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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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41 setmanes
Quaranta-una setmanes posa paraules a l experiència singular, alhora que comú, d un embaràs i un part: mots que haurien d haver estat els primers/ i no els darrers/ si haguéssim construït un món/sobre la vida/i no sobre la mort. Un poemari directe i
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Este volumen recoge las obras completas de una autora imprescindible, Sarah Kane. Blasted (Devastados), Skin (Skin, una película de 10 minutos), Phaedra’s Love (El amor de Fedra), Cleansed (Purificados), Crave (Ansia) y 4.48 Psychosis (4.48 Psicosis) fueron escritas a lo largo de los cinco últimos años de la autora, que se suicidó con tan solo 28 años. La obra de Sarah Kane pone en escena preocupaciones que apelan a lo más íntimo del ser humano. El universo temático de su obra abarca desde inquietudes metafísicas o el tratamiento de los grandes universales hasta cuestiones relativas a los estudios del trauma, la identidad o el propio proceso creativo y, aunque cada una de sus obras es, literalmente, un mundo, es posible reconocer en ellas, sin embargo, una serie de paisajes que se reiteran: la muerte, el amor, la enfermedad y la violencia.
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Pocos ensayos tan míticos e influyentes como Silencios, el seminal texto de Tillie Olsen sobre la invisibilización a la que se ven forzados escritores y escritoras por su clase social, género o color de piel. A través de cartas, dietarios y testimonios de numerosos autores, así como de su propia experiencia, Olsen escarba en las desventajas colectivas que hacen enmudecer a los escritores y bloquean la creación, dibujando así una suerte de canon literario de los silenciados que revolucionó los estudios literarios estadounidenses en los años sesenta.Asimismo, en Una de doce, el segundo de los ensayos que recoge este volumen, Olsen se centra en la invisibilización de las escritoras, en la devaluación, por parte de la crítica, de los temas sobre los que escriben, la autocensura y la combinación, siempre problemática, de creación y maternidad, de escritura y cuidados.Silencios tiene la potencia de Un cuarto propio de Virgina Woolf o Cómo acabar con la escritura de las mujeres de Joanna Russ y su contenido es tan vigente hoy como cuando fue escrito hace más de cincuenta años.El libro incluye un magnífico prólogo de Marta Sanz, en el que despliega una lectura personal y política del texto de Olsen.
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Un manojo de llaves, de repente en un cajón, entre fotos antiguas y un desorden de notas y papeles. Ahí han permanecido, inadvertidas y ajenas a las puertas que me abrieron. No sé a qué cerraduras corresponden, a qué casa o país daban acceso. Aún preservan brillos de la inútil memoria que cerraron para siempre. ''Las piezas dentadas'', de Jorge Valdés Díez-Vélez. La poesía de Jorge Valdés Díaz-Vélez tiene el poder de emocionar y de revelar realidades ocultas para entregarnos un universo verbal contemporáneo en el que se renuevan tradiciones, imágenes y referentes simbólicos que fluyen sin artificios en la claridad de sus propuestas estéticas. Con una depurada arquitectura verbal, en Los ojos del caballo palpitan voces y silencios que trazan los puntos cardinales de una cartografía de la inteligencia y de la sensibilidad. En ella se evaporan las fronteras entre la memoria y los espejismos del sueño, entre las mudanzas del tempo y del afecto, entre la conciencia de la muerte y la pasión por la vida. Aquí la realidad se proyecta a modo de caleidoscopio de muy distintas formas. La contemplación de los espacios físicos, pero también perecederos, a través de un constante ejercicio de la memoria, conducen al yo poético hacia una reflexión lúcida acerca del paso del tiempo que avanza alumbrado por la plenitud del amor, donde los espacios, los cuerpos y las cosas emanan una transparencia que se abre hacia el interior de la palabra, al silencio de su luz y la soledad de su sombra. Desde la perpetuidad del instante irrepetible y las cenizas de su fugacidad, el autor toca aquello que su emoción designa, moviliza y cuestiona. Nos convoca a revelar el deseo de la belleza, la nostalgia y la esperanza, las certezas y las pérdidas, la rebeldía y la pasión, el erotismo y la herida· todo aquello que da sentido al desarraigo y a una profunda luminosidad del lenguaje.
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Un nuevo libro de Ferran Fernández, con su ya clásica ironía que interpela a la inteligencia del público lector.Empezó a escribir para combatir la tristeza, ganó algunas batallas y logró sonreír de nuevo pero pronto volvió a estar triste porque solo sabía escribir contra la tristeza. Persigue la derrota una y otra vez con inquebrantable afán y siempre fracasa pero nunca se vanagloria de ello.
