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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La poesía de -lex Ramírez-Arballo se proyecta como una exploración dentro de los territorios del pasado, la oscuridad y la ausencia. Esta sensación de vacío surge porque los elementos verbalizados son definidos no por lo que son, sino por lo que un día fueron: la infancia, el amor, el lenguaje, etcétera. En sus poemas proliferan las imágenes relativas al fenómeno de la mirada, la enunciación poética, el inconsciente y los procesos del sueño.DICCIONARIO DE ESCRITORES MEXICANOS
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Cosas constituye sin duda una de las propuestas literarias más contundentes, audaces y estimulantes de nuestros días. Tras El lago de los botes, Edgardo Dobry ahonda en su proyecto poético con intensidad y riesgo. Sin abandonar la voz consolidada hasta ahora, se atreve a enfrentarse a una concepción poemática radicalmente distinta. Aquí los poemas se concentran hasta lo esencial para hablar de la transición entre lo material y lo inmaterial, explorar el espacio de la memoria donde se cruzan los vivos y los muertos, donde lo material ilumina o ensombrece el ámbito del símbolo y donde los sentidos -o los flecos de sentido- modulan un croquis profundo y provisorio del tiempo. Cosas constituye sin duda una de las propuestas literarias más contundentes, audaces y estimulantes de nuestros días.
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Obrir el llibre d'Elvira és entrar en aquesta primera llum, primerenca, imaginària, sensitiva, i passejar pel seu vol de paraules, dansar als Di-Versos poemes d'aquest llibre… Creu en la força de la paraula, vola, diu, creix i creu-te, sigues somiadora de tu, ofereix-te a tu mateixa, ella alça la veu per obrir-la, que la poesia serveixi per caminar, per obrir un altre camí, per salvar el que calgui salvar. També juga amb les paraules, amb els versos, amb el desdoblament i la rima, juga i et fa riure, somriure, entrar i sortir de la metàfora, del símbol i també de la cançó, hi ha poemes extensos i poemes breus, poemes per reflexionar i poemes per cantar. Tot per al silenci i per a la veu viva i alegre. Pots triar. Esmeralda Berbel
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Poemario de la autora Blanca BerjanoRosario, de Blanca Berjano, es un libro que habla del trauma intergeneracional a partir de la violencia que sufrieron las mujeres en la guerra civil española. Un viaje de palabras por la historia y la intrahistoria familiar donde el silencio, la ira y la incomprensión cubren una verdad oculta. Los poemas son aquí el testimonio de una voz que dice la palabra susurrada por otra que a su vez dice la palabra de una más antigua. Genealogía de dolor, contradicciones, rencores y necesidad. La imperiosa necesidad de desvelar un pasado que atraviesa la sangre y se mezcla con la tinta de quien quiere hallar una respuesta en los recovecos de su historia.En este poemario se busca que la poesía suture de una vez la herida de su tierra, de ahí que las voces se mezclen en discursos contrarios, pero tan legítimos como conmovedores. Y lo hace con un verbo claro y hondo, un lenguaje que traduce el padecimiento de las mujeres de una época demasiado oscura, las que habitan estos poemas, los que nacen en los ojos de luna lorquiana de la tía Rosario. MARÍA GARCÍA ZAMBRANO.
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Volver a vivir es un poemario de superación personal y autoayuda que quiere impulsar a las personas a luchar por sus sueños y descubrir su mundo interior.El sufrimiento mental es la pandemia silenciosa de nuestro siglo. Es una pandemia que se está esparciendo de manera vertiginosa por todo el planeta y, sobre todo, en occidente. Muchas personas caen enfermas tratando de cumplir con los parámetros de éxito y felicidad que nos vende la sociedad occidental. Yo fui una de ellas. Caí en una depresión que pensé que no podría superar y me di cuenta de que lo que nos vende esta insaciable sociedad nada tiene que ver con nuestra verdadera felicidad.Un día me topé con la poesía. Comencé a escribir y sentí que, a través de ella, podría ayudar a muchas personas para que conecten con su mundo interior, un lugar desconocido en una sociedad que solo vive para el exterior.Ahí nació Volver a vivir, poemario de autoayuda y superación personal que quiere impulsar a las personas a que descubran su mundo interior, que se escuchen y se comprendan, dotándolas de herramientas para hacer frente a los cambios y los obstáculos de la vida.
