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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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[…] Pla dice que hay que escribir como se escribe una carta a la familia, pero con un poco más de cuidado. Aquí voy a hacerlo como si hasta las cartas fueran un alarde de retórica. Como si hablara solo. * […] He estado en la cárcel, he hecho una huelga de hambre, he sufrido un divorcio, he asistido a un moribundo. Una vez fabriqué una bomba. Negocié con drogas. Me dejó una mujer, dejé a otra. Un día se incendió mi casa, me han robado, he padecido una inundación y una sequía, me he estrellado en un coche. Fui amigo de alguien que murió asesinado y fue enterrado por los asesinos en su propio jardín. También conocí a un hombre que mató a otro hombre, y a uno que se ahorcó. Sólo es cuestión de edad. Todo esto me ha sucedido en una vida en general muy tranquila, pacífica, sin grandes sobresaltos. * […] Ni «espíritu de sacrificio», ni «afán de superación», ni «aspiración a la excelencia». Ni ningún respeto o simpatía por tales cosas.
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Un representante comercial jubilado envía el manuscrito de un poemario a una pequeña editorial madrileña. Son versos que resumen un buen tramo del periplo vital de su autor, transcurrido entre viajes, noches de hotel y estancias solitarias en distintas capitales europeas. Su vida, según él mismo sugiere, guarda cierto parecido con la peripecia histórica de Europa central y oriental a partir de los años ochenta: del socialismo al capitalismo, del autoritarismo a la democracia, del entusiasmo por las libertades recuperadas al desencanto por las desigualdades. Todos esos años y experiencias han desembocado en un Viejo Continente todavía más viejo y en un hombre anciano, irónico y cansado, que no por ello ha perdido la curiosidad, el espíritu crítico y un leve –y muy embridado- poso de ternura. Con este Europa cuando llueve, Ignacio Cartagena continúa un ciclo de poesía narrativa que inició con sus dos libros anteriores, Los últimos días de Plinio el Viejo y Las Cataratas de Nelson (Ars Poética, Oviedo, 2018 y 2021).
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La Guerra Civil cortó bruscamente la riqueza poética inmediatamente anterior a su estallido, y en los primeros años de la dictadura hubo que reconstruir no sólo un país en ruinas, sino también una poesía gravemente mutilada por las muertes (Unamuno, Lorca, A. Machado, Miguel Hernández...) y el exilio (casi todos los miembros del 27, Juan Ramón, León Felipe...). En ese contexto nace la poesía de posguerra, que si bien en un principio, como dice Emilio Alarcos, era natural que «después de las hostilidades, como reacción ante una realidad hosca, buscase la tranquilidad de ánimo, el silencio que adormeciera pasiones y rencores», pronto se escora hacia el lado contrario: la angustia existencial y el compromiso político. Así, en los años cuarenta la poesía quedó dividida en dos bandos contrapuestos: Espadaña contra Garcilaso, «poesía desarraigada» versus «poesía arraigada», frente a los cuales surgieron voces disidentes. El monopolio de la «poesía social» a mitad de siglo, exigido por las circunstancias históricas, hizo que la promoción del 50 comenzará la renovación artística del género, mientras que en los sesenta, los novísimos, nacidos en plena efervescencia del movimiento hippie y de las revueltas estudiantiles en toda Europa (París, Praga...), continúan esa misión enlazando con los autores de preguerra y formándose intelectualmente con las lecturas de los más importantes poetas europeos y americanos. Estamos, pues, ante una poesía, la creada durante la dictadura, de gran riqueza y variedad tanto estética como ideológica.