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Esta antología de Ana Merino indaga en temas como la existencia y el paso del tiempo, compartiendo reflexiones e intuiciones donde se dibuja la complejidad de las emociones y el trazo de los presentimientos. Una propuesta comprometida con el ingenio, llena de espacios luminosos que van trazando un camino de huellas personalísimas y estimulantes. Una poesía donde las ideas alimentan la imaginación dando aliento a personajes, atmósferas y tramas. En estos poemas están los paisajes de la naturaleza, las sirenas, las brujas, los magos, los niños perdidos, los seres desamparados, el doble, los soldados, los náufragos o las pioneras. Habitan en ellos la niñez y la mirada esperanzada llena de los mejores propósitos que se interrogan una y otra vez sobre el deseo, la efervescencia de la vida y sus misteriosos.
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Ramón Andrés (Pamplona, 1955) ha publicado, entre otros libros de ensayo, Tiempo y caída. Temas de la poesía barroca (1995), Johann Sebastian Bach. Los días, las ideas y los libros (2005), El mundo en el oído. El nacimiento de la música en la cultura (2008), No sufrir compañía. Escritos místicos sobre el silencio (Siglos xvi y xvii) (2010), Diccionario de música, mitología, magia y religión (2012), El luthier de Delft. Música, pintura y ciencia en tiempos de Vermeer y Spinoza (2013), Semper Dolens. Historia del suicidio en Occidente (2015), Pensar y no caer (2016), Claudio Monteverdi. Lamento della Ninfa (2017), y Filosofía y consuelo de la música (2020), todos ellos en Acantilado. Como poeta, cabe citar La línea de las cosas (1994), publicado por Hiperión, La amplitud del límite (2000) y Poesía reunida y aforismos (2016), que contiene un poemario nuevo titulado Siempre génesis. En 2015 le fue concedido el Premio Príncipe de Viana de la Cultura. Desde 2018 es miembro de la Reial Acadèmia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi.
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Relatos del taller literario de Víctor Claudín en la librería de Herminio.
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El pianista a l'armari
L'obra resulta una expressió molt íntima d'un escriptor que s'atreveix a donar consells, el millor dels quals és escriure des de casa, tancat, a mode de pianista a dins d'un armari, com a metàfora de la creació literària. Mitjançant un diàleg entre un tu i un jo, un nosaltres hi sura ple de felicitat, on crepiten el passat, el pas del temps, l'amor i l'estima de la gent.
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LA POESÍA DE JOSÉ MÁRMOL (Santo Domingo, 1960), sobre todo la concebida a partir de sus libros Torrente sanguíneo (2007, Premio Nacional de Poesía Salomé Ureña) y Lenguaje del mar (2012, Premio Casa de América de Poesía Americana), ha creado un espacio que aspira a cantar las cosas más elementales y sencillas, forjando un universo cotidiano de seres que se entregan, y también renuncian, al amor, al goce, la exuberancia, la pobreza, la pena y la alegría. Opulencia y celebración estéticas: el mundo vivido como un reino simbólico. Este sentimiento puede ser síntoma de un exilio, pero, paradójicamente, en lo paradisíaco y maravilloso. Juego amoroso hasta el delirio, atravesando el desgarramiento, la errancia y la muerte. Dotado de un vigoroso lirismo espiritual, este libro se identifica con la poética del pensar, que es al mismo tiempo, poética del existir, porque se explora y da cuenta de lo que encuentra o pierde, lo que construye y deconstruye, y lo hace con una osadía formal pareja a la audacia de las emociones más hondas, a través de un lenguaje terso, sensual. Yo, la isla divida es un despojo instintual de todos los sentidos. Lo que Mármol procura en estos poemas es regresar a una relación simbólica con el imaginario caribeño, teniendo de trasfondo el decorado alegórico de los densos flujos del mar, bajo la luz del trópico. PLINIO CHAHÍN
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Paul Celan escribió: «Asequible, próxima y sin perderse entre las pérdidas, solamente una cosa perdura: la lengua». Desde los inicios de su obra poética, en el seno de una familia campesina en su Siria natal, hasta convertirse en uno de los poetas árabes más interesantes y originales del panorama actual, Ahmad SaïdEsber -más conocido por su pseudónimo Adonis- no se ha permitido perder su lengua. A pesar de los exiliosy las guerras, continúa escribiendo en árabe y desdeel árabe y con una cuidada revisión de Clara Janés, es como Vaso Roto ha publicado al castellano Principiodel cuerpo, final del mar.
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A la poesía le busco la lentitud que exige. Trato de adivinarla. La descubro siempre en Juan de la Cruz, a quien considero su inventor. Luego paso a leer lo que me interesa o lo que me conviene. No sé si parte de la vida o de la muerte. Fernando Delgado
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De furia y miel, es el resultado de varios años de trabajo, con un ambicioso abanico temático que subyugará a los lectores, especialmente a las jóvenes que se reconocerán en su subjetividad más combativa, más fresca y desenfadada: sin cortapisas despliega un enfoque femenino de la realidad de los cuerpos, las rutinas del amor y del trabajo, la vida que nos enaltece o nos hunde según el tiempo que nos toca vivir. Aquí aborda desde su particular y intuitiva voz poética: «el dolor que me reconoció en mis peores noches, los intentos en los que fracasé y todas y cada una de las veces en las que se me cerraron las puertas y me dijeron que no».
