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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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L'altra Venècia
A L’altra Venècia, Matvejević ens ensenya a apreciar les diverses tonalitats del rovell sobre el ferro, la fusta i la pedra més modestes, explora els antics plànols anònims de la ciutat, fa irrompre la magnificència dels crepuscles, escolta la música dels passos sobre els ponts… Detall rere detall, recompon el dibuix complet de la ciutat i de les mutacions que ha patit amb el pas del temps i de la història. Escriu sobre una ciutat de la qual ja s’ha cantat cada racó, de fet, potser només queda lliscar per les esquerdes com fan les brises d’herba entre els maons.A més del pròleg de Raffaele La Capria, que acompanya totes les edicions, aquesta inclou una conversa de Giacomo Scotti, traductor italià del llibre, amb l’autor i una nota del traductor al català, Pau Sanchis, en què s’expliquen les vicissituds del text. L’edició catalana recupera la millor qualitat de les imatges escanejades al Museu Correr de Venècia: Plànols, xilografies, estàndards i quadres.Com ha escrit La Capria: «És a partir de l’observació d’un detall petit però significatiu —més ben dit, de la tria mateixa— que neix la poesia. I així, mentre ens sembla que llegim un assaig, una descripció o un diari, en realitat s’ultrapassen els límits del gènere i s’entra en una altra zona, que és la de la fantasia».Les imatges de Venècia són de Simone Geri di Bardi, i són fetes expressament per a l’edició del llibre. Hem editat diverses postals i un pòster exclusiu.Predrag Matvejević (1932-2017) va néixer a Mostar, de pare rus i mare croata. Va ser professor universitari a la Universitat de Zagreb, així com a la Sorbona, a la Sapienza i al Collège de France. Hi va ensenyar literatura francesa, literatura comparada i literatures eslaves. Va mantenir una posició ferma respecte a la guerra a l’ex Iugoslàvia, i es va exiliar a França i a Itàlia. Va viure els darrers anys de la seva vida a Croàcia.L’any 1991 va publicar el seu llibre més reconegut, Breviari mediterrani. La primera edició de L’altra Venècia en croat es va publicar el 2003 i de seguida va ser traduït a moltes llengües, però no al català. En una visita a Barcelona el 2004, Matvejević va manifestar que res li faria més il·lusió que ser traduït a una llengua tan eminentment mediterrània. Finalment, aquest desig s’ha acomplert.
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Pare què fem amb la mare morta
Antònia Vicens (Santanyí, Mallorca, 1941) El 1967 va guanyar el premi Sant Jordi amb la novel la 39º a l ombra i ha destacat amb títols com Material de fulletó, La santa, Gelat de maduixa, Febre alta, Ungles perfectes o Ànima de gos. El 2009 l evolució del seu procés d escriptura desemboca en Lovely, un poemari que esdevé la revelació d una veu singular, demolidora, que converteix l autora en una de les grans veus poètiques actuals, seguit de Sota el paraigua el crit (2013), Fred als ulls (2015), Tots els cavalls (LaBreu Edicions, 2017), Premi Cavall Verd de la Crítica i Premio Nacional de Poesía (2018), i l antologia Si no dius fort el meu nom em condemnes per sempre. Ha rebut la Creu de sant Jordi de la Generalitat de Catalunya, el Premi Ramon Llull del Govern Balear, el Premi Josep M. Llompart de l Obra Cultural Balear, la Medalla d Or de la Vila de Santanyí, la Medalla d Or de la Ciutat de Palma, el Premi Nacional de Cultura de la Generalitat de Catalunya i el Jaume Fuster de l Associació d Escriptors en Llengua Catalana. Amb Pare què fem amb la mare morta, Vicens confirma aquesta capacitat per esga
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Tots els poemes (1975-2017)
Si haguéssim de designar un hereu de la poesia clara i difícil de Salvador Espriu i de la poesia bondadosa i intensa de Miquel Martí i Pol, aquest seria sense cap mena de dubte Joan Margarit. La duresa i, alhora, la tendresa del refugi contra la intempèrie que és la seva extensa i reconeguda obra poètica el situen entre els poetes més valorats per la crítica i els lectors. Tots els poemes (1975-2017) aplega en un sol volum i en format de butxaca tota l'obra poètica escrita per Joan Margarit des de Restes d'aquell naufragi fins a Un hivern fascinant.