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Sganarelle y Martina forman un matrimonio que acostumbra reñir porque él es un leñador holgazán y presuntuoso. Por eso un día en que dos criados buscan a un médico que alivie a la hija de su patrón de una extraña enfermedad, Martina decide jugarle una broma pesada a su marido y les dice que en el bosque hay un médico con un carácter tan excéntrico que, para que confiese sus conocimientos, se le debe dar una paliza. Los criados siguen sus instrucciones al pie de la letra de tal forma que, cuando Sganarelle niega ser médico, lo tunden a golpes, provocando que él reconozca lo que ellos quieren. Al ser conducido a la casa de la enferma, Sganarelle descubre que la joven Lucinda no ha hecho más que inventar su mal para evitar que la casen con el hombre que ella no quiere, en realidad Lucinda ama a Leandro, un joven que no puede competir con la riqueza del otro pretendiente. Conmovido, Sganarelle promete ayudar a los jóvenes a escapar, pero con tan mala suerte que, cuando se descubre que los enamorados han huído, él es señalado como responsible, y condenado a morir en la horca. Finalmente el problema se resolverá cuando Leandro y Lucinda regresen a pedirle perdón a su padre, y a informar que Leandro acaba de recibir una herencia. La reconciliación es general, incluso Sganarelle perdona a Martina por la broma tan pesada que lo ha puesto al borde de la muerte, pero le advierte que a partir de ahora tendrá que aguantarle sus recién descubiertos talentos como médico.
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Cuando en 1953 se estrenó en París Esperando a Godot, pocos sabían quién era Samuel Beckett, salvo, quizá, los que ya lo conocías como ex secretario de otro irlandés no menos genial: James Joyce. Por aquellas fechas, Beckett tenía escrita ya gran parte de
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Si bien la obra de Bertolt Brecht (1898-1956) abarca muy diversos géneros, su legado literario ha ejercido una influencia decisiva ante todo en el dominio del teatro. Después de un largo exilio forzado por el régimen nazi, a su regreso a Alemania fundó y dirigió la compañía Berliner Ensemble, donde llevó a la práctica, a través de sus múltiples experiencias innovadoras, su teoría del teatro épico, que postula sustituir la intensidad emocional ligada al teatro tradicional por el alejamiento reflexivo y la observación crítica a través del distanciamiento. Este tercer volumen de la serie que recoge su «Teatro completo» incluye cinco piezas escritas entre 1928 y 1930: «La ópera de cuatro cuartos», «Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny», «Vuelo sobre el océano», «Pieza didáctica de Baden sobre el acuerdo» y «El consentidor y el disentidor». Traducción de Miguel Sáenz
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La correspondencia entre las seis hermanas Mitford, todavía inédita en español, conforma, no sólo el trazado de las vidas particulares de Nancy, Pamela, Diana,Unity, Jessica y Deborah, sino también un interesante retrato del siglo xx a través de los ojos de estasseis mujeres que, a pesar de sus diferencias ideológicas y sus distintas concepciones del mundo, siempre se mantuvieron unidas gracias, entre otras cosas, a las cartas. Tenemos a Nancy, la famosa novelista, a Pamela, que fue feliz llevando una vida apartada y rural, a Diana, que se enamoró de un fascista y no dudó enadoptar sus ideales, a Unity, cuya admiración haciaHitler terminó en una impactante tragedia personal, aJessica, viajera y socialista, y a la más pequeña, Deborah, que acabó convirtiéndose en la duquesa de Devonshire. En definitiva, lo que Tres Hermanas ofrece al lector con esta excepcional traducción de Andrés Barba y Carmén M. Cáceres es un viaje por el jardín deatrás de nuestra historia más reciente, el acceso alescondite secreto de seis voces que, a quien se acerque a ellas, le resultarán sin duda imposibles de olvidar.