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El tiempo que resta es el tiempo de la plenitud, cuando el poeta ha alcanzado un saber y un conocimiento que le hace enfrentarse al futuro, a su porvenir asegurado, ya sin miedo. Él se vislumbra como parte esencial de su destino al que combatía antes y que es ahora su cómplice. Para San Pablo, el tiempo que restaba era aquel que transcurría entre la muerte de Cristoy su segunda vuelta al mundo para resucitar definitivamente a toda la humanidad. Como este tiempo, la Parusía, se retrasa más de lo debido, el poeta se ve yaresucitado en su obra, sin las necesidades materialesde las cuales dependió años atrás, y se acoge a unareflexión espiritual sobre lo que él va a dejar y loque el Salvador se encontraría en el caso de que retornase. El tiempo que resta es el que sirve para el cultivo de uno mismo, con la ayuda de otros y de ninguno, sin ocultarse nada. Es la última oportunidad que tenemos para hacernos dignos de nuestra existencia. Deesta perspectiva nacen los versos del nuevo poemariode César Antonio Molina, para quien una vida sin examen no merece ser vivida.
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José María Fonollosa no es tanto un poeta marginado por la época como un poeta que decide marginarse de una época con la que no comulga. Cantó a las ciudades que lo conocieron, como si el enjambre de calles fuera el silencioso testigo de su paso por el mundo: Barcelona, La Habana, Nueva York. Y su canto no habla de la agustiniana ciudad de dios, sino del ser humano: del hombre que no encuentra su lugar en el mundo y menos entre otros hombres. Es, en definitiva, la suya una voz libre y cercana, un poeta que dice lo que piensa y que ofrece en sus versos un retrato acerado y valiente de las fobias, las ilusiones y los fracasos del hombre contemporáneo. Su poesía es nuestra y, a la vez, universal y, sin embargo, el manuscrito de Ciudad del hombre, después de mucho tiempo en el olvido, se había publicado solo de manera incompleta
hasta hoy.Con esta edición, a cargo de José Ángel Cilleruelo, al fin se puede disfrutar de la obra original e íntegra que el autor escribió: 236 poemas con su orden y estructura. La presente edición le devuelve al autor, José María Fonollosa, y a sus lectores, la dignidad de una obra maestra que, tras dos décadas en el mercado, continuaba aún desconocida.
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Llet i mel
Llet i mel és el primer llibre de poemes que va publicar Rupi Kaur i que la va fer justament cèlebre, amb més de 2,5 milions d'exemplars venuts. Després de publicar amb èxit a Empúries El sol i les seves flors i Tot el que em cal ja ho duc a dins , publiquem Llet i mel , encara inèdit en català, i també, com els altres dos, en traducció de Bel Olid. Aquest llibre està dividit en quatre capítols, i cada capítol té un propòsit diferent. S'adreça a un dolor diferent. Cura un mal del cor diferent.
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El riesgo radical de dar forma narrativa a las urgencias de un futuro tan soñado como temido.Una frase de Agota Kristof, que encandila por su misterio y delicadeza, da título a esta compilación de cuentos: «Tengo la impresión de que el cielo se prepara para la lluvia». Suaves palabras que nos anticipan una atmósfera, un lugar, un tiempo situados en el ancho territorio del porvenir. Breves narraciones, poéticas y perturbadoras, conforman este libro de Óscar Curieses que quiere darnos noticia, alertarnos y apercibirnos, acerca de un futuro posible, en Dirmad -anagrama de Madrid, un territorio fantasmagórico y mágico al mismo tiempo, una ciudad estado que representa a muchas otras capitales de nuestro mundo, especialmente de Europa-, el que estaríamos construyendo ahora mismo, y pone el foco sobre sus maldades y bondades, sobre las vivencias de sus habitantes, los protagonistas, que se afanan en realizar su existencia en ese escenario venidero, pero también presente y en cierto modo propio del pasado más cercano. Las narraciones van acompañadas por los incomparables dibujos de Andrés Rábago (bajo su firma como El Roto y Rábago), imágenes que inspiraron parcialmente estas historias inauditas, sorprendentes: pura poesía para el pensamiento.