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La rebelión del pueblo de Fuente Ovejuna ante los excesos de Fernán Gómez, comendador de Calatrava, aparece mencionada en varias crónicas históricas. Lope de Vega se inspiró en una de ellas para crear su conocidísima y celebradísima obra teatral, que tenía como trasfondo político las luchas de la nobleza por un poder que había iniciado la transición de un régimen feudal atomizado a la implantación de una monarquía más sólida.En manos de Lope, el texto cobra una complejidad y un interés excepcional, en el que lo literario trasciende lo ideológico y en el que son fundamentales los debates sobre el orden establecido, la honra, el sentimiento de comunidad y el amor.
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Peer Gynt
Un jove aventurer temerari i irresponsable, amb anhels de fer alguna cosa important a la vida, manté, al llarg dels anys, una relació de permanent conflicte amb el seu entorn. Lluitarà per trobar-se a si mateix entre dos mons: l'humà i el sobrenatural. El poema dramàtic Peer Gynt s'inspira en la tradició escandinava i combina elements del realisme modern amb la presència d'éssers meravellosos i fantàstics. Més d'un segle i mig després de la seva concepció, ha esdevingut un mite al voltant de la identitat i el sentit de la vida.
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Pa-pa-llo-nes
PA-PA-LLO-NES és un recull de set narracions. Aquests relats s’endinsen en la ficció dels encerts i els desencerts, en les petites i en les grans coses que poden ocórrer, on les papallones entren amb efecte, de manera casual, per poder fer una crítica de la nostra condició. De la mà d’elles, ens apropem a personatges que se’ns fan familiars i ens endinsem en paisatges inventats que es fan ben visibles als nostres ulls. Les papallones passen a ser uns éssers que fan que la naturalesa humana s’hi vegi reflectida en les petites coses. En cada un dels relats ens hi podríem reconèixer. Sols cal deixar-se endur per veure emmirallades les nostres pors, les bondats, les debilitats, o les maldats, sota una mirada màgica, fantàstica, còmica, crítica, o tràgica.
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Nacido en 1863, en Alejandría, Egipto, Constantino Cavafis vivió en esta ciudad y en Constantinopla (aunque realizó estudios en Inglaterra) completamente apartado del mundanal ruido literario. Nunca publicó en vida un volumen de poemas, aunque muchos de ellos se imprimieron en hojas separadas que el poeta entregaba a un reducido círculo de amigos. Poeta, pues, que vivió un constante destierro en su propia patria y cuya escritura se vertión gracias a la necesidad interior que impulsa a los verdadores creadores.
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Es una recopilación de las composiciones más significativas de cada período, desde las jarchas y el Cantar de Mio Cid hasta las últimas promociones del siglo xx. La antología va precedida de una completa síntesis de la historia de la poesía castellana, que sirve de guía a los estudiantes para contextualizar los diferentes poemas que se ofrecen y tener, además, una visión de conjunto de los diez siglos en ella representados. Para que la lectura de cada poema resulte más fácil y provechosa, se incluye un breve comentario introductorio que favorece su comprensión. Ese es también el objetivo de las actividades que se proponen a continuación. Todos los poemas van acompañados de las notas y aclaraciones. En el caso de los textos medievales de mayor dificultad, se ofrece además una versión modernizada.
