propuesta de Maresía de acompañar cada poema con un breve comentario del poeta y del editor es original y rompedora, dando como resultado un puente entre el poema y el lector que es todo un regalo.En este tercer volumen de la serie Poesía bonita y que se entiende contamos con los versos de Marina Casas, Abel Aparicio González, Sofía Gil Domingo, María Ramos Salgado, Luis Baeza Andreu, Tomás Nejamky, Ana Clara Millán, Alberto García de Haro y Liz Kalu Ndi.
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Pedro López Lara (Madrid, 1963) realizó la carrera de Filología Hispánica, a cuyo término cursó los estudios de Doctorado. Ha publicado diversos artículos y reseñas sobre temas literarios, así como numerosos manuales didácticos de Lengua y Literatura. En 2020 fue galardonado con el Premio Rafael Morales. El poemario premiado, Destiempo, se publicó en 2021, año en que obtuvo el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía por la obra Museo (publicada en 2022). Ha sido asimismo finalista de los premios Ciudad de Badajoz, Hermanos Argensola, Tomás Morales, Juan Ramón Jiménez y Lorenzo Gomis, en todos los casos en la convocatoria del «curso» 2020-2021, único en el que se presentó a certámenes poéticos. Otros poemarios suyos publicados son Meandros (2021), Dársena (2022), Escombros (2022), Filacterias (2023), Iconos (2023), Singladura (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2023), Muestrario (2023), Incisiones (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2024), Cancionero (2024), Guiñol (2024), Trapecio (2024), Expiación (2024), Escolios (2024) y Epílogo (Renacimiento, col. Calle del Aire, 2024), obra con la que dio por concluida su producción poética. Para entender mejor la naturaleza del presente libro será conveniente reiterar las palabras del propio autor en su «Nota» preliminar: «Este volumen recoge la versión que considero definitiva de mi obra poética. He prescindido de aproximadamente una cuarta parte de los poemas publicados y he introducido leves modificaciones en algunos versos. Los poemarios se disponen en el orden en que me habría gustado que se editaran. Un orden que responde a criterios conceptuales y nada tiene que ver con el momento de composición de los textos, confuso incluso para mí. A este respecto, y para terminar, quiero reproducir unas palabras que figuraban en la contracubierta del último poemario que salió a la luz, Epílogo: ''todos los poemas estaban escritos y organizados en libros antes de que el primero [...] se publicara''».
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Marinero en tierra, publicado por primera vez en 1924, marca el inicio del universo poético de Rafael Alberti, uno de los grandes pilares de la Generación del 27. Este poemario, galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 1925, es un canto a la nostalgia, a la tierra perdida y al mar, ese horizonte infinito que el poeta siente como un hogar lejano y añorado. En sus versos Alberti evoca su infancia en el Puerto de Santa María y su desarraigo tras el traslado a Madrid, alumbrando una poesía lozana, sencilla y cargada de simbolismo. Con un lenguaje accesible pero profundamente lírico, ''Marinero en tierra'' explora asimismo los temas del exilio y el regreso imposible, elementos que atravesarán toda la obra del autor. El mar se erige como metáfora central, símbolo de libertad y añoranza, de lo perdido y lo irrecuperable. A través de una musicalidad precisa, cercana a la tradición popular andaluza y a las canciones de marinero, Alberti logra crear un vínculo emocional directo con el lector. Cien años después de su publicación, este poemario sigue siendo una obra clave de la poesía española contemporánea. Su frescura, su evocación de paisajes perdidos y su profunda carga emocional han mantenido intacta su vigencia. Esta edición conmemorativa invita a redescubrir la belleza y la fuerza de una obra que, desde su aparición, ha ejercido una influencia decisiva en generaciones de poetas y lectores. Un clásico que nos recuerda la capacidad de la poesía para capturar lo efímero y convertirlo en eterno.
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Este libro forma parte de una serie de publicaciones dedicadas a las grandes obras de la dramaturgia española del siglo XIX. En esta ocasión, se centra en el estudio y la edición del teatro breve de esa época, un tipo de piezas que representa aproximadamente un tercio de la vasta producción escénica de un siglo marcado por el surgimiento y desarrollo de la industria teatral.A partir del entremés barroco y otras formas teatrales cercanas, la proliferación de obras breves se intensificó en el siglo XVIII, consolidándose el sainete como género principal para expresar el costumbrismo y la comicidad popular. Durante el Romanticismo, esta tradición teatral se mantuvo viva y fue enriquecida por los escritores surgidos en el contexto de la revolución burguesa, quienes incorporaron nuevos temas, personajes y una particular visión de la realidad.En este volumen se incluye una muestra representativa de piezas teatrales en un acto, que refleja el tono, la temática y los rasgos distintivos del género en los años centrales del siglo xix. En total, son doce obras elegidas no solo por el éxito que alcanzaron en su tiempo, sino también por su originalidad, calidad literaria y, en especial, su potencial escénico. Los autores incluidos abarcan tanto figuras de gran relevancia en la literatura de la época como nombres menos conocidos, pero igualmente valiosos para ilustrar la riqueza del teatro español del siglo xix. Entre ellos destacan Manuel Bretón de los Herreros, Mariano Pina y Bohigas, Antonio Gil y Zárate, Joaquina Vera, Manuel Fernández y González, Antonio María Segovia, José Méndez de Álvaro, Rafael Máiquez, Miguel Pastorfido, Juan de la Puerta Vizcaíno, Ventura de la Vega, Carlos García Doncel y Luis Valladares y Garriga.