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Lo que el lector puede hallar en esta antología es una selección de poemas sobre los hijos escritos por mujeres, en concreto, 42 poetas que escriben en español sobre su maternidad real o deseada. El criterio de esta selección es tan estricto y tan subjetivo como el de cualquier otra antología literaria: estricto por la exigencia de equilibrio en la calidad y en el número de poemas de cada autora, primando el hecho de dar a conocer algunos textos cuya escasa divulgación los convierte en una rareza, subjetivo porque, como la antóloga ha dejado claro en el prólogo, son poemas en los que «la maternidad como don de vida, como iluminación de la existencia humana es una realidad co-creadora que a una se le antoja fundamental en lo que tiene de amor desinteresado, de donación». La delicadeza y la valentía, la sutileza cotidiana y el asombro conviven en estas páginas que no pueden dejar impasible a ningún lector.
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En mi parte más sola crece un árbol y yo escucho sus hojas. Como ellas, con un temblor idéntico, respiran las palabras, y es su aliento el que vuelve de pronto incandescente lo que ya se ha extinguido. El poema es el baile de los pájaros frente a la comitiva de la boda. La poesía, ese espacio mayor que el universo del que hablaba John Berger, esa suma infinita de presencias y ausencias que habitamos, con los ojos cerrados, los vivos y los muertos. Basilio Sánchez (Cáceres, 1958). Con su primer libro, A este lado del alba (1984), consiguió un accésit del premio Adonáis de Poesía. El resto de su obra poética está compuesto por los siguientes títulos: Los bosques interiores (1993), La mirada apacible (Pre-Textos, 1996), Al final de la tarde (1998), El cielo de las cosas (2000), Para guardar el sueño (2003), Entre una sombra y otra (2006), Las estaciones lentas (2008), Cristalizaciones (2013), Esperando las noticas del agua (Pre-Textos, 2018) y He heredado un nogal sobre la tumba de los reyes (2019), Premio Internacional Fundación Loewe, elegido por El Cultural como el mejor libro de poesía de 2019 y merecedor del Premio Nacional de Poesía Meléndez Valdés 2022 al más relevante de los publicados en España en el trienio 2019-2021. También es autor de un libro de narrativa que recorre el territorio de la memoria: La creación del sentido (Pre-Textos, 2015). Gran parte de su obra poética está recogida en el volumen Los bosques de la mirada. Poesía reunida 1984-2009 (2010). Ha recibido, además, los premios internacionales de poesía Unicaja, Tiflos y Ricardo Molina-Ciudad de Córdoba. En 2007 fue reconocido con el Premio Extremadura a la Creación.
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Feliciano es un camarero de puticlub, María trabaja allí. Feliciano yMaría hablan y se miran, se miran y hablan y claro, para que queremosmás: todo se lía y las páginas nos llevan a un viaje trepidante entrepresidiarios de todas partes, inmigrantes caribeños, españoles chulos deputas y gallegos que cambiaron la gaita por una del calibre 45.
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Poemes de guerra
En esclatar la Primera Guerra Mundial, el 1914, molts anglesos es van sentir identificats i moguts per un optimisme i un patriotisme, hereu de la mentalitat victoriana, que associava la guerra a conceptes com l'honor, la glòria, el deure, la justícia, el prestigi i l'amor a la nació. Wilfred Owen, com tants altres joves moguts per l'entusiasme o, qui sap, potser també per la por a oposar-se a aquella mena d'histèria col·lectiva, es va allistar per anar a combatre a les trinxeres de França. El que va viure allà no tenia res a veure amb la glòria, l'honor o la justícia. Poemes de guerra, l'únic llibre d'Owen, que va morir als vint-i-cinc anys just una setmana abans del final de la guerra, ha quedat com a recordatori de l'abús i la manipulació per part del poder i de la inutilitat de la mort de tants innocents. Ell no va tenir més temps per viure ni per escriure, però els seus poemes, recollits i publicats pòstumament pel seu amic i també poeta Siegfried Sassoon, el fan mereixedor del lloc que ocupa entre els poetes anglesos més importants i estimats. Wilfred Edward Salter Owen va néixer el 18 de març de 1893 a Oswestry, Anglaterra. Juntament amb Siegfried Sassoon, Robert Graves i Rupert Brooke, formen el nucli principal del grup de poetes conegut com The War Poets. Acabats els estudis, va fer un any de mestre assistent del reverend Herbert Wigan i el 1913 es va traslladar a Bordeus, on va treballar de professor d'anglès a l'acadèmia Berlitz. El 1915 va tornar a Anglaterra i es va allistar a l'Artists Rifles. El 1916 és destinat al Regiment de Manchester i va al front a principis de gener del 1917. Mesos més tard, va ser diagnosticat amb trastorn per estrès posttraumàtic i el van enviar a l'hospital psiquiàtric de Craiglockhart, a Edimburg. Allà va conèixer un altre poeta, Siegfried Sassoon, que el va introduir als cercles literaris anglesos i el va animar a continuar escrivint i a publicar els seus poemes. Però ja no va tenir temps de fer-ho. L'agost del 1918 va tornar al front de França i el 4 de novembre va morir mentre intentava travessar el canal del Sambre amb els seus homes.