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Estamos ante uno de los cancioneros más conmovedores de la literatura catalana contemporánea. Pepe Sales arrolla a los lectores con su fuerza lírica y su canallería fabricada ennla cárcel, los antros… bajo el impulso constante del huidor. Su música es capaz de abrirse paso a martillazos a través de un contexto social represivo imposibilitando cualquier acallamiento. Una voz que florece en la periferia compartiendo su vitalismo contagioso capaz de convertir el deseo en una política, el sarcasmo en una fiesta. Víctor Obiols encuentra en su poesía un «nihilismo lúcido, rabia ceñida a un verso, intransferible visión sobre el país que le ha tocado vivir, ironía contra las tinieblas, remanso en la melancolía o en el tedio. Canciones llenas de cosas suyas, «trozos de vida». De amor y droga, como las quiso bautizar». Adentrarnos en este libro es también hacer un ejercicio de memoria, evitando la pérdida de las vidas efímeras o, al menos, postergando un conocimiento frágil de mundo. También es un viaje de conexiones entre lenguas vecinas, de vidas abriéndose paso a través de la palabra, antes de que los gestos sean posibles. Pepe Sales es culpable. ¿Qué decir? Sus versos están atravesados por la música, la droga, la represión franquista, la disidencia sexual. Culpable de obscenidad, grito inyectado en vena, cítara cantarina, luz de verborrea. En su poesía está tatuado el talego y su jerga. El dolor rezuma entre frases que parecen susurradas: «Bello peregrino / ¿quieres hacerlo conmigo? / Bello peregrino, /quédate por aquí». El artista nos dispara una compleja política que hace uso de todas las cadenas que prometen una liberación, pero que subyugan. En él reconoceremos todas estas cosas, inundadas por un cruel optimismo, una asombrosa ternura.
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«Son símbolos de mi biografía: la nieve, los bueyes, las montañas, etcétera. Otros tendrían el mar, los cañaverales, el sol, como paisaje de su historia. Pero la mía es ésta, de esta simbología parte lo que digo, y surge lo mismo en prosa que en poesía. Ese título, Memoria de la nieve, resume muy bien no solo la poesía sino toda mi obra. Creo, además, que es una redundancia: la memoria es como la nieve, escribes sobre ella, y mientras escribes se va derritiendo. Es como si siempre escribiera sobre la nieve, no sobre el papel».
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«No vamos a guardar silencio porque tenemos memoria. El teatro es un arte de la memoria», señalaba Juan Mayorga. En este volumen, Helena Tornero demuestra cómo la memoria perdura en cada uno de nosotros y trasciende en nuestra cotidianeidad, directa o indirectamente. En estas obras, palpitan las guerras, las crisis políticas, la aprensión y la muerte. «Apaches» gira en torno a las diferentes estrategias que tienen los humanos al gestionar las emociones, especialmente el miedo, a partir de cómo un niño lee historias, imagina y se entretiene en un mundo que ha perdido toda normalidad. «Búnker» tiene lugar en un espacio cerrado donde dos hombres intentan averiguar por qué han sido detenidos. «No hables con extraños» es una obra fragmentada con nueve historias basadas en distintos sucesos históricos como las desapariciones forzadas o el abuso a mujeres. «Fascinación» nos habla de la memoria de la impunidad a través de los ritmos y movimientos de unos cuerpos que intentan bailar a pesar de sus miedos y prejuicios. «Mañana» nos muestra una reflexión sobre el amor en los tiempos del capitalismo.
