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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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El exotismo y misterio de Japón hace ya tiempo que entró en la poesía española de la mano del haiku. La maestría de autores como Sōkan (1465-1553), Moritake (1473-1549) y Bashō (1644-1694) sedujo a Valle-Inclán, Díez-Canedo, Antonio Machado y José Juan Tablada. Alicia Mariño vuelve a visitar por segunda vez este territorio del verso japonés, en un ejercicio donde conviven en armonía poemas contemplativos e introspectivos con otros melancólicos y gozosos, amorosos y de desengaño, de vida y muerte. Un encuentro entre la cultura de Oriente y la tradición europea y occidental, un acercamiento entre dos sentimientos donde la presencia de la naturaleza y el carácter efímero de la vida se dan la mano desde dos esquinas del mundo.
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Hugo Mujica nació en Buenos Aires en 1942. Estudió Bellas Artes, Filosofía, Antropología y Teología. Después de dedicarse al arte en el Nueva York de los años 60, hizo voto de silencio y empezó a escribir poesía en un Monasterio de la orden trapense. Hoy es uno de los poetas más importantes de la literatura argentina. «Hugo Mujica, uno de los maestros de la poesía contemporánea, entrega aquí un nuevo libro esencial. Su título largo, hecho de diez palabras, es puro lenguaje en movimiento. Suena directamente a vida la partitura anotada en estas páginas. El poeta pone ante nuestros ojos (y en nuestras manos) una totalidad, la del mundo, que se nos hace gratamente breve. Atiende a lo pequeño, porque está más cerca de lo invisible. Nos cura de muchas dualidades dolorosas, haciendo que seamos ''la carne que / algunos llamamos / alma''. Es esta una poesía para dejar de estar solo, para andar descalzo y para resolver lo que la lógica da por irresoluble. Hugo Mujica podría ser minoritario en una época como la nuestra, pero ha hecho el milagro de llegar al gran público literario. Muchas personas seguirán viviendo poéticamente -es decir, viviendo mejor- gracias a él». Juan Antonio González Iglesias
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La reina lloba
Amb La reina lloba, Carrió es proposa descobrir-nos la vida apassionant de Margaret d’Anjou. Serà núvia, muller, amant, reina, mare, guerrera, vídua i bruixa visionària. Ordirà intrigues polítiques, liderarà els exèrcits dels Lancaster, lluitarà contra els York i, finalment, perdrà la guerra, la corona, el marit i el seu únic fill.
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El teatro de Tirso de Molina es un enclave en la historia del teatro áureo situado entre el inicio sobresaliente de Lope y la culminación triunfante de Calderón, sobre todo en lo que a la comedia de enredo se refiere. Entre ''La dama boba'' y ''La dama duende'' se sitúa el eslabón de un nutrido puñado de comedias tirsistas en las que las mujeres llevan la iniciativa, dirigen la trama siempre en su beneficio y en la lenta pero imparable imposición de su libre arbitrio como quien no quiere la cosa. Tirso dio a sus personajes, sobre todo a las mujeres, el coraje y la fuerza de la autodeterminación, dentro de los límites que su tiempo marcaba. Tirso juega con el ''engaño a los ojos'', con que casi nada sea lo que aparenta a primera vista, con las urdimbres del enredo y la eficacia humorística y cómica. ''La celosa de sí misma'' es una de las mejores comedias de intriga escritas por Tirso de Molina, empezando por la paradoja del título. Sobre el muy antiguo motor teatral de los celos, Tirso logra crear uno de los personajes femeninos mejor acuñado por su pluma. Rizando el rizo, el tercero o tercera que exige toda trama de celos se convierte en un desdoblamiento especular de sí mismo, demostrando así que un personaje con capacidad imaginativa y herencia de ''curioso impertinente'' puede desdoblarse en su mismo rival por el amor de un galán que resulta ser, simultáneamente y por la misma persona, deseado y rechazado.
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¿Son estos los cincuenta mejores poemas de la lengua española? Es muy discutible. Pero Andrés Amorós los ha elegido porque son excelentes: nos deslumbran por su belleza y nos conmueven por su emoción. Desde nuestra niñez, algunos de los poemas seleccionados por Andrés Amorós en Se canta lo que se pierde los hemos considerado como un tesoro que guardábamos dentro de nosotros y que siempre nos ha acompañado: nos han enseñado a vivir y, en los momentos difíciles, nos han dado consuelo. Quizá ahora, con el paso del tiempo, y en estos nuevos años negros para la cultura y las humanidades, brillen con especial fuerza.