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Días 1931-1934 es uno de los volúmenes más decisivos del conjunto de diarios de Yorgos Seferis. En él podemos asistir al nacimiento y hasta la configuración de algunos de los rasgos más característicos de la obra del poeta y ensayista griego, así como a la exploración de su mundo interior y de su personalidad creadora. Desde la obsesión por el cuerpo y la sensualidad hasta el interés por la traducción poética, pasando por su pasión por la música, las arraigadas aversiones, el acercamiento a la obra de Eliot o el peso, a veces insoportable, de dramáticos conflictos psicológicos, el lector es aquí testigo de una interioridad atormentada, que llega incluso a desdoblarse a veces en otras figuras creadoras (como Estratis el Marino). Ofrecido en una versión especialmente cuidada y revisada por el Taller de Traducción Literaria, el presente volumen -escribe Andrés Sánchez Robayna- 'remite al mundo de la 'conciencia desdichada' en pleno autoanálisis y en busca de salidas espirituales, intelectuales y sensibles a sus conflictos'.
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Anne Carson nos entrega no sólo una parodia que muestra un sentido ético y estético en su más elevada dimensión. La Guerra de Troya es el pretexto para urdir el texto, para bordarlo, abordarlo desde el origen de la palabra guerra y sus derivados: pelea, combate, batalla, lanza, muerte, violación, crimen, abandono, sinsentido, deshumanización, todo acto que navega en contra de lo que debería ser el último fin de nuestra existencia. No hemos sabido escuchar, no hemos sabido descifrar ni mucho menos cuestionarnos. La lucidez y erudición de Anne Carson nos llevan a navegar hacia un puerto en el que no sabemos si es la muerte misma la que nos espera o si es una niña violada o el infierno o una madre en su más ahogada desesperación. La palabra que no está sustentada en un texto tramado desde su raíz etimológica no tiene sentido en la concepción literaria de esta autora. Ella nos ha entregado las versiones más frescas y actuales de Safo, Catulo, Eurípides... para presentarnos en este innovador libro a una Helena de Troya, símbolo de la pérdida del sentido, del amor. Carson nos dice que bordamos el tapiz del mundo como ciegos, sumidos en una indiferencia lacerante que atropella otras vidas sin siquiera darnos cuenta. En nueve lecciones de historia, con sus concomitantes enseñanzas, la poeta desarrolla un pensamiento por asociaciones que entrega al lector con su usual dejo de ironía, y una indignación punzante. Muestra que hemos puesto en la guerra una obtusa forma de obtener la gloria, eso que llamamos poder, posesión, mancha, sangre, ceguera. Vivimos en la oscuridad navegando hacia la orilla donde se libra una guerra que no sabemos cómo se inició. Al hacerlo, obnubilamos el otro lado del dolor, es decir, la altísima belleza que todo dolor trascendido alcanza.
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«El presente poemario, diré que es sencillo, complejo y brillante, como las palabras que surgen del alma de la poeta. La autora sale a la calle, con nueve años, como gato de acera, con los libros bajo el brazo, con muchos días para no olvidar. Escribe sobre palabras sucias, palabras negras que hablan entre el aire que respira. De cómo camina con nieve bajo los tejados mientras ve pájaros buscando su comida diariamente entre chirridos oxidados de desolación blanca, donde durmientes aguardan disimuladas entre los cepos, las migas acres que se pegan a sus picos entre sorbos de un cáliz color azucena. Habla de Tobarra y el rugir de sus tambores, de la alegría y estruendo, escaparate para la memoria infantil, del miedo y de cómo los pájaros enmudecen cuando el silencio deja de latir. Anda sobre los patios de la calle Joaquín Velasco que huelen a fiesta de pájaros fritos. Lola habla del amigo dolor, ese de carne y hueso, amante febril, un aquí, un allá, carcelero que no duerme, de un Quasimodo que hechiza la piel». Texto de contraportada de Maruxa Duart.
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Carrera de relevos, mediante un importante dominio de las formas y los temas de la poesía clásica desde la tradición grecorromana a Quevedo, Lope de Vega o Cernuda, que en aquí se actualizan, es un libro vibrante por el que pasan las tres etapas de la vida y el ánimo: la infancia del hijo, la madurez con el goce del amor y la pérdida de padre. Destacan sus brillantes aforismos en verso.
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Nus de carn
nus de carn ―d’esperit i matèria. Fill i mare ―de vena en vena: l'escriptura. Quaranta-cinc tankes com quaranta-cinc moments espigolats d’una experiència intensa. Adonar-se’n ―que viure a través de la mirada d’un infant és: poesia. Irene Tarrés Canimas aborda d’aquesta manera els lligams de la maternitat en un poemari que ha rebut el Premi Octubre Vicent Andrés Estellés de Poesia per part d’un jurat format per Roger Mas, Irene Mira-Navarro i Blanca Llum Vidal.
