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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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paraules com llances que es claven al cor El primer recull de poesia de la Farners Pei Hong: un viatge al dolor, la curació, l'amor i l'esperança. Tots ens sentim perduts en algun moment. Caiem, ens aixequem, tornem a caure i, de vegades, necessitem un moment per aturar-nos. La lluita és constant contra el nostre cor, la nostra ment, el nostre cos. Fins que la lluita és amb ells i no contra ells. Sota aquesta pell fràgil que es trenca davant del dolor, hi ha la valentia de posar paraules al que sentim. Perquè no sempre és fàcil confrontar el que passa dins nostre. Les paraules ens permeten entendre-ho: de vegades se'ns claven com llances, de vegades ens ajuden a aclarir el camí. Aquestes són les meves paraules: Paraules fràgils. Paraules porugues. Paraules d'il·lusió. Paraules tendres. Paraules sinceres. Paraules d'amor. Paraules de llum. Paraules de mi. Paraules de tu.
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SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón ajeno a toda preocupación estética o moral. En 1924 Breton firmaba el primer manifiesto del surrealismo, donde se precisaba el intento de los surrealistas para salir de los rígidos esquemas de la razón y de la observación realista de los hechos para buscar significados ulteriores y vínculos más auténticos con las profundidades del yo. Apoyándose en los descubrimientos freudianos, se tendió a examinar el mundo de los sueños y del inconsciente, con interés por estados como el automatismo psíquico, la locura, la hipnosis, para registrar sus datos e intentar la unificación de los contrarios en el proyecto de una reconstrucción integral de la personalidad. SURREALISMO: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón ajeno a toda preocupación estética o moral. En 1924 Breton firmaba el primer manifiesto del surrealismo, donde se precisaba el intento de los surrealistas para salir de los rígidos esquemas de la razón y de la observación realista de los hechos para buscar significados ulteriores y vínculos más auténticos con las profundidades del yo. Apoyándose en los descubrimientos freudianos, se tendió a examinar el mundo de los sueños y del inconsciente, con interés por estados como el automatismo psíquico, la locura, la hipnosis, para registrar sus datos e intentar la unificación de los contrarios en el proyecto de una reconstrucción integral de la personalidad.
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Según la crítica, Tamerlán el Grande es la obra de Marlowe de más consistente intensidad y más generosos recursos poéticos. Se la señala como una creación de extraordinaria fuerza, concentrada en su protagonista, Timur el Cojo (del persa Timür-i lang), el último de los grandes conquistadores nómadas de Asia Central.Christopher Marlowe nació en 1564 en Canterbury –el mismo año que Shakespeare– y murió en 1593. Ya desde el estreno de Tamerlán el Grande en 1587, Marlowe consiguió triunfar en los escenarios londinenses. Su carrera como dramaturgo fue sumamente exitosa, y todas sus obras, representadas en exclusividad por la compañía Admiral’s Men, fueron muy aplaudidas.
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La fascinación y el misterio de las islas en la literatura. En este singular e inclasificable libro, Andrés Sánchez Robayna, uno de los mejores poetas españoles contemporáneos, reúne una secuencia de apuntes que gira en torno a los mitos, las leyendas, la poesía, el misterio o la turbación que han producido las islas a lo largo de la historia de la humanidad. Al final, el autor incluye una bellísima antología de los grandes poemas que sobre el mismo asunto se han escrito, desde Andrew Marvell hasta Yeats, Cernuda, Borges, Ungaretti o Paz. Verdadera indagación poética sobre el origen, Cuaderno de las islas es una obra de inagotable lectura, llena de sabiduría e iluminación.