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Fiel a su manera, el poeta alterna el fondo reflexivo, la intención moral, la familiaridad con la tradición y su proyección en el presente.Sexta entrega de la obra poética de Jacobo Cortines, De un adiós permanente enlaza con la anterior, Días y trabajos, en cuanto que tras el Pórtico, representado por el poema ''Eco'', que marca el tono general del libro, este se inicia con la sección ''Ofrenda'' como culminación de los poemas dedicados a la amada fallecida. En la siguiente, ''Presencias'', el amor se renueva como la luz que rige el universo. La manifestación de la Naturaleza, una de las constantes en la obra de Cortines, tiene su espacio en ''Canciones de la tierra''. Frente a ella, con su culturalismo de tono íntimo, ''Colores y notas'' reúne vivencias nacidas de las artes plásticas. El libro se cierra con un Epílogo, ''De los adioses'', en el que destaca una emotiva meditación existencial, acompañada de poemas breves que le sirven de contexto.
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Un mundo apocalíptico donde la lluvia debe ser traducida, el silencio canta más fuerte que el habla y los pájaros cableados repiten grabaciones de sus ancestros extintos. Al 2040 empieza con una pregunta puntuada como si de una afirmación se tratara: «Estamos / acaso ya extinguidos. De quién es / el mapa». Sus poemas son cantados por alguien que está escribiendo esos mismos versos mientras mira por la ventana de una sala de radioterapia, y lo que ve fuera son los retazos de una tierra en ruinas: un mundo apocalíptico donde la lluvia debe ser traducida, el silencio retumba más fuerte que el habla y los pájaros, conectados a la red, repiten grabaciones de sus extintos ancestros.En estos poemas visionarios, Jorie Graham hace a la vez de historiadora, de cartógrafa y de profeta, y, con imágenes de precisión cinematográfica, nos muestra múltiples futuros potenciales, que abarcan desde vistas aéreas de costas remodeladas hasta primeros primerísimos planos de un gusano excavando en la tierra. Todo ello con la banda sonora de sirenas entre los escombros, contemplando la pérdida de las especies que los habitaron y de quienes les dieron nombre.Con la crisis climática en suspenso, este libro funciona como una carta abierta urgente destinada al futuro, a la par que vamos siendo cada vez más conscientes de la profunda belleza de este mundo que estamos destruyendo, mientras buscamos con apremio una orientación que, quizá, ya no esté a nuestro alcance.
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Hernia está enamorada de Lysander, pero debe casarse con Demetrio o condenarse a pasar el resto de su vida en un convento. Juntos planean fugarse para escapar de su destino. Pero Helena, la mejor amiga de Hermia, está enamorada de Demetrio en secreto y, con la esperanza de conquistar su corazón, le cuenta su plan.
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Tras las selecciones poéticas dedicadas a Rosalía de Castro y Celso Emilio Ferreiro, dos de los máximos exponentes de las Letras en Galicia, FAKTORÍA K refuerza la colección ‘Trece Lunas’ con la obra en castellano de Gabriela Mistral, cuya figura está unida al patrimonio histórico y literario chileno, y de Miguel de Unamuno, uno de los principales poetas del siglo XX, gran amigo de inventar lenguajes especiales: “Dipe-lepe ape Papecope quepe voype ape rompeperpelepe lospe moperrospe”. Admiraba la literatura que se transmite de niños a niños - canciones de corro, cuentecillos breves y burlescos, relatos orales, chascos- sin contaminación de los mayores. Y consideraba el lenguaje un juguete en sí mismo: “Una nueva palabra excita nuestra alegría igual que un nuevo bicho”, dijo en Recuerdos de niñez y mocedad.
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Para quienes cruzan más de una frontera al enamorarse.sojourn es un poemario sobre la pérdida tras el suicidio de alguien querido, sobre la resistencia a la ausencia y la búsqueda de nuevas rutas para seguir adelante a pesar del vacío. La vida y la muerte atraviesan estas páginas, en una obra abstracta y visual que condensa autoengaño, dolor y resiliencia. Este poemario pertenece a la segunda etapa de la escritura de Alberto Ramos, junto a baydoun, alpha y la novela brown: un universo poético que explora las relaciones, la identidad y las heridas que nos acompañan. Con una mirada íntima y quebrada, sojourn propone un viaje lírico hacia lo más complejo del yo fluido de nuestro tiempo. Una obra sobre el amor, las rupturas y la esperanza de un nuevo comienzo. Porque el camino fue duro y el dolor aún acompaña, pero la noche quedó atrás, y el sol está a punto de salir.