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Los dos cuentos de Santiago Ramón y Cajal seleccionados en esta nueva entrega de Breves El Garaje, A secreto agravio, secreta venganza y El fabricante de honradez, forman parte de una pequeña colección de cinco publicados en 1905 bajo el título genérico de CUENTOS DE VACACIONES.Se trata de unos textos cargados de sutil ironía y desconcertante sentido didáctico de uno de nuestros grandes científicos, Premio Nobel de Medicina 1906, acompañados de un par de muy interesantes estudios sobre Ramón y Cajal y sus muy diversificados campos de conocimiento que despiertan la curiosidad y el deseo de acercarnos a la obra escrita de un hombre inquieto y de espíritu abierto que se mantuvo activo hasta el final de su vida, en 1934
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Ojos de sol es la mirada de una generación, un homenaje al amor y a la gente común que puebla nuestras vidas. Es un poemario en el que, de alguna forma, te vas a encontrar. Las margaritas son las flores más comunes de la naturaleza y su belleza reside en su aparente sencillez. Simbolizan la pureza, la luz, la inocencia, la honestidad y la libertad. Pero, aunque puedan parecer iguales, cada una es singular. Lo mismo ocurre con las personas. Buscando el calor y la luz, crecemos hasta resultar lo que somos: buscadores de motivos que nos hagan abrir los párpados cada mañana. Ojos de sol es un homenaje a la gente común pero a la vez única que inunda nuestras vidas y nos hace crecer, porque quien bien te quiere, te ayudará a florecer. Es el espejo en el que, tarde o temprano, te vas a encontrar, la flor que, antes o después, germinará en ti.
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Aguacerando: mitologías domésticas de lo que nunca fuimos es una obra en la que Elidio La Torre Lagares convierte la fuerza bruta de la lluvia en un símbolo visceral y profundo. Su manifestación parece anegar lo tangible, transformándose en metáfora de una verdad que escapa a la razón: una verdad sentida, dolida, intuida. La niñez, igual que la patria perdida, resuena como un eco inalcanzable, un origen que nunca fue completamente nuestro. El desarraigo, destilado en estos versos, se erige como un horizonte desde el cual vislumbramos lo que María Zambrano llamaría «la intemperie del alma», un espacio de desnudez existencial donde lo efímero y lo eterno se entrelazan. La poesía de La Torre Lagares mitifica lo doméstico, abordándolo como una forma de conocimiento primordial, una vía profunda y originaria hacia la verdad del ser y del mundo. Aguacerando nos transporta por territorios de memoria y desarraigo, donde cada poema estalla en imágenes poderosas que capturan lo fugaz y lo eterno, lo ordinario y lo sublime. Con una precisión lírica que duele y fascina, La Torre Lagares muestra cómo el aguacero, metáfora de lo que erosiona y renueva, desgarra las estructuras de la realidad para revelar lo oculto: los ecos de lo que nunca fuimos.
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Viure i saber
La poesia de Klee es va publicar pòstumament, l’any 1960, editada pel seu fill, Felix Klee. Encara avui dia, Klee és un escriptor desconegut. No només va escriure poesia, també els seus Dietaris, així com estudis de geometria. En aquesta edició, Feliu Formosa n’ha fet una tria per al lector català.Feliu Formosa a la nota del traductor diu: «Després de la mort de Klee (1940), la seva viuda, Lily Stumpf, va conservar un quadern escolar on el seu marit havia escrit amb llapis una sèrie de poemes. Felix Klee, el fill del pintor, a l’epíleg de l’edició final de l’obra completa del seu pare, recopilada per ell (Arche, 1996), fa constar que el 1960 havia publicat un primer recull de poemes que el 1965 va ser objecte d’una antologia a cura de Carola Giedion-Welcker: Die Anthologie der Abseitgen (L’antologia dels discriminats)».Berta Galofré al pròleg diu: «En definitiva, Paul Klee no només va esdevenir un pintor de primer ordre, sinó un teòric de l’art, que va formular un pensament artístic singular que no només va impregnar la seva obra pictòrica, sinó també la poètica, així com la seva faceta com a mestre a les acadèmies on va impartir docència».