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«Admiro al poeta, pero detesto al hombre» es fama que dijo José Emilio Pacheco refiriéndose a T. S. Eliot. Llevado de esa admiración, muchos años antes había empezado a traducir los " Cuatro cuartetos " en los que el poeta británico procuraba
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Els fruits saborosos
Al llarg de la seva vida el va anar revisant i, de fet, disposem de tres versions diferents del poemari: a més de la del 1906, es va editar el 1928 i el 1957.A Els fruits saborosos, Carner explicita alguns dels elements que caracteritzaran els postulats del Noucentisme: una certa Grècia ideal com a model d'una estètica entre el classicisme i el popularisme mediterrani.Aquesta edició consta d'un text introductori i d'un comentari extens de l'ùltim poema, a càrrec de Narcís Comadira (Girona, 1942), autor d'una extensa obra com a poeta. A més, Comadira també és pintor, dramaturg, traductor, crític literari i assagista. Ha publicat molts articles i assaigs sobre el Noucentisme i alguns específicament sobre Carner, continguts a llibres com Sense escut (1998) i Forma i prejudici (2006). Pel que fa a la seva poesia, Formes de l'ombra (2002) recull tots els llibres publicats abans de Llast (2007), el seu últim llibre fins ara.Les propostes de treball i els textos complementaris han anat a càrrec de Carme Arenas, catedràtica de literatura catalana, traductora i editora.á
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Edición de lujo de Coplas por la muerte de su padre con un maravilloso trabajo gráfico de Antonio Santos y con diseño del estudio de Pep Carrió. «Las Coplas hablan al corazón y lo hacen sobre la muerte, desde luego, que es precisamente el momento más pleno y decisivo, el compendio y clímax de toda vida: la mía, la tuya, la suya, la de todos y cada uno de nosotros, de vosotros y de ellos y ellas. Y las Coplas contienen un recorrido moral pero también histórico, plástico y hasta costumbrista por el humano devenir. »Cuando un pintor e ilustrador del nivel, originalidad y creatividad de Antonio Santos acomete el reto de ilustrar las Coplas po la muerte de su padre, comprendo que el manantial de Manrique sigue siendo feraz e inagotable. Por eso, como un soplo de aire fresco, se acoge este nuevo enfoque y tratamiento que Antonio Santos ha sabido dar al tema: color, hierática frescura en el deliberado límite de lo naif, hondura sin afectación, emoción no sobreactuada. Del prólogo de José Manuel Ortega
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El mercader de Venecia, escrita entre 1596 y 1598, es una tragedia romántica muy representativa de la obra de William Shakespeare. En esta pieza teatral hallaremos a algunos de los personajes más icónicos de la literatura shakesperiana: el prestamista usurero Shylock, dispuesto a cobrarse sus deudas de la forma más sanguinaria, el mercader Antonio, antítesis del anterior, quien asumirá los riesgos financieros de la aventura sentimental de su amigo Bassanio, poniendo su amistad incluso por encima de su propia carne, y la acaudalada huérfana Porcia, quien, con su aplastante superioridad intelectual y audacia, conseguirá doblegar las voluntades de cuantos la rodean. Esta apasionante obra, dividida en cinco actos, disecciona el alma humana para adentrarse en una cuestión que, más de 400 años después, sigue gozando de plena actualidad: hasta dónde es capaz de llegar el poderoso con tal de cobrarse una deuda de quien todo lo ha perdido.
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¡Qué hermosa es la caída de la tarde, la luz del cielo en tierras como estas, oh, Italia, paraíso de exiliados! ¡Tus cordilleras, mares y viñedos, las torres que rodean tus ciudades! Qué dicha disfrutar de aquella vista bajo tu cielo. En el lugar preciso donde descabalgamos, los criados de Máddalo esperaban con la góndola. Igual que un peregrino se detiene para poder gozar de un buen paisaje, así nos demoramos a admirar el crepúsculo, el cielo entre Venecia y el Lido reflejado en la laguna…, *** Julián y Máddalo es un poema del gran poeta romántico inglés Percy Bysshe Shelley, quien imagina una conversación entre él mismo (optimista e idealista) y su amigo Lord Byron (pesimista y escéptico) sobre la condición humana y la posibilidad de remediar los males de la sociedad. A instancias de Byron, visitan a un interno en el manicomio de la laguna veneciana, cuyo atormentado monólogo contrasta con la conversación fluida de los dos amigos. Julián y Máddalo invita a reflexionar sobre el valor de la palabra en las interacciones humanas, y lo sombrío de la existencia cuando el diálogo deviene imposible. Esta versión, que sepamos, es la primera que aparece en español y trata de rendir homenaje a estos dos poetas en el bicentenario de la muerte de Byron y de la publicación de los Poemas póstumos de Shelley en 1824, donde por primera vez apareció publicado Julián y Máddalo.