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Íñigo López de Mendoza (1398-1458), poeta, político y humanista del siglo XV, es más conocido como el Marqués de Santillana. Es el autor de las famosas serranillas y el primer poeta español que escribió sonetos “al itálico modo”, adelantándose un siglo a los experimentos de Boscán y Garcilaso. En este volumen se incluyen estas dos composiciones, las más famosas en su haber, junto con otros cantares y decires, todo ello precedido por una biografía el autor y un riguroso estudio de su producción literaria.
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Aquí tenemos nuevamente un ejemplo ideal de un libro ilustrado. Porcuarta ocasión se reúnen a conversar los lápices de Arnoldo Kraus yVicente Rojo. Como en un concierto de improvisación, cada uno de losautores nos habla, con su lenguaje, del polvo —origen del hombre y deluniverso— a través de sus miradas, sabias y sonrientes. Cada página nosregala un contrapunto gozoso entre la poesía escrita y la poesíagráfica. El juego está dispuesto, basta abrir las tapas del libro, quesiempre cerraremos con el consuelo «del polvo de estrellas de unacanción».
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PABLO GARCÍA CASADO nació en Córdoba (España) en 1972. Ha publicado Las Afueras (1997), El Mapa de América(2001), Dinero (2007) y García (2015). Sus tres primeros libros aparecen reunidos en esta colección en Fuera de Campo (Visor, 2013, núm. 847). La cámara te quiere es inmersión literaria en el mundo de la pornografía. Una realidad presente en nuestro día a día de la que apenas conocemos la superficie pixelada de nuestras pantallas. Un libro que cuestiona las fronterasde lo poético, con poemas en prosa que reflexionan sobre el deseo, la soledad y las relaciones de poder.
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En formato de álbum, cuidadosamente editado, esta antología recoge 17 poemas del universal poeta de Granada, los más adecuados para los pequeños lectores y para quienes se acercan a la poesía como si fueran niños. Magistralmente ilustrados por Miguel Calatayud.
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Hay una realidad profunda y espaciosa que abraza la paradoja de la existencia. Cuando la experimentamos, podemos vivir el dolor en medio de una honda serenidad. A veces la vida se hace poema y todas las cosas se expresan libres, cada una con su propia voz, brotan versos palpitantes de alegría, dolor, miedo, amor, duda o calma, versos cotidianos que hablan de todo lo que hay y hablan a toda persona atenta a la voz de la existencia.A veces la vida se muestra como espacio amoroso que posibilita y sostiene la danza de los opuestos, que armoniza la tristeza en la paz, el dolor en el gozo, el «no puedo» en la apertura y la posibilidad infinita?
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Existe una disciplina terapéutica llamada constelaciones familiares. Entre personas desconocidas se hurga en el inconsciente para sacar la mierda a la luz. Y sale mucha mierda. Ancestros asesinados brutalmente, vidas truncadas porque sí, abusos... Aquí hubo una guerra civil. Una herida infinita que supura dramas como el que la actriz Tefi de Paz rescata en esta obra. La del Circo Anastasini que tuvo la mala suerte de programar una función justo el 18 de julio de 1936 en Lodosa, Navarra. ¿No sabes qué pasó en esa fecha? Puf... Mal día para reír. Mal día para ser un payaso. Mal día para casi todo, menos para matar. Gran parte de esta familia circense fue asesinada y enterrada en un campo perdido a la intemperie. Allí quedaron sus restos hasta que las manos de un hombre rascaron la tierra. Alguien que se negaba a pasar página. Hay algo peor que la muerte, y es el olvido. Por eso el personaje inventado por Tefi se llama así, Olvido Flores. Porque los muertos necesitan que los recuerden para seguir vivos entre los que los amaron. Y que les lleven flores frescas.A eso se dedica esta mujer creadora, a hacer justicia con los olvidados por la historia, a rescatar el arte, el espíritu de las familias que montaban su carpa allá donde les dejaran. «Solo queríamos haceros reír», parece que dicen desde sus tumbas. Olvido Flores es una dama de la guadaña que llega para recordarnos el privilegio de estar vivos desde historias como la de este circo que, al final, también es nuestra historia.