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Un libro que invita a conocer y recorrer Barcelona desde una mirada diferente, la literaria. Una ciudad que ha sido escenario de libros como El Quijote, Homenaje a Catalunya, Nada, La ciudad de los prodigios, o La Catedral del Mar. La ciudad que inspiró a
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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- Es un poemario, profundamente emotivo, de gran sensibilidad y sabiduría, de una mujer de la sierra murciana. - Magdalena S. Blesa se define a sí misma como una poeta de aceras y de patios. Sus bellas palabras ya han conquistado a muchos corazones, con poemas que se han hecho virales y que han llegado a millones de personas en todo el mundo, poniendo sus almas en pie - Madre de tres hijos, con este poemario, la poeta murciana pretende dejar un legado a sus hijos para que “se hagan cargo de cada historia que pase por su lado, hagan la vida más fácil a cualquiera y no juzguen por juzgar, sino que se den cuenta de que cada uno venimos de una historia muy particular. - “Instrucciones a mis hijos” contiene enseñanzas desde la humildad, la educación, los valores y el amor, para que nunca falten en el corazón de las personas. Siempre se ha dicho que la poesía es la expresión artística por medio del verso y, en ocasiones, a través de la prosa. Y Magdalena añade que la poesía es la única escapatoria posible de un ser humano hacia dentro de sí mismo. “Ya no me pertenecen mis latidos, entrego el corazón a la poesía. Al pueblo, me refiero, mi corazón es suyo. Y el pueblo, que lomate… o que lo viva.”
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Esta monumental biografía de un continente desde los días precolombinos hasta la llegada de los conquistadores, la explosión descolonizadora y la actualidad de la época de su redacción es también la biografía de un hombre, el propio Neruda, errante y clandestino al redactarla, y un canto a sus compatriotas anónimos, a la fraternidad con los oprimidos y humildes y a la vastedad silenciosa y solemne del gran océano inmemorial que lo circunda todo.
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Yerma tiene un único proyecto en el que seentremezclan el deseo personal y el mandato social deser madre, es la tragedia en la que Lorca desarrollócon mayor amplitud y relieve un tema central en su obra: el de la esterilidad y la fecundidad. Sobre la protagonista proyectó, sin duda, un problema personalíntimo. Pero el alcance de la obra rebasa la significación en dos direcciones: la universal mítica, apoyada en la creencia de que la fecundidad es una forma desalvación, y la específicamente española. Yerma formaba parte de una «trilogía dramática de la tierra española» y en ella se plantea un proceso crítico a la moral sexual del país._x001A_¿A quién va dirigido el libro YERMA?Yerma, de Federico García Lorca, se dirige a un público amplio interesado en la literatura dramática, la exploración de temas universales y la obra del autor. Es especialmente relevante para lectores interesados en el teatro español del siglo XX, estudios de género, y análisis de la condición femenina en contextos sociales específicos. La obra, por su profundidad y complejidad, atrae tanto a estudiantes de literatura como a lectores que buscan una experiencia literaria intensa y reflexiva. Su lenguaje, aunque poético, es accesible a un público diverso, permitiendo su disfrute y análisis desde diferentes perspectivas.Temas que trata el libro YermaYerma explora una serie de temas interconectados que la convierten en una obra compleja y multifacética. Entre los temas principales se encuentran:La maternidad como deseo y frustración: El anhelo de Yerma por ser madre es el motor principal de la trama. La obra explora la intensidad de este deseo, su impacto en la psique femenina y la tragedia que surge de su imposibilidad. La frustración de Yerma no es simplemente una cuestión biológica, sino que se entrelaza con su identidad social y su lugar en el mundo.La presión social y las expectativas de género: Yerma se encuentra sometida a una fuerte presión social para cumplir con el rol tradicional de la mujer como esposa y madre. La obra critica las expectativas de género restrictivas de la sociedad rural española de la época, mostrando cómo estas expectativas limitan la autonomía y la realización personal de las mujeres. El juicio y la condena social que sufre Yerma por su infertilidad son un reflejo de esta presión.La sexualidad femenina y la