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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Honda, sobria, desprovista de retórica, la poesía de Juan Peña es pulcra en la forma y esencial en el contenido.Este es, ante todo, un libro de celebración de esos momentos en calma en que la vida, contra lo que dijera el verso lorquiano, sí es noble y buena y sagrada, pero su autor, Juan Peña, atiende igualmente a las manchas y heridas con que la misma vida va aniquilando, en su renovación y podredumbre, su propia naturaleza. Para compensar la falta de fe en la condición humana, el poeta proyecta una mirada afectuosa y admirada a los espacios naturales, al resto de los seres vivos, con particular atención a lo más pequeño y humilde, como las hierbas del campo, y a esos objetos que se cargan de alma y nos acompañan. También contempla a una divinidad más presentida que sentida, que se asume y vive emocional y culturalmente, al tiempo que se deplora el abandono y la sustitución de los viejos fundamentos de nuestro mundo ''la razón, la ciencia, el espíritu crítico, la defensa de la dignidad humana'' por nuevos dogmas ideológicos. En ''El último poema'', que da su título al libro, el autor alude a tres finales: el eventual de su obra, el apuntado de toda una época ''la milenaria civilización de Occidente'' y otro imaginario pero no descartable a la luz de las tensiones actuales. Honda, sobria, desprovista de retórica, la poesía de Juan Peña es pulcra en la forma y esencial en el contenido, que aquí tiene algo de balance o recuento, abordado desde una serenidad compatible con el desconcierto.
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ESTE volumen reúne dos libros fundamentales de LouiseGlück (Nueva York, 1943), Premio Nobel de Literatura2020: Figura descendente (1980) y El triunfo de Aquiles (1985). Si el primero de estos libros toma su título del lenguaje musical para referirse a una suertedeviaje órfico que, según la propia Louise Glück, podría definir toda su obra («mis poemas son verticales, aspiran y ahondan, no se expanden, no explican ni amplifican»), el segundo supone un hito en su trayectoriaal recurrir en mayor medida a la máscara de las figuras clásicas y bíblicas que constituirán el hilo vertebrador de sus libros posteriores. Ligados especialmente a la pérdida, a su miedo y reconocimiento (enel amor o en las relaciones familiares), los poemas aluden frecuentemente a un cuerpo que es identidad altiempo que una carga, en los que la experiencia del hambrey el despojamiento es equiparada por la autoracon suproceso de escritura. Un cuerpo que sabe, porotro lado, del riesgo y la fragilidad de permitirse amar aquello que es efímero («¿Por qué amar lo que vasa perder? / No hay nada más que amar»), de afrontarun deseoque es a la vez una promesa de unión y una condena alaislamiento
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El llibre pretén establir el sentit del concepte de tragèdia en Guimerà a partir de les obres que ell va qualificar així, i veure la possible relació amb els seus drames en prosa de la dècada dels noranta. L’obra fa una revisió de la problemàtica que planteja la relació entre drama i tragèdia al llarg del segle XIX.
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A partir dels anys seixantes, Joan Benet va iniciar els onze volums d’El Trobador de la Mare de Déu, propulsat per l’impuls marià d’agrupar i ordenar els coneixements del món tradicional en bé de les futures generacions. Aquesta edició és l’inici d’una compilació en tres volums dels nou editats els anys 1960 i 1968 per l’editor Torrell de Reus, als quals se n’afegeixen tres d’inèdits
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'Eduard Sanahuja i Yll entén la poesia com un bàlsam, com una forma de vida, ja ho hem vist, en efecte, però també com una forma de mirar, com una forma de saber, com un vehicle pensamental a través del qual es poden orquestrar teories de tota mena, fins i tot les més impossibles. Eduard Sanhuja i Yll té tants poemes consagrats a diferents teories: del no i del sí, amb la iguana i amb el temps, amb el bes i amb la veritat, amb la perplexitat i amb la veritat... Entén la poesia com una estrella que guia, com una possible llum primordial que basteix el coneixement humà i l'ordena. La paraula té molta més força del que aparentment sembla, i les justes i precioses paraules d'Eduard Sanahuja i Yll confirmen el poder terrible i fascinador dels poemes en l'immens laboratori que és el món.'' (Jaume C. Pons Alorda)
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Una muestra imprescindible de la joven poesía cubana actual.Algo más de una veintena de voces de la joven poesía cubana se reúnen en esta antología que lleva por título Plan para matar al emperador. Son poetas que oscilan entre los veinte y los cuarenta años y que, aunque comparten muchas circunstancias de su origen cubano, no por eso dejan de mostrarse como un grupo heterogéneo, diverso, cambiante y múltiple en sus planteamientos éticos y estéticos. En todos ellos se aprecia un interés y un propósito por la vindicación del lenguaje así como un salto imaginativo que mira hacia lo universal sin renunciar a lo patrio.
