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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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Cuando leemos Los últimos días de la Humanidad, que es un Apocalipsis cómico y patético del horror de la Primera Guerra Mundial, reír es... una forma de llorar y, así mismo y sobre todo, de tomar conciencia de la gravedad de estos problemas, y más cuando se hace una lectura actual de la obra, desde el conocimiento histórico de que la humillación que sufrieron los alemanes en el Tratado de Versalles fue una causa muy importante de que naciera el huevo de aquella serpiente del nazismo que definitivamente estalló en 1939 con el comienzo de unos nuevos últimos días de la Humanidad (Segunda Guerra Mundial), que acabaría en el doble espanto de Hiroshima y Nagasaki, ya profetizado de algún modo en la obra de Karl Kraus. Kraus nos introduce su obra con palabras como éstas: Los actos más inverosímiles aquí presentados ocurrieron realmente ... Los diálogos más increíbles que aquí se mantienen fueron dichos palabra por palabra ... Dejes y acentos recorren rechinando el tiempo y se van inflando hasta convertirse en el coro de este sacrificio cruento ... La gente que vivió entre la humanidad y la ha sobrevivido termina reducida a sombras y marionetas, larvas y lémures, máscaras de este carnaval trágico.... ¿De qué se trataba en aquella guerra y en todas las habidas desde entonces? El drama, dice Kraus, ha sido ideado para su puesta en escena en un teatro del planeta Marte: el público de este mundo no sería capaz de soportarlo. Porque era sangre de su sangre, y el contenido era el de todos estos años irreales, impensables, inasibles para una mente despierta, años en que unos personajes de opereta interpretaron la tragedia de la humanidad.
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¿Qué es el amor? ¿Es la mayor de las bendiciones o el más profundo de los dolores? Este poemario construye un relato sincero del amor en todas sus formas: el que acaricia y el que quema, el que cura y el que mata. Entre luces y sombras, el autor nos invita a sentir sin filtros y a dar rienda suelta al corazón, aceptando que, a veces, amar es dejar ir, marcharse y volver a empezar. La distancia, el olvido, el miedo, las falsas expectativas, el rechazo, así como la esperanza, la ilusión, la confianza, el amar sin límites y la lucha por quienes amamos son los temas centrales de esta obra. Esto no es un cuento de hadas, sino un reflejo de que el amor, al igual que es maravilloso, también duele, por eso es para valientes.
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El poema que va caure a la mar
Un poema estava tant abandonat,se sentia tant sol, tant trist i tant malament,que va marxar del llibre que a sobre unes roquesva oblidar algun home després de pescar.
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No digueu que som morts
Danez Smith (St. Paul, Minnesota, Estats Units) és uni poeta afroamericani, de gènere no-binari, que viu amb el VIH. Entre la seva obra poètica destaquen [insert] Boy (2014), No digueu que som morts (2017, Premi Forward), Homie (2020) i Bluff (2024). Ha publicat en revistes prestigioses com Poetry Magazine, Beloit Poetry Journal, Ploughshares, BuzzFeed i Blavity. Forma part de l’equip editorial de The Offing i és un dels membres fundadors dels col·lectius Dark Noise i Sad Boy Supper Club. Viu al Midwest nord- americà, quan no és de gira pel món. Toni R. Juncosa es va doctorar amb una tesi sobre la poesia de Danez Smith. El 2023 va traduir els poemes amb què Smith va participar en el Festival Internacional de Poesia de Barcelona, i ara ens ofereix la traducció completa de Don’t Call Us Dead.Danez Smith és una força innovadora, celebrada arreu, que poetitza temes urgents amb un gran poder performatiu. No digueu que som morts comença amb una seqüència esgarrifosa que imagina una vida després de la mort per a homes negres disparats per la policia, un lloc on la sospita, la violència i el dolor s’obliden i se substitueixen per la seguretat, l’amor i la longevitat que es mereixien aquí a la terra. Smith es referma en el poder del desig, i la consciència de la mortalitat, els perills experimentats a la pell, el cos i la sang d’un diagnòstic de VIH positiu. Aquest volum és una col·lecció sorprenent i ambiciosa, que confronta, lloa i renya Amèrica, un país que s’encamina cap a funerals massa sovint i oblida la possibilitat de miracles.