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Ecografia
Greta Sibling escriu sobre els vincles familiars, el conflicte, els secrets i les mentides, la memòria, l'amor i la possibilitat de construir-se un mateix. Creu que la poesia ha de ser dura i vulnerable, i els poemes com un tall de digestió, com fotografies per dins: ecografies.
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Ensayo en fragmentos, rosario de citas y reflexiones literarias, este libro eleva la poesía a su dimensión filosófica primigenia, aquella donde la lectura y la escritura de versos devienen cosmovisión, oasis, ejercicio espiritual.
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Liebestod significa «muerte de amor». Aquí el aria final de Tristán e Isolda de Wagner se cruza con Juan Belmonte. «Se cruzan para darle voz a mi oscuridad y al origen de mis obras. Es la historia de mis raíces yla historia de mis abismos», dice Angélica Liddell.Forma parte de Historias del Teatro III, un proyectode Milo Rau producido por el Teatro Nacional de Gante y estrenado en el festival de Aviñón.
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Les històries del mag Setne i altres relats de l'Egipte fantàstic
Al príncep Setne Khaemwaset, fill de Ramsès II, se li atribueixen un munt d'històries meravelloses, plenes de màgia i aventures, que al llarg d'un mil·lenni van fer les delícies dels antics egipcis. El llibre que tens a les mans s'obre amb dos d'aquests relats i continua amb una sèrie de narracions que reflecteixen la imatge fabulosa que l'Egipte somniat ha anat bastint dins la tradició literària durant més de dos mil anys.
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Un libro que mezcla arte y escritura: la Premio Nobel Herta Müller compone con 157 poemas-collage el relato de acuciante actualidad política alrededor de una refugiada.Herta Müller se inventa una nueva forma de narrar: en un lenguaje condensado al máximo compone, con fragmentos de palabras e imágenes ensamblados con una técnica asombrosa y un gusto exquisito, escenas inquietantes que oscilan entre realidad y surrealismo. Poco a poco se descifra aquí una historia de humillación, angustia y añoranza. Los poemas-collages de El funcionario dijo cuentan, con mordacidad irónica y dulzura empática, la llegada de una refugiada a un país de acogida y su degradación por el aparato burocrático.
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La terra eixorca
La terra eixorca (o La terra erma, La terra improductiva, o La terradevastada) és un dels poemaris més importants del segle passat, potserel que ha tingut més influència en la cultura anglosaxona, i que hacondicionat la manera d'entendre l'expressió poètica d'ençà de la sevapublicació l'any 1922. Amb l'aparició d'aquest llibre es van produirtota mena de reaccions crítiques, moltes a favor i altres en contra ambel pas del temps, la majoria de comentaris, estudis i assajos que s'hanfet sobre La terra eixorca coincideixen a considerar-la una obraimportant, i alguns la veuen com a imprescindible. Ara us en presentemuna nova versió catalana a cura de Neus Nadal i amb notes de BernatNadal. Biografia de l'autor Thomas Stearns Eliot (1888-1965). Va néixera Sant Louis (Missouri, Estats Units), però als vint-i-sis anys es vatraslladar a Londres. Ben aviat es va fer ciutadà britànic i després esva convertir a l'anglicanisme. Va encaminar la seva vida a laliteratura. Treballà a Faber & Faber i, com a erudit que era, vaescriure grans obres de crítica literària i de poesia. Molts d'expertsafirmen que és el poeta que ha tingut més influència en l'evolució de lapoesia del segle XX. T. S. Eliot va revolucionar el concepte poètic ambThe Waste Land (La terra eixorca), un llibre innovador i hermètic,extraordinari alhora, que ara posam en mans del lector en la versiócatalana de Neus Nadal. Eliot va escriure més d'una quinzena de llibresde poemes, com Quatre quartets, Poemes d'Ariel i Prufrock, sis obres deteatre i diversos llibres d'assaig. L'any 1948 li concediren el PremiNobel de literatura.