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Escrito en romance tradicional, esta Mariana Pineda a muerte del poeta Juan Carlos Friebe alterna con maestría y vibración la narratividad y el verso, la emoción y la gracia sensorial del momento, con su propia música ambiental andaluza de pasión y muerte
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Profundamente humana, la poesía meditativa de Javier Lostalé nunca opera de manera abstracta, sino yendo a beber a lo real, haciendo de lo real el punto de partida y de llegada de cualquier reflexión. En Cielo, el poeta lleva a cabo un proceso de sublimación, de concentración expresiva, que si ya era perceptible en sus libros anteriores, aquí adquiere toda su plenitud. En él la desnudez, la depuración son primordiales. Ya no asistimos de forma explícita a la carga autobiográfica, sino que todos los elementos están sometidos auna prueba de despojamiento, de esencialidad, de reducción de la anécdota respecto al significado simbólico que esa anécdota concita. El amor, la muerte, el tiempo, la soledad, la vida que se vivió y la que no se vivió, se escriben aquí con un lenguaje tenso y bello, de enorme carga emocional. A veces leemos estos poemas como un ajuste de cuentas del poeta consigo mismo, otras como las palabras que forman un testamento. Lostalé se mira en el espejo de los años y ve que las heridas y las pérdidas son las líneas que forman su rostro, perosobre todo aquel que ya no está, el que murió, el que se sepultó en la sombra.
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Té 4 parts: Oficis de Pandèmia, Autoretrat, Calaix de Sastre:La primera part, la que dona títol al llibre, ha estat escrita entre el 30 de març i el 9 d'abril de 2020 en plena crisi pandèmica i en ple confinament dur.
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Amb Sexpeare gaudireu d'un intens recorregut pels diferents camins de l'amor i el sexe des de la visió filosòficament realista, psicoanalítica i poètica de William Shakespeare. Un itinerari explorat i analitzat per l'autora des de les perspectives més diverses, comla metafísica, la lingüística i la humorística. El text explica com Shakespeare no només va crear uns amants -Romeo i Julieta- icones universals de l'amor, sinó que és el genitor evident de moltes altres parelles que gaudeixen o pateixen els seus diferents espasmes espirituals o físics. I fa palès que a l'obra shakespeariana el sexe té un rol estel·lar, amb un nombreimpressionant de referències, sigui amb un llenguatgeeròtic explícit o amfibològic. Tot a través d'uns personatges que descriuen les pulsions més rellevants de l'amor i el sexe. Com fa Biron a Penes d'amor perdudes: ''L'amor, aquest nen embenat i cec, disbauxat igemegaire, aquest nan gegant, aquest vell adolescent,don Cupido, rei de les rimes d'amor, senyor dels braços encerclats, ungit sobirà dels sospirs i els gemecs, monarca dels sensuals i entremaliats, príncep temible dels enagos i rei de les braguetes, únic Emperador i Gran General dels enfeinats guardians...''