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Aunque me extinga es un libro escrito desde la migración, la extranjería y el desarraigo, hilado a través del deseo y el amor como barricadas que se levantan ante el asedio de la muerte y el silencio. Escrito durante el proceso de «regularización» de la situación migrante de la autora, este poemario es una evocación del pasado familiar, de la distancia con el origen y de la llegada a un nuevo país, la construcción de un imaginario y la voluntad de encontrar formas alternativas de expresar y compartir el amor. Porque el amor es, en estos poemas, una reverberación que transforma y subvierte, un modo de identificación individual y colectiva, un proceso, más que un estado o un destino. Atravesado por la poesía y la figura de César Vallejo, Aunque me extinga se convierte en un canto contra el dolor y contra el abandono, un poemario fuertemente enraizado en el presente, en un contexto social que reclama nuestra atención y que nos exige maneras más generosas de comprender a quienes dejan atrás su lugar de origen.“Este libro es una mano que nos empuja hacia la vida. Ya lo recuerda la autora: ‘escribir es alejar la muerte’, hacer un nuevo nido, un refugio de belleza que no está desprovisto de conflicto, pero sí de violencia. Es por eso que aquí hay una voz que pasa de las heridas migratorias al centro creativo del amor. El adiós y el deseo movilizan el lenguaje hacia las fronteras geográficas, las del poema y las del cuerpo —verdadero mapa de caderas, pies y misterios—. Sofía Crespo Madrid nos recuerda, con la sensibilidad de una gran poeta, que la escritura también puede ser una casa, una tierra donde recrearnos y donde amar con mayor intensidad”.Mónica Ojeda
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Vicent Andrés Estellés va nàixer el 4 de setembre de 1924 i va morir el 27 de març de 1993. Gairebé seixanta-nou anys dedicats a la literatura. En l’obra d’Estellés el lector ha sabut reconèixer la seva realitat més immediata, més quotidiana: les inquietuds, les esperances, les misèries, els somnis, el dolor, l’alegria, les frustracions, l’amor, la mort… Tot això és ja un motiu suficient per a oferir aquests 69 poemes d’amor. Nosaltres ens hem marcat com a punt de partida el concepte de l’amor per tal d’arribar a Estellés, ben segurs que una aproximació temàtica ens en pot donar una visió total. Aquesta impressionant polifonia lírica de Vicent Andrés Estellés el situa, amb tot dret, al costat dels millors poetes del segle xx.
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En este poemario el autor parece un trasunto de sus personajes mitológicos en donde las situaciones de los dioses son un reflejo de los mortales, con sus pasiones, sus fallos y sus perdiciones, y por eso en esta nueva publicación nuestro autor sigue en esta línea, dejando claro que los dioses no son otra cosa que las creaciones de los humanos. Está estructurado en tres partes: «Sobre los dioses y sus deseos», en donde nos encontramos varias historias de amor, como la de Apolo y Jacinto, la de Hércules y Yolao, la de los y las amantes de Zeus, pero también aparecen personajes como Perseo o Sísifo. «Sobre los mortales y sus inquietudes» es un conjunto de poemas en donde el autor canta al amor maternal, al amor paternal, al amor conyugal, pero también a la amistad y a la naturaleza. «Sobre las brujas y los hechiceros que nos acechan» es una advertencia para alejarnos de aquellas personas que pueden dañarnos y para ello nos ofrece unas singulares recetas.
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La pícara Luna llega en una noche mágica para ayudar a hacer realidad los sueños de una Joven, un Mendigo y un Semáforo. Esto provoca una serie de situaciones irreales (que ellos creen vivir de verdad) mediante las cuales adquirirán la experiencia necesaria para poder decidir su futuro. Una historia de amistad que provoca en el lector reflexiones acerca de la insensibilidad y la insatisfacción que nos rodean. La magia de la Luna es una comedia que mezcla personajes reales y fantásticos e ironiza sobre creencias, comportamientos y modas de la sociedad actual.
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Consciente del final inexorable de la vida y de que nunca será posible regresar al paraíso, Marina Casado realiza un ejercicio exquisito de lirismo en ''Un mar que nadie mira''. Desde la exigencia de un alto nivel de honestidad, se propone aislar lo lúcido del trampantojo de lo evidente, con una mirada profunda sobre el tiempo y sus objetos. Se trata de indagar en el atestado de lo que la memoria atesora y pierde. Este poemario, que contempla la palabra como una marea que siempre retorna cambiante, y a la vez idéntica a sí misma, ha obtenido el 46 Premio Kutxa Fundazioa de Poesía en Castellano.
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“Dar a luz y criar, ser madre y redescubrirse como mujer”. Matronalia habla sobre la maternidad, la de la periodista y presentadora invidente Nuria del Saz. Lo hace desde el corazón y las entrañas, pero también desde la reflexión y la consciencia de quien ha sido madre por elección. Nuria comparte lo más íntimo con este libro, invitando a hombres y mujeres a ver más allá de lo evidente, a sentir y empaparse de “una vivencia que es tan humana como animal, tan física como espiritual, la maternidad”.