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Ramón Bascuñana (Alicante, 1963). Licenciado en Geografía e Historia. Ha publicado Hasta ya no más nunca (1999), Quedan las palabras (2000), Tal vez como si nunca (2001), Los días del tiempo (2002), Liturgia de la profanación (2002), Retrato de poeta con familia al fondo (2003), Ángel de luz caído (2005), Vera Efigies (2005), Las avenidas de la muerte (2005), Impostura (2006), La piel del alma (2006), Donde nunca ya nadie (2008), El gesto del escriba (Antología, 2009), El centro de la sombra (2014), Cincuenta por ciento (2014), El humo de los versos (2016), Desnuda luz de la melancolía (2016), Cuaderno de preposiciones (2017), 6seis6 (2018), El dueño del fracaso (2019), Artículos de primera necesidad (2020), Voz en Over (2023), Anotaciones a pie de página (2023).
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Existen dos visiones opuestas sobre el destino. Hay quienes sostienen que nuestro camino ya está trazado, una historia ya escrita que solo nos queda descubrir y vivir. Por otro lado, hay quienes defienden que el destino es algo que vamos creando con la libertad de nuestras decisiones y la manera en que actuamos. Ahí surge El destino se escribe en vertical, un poemario íntimo, honesto y valiente, donde Jorge Férmez abre las puertas de su memoria emocional, explorando el amor y el desamor, la lealtad de la amistad, la melancolía de la nostalgia y la belleza viva en lo cotidiano. Un viaje a través de ciudades, estaciones y personas que han marcado su vida, convirtiendo sus experiencias más íntimas en un espejo universal donde el lector puede reconocerse y donde, tal vez, se atreva a mirar diferente.Con un lenguaje que es cercano y a la vez poético, Férmez nos enseña que cada vivencia, por pequeña que sea, deja una huella. A veces puede ser la caricia que nos eriza la piel, una herida que nos duele, una cicatriz que nos fortalece o la arruga que nos recuerda el paso del tiempo. Este libro es más que una colección de poemas, es una invitación a la introspección, un espacio para detenerse y sanar. Es un recordatorio de que, aunque hay veces que el destino no se escribe a nuestro favor, siempre podemos escribirlo en vertical.
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Podría pensarse que el interés que despierta la obra Coriolano en la época contemporánea se debe a su carácter eminentemente político. Añadiríamos que quizá sea la más inteligente también. La obra enfrenta a dos fuerzas irreconciliables: el general Cayo Marcio Coriolano, con su odio y desprecio al pueblo, y este manipulado por los tribunos populares. La lucha se agudiza y se convierte en un apasionante juego de espejos dentro del marco turbulento de una ciudad dividida por el odio social y político. Coriolano, después de luchar por su país, quiere ser cónsul, pero necesita los votos de los ciudadanos. Un hecho que se aviene mal con su carácter que le llevará al destino trágico del héroe. Felizmente, no podemos hacernos una idea cabal de hacia cuál de los dos bandos se inclina la voluntad del autor. Y esa indefinición permite que la obra interese al público más amplio. La traducción de Eusebio Lázaro refleja certeramente el estilo lacónico cortante ''de piedra y bronce'' del texto más brillantemente razonado de Shakespeare.