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«Siempre que leemos un buen poema, por muy acostumbrados que estemos a leer poesía, sentimos esa tensión, podemos aprender a disfrutarla.» Este libro no es un manual, pero logra que el lector, deun modo natural, sutil y un tanto inesperado, descubra y aprenda a emplear sus propios recursos para abordar un poema (y se libere de ciertas trabas). Tampocoes una historia de la poesía, pero en él lo contemporáneo se conecta con una larga tradición que abarca diversas disciplinas artísticas, de modo que vemos connuevos ojos tanto lo antiguo como lo moderno. ¿Qué ocurre cuando el sentido se abre, cuando conviven la precisión y la imprecisión, cuando irrumpe lo prosaico? ¿Cómo participan la ironía, la debilidad temática, las repeticiones, las imágenes o los símbolosen la construcción del sentido? Mariano Peyrou nos invita a disfrutar de la tensión de explorar un territorio extraño, a entregarnos a la fascinación que genera esa extrañeza y a encontrar un espacio desde el queleer, mirar y pensar de forma diferente. En el camino, una cuidada selección de poemas (de Baudelaire, Dickinson, Eliot, Stevens, Parra, Szymborska o Ullán, pero también de Shakespeare, Góngora o Blake) ilustra las distintas dimensiones exploradas. Pero lospoemas, conectados con numerosos ejemplos provenientes de otras disciplinas (Duchamp, El Veronés, Beethoven, Stravinski, Darwin o Freud también están en estaspáginas), son sobre todo el terreno ideal para que el lector se deleite estrenando su nueva mirada. Reseñas:«Libro a libro, ha renovado losmodos del lenguaje y los enfoques de la mirada de unaobra poética y narrativa tan personal como extrañamente prodigiosa.»Antonio Ortega, Babelia «Esas raras veces en que el ingenio se acompañade sustancia, el resultado puede ser fascinante. En ese momento es cuando yo dejo de llamarlo ''ingenio''y lo llamo ''talento''.»Sara Mesa, Estado Crítico «Su sentido del humor y su controladogusto por la broma lingüística adquieren un feliz tono propio.»Nadal Suau, El Cultural «Innovador, ácido, lúdico, lúcido.»Ángeles López,La Razón «Uno de nuestros grandes poetas del lenguaje.»Vicente Luis Mora, Diario de Lecturas «Mariano Peyrou me parece un excelente escritor.»José María Guelbenzu «Una de las escrituras más personales y sorprendentes del panorama actual.»Luis Bagué Quílez, Babelia «Uno de los narradores españoles más inteligentes en el juego con el lenguaje.»Eugenio Fuentes, La Nueva España «Dan ganas de anunciarle al lector que esto no es una novela. ¿Y esto es bueno o malo? En el caso del autor madrileño, es bueno. Muy bueno. Endiabladamente inteligente.»J. Ernesto Ayala-Dip, Babelia, sobre Los nombres de las cosas «Son muchas las cuestiones existenciales y artísticas que plantea De los otros. Impulsada por un estilo introspectivo, con derivas en elflujo de la conciencia y diálogos con frases inconclusas. Peyrou sobrecoge al lector.»Francisco Solano, Babelia «Peyrou da rienda suelta a su aventura lingüística sin que la vanguardia desemboque jamás en gratuidad.»Juan Andrés García Román,Babab «No es una novela de humor, y sinembargo es divertida como pocas que haya leído en los últimos años.»Juan Marqués, La Esfera de Papel, sobre Los nombres de las cosas
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El Mundial Magazine fue el último empeño de un Rubén Darío declinante. El comienzo de la guerra, el final de la publicación de esta revista y la muerte del poeta nicaragüense (1916) certifican el fin de toda una época y también la clausura de ese gran movimiento de fin de siglo, el rico y variado modernismo, que viene a coincidir con la llamada Belle Époque, un momento histórico caracterizado por el consumismo, el auge económico y la apoteosis de la diversión. Todo ello focalizado en París, la capital del mundo, el paraíso de la moda, del arte, de la bohemia, de la prostitución.Mundial Magazine (1911-1914) fue un proyecto de extraordinaria calidad, a la altura de los empeños cosmopolitas de la ciudad universal por antonomasia (París). En esta obra se recuperan las crónicas teatrales aparecidas en esta publicación y se contextualiza lo que fueron esos años, en esa Ciudad de la Luz donde vivió Darío, así como muestra las realidades escénicas francesas y españolas, pues éstas también aparecen reseñadas a partir de octubre de 1913 y firmadas por el gacetillero Ricardo J. Catarineu (conocido por su pseudónimo de Caramanchel), a la altura del singular guatemalteco Enrique Gómez Carrillo que se encargó de las novedades parisinas.