represión: La obra explora la sexualidad femenina en un contexto de represión y tabúes. La frustración de Yerma se relaciona con su incapacidad para concebir, pero también con la falta de satisfacción en su relación conyugal. La obra sugiere una conexión entre la represión sexual y la imposibilidad de la maternidad.La naturaleza y la fecundidad: La obra utiliza la naturaleza como un símbolo de la fecundidad y la vida. La esterilidad de Yerma se contrapone a la fertilidad del entorno rural que la rodea, creando un contraste que acentúa su tragedia. La imagen de la tierra estéril se convierte en un reflejo del vacío interior de Yerma.El conflicto entre instinto y razón: Yerma se debate entre su instinto maternal y las imposiciones sociales y racionales. La obra muestra la lucha interna de la protagonista entre su deseo visceral de ser madre y la presión social que la empuja hacia la conformidad. Este conflicto interno es la base de la tragedia de Yerma.La violencia y la desesperación: La frustración de Yerma culmina en un acto de violencia extrema. La obra explora las consecuencias de la desesperación y la falta de alternativas para una mujer atrapada en un sistema opresivo. El final trágico de la obra es una consecuencia directa de la imposibilidad de Yerma de encontrar una salida a su situación.Resumen de críticas, opiniones y valoraciones del libro YERMALas opiniones sobre Yerma son variadas, pero en general la obra es considerada una pieza maestra del teatro español. Algunos críticos destacan la potencia poética del lenguaje de Lorca, su capacidad para crear personajes complejos y memorables, y la profundidad de su exploración de temas universales. Otros resaltan la relevancia de la obra en el contexto histórico y social en el que fue escrita, y su capacidad para seguir resonando con el público contemporáneo. Algunos lectores señalan que el final puede resultar impactante o incluso controvertido. Sin embargo, la mayoría coincide en que Yerma es una obra que invita a la reflexión y que deja una huella imborrable en el lector. La obra ha sido objeto de numerosas adaptaciones teatrales y cinematográficas, lo que demuestra su perdurable impacto cultural.
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Publicado originalmente en 1915, Antología de Spoon River es un gran fresco de la vida en un pueblo del Medio Oeste norteamericano que se convierte, por obra y gracia de la palabra poética, en emblema de los deseos y las pasiones, los miedos y las angustias, las aspiraciones y las renuncias, los triunfos y las derrotas vitales de todos y cada uno de nosotros. Los 244 personajes que desfilan por sus páginas nos hablan desde la tumba y pronuncian su propio epitafio. Al hacerlo, nos dan un fragmento de vida que se entreteje con todos los demás para urdir la gran epopeya norteamericana del siglo veinte. Esta edición bilingüe de Antología de Spoon River, que presentamos en la soberbia traducción de Eduardo Moga, no es solo un libro clásico, sino también un libro vivo, crónica palpitante de la interioridad humana. Y sus personajes son una representación fidedigna de los caracteres del mundo, habitantes de un rincón de los Estados Unidos, pero moradores posibles de cualquier nación, de cualquier paisaje.
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El gran poeta bengalí Rabindranath Tagore (1861-1941) consigue, con un estilo sencillo y hondo a la vez, en una síntesis milagrosa de folclore indio, textos sagrados, cultura occidental y música y arte universales, transmitir un legado de genuina relación con lo luminoso, antesala de la iluminación que limpia el mundo de sombras e intereses oscuros. Su literatura se halla tan cerca del latido primordial y del corazón de los seres vivos, tan entreverada de misterios naturales y de invocaciones a la divinidad, que hipnotiza desde la primera lectura. Esta selección de su célebre Gitanjali está dividida en dos secciones: poemas amorosos y de la naturaleza, y poemas místicos. Difícil distinguir, en todo caso, entre el sentimiento que produce la inminente llegada del amado o de la amada, el derivado de una tormenta monzónica que pone a temblar los bosques y los corazones o el de un loto que se abre como metáfora del ciclo de la existencia, y el que prende en uno cuando es rozado por la presencia (o la ausencia) divina. Los poetas Jesús Aguado y Subhro Bandopadhyay consiguen, con esta soberbia traducción hecha directamente del bengalí, que Tagore llegue a nosotros tan vivo y poderoso como el primer día.