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Con Molière suben al escenario preocupaciones que nunca antes lo habían hecho, dando sentido nuevo a una comedia de costumbres cuyo objetivo principal ya no esun divertimento simple, sino que suma, a esa reflexión sobre hechos de la vida social, una carga burlonay crítica que afecta a la vida moral. Aunque la lección de ambas ''Escuelas'' sería parecida: el amor es un gran maestro ''que vuelve inventivo'' y enseña a superar cualquier impedimento a la niña más ignorante,frente a los defensores de la rigidez moral opuestosal cambio en los usos sociales, La escuela de lasmujeres supone, sin embargo, un salto cualitativoen el terreno escénico, no sólo respecto a La escuela de los maridos, sino también a la construcción de la comedia como género, superando el esquematismo de la farsa italiana y dando a la comedia el estatuto de pieza mayor.
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Animals d'hivern
SOLIDESA á Pedres a la butxaca ens menaran al fons. Hi ha un silenci d?algues en moviment, una crida que tot ho emplena. És possible no respirar? Fulles desfetes ens precinten la cara com motlles tous de màscares o cúpules de benes. Podem aturar aquest riu, la seva pressa. Tenim un cos impermeable i fonaments en algun sot que vàrem excavar quan érem nens. Som el camí. Per sobre nostre hi han passat totes les rodes i tots els fems.
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Tota flor sense cossiol
Joaquim Cano Sais (La Nucia, 1995) Reparteix les seves dèries entre els estudis de Filologia Catalana i les formacions científica i musical. L’estudi de la literatura li fa palès que és el resultat del paisatge en què viu. Apassionat per autors com Carmelina Sánchez-Cutillas, Palau i Fabre, Basilio Sánchez, Keuchkerian, Zygmunt Bauman, així com per l’escenari literari italià del segle XX i els estudis d’obres medievals. Ha recitat amb el grup Contracolp i publicat a les revistes Gargots: Revista literària i Capicua.Tota flor sense cossiol és el poemari que li ha permés dirigir la força de les paraules cap a la destrucció de la realitat que el conforma. Cano basteix el seu primer llibre a partir d’un ús paradoxal i suggerent d’imatges per tal de dibuixar el trànsit d’un jo que qüestiona els fonaments de l’existència i les possibilitats del llenguatge i la creació.
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Durante mucho tiempo, introducirse en la lectura de los Sonetos del amor oscuro suponía adentrarse en terreno vedado. Estos bellos poemas han estado rodeados de silencio. Lorca no los publicó en vida, y debido a los acontecimientos políticos posteriores
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Escrita por Federico García Lorca, Bernarda Alba es una obra teatral en tres actos. En la casa de Bernarda vive ella, una mujer que ha enviudado por segunda vez, con sus cinco hijas y dos criadas. Una imprescindible colección de las obras clásicas en español más leídas en las aulas. - Títulos fundamentales de la literatura hispana. - Ediciones a cargo de señalados especialistas. - Textos íntegros, rigurosamente anotados. - 24 páginas de actividades. Una selección de títulos variada y representativa de las distintas épocas y géneros (poesía, novela, cuento, teatro) de la literatura española, perfectamente concorde con los programas educativos vigentes de ESO y Bachillerato.
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Nueve años escuchando «edita tus poemas», pero Ángela no lo necesitaba. Los había memorizado y los recitaba o gritaba, a partes iguales, para recordar lo que nadie enseña, ni te pagará por saber. Como profesora universitaria salida de barrio obrero, Martínez Fernández practica las escrituras que garantizan una nómina y, también, las que ocasionan una tormenta, y así la luz del rayo.Aquí acogemos casi toda su poesía, la única forma de modular el lenguaje que le pertenece. Poesía como eso «que creamos directamente y gracias a la cual sabemos qué nos ha creado». Poemas de la «conclusión» que nos colocan en la obligación de pensar, en serio, de verdad, qué hacer ahora.«Hay un huracán en el centro del salón. Vomito sobre la mesa y saco mis demonios ante la mirada atenta del perro. Tengo veneno en las comisuras, anoche no debí decírtelo, pero la oscuridad nos vuelve mansos y una caricia tiene potencial revolucionario cuando sabes cómo tocar a otra persona. Están robándole años de vida a mi madre las pastillas que le dieron en la seguridad social. 'Destroy the system, they can detect your feminism'. Si no estuviéramos tan enfermos de competencia, podríamos usar la literatura como un repositorio de voces diferentes donde la mujer ecuatoriana que cuida de tu abuelo tuviese derecho a un discurso público.»