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La poesía de Miguel Hernández (Orihuela, Alicante, 1910-Alicante, 1942), al que con toda la razón le llamaron el gran poeta del pueblo, está centrada en la búsqueda de la libertad, la solidaridad humana, los desencuentros amorosos, la honradez y la justicia. Sus ideales humanos, sus profundas creencias civiles, nos los muestra con una profunda sensibilidad literaria llena de ternura y sabiduría, de humanidad y poesía.
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La «cambra pròpia» d'Elena Ferrante: les lliçons de literatura de l'autora que més intriga suscita entre els lectors de tot el món, amb més de vint milions de lectors. Elena Ferrante dibuixa un recorregut històric i personal sobre la inspiració i sobre la crida que va sentir des de ben menuda per esdevenir una escriptora. Així, de mica en mica, ens enumera les figures clau de la seva formació literària i alhora va afinant els seus consells sobre la creació dels personatges i de la trama. Des de Shakespeare fins a Gertrude Stein, passant per les obres de Diderot, Jane Austen o Virginia Woolf, fins a la culminació amb Dante i Beatriu, la Ferrante relliga les seves lectures amb l'obra i la biografia pròpies i per primera vegada les comparteix amb el lector des d'una nova intimitat. «Quan escric, ni tan sols jo sé qui soc».Gazzetta del Sud
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Un recorrido poético propuesto por la memoria, un escalar el tiempo para llegar a la sustancia infantil. No obstante, ese encuentro con la niñez se da carente de toda idealización, constantes elementos de distorsión bloquean la tentación recurrente de interpretar como un paraíso perdido aquel periodo. Dominado el libro por una atmósfera inquietante, según el personaje poético se acerca a la infancia se hace cada vez más patente una grieta, la rasgadura de quien nunca se sintió partícipe del orden normal de las cosas. El libro se divide en dos secciones: el inicio o encuentro con el material-memoria, y el alejamiento progresivo de ese núcleo. Así, pues el libro describiría dos movimientos, uno de aproximación y otro de distanciamiento, habiendo claramente un nudo o territorio central, una médula. Yamila Transtenvot nació en Buenos Aires en 1987. Estudió Letras en la Universidad de Buenos Aires y Escritura Creativa en la Universidad de Iowa. Sus poemas fueron publicados en Casa Vacía/Empty House (The Song Bridge Project, 2021) y en la antología poética Territorixs (Tipas Móviles, 2019), de la cual también participó como editora. Esto no es lluvia fue semifinalista del Premio Estímulo a la Escritura 2021 en la categoría dramaturgia. Trágico o la guerra ganó la residencia CASA en 2017 y fue galardonada por el Encuentro de Dramaturgia Internacional Emergente. Colabora con distintas publicaciones literarias en línea. Su obra ha sido traducida al inglés.
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Bugada és un poemari que ens parla d?amor i desamor, on el jo poètic reflexiona en primera i segona persona. L?amor, com moltes altres coses, es desgasta en l?ús diari, en cada bugada que fa per passar pàgina i per continuar escrivint sobre un full en blanc. Massa sovint, naufraga i l?onatge el sacseja mentre cerca en el record una fusta on aferrar-se. A Bugada, l?amor i el desamor formen una sinuosa espiral on l?oblit és la carta comodí del joc. Els darrers versos de cada poema, agrupats en un de sol, apareixen contínuament simulant els records i, al mateix temps, és la memòria qui porta aquest jo poètic a naufragar dins les aigües de la culpabilitat. No sap què causa el trencament, però s?adona de la seva culpa, l?accepta i la reconeix i la transforma en oblit, salvavides on s?aferra per tornar a reconduir la relació i lligar-la amb un nus més fort. I és així, com en aquests versos, en silenci, amb ulls clucs i a les palpentes, els amants s?ajacen sobre un llit de còdols i accepten el futur amb una mirada més ferma i més càlida.