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Llibre del gentil e dels tres savis
Aquest llibre fou escrit a Mallorca (o a Montpellier) entre 1274 i 1276. Tres savis -un jueu, un cristià i un musulmà- intenten persuadir un gentil de la veritat de les seves fes respectives. Després de presentar els arguments amb una cortesia exquisida els savis, al final del llibre, demanen al gentil que no els declari quina ha estat la religió triada per ell, a fi de poder aprofundir llurs discussions tan interessants i instructives.
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Tota flor sense cossiol
Joaquim Cano Sais (La Nucia, 1995) Reparteix les seves dèries entre els estudis de Filologia Catalana i les formacions científica i musical. L’estudi de la literatura li fa palès que és el resultat del paisatge en què viu. Apassionat per autors com Carmelina Sánchez-Cutillas, Palau i Fabre, Basilio Sánchez, Keuchkerian, Zygmunt Bauman, així com per l’escenari literari italià del segle XX i els estudis d’obres medievals. Ha recitat amb el grup Contracolp i publicat a les revistes Gargots: Revista literària i Capicua.Tota flor sense cossiol és el poemari que li ha permés dirigir la força de les paraules cap a la destrucció de la realitat que el conforma. Cano basteix el seu primer llibre a partir d’un ús paradoxal i suggerent d’imatges per tal de dibuixar el trànsit d’un jo que qüestiona els fonaments de l’existència i les possibilitats del llenguatge i la creació.
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Durante mucho tiempo, introducirse en la lectura de los Sonetos del amor oscuro suponía adentrarse en terreno vedado. Estos bellos poemas han estado rodeados de silencio. Lorca no los publicó en vida, y debido a los acontecimientos políticos posteriores
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Nueve años escuchando «edita tus poemas», pero Ángela no lo necesitaba. Los había memorizado y los recitaba o gritaba, a partes iguales, para recordar lo que nadie enseña, ni te pagará por saber. Como profesora universitaria salida de barrio obrero, Martínez Fernández practica las escrituras que garantizan una nómina y, también, las que ocasionan una tormenta, y así la luz del rayo.Aquí acogemos casi toda su poesía, la única forma de modular el lenguaje que le pertenece. Poesía como eso «que creamos directamente y gracias a la cual sabemos qué nos ha creado». Poemas de la «conclusión» que nos colocan en la obligación de pensar, en serio, de verdad, qué hacer ahora.«Hay un huracán en el centro del salón. Vomito sobre la mesa y saco mis demonios ante la mirada atenta del perro. Tengo veneno en las comisuras, anoche no debí decírtelo, pero la oscuridad nos vuelve mansos y una caricia tiene potencial revolucionario cuando sabes cómo tocar a otra persona. Están robándole años de vida a mi madre las pastillas que le dieron en la seguridad social. 'Destroy the system, they can detect your feminism'. Si no estuviéramos tan enfermos de competencia, podríamos usar la literatura como un repositorio de voces diferentes donde la mujer ecuatoriana que cuida de tu abuelo tuviese derecho a un discurso público.»
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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Premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil, 2000Julia es una chica alegre, imaginativa y decidida, hasta tal punto que recurre a una original estrategia para dar la lección que se merecen aquellos adultos que solo viven para obtener éxito y dinero. Basada en un hecho real, El árbol de Julia plantea, con enorme fuerza expresiva, una reflexión sobre los verdaderos valores humanos.
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El poema que va caure a la mar
Un poema estava tant abandonat,se sentia tant sol, tant trist i tant malament,que va marxar del llibre que a sobre unes roquesva oblidar algun home després de pescar.
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La Barca
El poemari que donà inici al corrent literari anomenat hermetisme, caracteritzat per ser una desesperada fe en la poesia, un refugi moral, una manera silenciosa de sobreviure i mantenir la torxa de la dignitat humana en els tumultuosos anys trenta. La poesia, també, concebuda com una forma de preservar el pes de la paraula sonora: un ferm segell per protegir una sensibilitat amenaçada.