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No existe en toda la tradición de la poesía castellana un poeta tan talentoso y desdichado como Miguel Hernández. Autor de media docena de clásicos instantáneos de la literatura como ''Elegía'', ''Nanas de la cebolla'', ''Hijo de la luz y la sombra'' o ''Canción última'', su carrera se vio brutalmente cortada tras ingresar en prisión, como preso político, ya muy enfermo, donde le fue negada la asistencia médica. Hernández, cuya obra de lee mejor a lado de sus pares, Lorca y Cernuda, ha sufrido una división artificial entre sus poemas íntimos y sus poemas más políticos, entre los dedicados a visiones serenas de la naturaleza y los que levantan estampas sangrientas de la guerra. La presente antología pretende restituir a Miguel Hernández todos sus poderes. Versos donde lo íntimo, lo político, la naturaleza y la justicia humana se combinan en una visión inconformista de lo que cada individuo puede esperar de la vida, y que se convierten en cantos radicales sobre la ternura y la oscuridad de la carencia. De todas nuestras estrategias de resistencia, de nuestro incansable rebrotar. Con prólogo de Berta García Faet, una de las poetas más innovadoras y entusiastas de nuestro panorama, y bellamente ilustrado, el presente volumen trata de ofrecer la visión más completa y compleja de un poeta tan indispensable como irrepetible.
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llengua de fang
Un viatge poètic per les aigües desbordades que han marcat la història i l'ànima d'un territori.Un viatge per les aigües desbordades que han marcat la història i l'ànima d'un territori. Entre riuades, silencis i records, la veu lírica s'enfronta a la devastació i a la bellesa, a la fragilitat humana i a la força indòmita de la natura. Els poemes, plens d'imatges punyents i d'una forta sensualitat evoquen la pèrdua, la identitat i l'esperança que brolla fins i tot enmig del llot. Un llibre que interpel·la, que sacseja, que convida a mirar de cara la veritat del fang i a descobrir-hi la llum. Perquè la poesia és també un acte de resistència. DISPONIBLE A PARTIR DEL 18 DE MARÇ DE 2026
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En formato de álbum, cuidadosamente editado, esta antología recoge 17 poemas del universal poeta de Granada, los más adecuados para los pequeños lectores y para quienes se acercan a la poesía como si fueran niños. Magistralmente ilustrados por Miguel Calatayud.
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Es Las tarántulas un canto a lo que desaparece y se crea, una naturaleza generadora y destructora en tanto que mujer, con los desastres de lo que acontece creador y desolador en los costados del mundo. Inquebrantable y quebrado. Irreverente y reverencial. Desolado, pero con el cuchillo entre los dientes. Es canto alzado desde la pata de la tarántula que se mueve silenciosa para el baile seguro de la muerte.
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Un insectario que funciona como un espejo del alma humana. En Vida insecta, los poemas indagan en una relación que mantenemos con lo diminuto, con aquello que bate y horada el silencio de lo doméstico. Aunque todos parecemos estar a la altura de algo extraordinario que transforme nuestra existencia, lo cierto es que nuestra vida no es tan distinta de la de los insectos. Está hecha de repeticiones, rutinas y aburridas tareas. También de gestos en apariencia insignificantes que, sin embargo, nos sostienen y nos ofrecen una precaria sensación de seguridad. Para explorar esa condición, la autora se vale de un lenguaje capaz de protegernos frente a lo incontrolable y de ayudarnos a habitarlo sin quedarnos sin palabras.El libro se levanta sobre un diálogo de umbrales: por un lado, la invocación de William Blake, que cuestiona la hegemonía de lo humano -«¿No soy yo / una mosca como tú?» -, por otro, la advertencia de Alejandra Pizarnik sobre la espera, que siempre lleva implícita una silenciosa transformación interior. A partir de ahí, la poeta despliega una entomología de los afectos en la que el miedo «incuba huevos en el cerebro» y el dolor se posa como «polvo fino de mariposa».Desde la mujer polilla que emerge en busca de sus partes desmembradas hasta la tiranía de la república de las obreras, se revela una naturaleza que nos recuerda que «tocar es siempre ser tocado». Al final, queda el «largo proceso» de descomposición larvada en la raíz, un territorio donde la palabra -«la muerte de la mosca»- intenta suspender el tiempo antes de que irrumpan «las bestias carniceras de la noche».En este ecosistema que zumba, repta y aletea, Cristina Sánchez-Andrade difumina los límites entre refugio estético e intemperie. Vida insecta no es solo un libro de poemas, es en sí mismo, una metamorfosis.