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El llibre conté dues obres poeticodramàtiques amb acotacions. La primera és el llarg monòleg d’una mare i la seva soledat mentre espera el retorn del fill arquitecte. La vida de la mare-Gea contrasta amb les estructures lineals de l’arquitectura racionalista de Le Corbusier. Per aquest motiu el seu temps vacil·la des d’inicis del segle XX i la immediata postguerra fins als darrers aldarulls de la repressió independentista. L’absència del fill representa la impossibilitat de retrobament amb un ordre antic de les coses. L’altre llibre és un cant coral de les dones del segle XX en una atemporal baixada als inferns a la recerca d’Orfeu, present en un entorn tant boscà com perifèric i industrial. Tampoc no compten les cases perquè seguim en plena intempèrie.A Orfeu reclamen autoritat de la veu per salvar-les. S’inspira, entre d’altres obres en els Himnes òrfics i els seus personatges.Tanquem així el cicle que es va iniciar amb Beatriu o la frontera per indagar en les respostes a la problemàtica contemporània: la soledat, la guerra, la precarietat, la violència i la desesperança.
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Nuevo poemario de la autora Idoia FradejasLeer a Idoia Fradejas es instalarse en el corazón mismo de la lágrima: un territorio salino donde el amor deja rastros que el poema aprende a nombrar. Este nuevo libro avanza como una caminata junto al mar, una peregrinación íntima que atraviesa las fases del vínculo, su fulgor, su caída y su lenta decantación en la memoria.El olvido no como borradura, sino como crisálida. Una operación vital, áspera, a veces insoportable, que reorganiza el yo y lo empuja a comenzar de nuevo.En el fondo, palpita una doble travesía. Por un lado, la del recuerdo que insiste y regresa como un sol intermitente. Por otro, la del aprendizaje de soltar, aceptar que todo muta.Así, la autora compone una secuencia de escenas donde lo íntimo se abre al paisaje. Y después de la herida no llega el vacío, sino otra manera de estar. Entre la sed y la magia se mece este libro: un espacio donde el dolor cambia de sitio, se esquivan los puñales del frío y se aprende, de a poquito, a llorar.Byron RamírezPoeta y filólogo costarricense.
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Se recogen en este volumen algunos de los artículos que durante años la autora publicó en la prensa local. Le ha parecido oportuno realizar esta recopilación para tratarde evitar el carácter efímero de este tipo de publicación y porque, a través de esto
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Margarita Nelken va enlazando las escritoras españolas desde los albores del cristianismo a las juglarescas y soldaderas tanto moras como judías, llegando a finales del siglo XIV con uno de los primeros textos que se conservan en lengua castellana, el testamento de Doña Leonor López de Córdoba. Así va desgranando a consejeras de reyes, a místicas, a visionarias, sabias, etc.