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La generación que ha debutado en el siglo XXI viene con nuevos temas y nuevas formas, y una calidad que no entiende de tiempos.Los poetas españoles que nacieron en la década de los 90 andan acuñando nuevos tópicos al tiempo que reformulan o impugnan los heredados. Ha vuelto (por sorpresa) el cristianismo, se han actualizado los poemas de amor (de signo homosexual en muchos casos) y sigue la filología haciendo de las suyas con sus juegos, con la propia cultura. Deslenguadas, nerviosos y más o menos libres, han sufrido con fuerza la precariedad, se han encontrado con una concepción más hostil de las ciudades, y han dado muchas vueltas a la vocación, el mundo laboral, las drogas, el sexo o los viajes. Experimentales o endecasilabistas, torrenciales o lacónicas, lo natural en cada caso es cierta dispersión autoconsciente, en general feliz (y a veces abiertamente cómica), y una estupenda diversidad en lo que al grupo aquí convocado se refiere: veintisiete poetas entre los 35 y los 25 años que han traído a la poesía en castellano un feminismo renovado, a veces un culturalismo neo-novísimo y a ratos algo de locura, un desbarre ilustrado y un presentismo alegre, un hedonismo que reivindica la amistad. Aquí no hay decepción, hay inquietud: bastante formación intelectual, poco futuro y ningún hijo real en un contexto en el que les ha tocado estar más atentos al Ikea que a los vencejos (aunque también los hay), prestar más atención a Netflix que a los cerezos. La primera generación de poetas españoles, y en español, que ha debutado ya en el siglo XXI viene con nuevos temas y nuevas formas y, lo que más importa, con una calidad que no entiende de tiempos, con la cuota de talento natural de siempre. No se dejan atropellar: antes atropellarían ellas y ellos. Y no les gusta mucho sentirse antologados.
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Una extraordinaria novela de culto con una enigmática mujer como protagonista.«Pynchon es probablemente el mejor de todos los grandes novelistas norteamericanos vivos.» Harold Bloom «Thomas Pynchon es en las letras el perfecto equivalente de Bob Dylan: clásico y moderno y atemporal y eterno. Y por encima de todos y de todo. ... Hay que leerle, hay que aprender a leer a este hombre invisible pero omnipresente para saber de qué se trata.» Rodrigo Fresán, Abc Cultural «Pynchon es lo máximo. ... Cuando lees a Pynchon por primera vez es como si te hubiera dado un calambre. No sabes lo que ha pasado, pero luego te das cuenta del milagro..» Junot Díaz, El País Semanal Tres son los protagonistas de esta extraña y fantástica aventura: Herbert Stencil, que busca algo que cree haber perdido, Benny Profane, quien, como nunca tuvo nada que perder, nunca ha buscado nada, y V., una enigmática mujer que podría ser una joven desflorada en El Cairo, una bailarina alemana en el suroeste africano o una lesbiana de París. Pero ¿por qué Stencil se empeña en investigar la verdadera identidad de V.? La respuesta tal vez resida tanto en la pertinaz idea que tiene Stencil de que «detrás de V., y en V., hay mucho más que todo lo que jamás hayamos soñado» como en esta reflexión del propio Pynchon: «Lo que son para el libertino unos muslos abiertos, lo que es el vuelo de los pájaros migratorios para el ornitólogo, lo que es una tenaza para el ajustador, eso es para el joven Stencil la letra V».
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Ser una mujer y desear a otra que no está pero se niega a irse: se aparece en los objetos y en las sábanas, en el musgo y el moho, en la naturaleza que crece entre las grietas cuando una estructura se rompe. Ser adolescente y temblar con una fiebre incomunicable, aferrarse a visiones voyeuristas e incompletas de la vida que una espera. Mirar entonces a la Historia y ver con nitidez, desde una experiencia propia que se ha construído entre vacíos y reconoce su llenura allí donde los ve. Dos chicas al borde de la cama crece desde esas grietas. La voz de Victoria Mallorga aparece en la ausencia: de la amante, la representación lésbica, el lenguaje. Mujer ordinariamente disidente que no cabe en la norma, ni en el coming of age, ni en los inventarios de una ''feminidad estándar'', busca y encuentra en cada poema un andamio, algo a lo que aferrarse que está hecho de palabras, una manera más de no precipitarse al vacío. NOAH BENALAL
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Esta antología recorre la trayectoria poética de Antonio Hernández, una de las voces imprescindibles de la literatura contemporánea. ''Voy a contarles mi vida'' propone un recorrido por su obra y muestra la coherencia de una poética que ha sabido tender puentes entre la emoción y el pensamiento, entre la memoria íntima y el compromiso colectivo.