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El autor no sabe qué está pasando. Quiere que le encuentren hecho un ovillo bajo la nieve. También le gustaría que le escucharan con la voz hacia dentro. Lo que pasa es que le han confiado unas palabras. Ha sido un cometa, pero los científicos no alcanzan a determinar cuándo será la próxima conjunción estelar. Hay que estar muy calladito para poder escuchar lo que dice una mirada. Es recomendable practicar antes con las flores, las olas, la luna o los gorriones. Muy atento, porque se acaban y no vuelven más. En este libro nos dicen lo que se deja sobre el campo al mirar.
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Ara beu i enamora't
L'alfabet, des que els grecs el van adoptar dels fenicis, s'ha fet servir per escriure versos i per parlar de vi. Una de les inscripcions en alfabet grec més antigues que coneixem va ser gravada en una copa menuda de ceràmica de la segona meitat del segle VIII a.C. trobada en una tomba de l'illa d'Ischia, l'antiga Pitecuses, la colònia grega més antiga d'Occident.
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Llengües vives
Llengües vives agrupa vint-i-sis veus literàries indígenes de cinc països del sud i el centre d'Abya Yala -com el poble guna anomena el continent americà. Aquest volum és un testimoni de la resiliència de llengües que, a pesar de segles d'opressió i amenaça d'extinció, continuen somiant, cantant, sembrant i forjant la identitat dels pobles aborígens. Des dels Andes fins a la selva maia, des de l'altiplà aimara fins al cor maputxe, aquesta antologia celebra la força i la bellesa de les literatures indígenes. És un cant col·lectiu i personal que transcendeix fronteres i segles de silencis imposats, i que avui ocupa amb dignitat el seu lloc a l'horitzó literari del nostre temps. Aquest llibre també és un recordatori que la literatura indígena contemporània també és innovació i pensament crític, i que també transmet diverses visions estètiques. Davant d'un entorn de subordinació lingüística històrica, la paraula indígena persisteix i es renova a través de llibres com Llengües vives. La literatura aborigen contemporània té una perspectiva innovadora, revolucionària: a banda del contingut, ho és per la forma de concebre l'acte creatiu en què l'escriptura i l'oralitat es fonen per assolir una obra fonamentada entre el ritual i l'estètica. Narrativa i poesia conflueixen en aquestes pàgines en una recerca activa de nous paradigmes, reafirmant que les llengües indígenes continuen vives, i escrivint la seva història.
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Ergàstul
El poemari no està dividit en seccions, però en realitat aconsegueix un gran nivell de coherència en girar tot el llibre al voltant del dolor i altres símptomes de la migranya i de la sensació d'aïllament i solitud que comporta. De més a més, l'autora va repetint determinades imatges i paraules al llarg del llibre, on el significant es va expandint i multiplicant, traspassant-se, de poema en poema, en eco i coda, com ara: «esclau», el malalt, «clau», l'esperança, «fera», la malaltia, «mot», instrument per l'esperança, «crisàlide» i «capoll», per designar la reclusió, física i mental, que ocasiona la malaltia, «dolor», «por» o «flor», també esperança i possibilitat de bellesa, malgrat tot. Així, Bekele estableix tot un camp semàntic propi per descriure l'experiència, amb dolor, sí, però també amb fe per superar els pitjors moments i on la poesia esdevé un mitjà clau, ja que li permet descriure fets durs amb gran bellesa, buscant la bellesa, que porta a aspirar a una certa pau, un conhort, una esperança.