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El cuestionamiento al hambre de poder como herencia latinoamericana, el duelo de saberse siempre extranjero y el azote del amor son los engranajes que recrean el movimiento en este poemario. Desde las sombras y escombros de un país bajo dictadura, el autor se abre en un manifiesto como grito en las profundidades, despojado de toda esperanza ante la maquinaria de vida que absorbe y regurgita, sin embargo, insiste.«La poesía de Jorge Campos encuentra sus raíces en la dimensión de los sentidos. Y estas raíces se nutren de un lirismo profundo, insólito y audaz. De allí que construya enunciados que describen el mundo que contempla, y lo hace de manera salvaje y certera, desnuda y procaz». Enrique Solinas
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Victoria León (Sevilla, 1981) es Licenciada en Filología Hispánica por la Universidad de Sevilla y traductora literaria. Ha vertido al castellano alrededor de cincuenta títulos de autores como Mary Shelley, John Ruskin, R. L. Stevenson, Oscar Wilde y Sylvia Plath y ha publicado los libros de poemas Secreta luz (2019), por el que recibió el IX Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, y Flores de fuego (2023). «En este tercer libro que culmina un ciclo vital y poético marcado desde su inicio por la tensión entre luz y oscuridad, amor y vacío, esperanza e incertidumbre, la autora recupera la idea de la poesía como premonición o vaticinio y convierte el imperativo délfico conócete a ti mismo en punto de partida de una indagación en la conciencia y una rotunda afirmación de la vida a través del deseo. En sus poemas, escritos con una lengua clara y precisa y construidos siempre sobre la sugerencia simbólica de las imágenes y la riqueza musical del verso, la introspección no se contradice con una mirada atenta al mundo que mezcla sensualidad y reflexión, celebración y elegía, pasión y lúcida serenidad». Luis Alberto de Cuenca
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No són pocs els estudiosos que defensen que l'obra d'un autor es pot interpretar sols adreçant-se als títols. En aquest cas, L'oracle de la natura ja ens diu moltíssim. El poeta el que fa és escoltar el clam de la natura. Un clam que arriba en forma de predicció, de vaticini, d'oracle, en definitiva. Com aquella saviesa amagada a l'interior de l'oracle de Delfos a l'antiga Grècia. A ningú se li escapa que reflexionar sobre la natura és una qüestió de vivíssima actualitat. Temes com el canvi climàtic o la pandèmia mantenen en primer pla el ressò d'aquesta preocupació. El plantejament que fa en forma d'oracle ens dóna a conèixer molt del tarannà de l'autor. No cerca alliçonar sinó conscienciar, compartir. Cerca la conscienciació de la forma amb què sols la poesia ho sap fer. Una forma oberta, interpel·ladora, commovedora però mai imperativa, una forma que solca les ones del suggeriment perquè sigui el lector qui tregui les pròpies conclusions. [...] Damià Vidal a L'oracle de la natura ha creat un poemari arquitectònic, això vol dir construït de forma impecable, no sols en els poemes individuals seguint un model mètric ben compassat que mereixeria una lloança a part, sinó sobretot per la relació que mantenen els quatre elements. Una relació a cops d'apropament i combinació, altres d'absència que faran la delícia del lector i que mantendran desperta la seva atenció. Rere el batec dels versos hi sura el pensament. El poeta no només ha cercat una bella exposició, sinó que s'ha valgut de la mateixa per introduir contínues temàtiques i reflexions.
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En la celebración de su 80 cumpleaños, Pere Gimferrer condensa en Balada décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Con Balada, Pere Gimferrer nos presenta una obra plena de madurez: un poema erudito y torrencial de naturaleza sinfónica, en ocho movimientos que compendian la memoria lúcida del mundo y del lenguaje, sus fastos verbales e imaginativos, entre claroscuros y fulgores. Balada es la celebración de una vida y una escritura, incesante, indagatoria, visionaria, a través de un repertorio de referencias culturales, literarias, cinematográficas y urbanas que constituyen la memoria encendida de Gimferrer. Así, sus versos destellan entre los ecos de Calderón y Shakespeare, Cernuda, Alberti o Keats, las ciudades -de Barcelona y Madrid a París y Delhi--, las películas y los pintores sobre los que pivota su memoria, a partir del Greco y su retablo manierista. A sus ochenta años, Pere Gimferrer condensa en su escritura décadas de búsqueda poética en un único canto de deslumbrante intensidad. Esta Balada es una ceremonia celebratoria. Este libro no sólo celebra los 80 años de un creador ineludible en nuestra literatura: confirma una voz que, desde hace décadas, nos recuerda que la poesía es el arte de volver tangible lo que abrigan las sombras.
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Instrucciones para morir (y todo lo que una niña calló para seguir viva) es un libro que nace de las cicatrices y de los silencios. No es una despedida, sino un testimonio escrito con la fuerza de quien ha caído muchas veces y aun así encuentra manera de levantarse. A través de poemas intensos, vulnerables y profundamente humanos, la autora recorre las etapas más frágiles de la vida: la infancia, la adolescencia, la ansiedad que aprieta, la rabia que consume, los duelos que desgarran, el amor que hiere y el abandono que deja vacíos imposibles. Cada verso es un intento por hallar sentido en medio del caos, un refugio en el arte cuando el mundo pesa demasiado. Pero en el fondo, este no es un libro sobre la muerte. Es un recordatorio de lo que nos mantiene vivos, de la resistencia callada que late incluso en los momentos más oscuros. La autora, con apenas 18 años, confiesa que aún no quiere -ni puedeterminar estas instrucciones. Este libro no enseña a rendirse. Te recuerda por qué seguimos aquí.