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Michelangelo Buonarroti (Florencia, 1475-Roma 1564), uno de los gigantes de las artes plásticas de todos los tiempos, cuyo genio se dio a conocer en su ciudad natal merced a los auspicios de Lorenzo de Medici y floreció en Roma, bajo el mecenazgo papal, fue también un extraordinario poeta. Su producción en verso fue largo tiempo considerada menor con respecto a sus obras escultóricas y pictóricas, tras su publicación por un sobrino, con torpes enmiendas, en 1623. Fue en 1863, al ser publicadas las Rime por el erudito Cesare Guasti en edición completa, conforme a los manuscritos del artista, cuando se estableció la cronología de los poemas (sonetos, madrigales, canciones y fragmentos) y pudieron apreciarse la singularidad y el desarrollo de la obra. A partir de este importante hito editorial se inauguran los estudios de la poesía buonarrotiana, cuya originalidad e importancia en el contexto estético de su tiempo ha sido destacada por grandes poetas, escritores y críticos literarios del mundo occidental contemporáneo. Musicalizadas por Hugo Wolf, Benjamin Britten y Dmitri Shostakovich, las Rimas de Michelangelo han sido traducidas al inglés, al alemán, al francés, al portugués y al castellano. Entre los más ilustres y felices traductores de algunos de estos poemas se encuentran William Wordsworth, Rainer Maria Rilke y George Santayana. A diferencia de otras versiones de esta obra, concentradas en los sonetos, la presente edicion ofrece muestras de otras formas métricas en una selección que incluye las composiciones más representativas del genio poético buonarrotiano. Manuel J. Santayana (1953, Camagüey, Cuba) vive exiliado en Estados Unidos desde 1967. Ha publicado dos libros de poesía: De la luz sitiada (Miami, 1980) y Las palabras y las sombras (México, 1992), el primero comentado por Alberto Baeza Flores y Orlando González Esteva, y el segundo por Eduardo Milán (en Vuelta, 1992). Versos y prosas suyos han aparecido en La urpila (Montevideo), Linden Lane (Nueva York) y Encuentro de la cultura cubana (1999). Es traductor de Ronsard, Rilke, Yeats, Montale y Drummond de Andrade, entre otros poetas.
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Perles de la nit: poetes andalusines
Al llarg del temps, els qui han escrit la història de l’Àndalus no han deixat de meravellar-se de la instintiva genialitat dels andalusins en el conreu de la poesia àrab clàssica. A hores d’ara, però, no ens hauria de sorprendre gens que el focus més important d’irradiació de la cultura àrab a Occident durant segles donés una bona florada de poetes extraordinàries. De la quarantena de noms que ens han arribat a través de les fonts —cosa que indica clarament que aquest tresor literari no va ser pas fruit de l’atzar—, apleguem en aquesta antologia gairebé tots els poemes que s’han conservat d’elles, rutilants perles de la nit que per primer cop fan llum en català.
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Adéntrate en las páginas de los libros más famosos de todos los tiempos y maravíllate con las historias que esconden. Más de 75 títulos que han sido mundialmente celebrados son estudiados en esta impresionante publicación. Libros que han cambiado la historia es una enciclopedia única que abarca cientos de títulos desde el año 3.000 AC hasta el día de hoy. Sus capítulos están ordenados cronológicamente para mostrar la evolución del pensamiento humano y cómo este ha ido cambiando en los libros. Descubre datos increíbles de los títulos que más han influenciado, incluyendo el El diario de Ana Frank, Alicia y las primeras ediciones de los clásicos Penguin. Desde El origen de las especies hasta la concepción del sistema Braille que aún usamos hoy en día, estos son los libros que han causado un mayor impacto en la historia y la cultura mundial. Cada título está presentado con fotografías a todo color de las primeras ediciones y fascinantes biografías de aquellos que las protagonizan. Toda una auténtica celebración para las personas que disfrutan de la lectura.
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El símbolo de la seducción amorosa, de la arrogancia y el cinismo, la figura del burlador, toma cuerpo en el personaje de don Juan que la literatura española ha difundido universalmente. Don Juan Tenorio, el drama romántico escrito por José Zorrilla, es la versión más exitosa de un tipo de seductor, muy común en nuestro acervo cultural, que ya llevaba más de dos siglos pagando sus culpas en los escenarios. Aunque el carácter ejemplarizante se haya perdido en la versión de Zorrilla, lo fundamental, lo que ha pervivido, es el tipo de persona que seduce por el mero placer de la conquista, sin que le importe en absoluto dejar ultrajadas a sus víctimas. Los donjuanes y los tenorios de hoy, ya sean hombres o mujeres, siguen teniendo en este ''drama religioso-fantástico'' una de sus mejores y más populares traslaciones.