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La pesada carga de la conciencia culpable de Ana Llurba la persigue entre las calles de Berlín y Cracovia mientras se sumerge en la compleja cuestión del paso del tiempo. Su objetivo principal es capturar lo que sucede entre su educación sentimental, la memoria familiar y la Historia en general. Partiendo de su primer poemario (''Este es el momento exacto en que el tiempo empieza a correr'', ganador del Primer Premio de Poesía Joven Antonio Colinas), Ana entrelaza hábilmente varios temas recurrentes en la filosofía de la historia, tales como la teleología, la teodicea, la dialéctica hegeliana y el fin de los grandes relatos, con la rutina y la vida diaria, explorando así la constante tensión entre lo solemne y la frivolidad. Y, a través de su voz poética, descubrimos el denominado ''primer mundo'' desde la lente de lo banal y el remordimiento, revelando así una mirada única sobre nuestra realidad contemporánea.
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Este libro es una carta de amor dirigida a cinco destinatarios: la patria del exilio, el padre, la pareja, el hijo, y quienes son, como el propio autor, migrantes. Los versos que Lee les dirige están impregnados de afecto, de un afán por señalar lo bello de la humanidad, pero también de una melancolía que es a veces real —,por la patria y el padre que ya no están, por el hijo que uno ya no es—, y otras preventiva —,por la pareja que se puede romper, por el hijo que un día se irá, por ese sentimiento de pertenencia que es meramente pasajero—,. A travé,s de la observació,n de momentos cotidianos, Li-Young Lee acentú,a las alegrí,as y las penas de la familia, el hogar, el exilio y, por supuesto, del amor. Un amor aprendido en la infancia, con el padre, y que desde entonces lo vertebra todo. Un amor que es placentero o doloroso, inocente o reflexivo, pero siempre omnipresente.
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El nuevo libro de uno de los poetas más vendidos en España en los últimos años.David Galán, conocido como REDRY, es uno de los poetas urbanos más queridos nuestro país. En esta ocasión, además de los textos que hacen honor a su poética habitual y tan apreciada por su audiencia, se enfrenta a un diálogo lírico, creativo y novedoso con sus escritores de cabecera. El libro está organizado como una travesía habitual de avión, por lo que el vuelo supone la columna vertebral del poemario, en el que cada apartado supone un destino ''aéreo'' puntual de interlocución poética, en el que Redry se sumerge en la palabra de Benedetti, Chacel, Lorca, Pizarnik, Mistral, Whitman, Machado, Delibes, etc., entre otros muchos creadores, dando ''vuelo'' a sus propios poemas, inquietudes y emociones.
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Eitan y Wahida están enamorados. Ella es una estudiante neoyorquina, árabe, de origen marroquí, él, un joven científico, alemán de origen israelí, residente enNueva York, y en permanente conflicto con su padre judío, defensor a ultranza de la herencia e identidadfamiliar. Víctima de un ataque terrorista en el puente Allenby, Eitan entra en coma. En este espacio-tiempo suspendido recibirá la visita obligada de sus padres y abuelos, mientras el odio y las ideologías retorcidas se manifiestan como demonios, y los pájaros dela desgracia atacan con saña los corazones y la razónde cada uno. «Cuando la flecha está en el arco, tiene que partir», dice un refrán, y Wajdi Mouawad sitúaa cada personaje en el disparadero para confrontarlos crudamente con la verdad más íntima, privada y secreta de su propia existencia y de la de los otros.