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¿Por qué C? Desde que tengo uso de razón he escrito versos, pero siempre han acabado balanceándose en acordes, sintiéndose canciones. Incité al público a que me propusiesen títulos para mi siguiente disco, con laúnica condición de que todos ellos deberían comenzarpor la tercera letra del abecedario, igual que los dos anteriores. La implicación de la gente dispuesta aformar parte de mi nueva aventura musical hizo que me fuese imposible descartar tantas bellas propuestas.Me vi en la obligación de agradecer este huracán decariño. Fue entonces cuando empecé a escribir poemasutilizando los títulos sugeridos, auténticas batidoras de sentimiento que de tanto dar vueltas en mí acabaron vomitados en palabras sobre el papel. Y ahora, tengo entre mis manos mi primer libro de poemas y un tercer disco sin nombre.
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La poesía de Paul Klee es ante todo la expresión de un recorrido vital que muestra la búsqueda de sí mismode un hombre muy inteligente, sensible y radical enla conformación de su existencia para trascenderla como artista. Dotado para tres artes e interesado por ellas desde su infancia hasta su muerte el recorrido de su poesía aporta datos decisivos de su desarrollo vital, artístico y espiritual. La formación musical dePaul Klee, junto con su dedicación a la poesía, estámuy presente en su obra pictórica. En ella incluía textos y armonizaba la composición y el color con criterios musicales. Fue un poeta de excepción, como evidencia esta edición de Casi todos los poemas. Paul Klee fue un artista total, un pionero. Un grande del siglo XX.
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La ausencia del amor, más que el amor mismo, es el tema principal de estos poemas contados al oído, como un susurro, pero que se transforman en un discurso constante e intencionado, donde también fluye lo cotidiano con musicalidad.Las composiciones provienen de una mujer que mira de frente a la vida y que llama a las cosas por su nombre. No tiene miedo porque la experiencia le revela el camino para afrontar las situaciones con alegría, con brío y a veces incluso con desdén.La autora nos sugiere la idea de que hay un tiempo y un espacio para la armonía y que esa dicha se puede alcanzar a través del ritmo y la cadencia que forman las palabras. Hay intención de ir más allá del sufrimiento, del ansia de atesorar las cosas, es más bien una sensación de querer observar antes que de poseer.También el desamor y el desengaño atraviesan los versos de Poemas desencadenados, pero la memoria recurre al abandono y al retorno como fuerzas que dominan la escena, de esta forma se expresa la autora con dulzura en versos llenos de emoción y verdad.
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El teatro de Tirso de Molina es un enclave en la historia del teatro áureo situado entre el inicio sobresaliente de Lope y la culminación triunfante de Calderón, sobre todo en lo que a la comedia de enredo se refiere. Entre ''La dama boba'' y ''La dama duende'' se sitúa el eslabón de un nutrido puñado de comedias tirsistas en las que las mujeres llevan la iniciativa, dirigen la trama siempre en su beneficio y en la lenta pero imparable imposición de su libre arbitrio como quien no quiere la cosa. Tirso dio a sus personajes, sobre todo a las mujeres, el coraje y la fuerza de la autodeterminación, dentro de los límites que su tiempo marcaba. Tirso juega con el ''engaño a los ojos'', con que casi nada sea lo que aparenta a primera vista, con las urdimbres del enredo y la eficacia humorística y cómica. ''La celosa de sí misma'' es una de las mejores comedias de intriga escritas por Tirso de Molina, empezando por la paradoja del título. Sobre el muy antiguo motor teatral de los celos, Tirso logra crear uno de los personajes femeninos mejor acuñado por su pluma. Rizando el rizo, el tercero o tercera que exige toda trama de celos se convierte en un desdoblamiento especular de sí mismo, demostrando así que un personaje con capacidad imaginativa y herencia de ''curioso impertinente'' puede desdoblarse en su mismo rival por el amor de un galán que resulta ser, simultáneamente y por la misma persona, deseado y rechazado.