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llengua de fang
Un viatge poètic per les aigües desbordades que han marcat la història i l'ànima d'un territori.Un viatge per les aigües desbordades que han marcat la història i l'ànima d'un territori. Entre riuades, silencis i records, la veu lírica s'enfronta a la devastació i a la bellesa, a la fragilitat humana i a la força indòmita de la natura. Els poemes, plens d'imatges punyents i d'una forta sensualitat evoquen la pèrdua, la identitat i l'esperança que brolla fins i tot enmig del llot. Un llibre que interpel·la, que sacseja, que convida a mirar de cara la veritat del fang i a descobrir-hi la llum. Perquè la poesia és també un acte de resistència. DISPONIBLE A PARTIR DEL 18 DE MARÇ DE 2026
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Este libro recopila un total de siete relatos escritos por dos autores: José Antonio Borrás y Charo Cutillas. Dos voces, dos miradas, dos perspectivas que nos adentran en historias de diversa índole con el último objetivo de invitar al disfrute de la lectura y animar a otros a relajarse ante sus páginas cargadas de personajes, anécdotas y emociones que tratan de conmover.En los relatos de Charo, la voz femenina atraviesa la intimidad y la historia con fuerza contenida. Ambientados en distintas épocas, los textos exploran con soltura temas como la escasez, el amor clandestino, la injusticia, y la amistad entre mujeres de distintas clases sociales. Relatos donde la memoria personal se entrelaza con la colectiva, y donde lo cotidiano -una sopa, una costura, una carta, una fila para el pan- se convierte en espejo de una época. Las protagonistas enfrentan la adversidad, empleando la ironía o lo emotivo ante las situaciones de las historias narradas con una prosa sensible y precisa.En la narración de José Antonio destaca el humor absurdo y la ternura más inesperada, que nos conducen por escenas de la vida donde lo doméstico se convierte en misterio, y lo insignificante, en revelación. Con estilo ágil, fresco y profundamente humano, estas historias revelan el alma escondida de los objetos, la magia que a veces despierta en lo real, y el humor que nos salva del desencanto.
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Neruda canta a los asuntos más cotidianos y se entrega a la épica doméstica en un poemario para todos los públicos.«El poeta más importante del siglo XX en cualquier idioma.» Gabriel García Márquez «Nadie como Neruda para lograr un insólito centelleo poético mediante el simple acoplamiento de un sustantivo y un adjetivo que antes jamás habían sido aproximados.» Mario Benedetti «Neruda renace todos los días porque siempre hay alguien que lo lee por primera vez y hay otro que lo relee con nuevos ojos. No hacerlo empobrecería nuestra vida.» José Emilio Pacheco «Ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él.» Harold Bloom En este libro de 1954, Pablo Neruda asombró a los lectores que no habían previsto la variedad de registros que el poeta alcanzaría. Hoy sigue cautivando por su capacidad para celebrar los pequeños acontecimientos diarios. Neruda le canta al aire y a la cebolla, a la esperanza y al caldillo de congrio, a la madera y a la alegría, al vino y al pan, a los poetas populares y al fuego, al libro, al traje, a la lluvia, a la vida. Sabe comunicarnos con la magia de su palabra la novedad de redescubrir cada momento como inaugurando la mirada. Los vastos temas y el caudaloso ritmo que caracterizaban su obra anterior ceden paso al metro breve y fragmentado, a la visión microscópica, al protagonismo de aquello que verdaderamente es elemental: el encuentro con los anónimos y desconocidos que transitan las calles, el descubrimiento del corazón que habita en las cosas más sencillas, el valor oculto de lo verdaderamente genuino, la silenciosa sensación de estar rodeados por seres invisibles que estallan en el esplendor de la poesía. Versos que escapan de toda retórica, objetos cotidianos transformados por la voz poética e imágenes de un magnetismo sensorial que coloca en primer plano la intensidad del lenguaje hacen de Odas elementales un conjunto de textos antológicos.