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En este libro, el tiempo no se mide en acontecimientos sino en presencias sutiles, en instantes detenidos donde el amor, el dolor, el deseo, la espera y el goce se entrelazan con serenidad. Toda la vida no es más que «mientras tanto», escribió Juan Ramón Jiménez, y aquí el poeta nos invita a leer con pausa, enseñándonos que el tiempo no es una línea recta.
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El juego teatral es una actividad que, sobre todo en los chicos, estimula la capacidad de imaginar, de crear mundos nuevos y de meterse en la piel de un personaje, con sus problemas y vivencias. La obra Vive. El teatro en los ámbitos escolar y catequético, de José Ramón Mata Jiménez , tiene un claro perfil evangelizador porque el tema central es el anuncio de la Pascua de resurrección de Jesús. Esta obra de teatro se desarrolla en tres actos: El calvario, La resurrección y María, la madre y se ofrece con dos versiones: una completa, con cincuenta personajes, y otra breve, con veinticinco. La representación está pensada para chicos y chicas a partir de diez años en la escuela y en la parroquia o en otros espacios eclesiales. La obra Vive contiene diversos recursos adicionales, como las descripciones de los personajes para conocerlos más a fondo y biblografía específica para poder profundizar en dichos personajes y su contexto.
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Mar de viento podría ser la continuación del primer poemario de la autora. El viento sopla a su alrededor y trae los recuerdos, las vivencias. Algunas de esas vidas se enmarcan en la posguerra española o en la propia Guerra Civil donde la poeta busca a sus abuelos desconocidos. Otras veces las imágenes le llevan a su infancia en unas calles de Barcelona todavía sin asfaltar. También es una brisa de juventud la que transporta a la autora a sus recuerdos de adolescencia, a una ciudad que nace como su primer amor, en un mar que remueve todas las emociones y no está nunca quieto. El mar está aún cercano, el viento sopla directamente sobre el área de los recuerdos, sobre el pasado inmediato. Provoca un oleaje irregular, de periodos cortos, generando espuma en la cresta de las olas, una espuma que salpica los versos. No es todavía un mar de fondo. Y un ancla aferra a la poeta a la tierra, la salva del peso de la nostalgia, de las ráfagas del tiempo: su pasión por la poesía, a la que dedica buena parte de sus poemas.
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La voz de Lourdes Espínola siempre suena en silencio. Esa paradoja es bien entendida por quienes aceptan la brevedad, la insinuación o la revelación en medio de la cotidianidad. Su poética, siempre fiel al tacto, suele habitar el mundo tocando, es decir, traspasando los sutiles umbrales de la piel (propia, ajena). En ese contacto se le aparecen la clemencia humana o la belleza de Dios. Quizás porque sabe que las cosas perdidas vuelven, indiferentes a las búsquedas, no se apresura en hallar sentidos o certezas. Anida discretamente en la sensación, en la insinuación que acusa una presencia. En el «hueco absoluto del papel» como en el de la mano que sujeta y despide al agua, estos poemas deseados se escurren dejándonos el sabor de lo que no vino para quedarse, sino para tocar una forma y dejar ir, para decir un vocablo y devolverlo al sonido, para poe-amar.
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El nuevo libro de María Álvarez, Todavía respiro, refleja el camino hacia una reconstrucción personal. Un poemario profundamente íntimo que aborda la violencia emocional, la caída, la depresión, el duelo, pero también la búsqueda de la luz y la esperanza. Poemas repletos de imágenes y de emociones descarnadas que oscilan entre la vulnerabilidad y la fuerza de quien lucha por sobrevivir, huellas de una travesía sin mapas donde la fragilidad, la tristeza y la rabia se expresan sin filtros. Un canto a la resistencia silenciosa: un recordatorio de que, a pesar de todo, todavía respiramos.