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Raquel Casas Agustí publicó ''La dona bilingüe'' en 2008. Sus anteriores trabajos se situaban en los extremos de la dicción poética: el lirismo más acendrado, el primero, la alteridad más radical, el segundo. La singularidad de ''La mujer bilingüe'' radica en fundir ambos opuestos en una única poética, introspectiva y crítica al mismo tiempo, a la vez profundamente lírica y vorazmente narrativa. En ''La mujer bilingüe'' subyace también una reflexión sobre la condición poética que lo sustenta: la voz que no renuncia a ninguna de sus dos lenguas es también el sujeto poético que no renuncia a ninguna de las dos tradiciones que hereda, de modo que el anhelo de una intensa expresión lírica consiga aflorar en los diferentes disfraces del yo. J. A. CILLERUELO
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Las narraciones que acompañan a las imágenes de D''rte Clara Wolff y Jeanne Mammen, aunque ficticias, sesitúan en la época de la Repúblicade Weimar, el régimen político con el que se identifica a Alemania durante el periodo de entreguerras, entre 1918 y 1933, e introducen elementos y situaciones que añaden a los relatos información históricade aquel periodo tan fascinante y, al mismo tiempo, contradictorio y conflictivo.Berlín, la mal llamada ''Babilonia de los felices veinte'', es la dinámica encrucijada artística, literaria y política de Alemania, y un escaparate de las vanguardias culturales europeas.
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La colección «Poesía portátil» nos trae Vivir poco y llorando, antología que permite explorar el mundo lírico de Rafael Alberti, uno de los poetas más representativos de la Generación del 27. Una reflexión de una intensidad extraordinaria sobre el amo
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Hace más de un año, el cantautor y poeta canario, precursor del movimiento poético actual, empezó a trabajar en este nuevo poemarioreinventado. En Manhattan, Diego hace un parón en su vida personal y pone en orden todas sus ideas, reencontrándos
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L'obra poètica d'Albert Mestres es distingeix, d'una banda, per la singularitat de la seva veu poètica i la franquesa de la seva dicció, i, de l'altra, per l'organicitat i la compacitat del seus llibres. Aquesta vegada, la proposta d'Albert Mestres és un conjunt d'elegies volgudament prosaiques que neixen de les vivències d'un home de seixanta anys durant el confinament. La suma d'aquestes vivències, trenades amb els fils tibants que enllacen el dia a dia, proposa als lectors un tapís que és alhora ric i despullat, i que culmina amb aquest colofó: dia onze de gener - avui faig seixanta-un anys i la nit a l'hospital - mon pare dorm tranquil això s'acaba
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Descubrí que un aforismo mío extraordinario («Intentaba ser un hombre serio, pero la alegría se lo impedía») lo había escrito Ramón Eder. Mi buena memoria había sido mala: me hizo creer que lo que recordé se me ocurrió. Cuando me descubrí, quedé avergonzado, aunque fuera un homenaje definitivo a quien había admirado en reseñas y recomendaciones. Siendo, además, el único aforismo ajeno que se coló en mi libro, se destacaba el carácter único del autor. Con todo, esas circunstancias atenuantes no extinguían mi bochorno. Hasta ahora. He dado con la eximente. A Ramón Eder (Lumbier, 1952), la alegría no le impide en absoluto la seriedad. Mi plagio involuntario fue un acto de justicia (a lo Robin Hood) porque ese aforismo sólo me retrata a mí. Obsérvese cómo sus ironías no renuncian jamás a la efervescencia, pero tampoco al fervor. Hay un contentamiento del mundo que es a la vez conocimiento, y viceversa. Son muchos los méritos de esta obra, y los he ido enumerando en otros lugares, pero mi subconsciente cayó en el más asombroso: la felicidad y la hondura conviven indisolublemente aquí. Enrique García-Máiquez Los Premios Euskadi de Literatura 2019 han concedido a Ramón Eder por 'Palmeras Solitarias' el galardón de literatura en castellano. Ramón Eder (Lumbier, Navarra, 1952) es un aforista singular y, sin duda, necesario. Estudió filosofía en la Universidad de Vincennes (París), y no ha mostrado el menor interés por los géneros literarios mejor vendidos, como la novela o el ensayo. Cuando se decanta por alguno de los géneros históricos, como la poesía lírica (Axaxaxas mlö, 1985, Lágrimas de cocodrilo, 1988) o el relato breve (La mitad es más que el todo, 1998), no oculta su actitud irónica y su ánimo ciertamente humorístico. Durante los últimos años cultiva preferentemente, y con innegable fortuna, el género aforístico. En la colección «A la mínima» de Renacimiento ha publicado La vida ondulante (2012), Aire de comedia (2015) e Ironías (2016),
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El lector encontrará en sus páginas el talento visionario de las tres hermanas Brontë (Charlotte, Emily yAnne). Elizabeth Barret Browning nos sirve una seriede sonetosanalizando los movimientos más sutiles y apasionados del enamoramiento.