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En ''Indentaciones'', Victoria Marín hace gala de una voz poética madura y contenida. El título no es casual: cada poema funciona como una muesca en el tiempo, una sangría en el texto de la vida que permite que el aire —y el sentido— entre en la lectura. La autora evita el artificio innecesario para centrarse en la potencia de la palabra exacta y el valor del vacío. Es una obra que no solo se lee, sino que se habita, dejando en el lector una huella tan profunda como las ''indentaciones'' que describe.
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Primera lliçó sobre Vicent Garcia, Rector de Vallfogona
Primera lliçó sobre Vicent Garcia, Rector de Vallfogona ofereix una introducció a l’obra de qui va ser el poeta més important en llengua catalana entre March i Verdaguer i el primer gran escriptor català del Barroc. Després d’una aproximació a la vida, l’obra i la llengua de l’autor, s’analitza la seva poesia a partir de quatre eixos fonamentals —l’amor, la realitat, la literatura i el poder i s’estudia la seva recepció fins als nostres dies i la seva dimensió com a personatge de l’imaginari popular.
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El alma de los desiertos es un conjuro tejido con arena y viento, un libro que abre portales hacia lo invisible. Claudia Michelle convoca símbolos antiguos -escarabajos, sarcófagos, inscripciones sagradas- para que el lector se adentre en un territorio donde la memoria se convierte en ritual y la palabra en ofrenda. Este viaje no es lineal: es un descenso hacia las raíces de un abuelo que habita en la penumbra de las dunas, una travesía por lo que se oculta bajo las pirámides y lo que se revela en los espejismos. Cada poema es un umbral, cada página un altar que ilumina la plenitud escondida en lo árido. La escritura se despliega como un canto hipnótico, un mapa secreto que guía hacia lo liminal: allí donde lo abandonado retorna, donde lo perdido se transforma en presencia, donde el silencio se convierte en revelación. El alma de los desiertos no es solo un libro: es una ceremonia de palabras, un viaje iniciático que invita a escuchar la voz de la arena y a reconocer que en lo desértico también late lo eterno.
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Infama Moralia, de Fernando Oleas, es una obra poética escrita en 2002 que conserva una inquietante vigencia. A través de mil trescientos sesenta y cinco versos -alternando métricas de nueve y once sílabas- el autor compone una melodía de desesperanza que interpela la conciencia política y espiritual de nuestro tiempo. Este poemario surge como una reflexión lírica sobre los atentados del 11 de septiembre y la guerra en Irak, abordando el doble sufrimiento de un pueblo herido: el que padece en carne propia la violencia, y el que observa cómo se teje, desde el poder, la justificación de nuevos ataques. Su narrador, figura fantástica y crítica, sobrevuela la Oficina Oval y las calles de Nueva York, escuchando tanto las estrategias del poder como los lamentos del pueblo. Infama Moralia no busca culpables ni promueve el rencor. Es un llamado ético, espiritual y político a la reflexión profunda, a la empatía, a la posibilidad de una conciencia compartida. Con imaginación literaria y sensibilidad social, Oleas construye una obra que denuncia sin odio, que observa sin concesiones, y que invita a pensar desde la herida, pero también desde la esperanza.
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Desde a tenrura, a ilusión e a reflexión, «Pai» explora a aventura da crianza dun fillo neste mundo actual cheo de incertezas. As preguntas, as dúbidas, os medos e os descubrimentos do fillo e do pai vanse abrindo camiño nunha viaxe compartida como un xogo serio que moldea as súas vidas. «Pai» ofrece unha perspectiva que renuncia aos privilexios masculinos tradicionais e propón un modelo alternativo baseado na ruptura de estereotipos e no compromiso social e emocional.
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El secret del desig
Entre carícies fetes paraules i silencis que cremen, aquest llibre és un viatge a través del desig, l'amor i la pell. Inspirada en la seva musa, que encén cada vers amb la llum de la seva presència, l'autora converteix cada poema en un batec, una confessió, una explosió de passió i tendresa. Amb una veu íntima i directa, despulla els sentiments i els transforma en versos que ressonen com un gemec o un xiuxiueig a cau d'orella. Una invitació a perdre's en el plaer de la poesia i a trobarse en cada emoció.
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#challenge: apaga o móbil un par de horas, concentra ese cerebro virtualizado que tes e adéntrate nunha intranet de versos sen ''postureo'' nin filtros.