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Una mirada a los desastres de la guerra de Troya (y de todas las guerras) a través de la historia de amor de Aquiles y Patroclo. No estoy aquí para contar la guerra de Troya. Esta es la historia de mi carne, allí donde coincidieron la muerte y el amor.Tomando como punto de partida el canto XVI de la Ilíada, el dramaturgo Alberto Conejero, ganador del Premio Nacional de Literatura Dramática en 2019, nos brinda una aproximación personal e íntima al poema de Homero, una nueva mirada vivida y contada desde un personaje secundario en el relato habitual, tan discutido como fascinante y misterioso: Patroclo, el «más amado» por Aquiles.En mitad de tanto fuego que enlaza diversas épocas y donde aparecen referencias y citas de, entre otros, Safo, Pedro Lemebel, Anne Carson o Luis Cernuda es un alegato antibelicista y una muestra más de la impotencia del arte ante la guerra, un oratorio por las víctimas que habla de conceptos como el poder, la pasión, la violencia o la patria.La obra es también un intento de contar la historia de otro modo, que es imaginar el futuro de otro modo. El rescate de una alegría posible. El canto de un personaje que aquí es, ante todo, carne enamorada y deseo. Un deseo libre y disidente.Porque yo no estoy aquí para hablar del «compañero devoto», ni «del más querido entre los soldados», yo estoy aquí para reventar los eufemismos, para hablar del amante insaciable.
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Escritor ganador del Premio Princesa de Asturias de las LetrasEstamos en el corazón de Europa, durante la Segunda Guerra Mundial. Hay niños jugando a la peonza, un vendedor de globos, dos jóvens que discuten en un banco, una estación de tren, una rampa que se eleva hacia una especie de hangar... Y ese delegado de la Cruz Roja que esta noche va a escribir un informe sobre lo que está viendo. Él es los ojos del mundo.«La indagación de Peter Weiss, Shoah de Claude Lanzmann y Himmelweg de Juan Mayorga son obras mayores donde se pone a prueba la posibilidad de la representación de Auschwitz. Los tres aceptan que no todo se puede representar, ni se debe, aunque se pudiera. Cada una tiene su singularidad estética, pero todas coinciden en su vocación política». Reyes MateCon Himmelweg, su obra más traducida y representada internacionalmente, queremos celebrar el Premio Princesa de Asturias de las Letras concedido a Juan Mayorga.
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Una selección de textos breves enfrentados a imágenes que establecen insólitos vasos comunicantes. Una ventana abierta al mundo del artista total que fue Pe Cas Cor, poseedor de un registro único en el que se entremezclan humor, ternura y desesperación. Poemas cortos, fragmentos, sentencias o bromas inocentes, son todos ellos destellos de un artista interior que, brillantes y fugaces, dejan una estela de agudeza y poesía. Escritos en un «alfabeto de carne y sangre», al emparejarse a los cuadros, los dibujos, las dedicatorias o los retratos del autor, forman una feliz amalgama que nos abre, de manera lúdica, el corazón de este artista que, en palabras de Diego Doncel, «seguirá siendo el gran poeta de un siglo que con él nos estaba diciendo adiós». El concepto del libro sigue la senda abierta por la campaña en redes que, con el nombre de «365 días con Pe Cas Cor», realizó en 2021 la Sociedad Imaginada que se encarga de conservar y mantener vivo el legado del autor. «Me dediqué a merodear por ahí. A atravesar con alfileres las miradas hostiles. A dormitar en las vías de los trenes harapientos. A tantas cosas».
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Les pells poroses
Dolors Martí Julià va néixer el 1964 a Mataró i va morir el 2020 a Sant Vicenç de Montalt, on vivia des de fa uns anys amb la família.Diplomada en turisme, llicenciada en ciències del treball i postgrau en comerç urbà. Va ser professora de Secundària de l?Escola Santa Anna, va treballar a l?escola d?idiomes Inlingua i va ser cap del servei de promoció de ciutat i comerç de l?Ajuntament de Mataró.Va viure alguns anys a Andorra, on va ser guionista de ?Cims de passions?, la primera sèrie de ficció de la televisió andorrana. Va participar en diversos tallers d?escriptura que li van permetre encarrilar les poesies i narracions de Les pells poroses.