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'En la preocupació per la paraula precisa, en la riquesa de comparacions i metàfores, en la saturació de ressonàncies simbòliques, en la cadència de la frase i el sentit rítmic del vers o en el domini de formes tradicionals s'hi destil·la l'essència d'una tradició literària construïda com un llegat personal a partir del qual Escrivà formalitza la seva reflexió sobre el fet poètic i la manera de representar-se en el món. La seva poesia és, de fet, l'estructura de signes que li permet posar en relació l'alteritat amb el subjecte per construir-se un a l'altre en el diàleg. Sortir enfora per tornar endins. Anar a l'objecte per trobar el subjecte. Denunciar el soroll per conquerir el silenci. Buscar-se eternament. I en la recerca, sentir la pèrdua per celebrar la vida. Cada poema dels vuitanta-vuit de l'antologia queda atrapat en algun punt d'aquesta força gravitacional que no s'atura. Un cercle tancat en etern equilibri de contraris''. (Olívia Gassol Bellet)
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Un libro de libro de libros, un libro libre. Una muchacha tiene una corazonada, se pregunta por el amor y por el lenguaje, lo escribe en un poema.Una muchacha tiene una corazonada: la de que debe, por ejemplo, viajar hasta el enamoramiento cabalgando un cómic o un cuadro o una lengua prehistórica. Una muchacha que recorre estas páginas, que habla por ellas, y a la que llaman la Corazonada: también la Comeflores, la Robaperlas o la Chica de las pitayas. Presentimiento y alias, sustantivo y epíteto: por activa y por pasiva, pasión.Los poemas de Corazonada se preguntan por el amor y el lenguaje, y si acaso son lo mismo, cómo se juntan el amor con el amor, y las palabras con las cosas. Lo plantean desde la fantasía, que Berta García Faet -ya una de nuestras grandes poetas de hoy, referente luminoso más allá de cuestiones generacionales y barreras geográficas- entiende aquí como una dimensión oblicua y soñadora de la filosofía. Los métodos son variados: se puede patinar por la infancia, o meter a todos los chicos besados desde 1999 en una misma habitación, reseñar libros cuyos títulos cambian según el día
y buscar novelas en las etimologías, o animales en las metáforas, o la vida en la muerte, o verdades en las erratas. Corazonada lamenta, duda, celebra, admite y no admite, se acurruca, todo al mismo tiempo: un triunfo de la imaginación.
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PABLO DE ROKHA nació en Licantán, provincia de Curicó, Chile, en 1894 y murió en 1968. «La poesía de Pablode Rokha es la voz lírica más grande, más profunda,más trascendental que ha nacido en este continente desde Walt Whitman. Ambos forman un extraordinario y genial duo poético, el más permanente, el más clásico yrevolucionario de la poesía lírica mundial.» CARLOSDROGUETT «Pablo de Rokha no es sólo el más grande poeta de América, sino el más grande de la lengua castellana en el siglo XX.» LEÓN FELIPE
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Atravesado por la urgencia de partir, El reverso del agua es la bitácora poética de quien cruza un límite geográfico y psíquico, con la convicción de que tal vez nada vale la pena salvo el entusiasmo.
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Tras Planeta tigre, el esperado nuevo libro de Eva Tur en edición bilingüe catalán-castellano«He venido para explorar el naufragio». Con esta cita de Adrienne Rich se abre Kilimanjaro, un libro de poemas que contiene los elementos mismos de la gran montaña de origen volcánico con cima de hielo. La frialdad de las historias de amor que no se funden, que no cuajan o que se congelan, convive en este libro con la calidez de la lava, de la llamarada de la pasión pura, del deseo que va más allá de sí mismo para convertirse en literatura, para transformarse en poesía del deseo y de este modo poder sobrevivir cuando llegue el retroceso de los glaciares y del fuego y todo se reequilibre, vuelva a su sitio y quede tan solo el gozo de vivir, de estar en el mundo y en el texto, pero también la esperanza de que regresen más amores que lo trastoquen todo de nuevo en un círculo inacabable.