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Este libro reúne los mejores poemas de amor escritos por Mario Benedetti, uno de los poetas más innovadores, divertidos, ambiciosos y modernos de la literatura en español. El amor, las mujeres y la vida recoge una selección de poemas aclamados por varias generaciones, en los que Benedetti vuelca su concepción de la vida. El amor como compensación de la muerte y como fuerza principal que mueve al ser humano, como una proclama de la existencia, que va de la erótica del amante hasta la esperanza del revolucionario o la gratitud del amigo. Todo esto trasluce en unos versos llenos de fe, escritos por una de las plumas más brillantes de la literatura hispanoamericana. «El amor es uno de los elementos emblemáticos de la vida. Breve o extendido, espontáneo o minuciosamente construido, es de cualquier manera un apogeo en las relaciones humanas».Mario BenedettiSobre el autor y su obra:«Esta obra ya forma parte de la educación sentimental de varias generaciones y seguirá sin duda alguna perdurando en el tiempo. Hay libros que pueden cambiarte la vida. Este, sencillamente, cambiará tu alma.»Luis Ramiro «Mario Benedetti es para muchos de nosotros el poeta universal, el que mejor aunó profundidad y sencillez.»Marwan «Benedetti tiene el mayor poder de todos: te hacer escribir después de leerlo.»Miguel Gane«Benedetti te mete los poemas en el buzón de casa.»Benjamín Prado
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Hay un jardín claro, entre las tapias bajas, hecho de hierbas secas y de luz que cuece lenta su tierra. Es una luz que sabe a mar. Tú respiras esa hierba. Te tocas el pelo y alteras el recuerdo. He visto caer muchos frutos, maduros, en una hierba que conozco, con un ruido sordo. Así te estremeces cuando te bulle la sangre. Mueves la cabeza como si alrededor sucediese un prodigio del aire y el prodigio eres tú. Hay un sabor idéntico en tus ojos y en el cálido recuerdo. «Si en algo cree Pavese es en la renovación de la lírica. El poeta alberga grandes sueños. Busca incansablemente aunar tradición e innovación, hilvana los textos a modo de un cancionero que renueve y aporte una visión novedosa a la larga tradición lírica italiana. Cada poeta persigue un movimiento ascendente o descendente, un elemento natural o un espacio determinado. El tono que predomina en Pavese, avivado por los elementos de la tierra y el fuego, no deja lugar a dudas. Esta es una poesía del acabamiento, de los ritos fatuos, de la catábasis». Aitana Monzón
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Adéntrate en las páginas de los libros más famosos de todos los tiempos y maravíllate con las historias que esconden. Más de 75 títulos que han sido mundialmente celebrados son estudiados en esta impresionante publicación. Libros que han cambiado la historia es una enciclopedia única que abarca cientos de títulos desde el año 3.000 AC hasta el día de hoy. Sus capítulos están ordenados cronológicamente para mostrar la evolución del pensamiento humano y cómo este ha ido cambiando en los libros. Descubre datos increíbles de los títulos que más han influenciado, incluyendo el El diario de Ana Frank, Alicia y las primeras ediciones de los clásicos Penguin. Desde El origen de las especies hasta la concepción del sistema Braille que aún usamos hoy en día, estos son los libros que han causado un mayor impacto en la historia y la cultura mundial. Cada título está presentado con fotografías a todo color de las primeras ediciones y fascinantes biografías de aquellos que las protagonizan. Toda una auténtica celebración para las personas que disfrutan de la lectura.
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Carmen Verde Arocha (Caracas, 1967). Es poeta y editora. Ha publicado en poesía: Magdalena en Ginebra (1997), Cuira (1997), Amentia (1999), Mieles (2003), Mieles. Poesía reunida (2005), En el jardín de Kori (2015), Canción gótica (2017), Magdalena en Ginebra, La concubina y otras voces de fuego (2022), Que el río responda. Antología poética (Visor Libros / FCU, 2025). La autora de este poemario, Mares y halagos, seduce y conmueve con un discurso de vanguardia, aunque el suyo es también un pensamiento tradicional, sostenido por ejes clásicos: la oración y la pulsión del erotismo. «En la poesía de Carmen Verde Arocha suena la naturaleza, el mundo de los sueños, el río, el fragor del misterio, suenan esos vislumbres espirituales del ser humano que ella atrapa de una manera muy especial. Sus palabras se oyen con una sensualidad extraordinaria que hace que sus poemas estén vivos, y eso es quizás lo más difícil de un poema: que al ser leído tenga entidad de vida y que esa palabra suene única, significativa, como por primera vez». Ernesto Pérez Zúñiga
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Reunidas por primera vez en un solo volumen y tras do
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El Musot
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Tot plegat, gran escampall
La imatge de la coberta és l'astronauta soviètic Iuri Gagarin que, un cop a l'espai, exclama: «Déu no hi és!» Rere aquesta imatge, hi ha el sentit d'aquest llibre. Aquest llibre és un intent d'explicar el món, d'abordar les incongruències que són inherents a la nostra existència. Aquest llibre és una recerca d'un agnòstic o un ateu que, en el fons, és paral lela a la recerca d'un creient: l'ateu i el creient transiten pels mateixos espais i els mateixos dubtes. Aquest llibre delata la incapacitat humana per a definir l'alternativa o l'oposició a Déu que no sigui la negació de Déu.