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Toda la poesía de Borges en un solo volumen. Además de extraordinario narrador y ensayista, Borges fue un excelente poeta. De hecho, puede decirse que la poesía es el alma de su obra. Indisociables de sus cuentos y ensayos, estos poemas son parte indispensable del universo borgiano y constituyen una indagación paralela a los temas que siempre le apasionaron: los libros, la memoria, los laberintos, los espejos, Inglaterra, el amor o la eternidad. Dueño de un fino oído y una deslumbrante capacidad para crear imágenes memorables, Borges revive en sus grandes poemas la intensidad que recorre la gran tradición occidental desde Homero hasta Eliot. Antes que el sueño (o el terror) tejiera mitologías y cosmogonías, antes que el tiempo se acuñara en días, el mar, el siempre mar, ya estaba y era. ¿Quién es el mar? ¿Quién es aquel violento y antiguo ser que roe los pilares de la tierra y es uno y muchos mares y abismo y resplandor y azar y viento? Quien lo mira lo ve por vez primera, siempre. Con el asombro que las cosas elementales dejan, las hermosas tardes, la luna, el fuego de una hoguera. ¿Quién es el mar, quién soy? Lo sabré el día ulterior que sucede a la agonía. Reseña:«Borges es mejor poeta que narrador. Su obra completa en verso ha sido editada en un tomo maravilloso y sin desperdicio, en el que no podía faltar el poema que inicia con el endecasílabo más perfecto de la historia de la literatura en nuestro idioma: ''ya no seré feliz. Tal vez no importa''.»Benjamín Prado, La Ventana (Cadena SER)
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Aurora Saura Bacaicoa nació en Cartagena en junio de 1949 y residió hasta su adolescencia en Alicante. Estudió Filología Románica en la Universidad de Murcia y ha sido profesora de Lengua y Literatura hasta su jubilación. Ha publicado los siguientes libros de poemas: Las horas (1986), De qué árbol (1991), Retratos de interior (1998, reedición en 2014), Si tocamos la tierra (2012) y Mediterráneo en versos orientales -plaquette de haikus- (2015). Varios de sus poemas han sido recogidos en distintas antologías, las más recientes: Contra. Poesía ante la represión (2016) y Composición de lugar (2016). Ha participado frecuentemente en lecturas poéticas, coloquios y encuentros literarios. Ha colaborado también en revistas de la misma índole y en libros franceses para estudiantes de Español. Su lema podría ser, algo modificada, la famosa frase de Terencio: «Nada, humano o no, me es ajeno». En 'Avivar el fuego', se recoge una selección de libros anteriores: 'Las horas', 'De qué árbol', 'Retratos de interior', 'Si tocamos la tierra', y algunos poemas inéditos.
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Directos al corazón: los versos de Loreto SesmaEl nuevo poemario de Loreto Sesma, una de las autoras más conocidas y admiradas de la nueva generación de poetas. Un libro que transita por las penumbras del amanecer, en lo ambiguo de esa oscuridad que muta de repente en esperanza. No bastó con querer es un claroscuro de versos que hablan del poder que ejerce sobre nosotros el recuerdo, el olvido imposible, que nos destruye pero a la vez nos ha construido como lo que somos, en la resiliencia. Loreto Sesma dibuja con profundidad y alma el perfil de la dulce derrota del que ya sabe perder, de la victoria amarga del que conoce que será finita. Un conjunto de poemas sobre el dolor que llevamos en la maleta, el bagaje de las heridas del amor, pero también sobre la posibilidad de la luz. «Llega el día.Simplementerecoges todos tus pedazos del silencioy dices:esto es querer,pero ya no es amor».
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Esta es una antología insólita de Luis Cernuda . En primer lugar, porque pretende proponer una relectura del poeta, persiguiendo el objetivo que, según el autor, debía tener toda antología, a saber, no ofrecer al lector un mero adelanto de un poeta poco o mal conocido, sino obligarle a un viaje de vuelta, conocida ya la obra entera del poeta, hacia su poesía, invitarle a la relectura cabal de la misma.
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Con la colaboración de Akiko Yamada Haiku-dô propone setenta haikus japoneses como enigmas a ser descifrados. Dado el carácter especular del haiku, empero, todo esfuerzo por desvelar un haiku tiene como resultado el desvelamiento del corazón de quien lo intenta. Más que de un desciframiento, de lo que se trata es de un acto de vaciamiento y de exponernos al haiku como ante un espejo. De ahí que tanto la escritura, el estudio o la lectura de los haikus pueda convertirse en un camino espiritual. Tras una meticulosa indagación en estos setenta ejemplos paradigmáticos de haikus de difícil comprensión queda de manifiesto que el haiku japonés siempre fue una Vía espiritual (dô), un modo de entrenamiento del “yo”, un proceso de despertar de los sentidos, de atención, de naturalidad, de autenticidad, de paciencia, de desprendimiento, de extinción de la vanidad… y hasta del “yo”. Los maestros de haiku nos enseñan que el poeta debe eliminarse de su poesía para que sus versos capten la esencia dinámica de la realidad.