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Blanca Varela (Lima, 1926-2009) es una de las voces poéticas más destacadas de América Latina. Ha publicado Ese puerto existe (1959), Luz de día (1963), Valses y otras falsas confesiones (1972), Canto villano (1978), Ejercicios materiales (1993), El libro de barro (1993), Concierto animal (1999) y El falso teclado (2001), todos ellos incluidos en este volumen junto con una serie de poemas dispersos. Por su obra obtuvo el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca (2006) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2007). «Blanca Varela es una poeta que no se complace en sus hallazgos ni se embriaga con su canto. Con el instinto del verdadero poeta, sabe callarse a tiempo. Su poesía no explica ni razona. Tampoco es una confidencia. Es un signo, un conjuro frente, contra y hacia el mundo, una piedra negra tatuada por el fuego y la sal, el amor, el tiempo y la soledad. Y, también, una exploración de la propia conciencia. Poesía contenida pero explosiva, poesía de rebelión. La pasión brilla, arde, se concentra y afila en una frase que es, a un tiempo, un cuchillo y una herida: Amo esa flor roja sin inocencia». Octavio Paz
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Autobiografía lírica de un paseante compulsivo y solitario, quizás vencido antes de tiempo, cuyo deambular continuo por idénticas calles repetidas parece guiado por la oscura intuición de que no nos pertenece la felicidad. Si la realidad se asemeja a una farsa, tan solo queda, intacto, el refugio de los automatismos y los pequeños ritos cotidianos. En De mis soledades vengo ha querido Marcos Tramón compartir con nosotros, los lectores, la trama invisible de sus días, consciente de que toda vida puede caber en unas pocas sílabas. Marcos Tramón (Oviedo, 1971) ha publicado los libros de poemas Escombros (1996), Los días que te explican (2001), Desgana (2010) y Stricto sensu (2016). Es autor también del estudio bibliográfico Años, libros, vida. Ha sido incluido, entre otras, en las antologías La generación del 99, de José Luis García Martín, Poesia espanhola. Años 90, de Joaquim Manuel Magalhães, y Geometría y angustia. Poetas españoles en Nueva York, de Julio Neira. Colabora en revistas como Clarín o Anáfora.
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Un libro que cabalga entre la poesía y la prosa con textos combinados, haciendo un nuevo juego y convirtiendo cada uno de ellos unaobra en sí. En lugar de centrarse solo en experiencias personales, en Después del huracán, se pueden encontrar in
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Textos a part Arola
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De lectura imprescindible, el ''Teatro completo'' demuestra que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.Poco más de veinte años de escritura le valieron a Chéjov un lugar revolucionario en la historia del teatro occidental. La gaviota, Tío Vania, Las tres hermanas o El jardín de los cerezos, incluidas en este volumen junto al resto de su producción escénica, cambiaron los rumbos del realismo, abrieron las puertas a las principales poéticas del teatro moderno y sentaron las bases tanto de la expresión minimalista como de un realismo no naturalista que propició las mezclas con otras estéticas. Este tomo recupera la excelente traducción y prólogo preparados por la célebre pedagoga teatral Galina Tolmacheva. Se suma una traducción de Platónov, el “Don Juan” de Chéjov, primera pieza escrita por el dramaturgo. De lectura indispensable, el Teatro completo demostrará a los lectores que la revolución de Chéjov sigue aconteciendo en el presente.