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El cuarto libro de Blon revisa los cuentos tradicionales y con ojos modernos a través de poemas incisivos que los conectan con la actualidad. «Recuerdo un mundo dorado de peonzas y carruseles,de la leche con galletas, magdalenas y pasteles,vestidos de superhéroes pintábamos nuestras pieles,panderetas y flautines, pianos y cascabeles». Érase una vez un mundo en el que los cuentos que nos contaron de pequeños se han hecho realidad en nuestra vida adulta. Eso sucede en la mente de Blon, que ha traído al presente 30 historias clásicas infantiles y las ha versionado en formato poema reescribiéndolas y conectándolas con temas actuales. «Pero aquel mundo dorado de columpios y silbatosse convirtió en un oasis de corbatas y contratos,de salarios y facturas, de cheques y sindicatos,ladrones, malabaristas, vampiros y patronatos».
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Afuera es de noche y una plaga de langostas apocalípticas inunda la ciudad. Adentro se desenvuelve una tensa conversación entre tres hermanos que debaten si tener más hijos o no tenerlos, si apostar por técnicas de reproducción asistida o abortar. Sentados alrededor de la mesa, rememoran el pasado y revelan sus miedos más profundos, sus rabias e insidias, sus secretas contradicciones, hasta que el amanecer pone luz sobre el feroz desamor de ellos en tanto hijos. ''Esa cosa animal'' pone en diálogo un tabú que ha sido objeto de un acalorado debate en los últimos años. Esta aguda y lúcida obra es una ''adopción'' del ya clásico ensayo ''Contra los hijos'' de Lina Meruane: adopción y no adaptación porque amplía y expande, con giros ácidos y humorísticos, lo ya expresado en esa polémica diatriba: el problema de la procreación en un mundo moralmente arruinado, arrasado por el individualismo y la crueldad del modelo económico.
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Poeta prostituta o poeta fantasma, Suzuki Shizuko va ser una panpan girl, una dona de companyia dels soldats nord-americans durant l'ocupació del Japó després de la Se gona Guerra Mundial. La duresa de la vida va marcar la seva escriptura, aquests haikus van ser reflex i refugi de la seva existència. Es va enamorar d'un soldat afroamericà i quan aquest va morir a la guerra de Corea, va desaparèixer per sempre. Te nia 33 anys. ''Els haikus de Shizuko, escrits fa gairebé cent anys, continuen sent moderns i sensacionals''. Eiko Miyachi
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¿Qué son para nosotros los libros? ¿Qué son los lectores para los libros? ¿Cómo, cuándo y por qué leemos?¿Placer, manía, ansiedad, obsesión? ¿Las bibliotecasse ordenan o nos ordenan? Un libro que explora los límites difusos entre la realidad y la ficción, que crea juegos de espejos entre forma, género, temática y contenido, un himno de amor a la lectura.
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El nuevo poemario de Ernesto Pérez Zúñiga, Siete caminos para Beatriz , parte del mundo mítico creado por Dante para proponer un recorrido de emociones radicalmente contemporáneo. Moviéndose, por lo tanto, entre lo clásico y lo moderno, las diversas secciones transitan por los tres estadios de la Divina Comedia: Infi erno, Purgatorio y Paraíso, actualizados con las imágenes de nuestro siglo XXI. La búsqueda se renueva constantemente pero, como en la obra de Dante, la guía sigue siendo la fi gura intermitente de Beatriz. Obra de absoluta madurez en la trayectoria lírica de Pérez Zúñiga, este libro representa un viaje hacia el interior de nuestros símbolos y máscaras, y hacia los diversas fases de la experiencia amorosa, con una variedad de invenciones y formas ajustada a cada pulsión poética.