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No ha sido el teatro lo que convirtió a Mercè Rodoreda en la voz femenina más poderosa de la literatura catalana de todos los tiempos y, sin embargo, su delicadeza, su estilo sinuoso, su sensibilidad también laten en estas obras. Cuatro piezas incluye esta edición, en realidad, cuatro mundos completamente diferentes: Doña Florentina y su amado Homero, nos invita al salón de unas vecinas, amigas tiempo atrás, donde Zerafina, la criada, al fin ha encontrado su lugar en el mundo, por otro, los vagabundos de El maniquí nos describen el ambiente de marginación en que viven y nos recuerdan que, pese a todo, tienen derecho a soñar en una vida pasa, tal vez inventada, pero mucho mejor, El hostal de las tres camelias nos propone una mirada al drama rural, protagonizado por unos personajes, paradójicamente, típicos pero no tópicos, desde el punto de vista de una sordomuda que se ve obligada a hablar, y, finalmente, en Un día nos adentramos en escenarios que reconocemos como propios de Rodoreda: la casa barcelonesa de Teresa Goday, a quien aquí nos presenta con el nombre de Caterina. Como en el conjunto de su obra narrativa, Rodoreda observa atentamente el comportamiento de sus personajes, reflexiona sobre su condición de manera desinhibida, y entre la risa y la alegría puede devenir en dolor y llanto conmovedor, o viceversa. En suma, este Rosas de fuego es una joya no sólo de la dramaturgia, sino de la literatura en general, y al fin el lector puede disfrutar de una nueva edición con una maravillosa traducción en español.
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La niña del sol es un libro en el que niños y niñas pueden recrearse con personajes y lugares fantásticos que habitan en sus sueños y que, en estos poemas, se vuelven visibles ante sus ojos. Los espacios cotidianos cobran vida a través de seres animados: animales y paisajes que narran historias llenas de magia e ilusión, alentándolos a no dejar nunca de soñar ni de mirar esas otras imágenes que los adultos ya no sienten ni perciben. Así surgen escenarios llenos de atractivo y misterio, que invitan a seguir disfrutando de la niñez y de esos años maravillosos que siempre recordamos como una etapa única e irrepetible.
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Luz de obra es un recorrido poético por las estancias de la memoria y los lazos que nos definen. Darío Barro explora con sensibilidad el ciclo de la vida: desde el rumor del nacimiento hasta el cauce inevitable de la vejez. Entre pasillos de hospitales y casas que guardan ausencias, estos versos entrelazan la orfandad con la paternidad, recordándonos que somos ''sangre de la sangre'' y herederos de un tiempo que no se detiene. Esta obra es una invitación a aprender de nuevo el significado del verbo amar y a comprender que en la vida, el dolor y la belleza conviven bajo una claridad provisional. Son páginas que nos animan a habitar el presente con la certeza de que, aunque los días pasen, la vida es un regalo que nos pertenece en usufructo.
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Crónicas de una adicta a sí misma es una obra de versos libres y prosa poética en la que cada texto, cada párrafo, cada frase, cada palabra, cada vocal y consonante pretenden reflejar sentimientos abstractos, pensamientos complejos y situaciones difíciles que he experimentado a lo largo de mi vida. El sufrimiento y el dolor son parte de nuestra vida, sufrimiento y dolor que pretendo plasmar en los textos evocando imágenes mediante el uso de metáforas. Pero entre los abismos también florece la belleza: la búsqueda de sentido, la ternura en medio del caos, la contradicción del amor, la presión de las expectativas, el fracaso que moldea, el cuerpo que duele pero también resiste. Cada texto es una confesión íntima, un espejo fragmentado donde el lector puede encontrar su reflejo. Esta obra no pretende dar respuestas, sino ofrecer compañía. Porque hay días en los que sobrevivir también es un acto poético.
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Vivàrium
Vivàrium crea i rememora paisatges fugissers, les formes incandescents d’una passiófeta d’imatges. D’una escriptura que trama, que vibra i beu de les aigües vestigials de lamemòria.«Invocadora de veus i dels seus filaments, coven encara romanents d’una illa que no se’nsdescriu, sinó que es divisa i es rememora, com un topos que és, sobretot, un glatir, i undesig femení revocant les estructures. La radicalitat del risc d’estimar i ser estimada, larevivificació de les seves formes. Del voler ser pur esdevenir, de l’existència revelant-se-licom el nucli absent i present alhora: l’ardència d’una flor que perviu, i que no tem a totesles fosques que tenyeixen els pigments de la passió més endinsada» (de l’epíleg de DolorsMiquel i Mireia Casanyes).