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Un paseo con Umberto Eco por los temas más variados, desde la literatura a la política o la astronomía. «Umberto Eco cambió nuestra mirada sobre los libros: imprescindibles, pequeños, frágiles, aveces criminales, casi siempre salvadores. Un maestro que nos enseñó a entrelazar la sabiduría y el juegocon su estilo sagaz y lúdico, con su asombrosa inventiva y certera lucidez.»Irene Vallejo El libro arranca con el texto titulado «Construir al enemigo», en el que se insiste en las bondades de tener siempre a mano a un rival en quien descargar nuestrasdebilidades o faltas y, si ese rival no existe, pueshabrá que crearlo. Le siguen otros textos que cabalgan de Dan Brown a Barack Obama y Angela Merkel, y unaespléndida pieza que aborda el tema de Wikileaks, invitándonos a reflexionar sobre el poder del silencio en una sociedad en la que el escándalo es moneda corriente. En otros escritos sale a la luz la corrupción política italiana, aliñada con el cuerpo de mujeres hermosas y dispuestas a triunfar, pero alrededorde este tema tan manido el professore hila unsagaz discurso sobre el ruido mediático, especialmente creado desde los centros de poder para distraer alciudadano medio y ocultar otras noticias importantes. Y de la política pasamos al Ulises, de Joyce, para descubrir una nueva opinión sobre esta novelaque muchos citan y pocos han leído. Enlazandotemas en apariencia lejanos, Eco construye una obra excepcional que constituye el mejor ejemplo de una inteligencia privilegiada puesta al servicio de esos lectores que a la vida le piden algo más que titulares de periódico. La crítica ha dicho:«La obra de Umberto Eco en la que todo cabe. Brillantesensayos [...]. Una divertida y estimulante recopilación.»Mercedes Monmany, ABC «Ideas provocadoras, [...] con matices. [...] Este libro confirma que la mente de Eco es ágil y sofisticada.»Publishers Weekly «Definitivamente sublime.»San Francisco Chronicle Book Review «Una recopilación que evidencia la profunda erudición del escritor, su ingenio vivaz y su pasión porlas ideas de todo tipo. [...] El placer de Eco en tales exploraciones es evidente y contagioso.»Booklist «El ingenio y la sabiduría coexistencon una feroz erudición dentro de Umberto Eco, un escritor que parece saberlo todo sobre lo que implica ser humano.»Buffalo News «En este libro hay de todo y para todos. [...] En ocasiones -¿odebería ser así siempre?-, para comprender el presente, es útil tener un buen dominio del pasado, inclusode sus rincones más oscuros.»Nicholas Lezard,The Guardian Sobre el autor:«Elescritor que cambió la cultura.»Corriere della Sera «Uno de los pensadores más influyentes de nuestro tiempo.»Los Angeles Times «Allí donde Eco disparaba su inteligencia se hacía la luz.»Domingo Ródenas, El Periódico de Cataluña «Una fiesta de la inteligencia, unplacer de los sentidos y una inolvidable experiencia.»J. Ferrer, La Razón «Un gigantesco sabio a quien nada humano le era ajeno.»MiguelLorenci, El Comercio
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En Alejandro Sawa, eterno personaje. Más allá de MaxEstrella se analizan todos los personajes de los quealguna vez se ha dicho que encarnan al bohemio Alejandro Sawa (1862-1909), quien ha pasado a la Historia de la Literatura más como personaje que como escritory cronista, a pesar de la gran labor de rescate de sufigura que se ha llevado a cabo en las últimas décadas. Además de las anécdotas y el halo de leyenda quelo rodeaba y que lo convirtió en todo un mito de la bohemia finisecular, su figura sirvió de inspiración no solo a Valle-Inclán para crear al inmortal Max Estrella, sino también a Pío Baroja, Joaquín Dicenta, José Montero, Ernesto Bark, o a Juan Manuel de Prada, Juan Diego Fernández y Pepe Cervera en los tiempos másrecientes. Pero, ¿qué grado de realidad y de ficciónhay en cada una de esas historias que nos han contado?, ¿cómo fue el verdadero velatorio de Sawa?, ¿se parece a los de Max Estrella y Rafael Villasús?, ¿y si se suicidó y solo un íntimo amigo suyo lo sabía?, ¿y si Max Estrella es también un alter ego de Valle-Inclán?, ¿se esconde realmente el naturalista sevillano detrás de todos los personajes con los que se le ha identificado?, ¿qué tenía Alejandro para que siga inspirando a los escritores del siglo XXI? Estas páginas dan respuesta a todas esas preguntas gracias a la comparación entre realidad y ficción, a la luz de la trasposición de la persona en el personaje, revelando nuevas anécdotas de Alejandro Sawa y las intenciones de los autores que lo han convertido en un ente de ficción. Rocío Santiago Nogales es Doctora internacionalen Estudios Lingüísticos y Literarios, con especialidad en Literatura española. Actualmente, es docente einvestigadora en la UNED, donde cursó también el Máster en Formación e Investigación Literaria y Teatral en el Contexto Europeo, obteniendo el Premio al MejorMáster en Humanidades. Asimismo, ha publicado variosartículos en revistas especializadas y capítulos de libros en obras colectivas, centrándose, principalmente, en autores fuera del canon. También ha sido ponente y conferenciante invitada en más de treinta congresos internacionales. Sus trabajos se enmarcan dentro del Centro de Investigación de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías (Seliten@t) y es editora de la revista científica Signa. Disfrutó de una estancia investigadora de varios meses en La Sorbona (París) en 2019 y, en la actualidad, colabora con dos proyectos de investigación, abordando la literatura desdeuna perspectiva interdisciplinar, pues también es jurista y politóloga. Alejandro Sawa, eterno personaje.Más allá de Max Estrella es su primer libro y el fruto de varios años de investigación.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.