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Karina Garantivá ha adaptado, con singular frescura, la mítica trilogía de Esquilo, lo que demuestra una vez más la perennidad de los textos clásicos. Los dramas, tribulaciones y contradicciones que encontramos en las tragedias de Esquilo no son una antigualla que preservar en un archivo bien custodiado, sino que constituyen una verdadera interpelación para los tiempos modernos: la guerra, el amor, la amistad o la familia convocan a lo más íntimo de nuestra existencia. La capacidad de desnudar la realidad que encontramos en Esquilo la actualiza y refuerza Karina Garantivá en un texto ajustado a lo específico de nuestras problemáticas más cercanas. La compañía de Teatro Urgente, de la mano de Ernesto Caballero, responsable de la creación escénica de la obra, potencia aún más, si cabe, el vigor de la actualización del texto clásico, pensado tanto para los lectores como para los espectadores.
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La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera es el séptimo y último volumen de la Biblioteca Federico García Lorca y el cuarto de los que reúnen su «Teatro completo». En este volumen se ofrecen al lector clásicos lorquianos como La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera. Asimismo, se incluyen conferencias y charlas ofrecidas por el poeta en torno a sus textos, lo que permite una aproximación aún más personal a su obra. La edición y los prólogos, a cargo de Miguel García-Posada, permiten al lector acercarse a la complejidad de su obra y disfrutar, a lo largo de los siete volúmenes que componen esta Biblioteca Federico García Lorca, de uno de los autores españoles más relevantes del siglo XX. Luis Buñuel dijo...«De todos los seres vivos que he conocido, Federico era el primero. Ya se pusiera al piano para interpretar a Chopin, ya improvisara una pantomima o una breve escena teatral, era irresistible. Era como una llama.» --------------------------------------------------------------------------BIBLIOTECA FEDERICO GARCÍA LORCA Poesía competa:1. Libro de poemas | Primeras canciones | Canciones2. Romancero gitano | Poema del cante jondo3. Poeta en Nueva York | Sonetos Teatro completo:4. La zapatera prodigiosa | Mariana Pineda5. El público | Así que pasen cinco años6. Bodas de sangre | Yerma7. La casa de Bernarda Alba | Doña Rosita la soltera--------------------------------------------------------------------------
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«Milita Molina: un agujero belga en la literatura argentina», rezaba un titular en 2013. Estamos ante una autora de culto de la última literatura sudamericana. Traductora especializada en narrativa estoadounidense, su entrega inquebrantable a la fórmula enunciada por Osvaldo Lamborghini, «autor de un solo texto», convierte toda su obra en una formulación coherente y corrosiva que destella genialidad. Su poesía performativa y su narrativa contracultural se adhieren una a la otra en límites difusos y agujereados por fisuras llenas de humor negro y una ingeniosa crudeza. «El lector vacila, sigue intrépidamente adelante pero ya no se repondrá nunca más de este accidente: ¿qué estoy leyendo?», aseveraba Nicolás Rosa. Milita Molina «se refugia en los intempestivos, en los inoportunos», su droga dura ante la angustia de tener un cuerpo: enfermo, claro. «Se me incrustan las palabras y cuanto más morbosas enfermas y malditas y condenadas más se ensañan con su rum rum». Beckett, Mansilla, Kerouac, Tsvietáieva, Lamborghini, Copi, James, Baudelaire, Macedonio, Bowles, Kierkegaard, Hernández, Austen… Conciencia del daño que no renuncia y exprime. Y canta.
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Yolanda Blanco es la más joven del grupo de ''Las seis'' poetas nicaragüenses que marcaron la literatura del país en los años 70 en el contexto de la Revolución Sandinista: Vidaluz Meneses (1944-2016), Ana Ilce Gómez (1945-2017), Michéle Najlis (1946), Gioconda Belli (1948), Daisy Zamora (1950), y la autora de este libro, Yolanda Blanco (1954). Es la primera vez que se publica en España, en una excelente antología seleccionada por la propia autora que reúne sus mejores textos. Estamos ante una de las figuras más significativas en la literatura centroamericana, en cuya obra se combinan elementos de la experiencia femenina, la crítica social, la ecología y la política. Su obra a menudo explora temas como la identidad, la maternidad, el amor y la resistencia frente a la opresión. Además de su poesía, ha trabajado en la promoción de la literatura y la cultura en su país y ha sido una voz activa en cuestiones de derechos humanos y equidad de género. El poema “Oración” (del libro Aposentos y escrito durante la estadía de la poeta en Francia, en 1976), es considerado un poema emblemático de la poesía de género, puesto que propone un nuevo espíritu que abarca lo sexual, lo político y también lo religioso: ''En nombre del pubis / y de los senos / y de la santa mente / crezca mujer. / Amén.''
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.