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La heredera mexicana de Ursula K. Le Guin irrumpe con este libro de cuentos ganador de los premios Otherwise, Shirley Jackson e International New Star del Fishing Fortress Award. «En México, escritoras como Gabriela Damián Miravete utilizan la ciencia ficción para enfrentarse a la epidemia de violencia que padecen las mujeres en su país». Emily Hart, The New York Times Se dice a menudo que «el futuro está escrito» como si eso robara toda la esperanza, pero es en la escritura donde se juega la imaginación subversiva de lo posible y la memoria indómita de lo que está al borde del olvido. ¿Y si, para los seres que el presente desprecia y mengua, el porvenir fuera el tiempo de la rebeldía y la comunidad? En los doce cuentos que componen Soñarán en el jardín, Gabriela Damián Miravete despoja la fantasía, el horror y la ficción especulativa del manto fúnebre de lo irreversible en una serie de ventanas a lo inesperado y asombroso. Y lo hace con una inteligencia insubordinada y un oficio artesano en el arte de contar. Sus narradoras son, como ella, mujeres autónomas que confabulan para ingeniar máquinas y conjuros de libertad de cara a los páramos de la catástrofe. Las flores y los gatos, el agua y la montaña deshacen con palabras indóciles la promesa de apocalipsis que intenta conquistar nuestro mañana y ocupan el lugar de los congéneres, en un mundo compartido y horizontal en el que los seres humanos no son la cumbre de ninguna evolución.La crítica ha dicho:«Miravete explora el papel de la mujer en la cultura y la historia mexicanas en estos inusuales cuentos cortos [...]. El hilo conductor es lo que significa vivir en México siendo mujer. Las historias invitan sin ninguna duda a la reflexión».Publishers Weekly «La literatura de Gabriela Damián Miravete ha ido surcando caminos hasta consolidarse internacionalmente como una de las clásicas de la ficción especulativa mexicana».Brenda Navarro«En México, escritoras como Gabriela Damián Miravete utilizan la ciencia ficción para enfrentarse a la epidemia de violencia que padecen las mujeres en su país».Emily Hart, The New York Times «Una historia escrita bellamente [...]. Un buen ejemplo de la ciencia ficción como herramienta para la exploración feminista y el cambio social».Tiptree Award«Una autora vibrante e intrigante [...]. Mientras que algunas de las historias son oníricas y surrealistas y otras son claramente de ciencia ficción, todas giran en torno a mujeres individuales que intentan superar un trauma o se defiendenactivamente del peligro. [...] Una de las colecciones más importantes del año».Rachel Cordasco, Strange Horizons «Gabriela Damián Miravete se ha hecho de un nombre en la escena de la literatura fantástica y la ciencia ficción nacional. [...] Soñarán en el jardín se sitúa en un México del futuro donde la sombra de los feminicidios ha desaparecido.En la historia, el jardín funciona como espacio de restitución, de justicia y de memoria».Manuel Barroso, Letras Libres
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Miguel Hernández, uno de nuestros poetas más populares, es también un ejemplo de compromiso del intelectual con la sociedad de su tiempo. Su obra, en la que denuncia las injusticias y defiende los derechos y libertades de las personas, lo ha convertido en uno de los referentes de la poesía social española y de la generación del 36, integrada por autores cuya obra está ligada al período de la guerra civil. Las acuarelas de la alicantina Paula Alenda, con sus formas ingenuas y sus colores cálidos, claramente mediterráneos, acompañan la fuerza vital y simbólica de estos poemas.
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El Musot
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Tot plegat, gran escampall
La imatge de la coberta és l'astronauta soviètic Iuri Gagarin que, un cop a l'espai, exclama: «Déu no hi és!» Rere aquesta imatge, hi ha el sentit d'aquest llibre. Aquest llibre és un intent d'explicar el món, d'abordar les incongruències que són inherents a la nostra existència. Aquest llibre és una recerca d'un agnòstic o un ateu que, en el fons, és paral lela a la recerca d'un creient: l'ateu i el creient transiten pels mateixos espais i els mateixos dubtes. Aquest llibre delata la incapacitat humana per a definir l'alternativa o l'oposició a Déu que no sigui la negació de Déu.
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Romper el silencio nos introduce en el mundo —y por qué no, el submundo— de quienes creemos que la poesía no solo embellece, sino que revela. El autor nos invita a recorrer su universo, que es también el de muchos de nosotros. Versos tangibles, abiertos, desnudos, plagados de una lindeza simple, cotidiana. Nos envuelven entre la herencia cruda de romper con el silencio y la belleza que flota mientras respiramos la poesía que nos cuenta. Por momentos, el desgarro: ese gesto de desnudarse de lo que sobra para transitar más liviano. Por momentos, la simbiosis con el amor y el deseo, eso que nos puebla el alma y la enciende hasta arder. Romper el silencio, un poemario que nos acerca tanto al autor como a nosotros mismos, reconociendo en sus palabras nuestros pasos, esos que a veces preferimos callar, para no escucharlos salir de nuestra propia boca. Este libro no solo se lee: se atraviesa.