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Viuda por segunda vez, Bernarda Alba impone un luto de ocho años para toda su familia. Las cinco hijas luchan por abrirse paso en una sociedad patriarcal marcada por el fanatismo religioso y el miedo al qué dirán. Dos de ellas se enamoran del mismo hombre y se desata la tragedia. Escrita en 1936, poco antes del ajusticiamiento de García Lorca, La casa de Bernarda Alba no se estrenó hasta 1945. Esta obra maestra del teatro español contiene la quintaesencia del estilo lorquiano: el increíble manejo del lenguaje coloquial, el abrumador retrato de una mujer absorbente y, en resumen, la metáfora perfecta de la España reprimida por el odio y la envidia que se adivinaba en el horizonte
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L'arquitectura dels nostres dies
L'arquitectura dels nostres dies parteix d'una veu ficcionada, la d'un home en l'etapa de la vellesa, per indagar en la història d'un matrimoni comú i, alhora, dialogar amb el possible, però inaprehensible, sentit de la vida. Aquesta veu, que s'expressa a través de la poesia, però també per mitjà de monòlegs, s'està acomiadant de la seua dona. L'imminent final ho precipita tot, per tant, en poques hores, les que se succeeixen entre un divendres i un diumenge, convé posar-ho tot sobre la taula i reconstruir la casa. Com ha estat la nostra vida? De què ens penedim? Què mereix ser celebrat? Què deixarem en aquest món quan ens morim?
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Hiperacúsia
A Hiperacúsia el so es converteix en metàfora de la sobreestimulació de la nostra societat accelerada, que no permet la introspecció i que ens allunya cada cop més d'escoltar el nostre cos, la nostra biologia, la nostra natura. El món actual és percussió constant, soroll perpetu, no aturar-se, avançar. Hiperacúsia ens proposa mirar endins: que hi trobaríem? Què ens diuen el cos, els sentits, el cervell? I quin paper hi té la relació entre la ciutat i la nostra escanyada natura en tot això?
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«En este instante yo podría beber sangre caliente, y hacer cosas tan amargas, que el día temblaría de verlas.» Versión y epílogo de Tomás Segovia Introducción de Alan Sinfield, profesor emérito de la Universidad de Sussex. En una gélida noche, tan funesta que el viento se vuelve mensajero de terribles presagios, Hamlet, Horacio y tres soldados se reúnen con el propósito de desentrañar el misterio en torno al espectro que ha aparecido en las últimas noches cerca del castillo. Solo hablará con Hamlet, pues esa criatura castigada a vagar por las tierras de Elsinor fue su padre, el último rey de Dinamarca. Su hermano Claudio le traicionó arrebatándole la vida, el trono y su reina. Un horrible crimen que reclama justicia. Frente al magnífico texto original presentamos la versión de Tomás Segovia, una de las más apreciadas en español. Asimismo, cuenta con una introducción a cargo de Alan Sinfield, catedrático emérito de literatura inglesa de la Universidad de Sussex.
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Durante el confinamiento de la pandemia, los escritores y periodistas María José Santiago y Jesús García Calero emprendieron un duelo de palabras, un juego en el que el deseo fue protagonista de cuarenta y dos relatos eróticos. Él bajo el pseudónimo de J.C. Pursewaden, en un guiño al cuarteto de Lawrence Durrell, ella bajo el de I. Adler, la única mujer que despertó la emoción de Sherlock Holmes, compusieron a través de esa correspondecia secreta un mapa interior en el que cada relato se asocia a un lugar y un tiempo histórico determinados. Se trata de un experimento de riesgo y ternura, de buen humor y provocación, que abrió una puerta a la libertad secuestrada por la cuarentena. Una poderosa arma para vencer el miedo mediante un atlas culto y cómplice que reivindica la terapia de la pasión.