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Siete maneras de arder es un descenso poético a los rincones más oscuros que todos tenemos dentro, donde los siete pecados capitales no son condenas morales sino territorios del deseo: cartografías precisas del hambre, el orgullo, la envidia, la ira, de esa perturbadora atracción que a veces nos arrastra aun sabiendo que la dirección tomada no es moralmente aceptable. Alejandra Cortina convoca a Hieronymus Bosch, a Dante, al Eclesiastés y a Satanás en un mismo libro, y los hace hablar con la voz de alguien que podría ser tú. Escrito en inglés y traducido al español por la propia autora, este poemario nace de la intersección entre la tradición teológica medieval, la iconografía flamenca -en particular el universo de El Boscoy una mirada generacional que no teme confrontar los grandes sistemas morales desde la experiencia más personal. Con diecinueve años, Alejandra Cortina irrumpe en la literatura con una obra de ambición y madurez inusuales que pone al lector delante del ojo que nunca parpadea y todo lo ve. Desde la lujuria que orquesta con paciencia litúrgica hasta el orgullo que entiende por qué los ángeles caen hacia arriba antes de caer del todo, desde la pereza que elige morir sin el decoro del placer hasta la ira que afila el acero con la certeza de quien lleva razón: Siete maneras de arder recorre los pecados como sistemas estéticos y filosóficos, formas de estar vivo que la Iglesia nombró para gobernar y el arte lleva siglos devolviendo a su verdadero dueño: la forma de mirar. Al final, después del pecado, la muerte, el infierno y el cielo, queda solo una pregunta imposible de sacudirse: ¿Qué vale más: la salvación que apaga el deseo, o el impulso vulgar, indefendible, de seguir queriendo que todo signifique algo? Alejandra Cortina irrumpe en la poesía con un libro inteligente, puede que perturbador para unos y sanador para otros, que rezuma esteticismo, vitalismo y filosofía.
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Qué decir sobre Pablo Neruda (1904-1973) que no haya sido ya dicho y reiterado, porque su poesía ha cobrado una trascendencia que escapó a todo límite: el vuelo sin tiempo de la palabra que derrota al olvido, algo que dejaban vislumbrar los reconocimientos institucionales —como el Premio Nobel de Literatura en 1971— o públicos —como los millones de ejemplares de sus Veinte poemas de amor y una canción desesperada— pero que, desde siempre, se hallaba inscripto en su poesía, única, multiforme e imperecedera.Este Arte de pájaros —que antes había recibido una edición limitada fuera de comercio (Santiago de Chile, Sociedad de Amigos del Arte Contemporáneo, 1966)— como también la edición de Losada de 1973, que ahora reeditamos, queda como definitivo testimonio de un trabajo que, a lo largo de muchos años, nos unió estrechamente al gran poeta chileno.
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El presente libro reúne por primera vez todas las obras de teatro radiofónico que escribió la autora austriaca: Una tienda con sueños, sobre la subyugación total del individuo en el mundo laboral, Las cigarras, sobre la incompatibilidad de arte y vida, y El buen Dios de Manhattan, sobre el poder subversivo del amor. En ninguno de los escritos de Bachmann se reconoce tan claramente su confianza en la fuerza transformadora de la literatura como en las obras de teatro radiofónico donde proyecta, sobre el desnudo entramado de las voces, tres utopías existencialistas, tres esperanzadoras contra-propuestas a cuestiones candentes del individuo atrapado en la rueda de hámster del sistema capitalista.
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Estas Poesías completas prescinden del aparato erudito y dejan al poema limpio en la página, listo para eldisfrute sin interrupciones. A las que el autor consideró como Poesías completas, publicadas con el título de Opera omnia lyrica, se añade un extenso apéndicede «Otros poemas» que incluye sus versos iniciales –los de Tristes y alegres– y su poesía dispersa, en laque no faltan las sorpresas memorables.
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El Mahabharata es la gran epopeya de la India. Describe el combate sin piedad que libraron las dos ramas de los Bharata, los Kaurava y los Pandava, por el trono de la dinastía lunar. El grupo de los Pandava cuenta con la ayuda de Krishna, encarnación de Vishnú, el cual antes de la última batalla entona el Bhagavad Gita, piedra angular de la espiritualidad hindú. En esta Ilíada india, donde los demonios se enfrentan a los ejércitos celestes, los temas de la vida y la muerte, la virtud y el destino, la fuerza y el derecho reciben un tratamiento narrativo. Tras vivir durante más de un cuarto de siglo en la India, donde conoció distintas versiones del texto original, Serge Demetrian ha buscado inspiración en los narradores populares del sur del país para ofrecer una versión inédita del Mahabharata. Al recorrer sus páginas, el lector occidental se adentra sin apenas darse cuenta en el corazón del alma india.