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Dentro de este pequeño tesoro, que tiene por objeto mostrar el sentir de cualquier persona sensible y confusa, provista durante su trayectoria vital de un profundo malestar, bien extrínseco o intrínseco, y desconociendo por completo qué hacer con él, se encuentra este hermoso ser que respira y transpira belleza, verdad, pureza y amor. Sacralidad del alma es el segundo poemario de Cristina Díez. En él poetiza sentimientos que se encuentran entre lo humano y lo divino, entre dimensiones, entre universos paralelos... ¿Cuál elegirá? Inefables sentimientos grises a los cuales da ritmo, vida y luz con la facilidad y gracilidad que la caracterizan. Así como a la mágica Ninfa se le abre un pórtico hacia lo divino a través del Loto Azul, también nos abre otra puertita de su alma para todos aquellos que libremente quieran continuar acompañándola en la profundización de la vida y la búsqueda de respuestas, basándose en vivencias propias y a través de versos neutrales, libres de toda ideología humana posible. Esta vez Ninfa chapotea en la sangre, se ahoga en los sollozos y revivifica en su propio hálito. Sacralidad del alma es un fiel testimonio de una severa, larga y agonizante etapa, consecuencia de una pléyade de hechos concretos e inesperados.
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Viuda por segunda vez, Bernarda Alba impone un luto de ocho años para toda su familia. Las cinco hijas luchan por abrirse paso en una sociedad patriarcal marcada por el fanatismo religioso y el miedo al qué dirán. Dos de ellas se enamoran del mismo hombre y se desata la tragedia. Escrita en 1936, poco antes del ajusticiamiento de García Lorca, La casa de Bernarda Alba no se estrenó hasta 1945. Esta obra maestra del teatro español contiene la quintaesencia del estilo lorquiano: el increíble manejo del lenguaje coloquial, el abrumador retrato de una mujer absorbente y, en resumen, la metáfora perfecta de la España reprimida por el odio y la envidia que se adivinaba en el horizonte
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En Barco de Papel, Agustín Cerezo comparte su cartografía personal que parte del amor y del deseo, llena de evocaciones y plena en su manera de mostrar una identidad poética, navegando por mares interiores, por los íntimos paisajes de la naturaleza de quien escribe para pintar con palabras alguna idea o inquietud, una emoción visible, poemas que dicen lo que no se puede decir de otra forma.Ahí, en la profundidad de lo enunciado, es posible percibir una cadencia de olas, experimentaciones discursivas e imágenes que vuelan la imaginación, una varia invención de juegos poéticos bajo un tono lúdico y coloquial. Se trata, pues, de una exploración a libro abierto, donde las aguas de cada texto conceden el reflejo del autor, así como de quienes sumergen la mirada entre sus páginas.
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Raimundo, un niño de posguerra no conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas con odio. Precuela de Ventolino.En La Quinta encontramos a Raimundo, un niño de posguerra. No conoce a sus auténticos padres y la familia que lo adopta responde a sus preguntas por medio del odio. Tan solo Diana y el encuentro con un hombre misterioso que vive en una vieja quinta, a las afueras del pueblo, parecen atender al enigma de su identidad, a la incertidumbre sobre su futuro.La obra nace como precuela de la saga Ventolino, de títulos como Las aventuras de Ventolino y La era del Oricuerno, obra ganadora del III Premio Liliput de Narrativa Joven.El amor del autor por las leyendas del Cantábrico, Galicia, Asturias, norte de Castilla y León le llevó a crear a Ventolino y los libros en los que disfrutamos de esta saga formada por siete historias. En ellas se dan cita personajes como xanas, trasgos y ventolinos, seres de nuestra tradición que entran en relación con los jóvenes actuales. Ahora, en La Quinta, tenemos de fondo una cuestión: el origen de Pueritia: el terreno mágico que Asier Aparicio inventó para los lectores. Esta obra está influida por Buero Vallejo. Hay cosas muy reales que no existen porque no deseamos verlas (los olvidados, los invisibles… como el refugiado de la Quinta o los niños sin padres) y otras que cobran realidad solo porque nos empeñamos en verlas (como el amor, el odio, los sueños y las sospechas).