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El nuevo libro de la autora del fenómeno editorial Donde viven las musas. Sumérgete en un poemario interactivo en el que el amor, los reencuentros y los mundos paralelos son posibles. ¿Qué pasaría si aquella decisión que no tomaste se hubiera materializado en una realidad alternativa? ¿Y si existieran universos paralelos con las vidas que anhelaste y los seres queridos que ya no están? ¿Te atreverías a viajar a esos otros mundos? Este poemario rinde homenaje a un amor que sobrevive a todos los universos y perdura en el recuerdo para siempre.
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Frente a la resignación, poesía. Bartleby publica la quinta entrega de la madrileña Itzíar López Guil''Un refugio en la espesura'' sitúa al lector en el presente. En el vértigo voraz de los días laborables, sus contrastes, la prisa y la contemplación, la acción y el pensamiento, la denuncia y la culpa. La voz de Itzíar López Guil se sienta al volante de la vida y conduce estos versos con mirada audaz, con ojos de futuro. No es una poesía complaciente. López Guil nombra con valentía el lado amargo del mundo en que vivimos, la victoria injusta de los violentos, las alambradas, la constante destrucción de lo que creíamos sólido, la pérdida de los seres queridos. Pero los poemas de ''Un refugio en la espesura'' son también una forma de rebeldía, la que invita a no resignarnos. Son un cobijo contra las inclemencias, un lugar seguro donde pasar la noche. PABLO GARCÍA CASADO.
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Un insectario que funciona como un espejo del alma humana. En Vida insecta, los poemas indagan en una relación que mantenemos con lo diminuto, con aquello que bate y horada el silencio de lo doméstico. Aunque todos parecemos estar a la altura de algo extraordinario que transforme nuestra existencia, lo cierto es que nuestra vida no es tan distinta de la de los insectos. Está hecha de repeticiones, rutinas y aburridas tareas. También de gestos en apariencia insignificantes que, sin embargo, nos sostienen y nos ofrecen una precaria sensación de seguridad. Para explorar esa condición, la autora se vale de un lenguaje capaz de protegernos frente a lo incontrolable y de ayudarnos a habitarlo sin quedarnos sin palabras.El libro se levanta sobre un diálogo de umbrales: por un lado, la invocación de William Blake, que cuestiona la hegemonía de lo humano -«¿No soy yo / una mosca como tú?» -, por otro, la advertencia de Alejandra Pizarnik sobre la espera, que siempre lleva implícita una silenciosa transformación interior. A partir de ahí, la poeta despliega una entomología de los afectos en la que el miedo «incuba huevos en el cerebro» y el dolor se posa como «polvo fino de mariposa».Desde la mujer polilla que emerge en busca de sus partes desmembradas hasta la tiranía de la república de las obreras, se revela una naturaleza que nos recuerda que «tocar es siempre ser tocado». Al final, queda el «largo proceso» de descomposición larvada en la raíz, un territorio donde la palabra -«la muerte de la mosca»- intenta suspender el tiempo antes de que irrumpan «las bestias carniceras de la noche».En este ecosistema que zumba, repta y aletea, Cristina Sánchez-Andrade difumina los límites entre refugio estético e intemperie. Vida insecta no es solo un libro de poemas, es en sí mismo, una metamorfosis.
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“Este libro es una serie de poemas que no encajan con las tendencias del momento en que fueron escritos –los años 80– y, mucho menos, con las funciones que entonces se requerían a la poesía, a cualquier objeto cultural, para ser reconocido como tal. […] En su momento, la imposibilidad de publicar mis poemas, que consideré una obviedad, no una crueldad del destino, me ayudó a leer, comprender la época y, muy importante, no me limitó en absoluto la posibilidad de acceder a la experiencia poética. Accedí a ella de pleno y en profundidad. Me cambió. Y transporto sobre mis espaldas tanto esa experiencia como sus consecuencias. Será divertido ver si esa experiencia existe en otros lectores, como por ejemplo usted.”