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Diferentes formas de abordar el desamor en quince relatos inéditos escritos por algunas de las voces más prometedoras de la narrativa española actual.Un jardín italiano en penumbra que no permite recibir visitas. La carta dirigida a la amante para intentar desenredar su nombre del pasado compartido. El misterio de un perro y su amo hacia otra pareja. Una tumba rodeada de los testigos de un amor prohibido. Una cita con cine, viento y niebla. Un cabaré donde brotan el lujo decadente y las heridas remotas.Flores y ruina. Antología de relatos sobre el desamor reúne a quince autoras y autores bajo una premisa común: el final del amor unido a la presencia de las flores. El asombro y el desvelo recorren las historias, firmadas por algunos de los nombres más sugerentes de la narrativa actual española, que abordan este gran tema desde diferentes ánimos y lugares. Que sus palabras sirvan de consuelo.En el libro se dan cita autoras y autores que se estrenan en Dos Bigotes como Aida González Rossi (''Leche condensada''), Alba Carballal, Lola Tórtola (''Los dioses destruidos'', accésit Premio Adonáis), Layla Martínez (''Carcoma''), Mara Mahía, Flor M. Yustas, Ignacio Vleming, Alejandro Albán (''Solo los valientes''), Juan Gallego Benot (ganador del II Premio de Poesía Joven Tino Barriuso por ''Oración en el huerto''), Álvaro Llamas y Luis Bravo junto a voces que ya han sido publicadas en esta casa como Vanina Bruc, Julen Azcona, Dimas Prychyslyy y Bruno Ruiz-Nicoli.
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Es un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación, desde su aparición en Nueva York en 1933, convirtiéndose en una herramienta imprescindible.ActuaciónLas seis primeras leccionesEs un texto clave para estudiantes y profesionales del arte de la actuación en la actualidad, habiéndose convertido, desde su aparición en Nueva York en 1933, en una herramienta imprescindible. Los anglosajones lo llaman “el manual”. Escrito de forma dialogada entre el maestro y la joven estudiante sirven para explorar la técnica de la interpretación. Generaciones de actrices y actores se han enriquecido con la visión ingeniosa y aguda que Boleslavsky tiene sobre el oficio de la actuación. Estas seis ''lecciones'', obras de teatro en miniatura sobre la concentración, el recuerdo de la emoción, la acción dramática, la creación del personaje, la observación y el ritmo, condensan el desafío que enfrentan todos las actrices y actores. Esta obra clásica sobre la actuación revela la vitalidad y la pertinencia de la línea de trabajo y del legado de Constantin Stanislavsky mostrando con claridad, y de una manera amena y directa, las posibilidades de la utilización de estas ideas en la enseñanza del teatro contemporáneo.
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Poeta, ensayista y traductor, Manuel Neila nació en Hervás (Cáceres), en 1950. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Oviedo, donde se licenció en Filología Románica. Dedicado desde su juventud a la enseñanza de la Lengua y la Literatura Españolas, colabora habitualmente en diferentes publicaciones literarias y culturales. Recogió sus primeros libros de poemas en el volumen Huésped de la vida (2005) y los seleccionó en El camino original. Antología poética, 1980-2012 (Renacimiento, 2014), a los que añadió después dos nuevos volúmenes: Sendas de Bashô (2018) y Fuentes de la edad (2021). La trayectoria de Manuel Neila, reunida ahora en Las horas sucesivas. Poesía 1978-2022, remite a una poética que soslaya los exclusivismos tradicionales, una poética inclusiva, en la que tienen cabida: la maravilla de las cosas, el misterio de la conciencia y el milagro de la palabra, sin olvidar el efecto del poema en los lectores implicados. Sus composiciones suelen empalabrarse bien al ritmo recurrente del verso tradicional, bien al ritmo sincopado de la prosa poética. Sus poemas presentan unas veces la alada levedad del haiku, y otras la risueña gravedad del aforismo. No es infrecuente que sus versos concilien la espiritualidad oriental y la racionalidad de Occidente.«Todo en El camino original está hecho de observación de la naturaleza, de temblor delicado ante el paso del tiempo, de trazos y de signos sencillísimo que ocultan una rara sabiduría milenaria, de talento constructivo, de perfección métrica (sus haikus y sus tankas son, siempre, magistrales), del bisbiseo susurrante que caracteriza su dicción». Luis Alberto de Cuenca«La poesía de Neila es coloquial del mismo modo que lo es la de Cernuda o la de Leopardi. Sin concesiones a la actualidad, pero tampoco a barroquismos o surrealismos. La voz de Neila se quiere machadiana, clara para hablar de lo hondo». Martín López-Vega
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