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Kathleen Raine (Essex, 1908, Londres, 2003), escribió poesía, memorias y ensayos (el más celebrado sobre William Blake). Su obra, de gran calidad, no precisa del malditismo que acompañó a otras poetas de su época. Profesora en Harvard, recibió los más altros honores académicos e institucionales.
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La venganza de don Mendo de Pedro Muñoz Seca es uno de los textos más importantes y populares de la historia del teatro español. Forma parte del canon dramático, junto a Fuenteovejuna, La vida es sueño, Don Juan Tenorio, Luces de bohemia, Bodas de sangre o Historia de una escalera. Su excepcionalidad reside en su extraordinaria factura como parodia dramática respecto a la tradición española de Talía. Una rocambolesca y disparatada historia de amor y venganza que sintetiza, de manera muy brillante, aquella práctica burlesca que seguirá como «sombra jovial a toda revolución literaria, lo mismo a la tragedia neoclásica que al dramón romántico» (E. Asensio), desde el honor calderoniano y la comedia de capa y espada, hasta el polvoriento neohistoricismo modernista de finales del xix y principios del xx. Y es que Don Mendo era también una caricatura que ponía en solfa la escena de su tiempo, cuyo remedo e impostura llena de ripios, anacronismos y juegos cómicos de personajes, situaciones y lenguajes un texto que logra, cien años después de su exitoso estreno (1918-2018), la carcajada del espectador: todo un clásico del humor. Pedro Muñoz Seca (Puerto de Santa María, Cádiz, 1879-Madrid, 1936). Uno de los autores dramáticos más populares del primer tercio del XX. Sus inicios (1904) están en el género chico. Colaboró con Pérez Fernández, García Álvarez, Rafael de Santa Ana, López de Aro y Azorín, con quien estrena El clamor (1928). Renovador del teatro cómico gracias al disparatado astracán, que se basa en la deformación caricaturesca de la realidad y en el manejo del humor lingüístico. Su obra maestra es La venganza de don Mendo (1918), que llevaría al cine Fernando Fernán Gómez en los años 60. Otras obras importantes son: El verdugo de Sevilla (1916), Los extremeños se tocan (1926), La oca (1931), Anacleto se divorcia (1932) y La plasmatoria (1935). Valle-Inclán dijo de él: «quítenle al teatro de MS el humor, desnúdenle de caricatura, arrebátenle su ingenio satírico y facilidad para la parodia, y seguirán ante un monumental autor de teatro». Como García Lorca murió víctima de la guerra civil. Alberto Romero Ferrer es catedrático de Literatura Española de la Universidad de Cádiz y Premio Manuel Alvar de Estudios Humanísticos 2016. Ha sido profesor invitado en el King's College London y ha impartido cursos y conferencias en la University of London, Fondation Napoleón de París, Nineteenth-Century Hispanists Network, CSIC, Menéndez Pelayo, Instituto Feijoo de Estudios del Siglo xviii, UNIA, Napoli, Verona, Padova, Saarbrücken, Regensburg, La Plata, Gent, RESAD, Casa de Velázquez, UNED y Fundación Juan March, entre otras. Es autor de un centenar de artículos especializados y de una quincena de libros referidos a sus principales temas de estudio: el teatro breve de los siglos XVIII y XIX, la parodia dramática española, escenografía teatral del XIX, la zarzuela y el género chico, y la historia de la cultura popular peninsular.