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Desde la antigüedad, la búsqueda más intensa del ser humano es la del lugar donde habita el alma. He aquí una respuesta actual, sencilla, irónica y sorprendente a ese gran enigma histórico. El resultado de un duro viaje de ida y vuelta a las entrañas. Cada relato de este libro está protagonizado por las diferentes formas que puede adquirir el alma: ya sea una barra de pan, un loro, un enjambre de abejas o una guitarra eléctrica. Aquí se encuentran todas las claves de la narrativa de Rivas: todas son historias que le ocurren a gente corriente, habitantes de la Galicia rural y humilde, en todas ellas hay melancolía, poesía e indagación en las capas profundas de la realidad —es decir, el alma— que no siempre podemos percibir por nosotros mismos.
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La poesía de Lorca, encumbrada en su Romancero gitano, recorre paisajes, hurga en tradiciones y denuncia injusticias con la maestría de quien ha sabido utilizar la pluma como pocos, sin claudicar al paso del tiempo. Sin lugar a dudas el Romancero gitano no es solo el gran libro de poesía del canon lorquiano sino también una de las obras poéticas más importantes de la cultura occidental, que ha convertido al poeta granadino en una de las figuras más destacadas de nuestra literatura, junto a Quevedo, Góngora o Juan Ramón Jiménez. A lo largo de los dieciocho romances que conforman el libro, Lorca hace gala del simbolismo que tanto le caracteriza -la luna, el agua, el cuchillo, la sangre, su mundo gitano, «el barco sobre la mar» y «el caballo en la montaña»- con el que ha fascinado, o casi hipnotizado, a generaciones de lectores de todo el mundo.Salvador Dalí escribió...«Federiquito, en el libro tuyo que me lo he llevado por esos sitios minerales de por aquí a leer, te he visto a ti, la bestiecita que eres, bestiecita erótica, con tu sexo y tus pequeños ojos de tu cuerpo, y tus pelos y tu miedo de la muerte, y tus ganas de que si te mueres se enteren todos los señores.»
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Leonor Pataki (Oaxaca, 1995), es artista transdisciplinaria. Su obra plástica se ha exhibido, entre otros espacios, en el Museo de Arte de Querétaro y en el Festival Internacional Cervantino. Actualmente es directora de proyectos de LibrodeArena, coordinando anualmente el desarrollo y la edición fílmica de un Coloquio de Semiología Cultural. Este libro, su primera obra publicada, ha obtenido en 2025 el Premio Loewe de Poesía a la Creación Joven. «Todos los miembros de la cofradía de los amantes de los gatos, se sentirán identificados en cada línea de este libro. Si para los mortales existe un amor que es causa de la dicha y la desdicha, si de los dioses existe el amor de la gracia y para ellos el amor exaltado de la devoción, Leonor Pataki nos revela que en los gatos reside una devoción sin deuda, un amor sin servidumbre, una gracia ineluctable y una liturgia del sigilo. Nos invita a descifrar un paseo existencial, encriptado en el lomo de su felino, maestro de la autonomía. Una madeja de estambre es también un tributo a lo literario femenino. En la voz de la poeta, se despliegan las voces solitarias de las muchas mujeres de nuestro tiempo y de las mujeres inmemoriales, pero sobre todo, de las que han construido una mística relación con su gato, de las que escriben, de las que existen en la ciencia amorosa de la gatología». Francisco de Paula Nieto
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El Mahabharata es la gran epopeya de la India. Describe el combate sin piedad que libraron las dos ramas de los Bharata, los Kaurava y los Pandava, por el trono de la dinastía lunar. El grupo de los Pandava cuenta con la ayuda de Krishna, encarnación de Vishnú, el cual antes de la última batalla entona el Bhagavad Gita, piedra angular de la espiritualidad hindú. En esta Ilíada india, donde los demonios se enfrentan a los ejércitos celestes, los temas de la vida y la muerte, la virtud y el destino, la fuerza y el derecho reciben un tratamiento narrativo. Tras vivir durante más de un cuarto de siglo en la India, donde conoció distintas versiones del texto original, Serge Demetrian ha buscado inspiración en los narradores populares del sur del país para ofrecer una versión inédita del Mahabharata. Al recorrer sus páginas, el lector occidental se adentra sin apenas darse cuenta en el corazón del alma india.
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El lugar donde hallar todos aquellos instantes que nos hacen sentir. Cualquier acción, lugar o persona que ha despertado esos sentimientos son los responsables de poder escribir y dejar huella en este pequeño rincón donde toda persona es bienvenida. Siento, luego escribo. Y si escribo, es gracias a ti.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.