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Llengües vives
Llengües vives agrupa vint-i-sis veus literàries indígenes de cinc països del sud i el centre d'Abya Yala -com el poble guna anomena el continent americà. Aquest volum és un testimoni de la resiliència de llengües que, a pesar de segles d'opressió i amenaça d'extinció, continuen somiant, cantant, sembrant i forjant la identitat dels pobles aborígens. Des dels Andes fins a la selva maia, des de l'altiplà aimara fins al cor maputxe, aquesta antologia celebra la força i la bellesa de les literatures indígenes. És un cant col·lectiu i personal que transcendeix fronteres i segles de silencis imposats, i que avui ocupa amb dignitat el seu lloc a l'horitzó literari del nostre temps. Aquest llibre també és un recordatori que la literatura indígena contemporània també és innovació i pensament crític, i que també transmet diverses visions estètiques. Davant d'un entorn de subordinació lingüística històrica, la paraula indígena persisteix i es renova a través de llibres com Llengües vives. La literatura aborigen contemporània té una perspectiva innovadora, revolucionària: a banda del contingut, ho és per la forma de concebre l'acte creatiu en què l'escriptura i l'oralitat es fonen per assolir una obra fonamentada entre el ritual i l'estètica. Narrativa i poesia conflueixen en aquestes pàgines en una recerca activa de nous paradigmes, reafirmant que les llengües indígenes continuen vives, i escrivint la seva història.
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Hay un jardín claro, entre las tapias bajas, hecho de hierbas secas y de luz que cuece lenta su tierra. Es una luz que sabe a mar. Tú respiras esa hierba. Te tocas el pelo y alteras el recuerdo. He visto caer muchos frutos, maduros, en una hierba que conozco, con un ruido sordo. Así te estremeces cuando te bulle la sangre. Mueves la cabeza como si alrededor sucediese un prodigio del aire y el prodigio eres tú. Hay un sabor idéntico en tus ojos y en el cálido recuerdo. «Si en algo cree Pavese es en la renovación de la lírica. El poeta alberga grandes sueños. Busca incansablemente aunar tradición e innovación, hilvana los textos a modo de un cancionero que renueve y aporte una visión novedosa a la larga tradición lírica italiana. Cada poeta persigue un movimiento ascendente o descendente, un elemento natural o un espacio determinado. El tono que predomina en Pavese, avivado por los elementos de la tierra y el fuego, no deja lugar a dudas. Esta es una poesía del acabamiento, de los ritos fatuos, de la catábasis». Aitana Monzón
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El poeta Luis García Montero ens diu: ''La història moral de l'ésser humà l'han escrit els poetes. El poeta es busca en els altres, defineix la seva intimitat en diàlegs amb els altres''. En els versos que omplen aquest llibre de Josep Checa llegirem, precisament, una intimitat que vol ser compartida. A partir de la presència de la mareo de la vivència del fet poètic, per exemple, el lector es trobarà amb les seves pròpies mares i vivències personals, la vida que està feta de pèrdues i esperances, de records que ens reconcilien amb el passat i fan que el present ens sigui més lleuger i amable. El futur, com deia Eleanor Roosevelt, pertany als qui creen en la bellesa dels seus somnis.
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¿Quién no querría volar hasta Nunca Jamás? Solo hay que tomar la segunda estrella a la derecha y todo recto hasta la mañana. Una vez allí los sueños se hacen realidad: sirenas, hadas, piratas... Pero toda aventura tiene un precio: luchar con tu propia sombra. Perderte. Morir. Incluso crecer...
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Reunidas por primera vez en un solo volumen y tras do
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Viuda por segunda vez, Bernarda Alba impone un luto de ocho años para toda su familia. Las cinco hijas luchan por abrirse paso en una sociedad patriarcal marcada por el fanatismo religioso y el miedo al qué dirán. Dos de ellas se enamoran del mismo hombre y se desata la tragedia. Escrita en 1936, poco antes del ajusticiamiento de García Lorca, La casa de Bernarda Alba no se estrenó hasta 1945. Esta obra maestra del teatro español contiene la quintaesencia del estilo lorquiano: el increíble manejo del lenguaje coloquial, el abrumador retrato de una mujer absorbente y, en resumen, la metáfora perfecta de la España reprimida por el odio y la envidia que se adivinaba en el horizonte
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.