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Es difícil ver lo que no se ha visto, entender lo incomprensible, palpar lo fragmentado. Se impone la extrañeza y la sensación de estar «cegados de verdad» por una naturaleza que fluye también rebelde. Los poemas aquí son caballos salvajes que montamos a pelo y lo real se pega a los ojos, que arden, siguiendo un paisaje tembloroso, fugitivo, hundido. «Lo raro —escribió Mark Fisher— es aquello que no debería estar allí. Lo raro trae al dominio de lo familiar algo que, por lo general, está más allá de esos dominios, y que no se puede reconciliar con ''lo doméstico'' (incluso como su negación)». En esa rareza navegan estos versos salitrosos, entre mareas, animales, lluvia, vuelo, bosques y ausencias que no se reconcilian con la habitación propia en la que se escriben: «Palabras, caracoles lentos / que se deslizan entre / los hilos que cubren el piso». Los hilos, las cuerdas, los cabos, se ven desatados y sueltos en este libro. A veces gusanos, a veces hilachas, hebras, pelo, pelusa. Cuerda tensa, vibrante, que se mece, laxa, suelta, desenrollada, fl oja, sin nudo, rota. «La cuerda en todas direcciones / sin cabo, tiempo sin cabeza / No hay cuerda en el sueño a la que agarrarse». (Ángela Bonadies)
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Solo se puede definir el fenómeno de la última poesía española como ''un estallido''. Una explosión no solo en calidad, sino también en la diversidad y el número de las propuestas, así como en el entusiasmo entre las capas más jóvenes del público lector, que no solo se está interesando por ella, sino que la demanda, la busca activamente, la encuentra, la lee, la discute y la comparte tanto en redes sociales como en foros analógicos. Esta antología, que cubre el primer cuarto del siglo XXI, supone la aproximación más completa hasta la fecha a una nueva nómina de autoras y autores nacidos entre 1984 y el año 2000, y cuya vitalidad y alcance, a casi un siglo vista, no tienen parangón en la literatura española desde los de la generación del 27. Su idea de la poesía es innovadora tanto en lo lingüístico como en lo conceptual, su tono oscila entre lo reflexivo y lo contestatario, sus temas son diversos y sus formas múltiples, sus influencias internacionales y, a menudo, imprevistas. Sus veinticinco nombres son: María Salgado, Ben Clark, Lola Nieto, Elena Medel, Javier Vicedo, Bibiana Collado, Martha Asunción Alonso, Unai Velasco, Ángelo Néstore, Ángela Segovia, Berta García Faet, Luna Miguel, Ruth Llana, Álvaro Guijarro, Cristian Piné, Gema Palacios, Xaime Martínez, Mayte Gómez Molina, Pablo Baleriola, Rodrigo García Marina, Andrea Abello, Juan Gallego Benot, Rosa Berbel, Laura Rodríguez Díaz y María de la Cruz.
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En Un tiempo nuestro, Luis García Montero presenta una selección de poemas que abordan la relación entre la vida cotidiana y los temas universales como el amor, el tiempo y la memoria. Los poemas de esta antología, según el autor, están inspirados en una ''conciencia dichosa'' que celebra el acto de leer y el refugio que ofrecen los libros y las bibliotecas. Reflejan las influencias literarias que lo han acompañado desde la infancia y la herencia que lo motivó a buscar su propio camino creativo.En un mundo marcado por la prisa y el consumo, estos versos invitan a valorar un tiempo íntimo y propio, alejado de la urgencia de usar y desechar. Una reflexión sobre la identidad y el lenguaje, destacando la capacidad del ser humano para transformar su experiencia en palabras.
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Segundo volumen de las memorias del poeta, que es a la vez un autorretrato del artista como anciano y un fresco vivísimo de una sociedad atenazada por la miseria moral y material del primer franquismo y sus prolongaciones. Gracias a esta mirada retrospectiva sobreuna etapa oscura de nuestra historia reciente somos testigos del aprendizaje vital y literario de su autor.
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«ALEJANDRA PIZARNIK nació en Buenos Aires en 1939 y en esa misma ciudad abandonó voluntariamente la vida en 1972, y desde entonces ha pasado a ser una de las voces «heterodoxas» más representativas de la poesía en lengua española. «Releo con frecuencia
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El joven Víctor Frankenstein descubre el secreto que devuelve la materia muerta a la vida, y crea un monstruo espantoso que acabará rebelándose contra su propio creador. Con una gran fidelidad a la novela original, esta adaptación del Frankenstein de Mary Shelley, realizada por Jesús Cortés, da a conocer a los lectores jóvenes muchos aspectos desconocidos de una de la obras más famosas de la literatura de terror.
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