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Francisco Álvarez Velasco, leonés de 1940 avecindado desde hace casi medio siglo en Gijón, es uno de los poetas fundamentales del noroeste español, un espacio geográfico y vital que está al fondo de sus versos: del páramo al oleaje cantábrico. Traducido a varios idiomas y ligado en su juventud al histórico grupo poético Claraboya, es autor de una poesía de excepcional calidad que ha pasado desapercibida para buena parte de la crítica y de los estudiosos españoles. Esta antología, la primera que ofrece una amplia selección de una obra formada hasta ahora por once títulos, muestra la potencia y singularidad sin estridencias de una voz que mantiene vivas las lecciones magistrales de Antonio Machado o César Vallejo, entre otros. Poesía de hondas raíces humanistas y de gran sabiduría verbal en la que el «rumor elegíaco», según explica José Carlos Díaz en su prólogo, es siempre celebración y palabra de vida.
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La senyoreta Júlia és potser l'obra d'August Strindberg més reconeguda internacionalment, la més representada, i també la més polèmica. Les representacions i reinterpretacions han estat constants des de la seva estrena el 1889. L'acció de La senyoreta Júlia transcorre durant la nit de Sant Joan, Midsommarsnatten, i té com a protagonistes l'arrogant senyoreta Júlia, el seu servent Joan i la cuinera Cristina. Els diferents punts de vista que conté aquest drama polièdric ?feminista, patriarcal, classista, misàntrop...? el converteixen en un fòrum de temes d'actualitat. Traduïda directament del suec, fins avui només hi havia a l'abast dels lectors catalans una edició descatalogada del Teatre Lliure. La traducció s'acompanya d'un estudi d'Antoni Nadal sobre la recepció del teatre de Strindberg a les Balears.
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Umberto Eco, autor de novelas de éxito e importante teórico literario, funde en este libro esos dos papeles en un provocador debate en torno al controvertido tema de la interpretación literaria. Los límites de la interpretación –lo que se puede afirmar que significa realmente el texto– es una cuestión que interesa doblemente a un semiólogo como él, autor de relatos cuya sorprendente complejidad ha sumido a los lectores en una gran especulación acerca de su significado. La iluminadora y a menudo ocurrente reflexión de Eco va de Dante a El nombre de la rosa, de El péndulo de Foucault a Chomsky y Derrida, y lleva todos los sellos de su inimitable estilo personal. Richard Rorty, Jonathan Culler y Christine Brooke-Rose ofrecen sendas perspectivas sobre el polémico tema y dan lugar a un intercambio de ideas único entre algunos de los más destacados y estimulantes teóricos de la disciplina.
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Touching heaven on the body of the beloved. Recognizing the celestial constellations that have guided the history of humanity on the skin of the beloved, tracing the same paths of stars with fingers trembling with love. From the personification of ancient myths and mysteries in the figures symbolizing the celestial constellations, to the remembrance of the form of love for the soul in the body of another, expressed by the great Greek artists of antiquity, The Skin of the Sky explores the keys to the adoration of the divine reflected in the body of the beloved. This splendid collection of poems by Magdalena Lasala revives the symbolism of Greek classical art by equating the celestial constellations with the paths of matter (the earth and the skin), building on the beauty of the beloved a play of images and mythical meanings that evoke sensations of transcendence stored in the unconscious. Poetry is a necessary medium for constructing sculptures of words inspired by the love instilled by the divine and the grandeur intuited in the other, just as in the sculptures of ancient classicism, some Greek artists reflected the materiality of the emotion produced by what was captured in the beauty of the other.
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Otelo es el arquetipo de hombre celoso, susceptible, incapaz de sobrellevar la más improbable presunción de que sea burlado por su esposa Desdémona. Shakespeare lo presenta como esposo ingenuo, cándido, frente a la perversidad de su enemigo Yago. De ahí hasta el nacimiento de la sospecha que ha de convertirlo en homicida, el drama desarrolla toda la complejidad psicológica que hace de esta tragedia directa, limpia, sin concesiones cómicas, una obra maestra.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.