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Un pequeño gran acontecimiento altera la vida de los vecinos de un edificio del centro de la ciudad (una ciudad cualquiera de un país cualquiera): tras más de un año con el ascensor fuera de servicio hoy llega el técnico que supervisará la instalación final y dará el visto bueno a su puesta en marcha. Los vecinos y las vecinas más mayores esperan con ansiedad la llegada del técnico y poco a poco se congregan para estar presentes cuando el ascensor vuelva a estar operativo después de muchos meses de sufrir subiendo las escaleras o evitando salir de casa. Con los inquilinos reunidos, la última persona en llegar al portal es Valentina, una joven que vive de alquiler en el cuarto piso y a la que no parece preocupar tener que subir y bajar las escaleras todos los días. Ella es la única que desconoce por qué el ascensor lleva casi un año y medio sin funcionar y se unirá a los demás para esperar la llegada del técnico. Será durante esa espera cuando Valentina descubra el oscuro secreto que une a los vecinos del edificio.
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Los libros de poesía relatos y teatro reúnen obras impresas que exploran la expresión literaria desde la intensidad lírica, la narración breve y la representación dramática. En esta categoría destacan los libros de relatos y los libros de poesía, junto a textos teatrales que invitan a la lectura en voz alta y a la interpretación escénica. El formato en papel favorece una experiencia íntima, reflexiva y pausada, acorde con la riqueza expresiva de estos géneros.
¿Qué son los libros de poesía, relatos y teatro?
Son publicaciones en papel que agrupan obras literarias centradas en la brevedad narrativa, la creación poética o el diálogo dramático.
Definición
Los libros de relatos presentan historias breves que condensan tramas y personajes en pocas páginas. Los libros de poesía reúnen composiciones líricas que trabajan el ritmo, la imagen y el lenguaje simbólico. El teatro, por su parte, se construye a través del diálogo y la acción escénica.
Diversidad de formas literarias
Estos géneros permiten experimentar con distintas voces, estilos y estructuras. Desde la intensidad emocional de un poema hasta la tensión dramática de una obra teatral, cada formato ofrece una experiencia literaria singular.
Cómo elegir libros de relatos, poesía y teatro
Escoger entre distintos libros de relatos o libros de poesía implica atender a la sensibilidad personal y al tipo de lectura que se busca.
Criterios de selección
Es recomendable valorar el estilo del autor o autora, la temática y la estructura de la obra.
- Relatos contemporáneos o clásicos.
- Poesía intimista, social o experimental.
- Teatro clásico o dramaturgia actual.
- Antologías que permiten descubrir varias voces en un mismo volumen.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de poesía relatos y teatro en formato papel presentan propuestas variadas que se adaptan a diferentes intereses lectores.
Tipos de libros y contenido
- Recopilaciones de cuentos breves.
- Libros de poesía de autor o autora con identidad estilística definida.
- Obras teatrales pensadas para la lectura o la representación.
- Antologías temáticas o generacionales.
Estos libros destacan por su intensidad expresiva y por la capacidad de condensar emociones, conflictos y reflexiones en formatos diversos.
Beneficios culturales y educativos
La lectura de libros de relatos, poesía y teatro en papel estimula la sensibilidad estética, la imaginación y la capacidad de interpretación.
Desarrollo expresivo
La poesía y el teatro fomentan la comprensión del lenguaje simbólico y el valor de la palabra como herramienta artística.
Formación literaria
Los libros de relatos permiten trabajar la síntesis narrativa y la construcción de atmósferas, aportando recursos clave para el análisis literario.
Orientación lectora: ¿para quién son estos libros?
Los libros de poesía relatos y teatro están dirigidos a personas que buscan experiencias de lectura intensas y variadas.
- Lectores y lectoras interesados en textos breves y sugerentes.
- Personas que disfrutan de la expresión lírica.
- Estudiantes que trabajan géneros literarios diversos.
- Quienes valoran la lectura en voz alta y la interpretación teatral.
Preguntas frecuentes sobre libros de poesía relatos y teatro
¿Qué diferencia hay entre un libro de relatos y una novela?
El libro de relatos reúne historias breves independientes, mientras que la novela desarrolla una trama extensa con mayor profundidad narrativa.
¿Qué aportan los libros de poesía a la experiencia lectora?
Aportan intensidad emocional, cuidado del lenguaje y una lectura más simbólica y reflexiva.
¿Cómo elegir una obra de teatro en formato libro?
Es recomendable tener en cuenta el estilo dramático, el periodo histórico y si se busca una lectura individual o un texto para representar.
¿Por qué leer poesía y teatro en formato papel?
El formato en papel favorece la concentración, la relectura y la apreciación del ritmo y la disposición del texto en la página.