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El único estudio sobre las trobairitz anterior al siglo xx es una monografía alemana de 1880. No es sino cien años después cuando se convierten de nuevo en objeto de investigación estas mujeres aristócratas de los siglos xii y xiii que dieron la vuelta al concepto masculino del amor cortés. En él, la mujer, ya fuera campesina o dama de alcurnia, aceptaba al galán como sirviente, siendo ella una figura pasiva. Por el contrario, en sus poemas, las trobairitz son sujetos, son ellas las amadoras, las que eligen, las que sufren, también, de adoradas pasan a ser adoradoras. Estas trobairitz iniciaron el debate sobre la igualdad intelectual entre mujeres y hombres, y se dieron a conocer como creadoras, tanto en el sur de Francia, como en el norte de Italia, Cataluña y Navarra, es decir, en la Occitania y la Provenza. En este libro, Clara Janés reúne y traduce los poemas encontrados de no más de 20 trovadoras (frente a los más de 400 trovadores), que, sin embargo, «se encuentran entre las voces más exquisitas de la lírica cortés», según la estudiosa Magda Bogin.
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L'instant als ulls
El llibre condensa la manera d'entendre la poesia de Quim Vilar: tot el món és poesia i la feina del poeta és donar forma als versos que ''veu'' quan passeja per camps i boscos.L’instant als ulls és una antologia de poemes que l'autor ha escrit en els darrers quinze anys ordenats cronològicament però sense cap marca de temps que el poeta ha triat i que ha decidit publicar gràcies a la insistència tenaç d’uns quants amics. «L’instant és l’embolcall d’aquest poema», diu un vers de l'autor. També podria ser l’embolcall d’aquest llibre, un regal que el poeta fa als seus lectors.
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Ledo Ivo (Maceió, 1924-Sevilla, 2012) es una de las figuras esenciales de la literatura brasileña del siglo XX. Cabeza visible, junto a João Cabral de Melo Neto, de la conocida como generación poética del 45, es autor también de novelas fundamentales como Nido de serpientes (1973) o La muerte de Brasil (1984), además de corrosivos y hondos ensayos y un tomo de memorias, Confesiones de un poeta (1979), que es la guía de una obra compleja, capaz de entender Brasil de un modo caleidoscópico y sagaz, atento a las desigualdades y a los anhelos de sus habitantes. Ivo es uno de los poetas extranjeros más editados y leídos en España. Sin embargo, esta es la primera antología que resume su obra desde su primer libro, Las imaginaciones (1944), hasta los tres últimos, editados de forma póstuma antes en España que en Brasil. Lêdo Ivo quiso, como Fernando Pessoa, decirlo todo de todas las maneras: en su obra hay oda y elegía, réquiem y sátira. Todos sus tonos están representados en esta selección que demuestra que es imposible escribir la historia de la poesía universal del siglo xx sin contar con su obra profunda y extensa como el océano medio recordado, medio soñado de sus poemas.
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Unas veces denso como el plomo, otras ligero como la lima, el decir poético de Juan Barja fluye en este libro sin cortapisas, directamente desde la lengua, o desde la mano, sin mediación aparente, ajeno a etiquetas y mandatos. «Ciego sol, / seco mar, /cuerpo vacío», escribe Barja. Y libre se siente el lector también -como quien se zambulle por primera vez en un mar agreste, expuesto y fortalecido a la vez-, pasando por los diferentes registros que, como señala Julián Jiménez Heffernan, ofrece la obra: «la vena lírica (las canciones), la línea documental (los informes cotidianos), los estallidos satíricos, tan medidos, las meditaciones circulares especulativas, los rondós, las pastorales urbanas, las moralidades... Puede parecer un libro de poemas, pero en realidad son poemas en un libro de alguien que quiere hacerse oír y leer, un ejercicio terapéutico de liberación, y, sobre todo, una diagonal de racionalidad independiente». El octavo día reúne, continúa Jiménez Heffernan, un puñado -amplio- de «textos vibrantes, entretenidos, sarcásticos y tiernos a medias, extraordinariamente lúcidos en ocasiones, siempre inteligentes, textos que reclaman relectura y no se borran de la cabeza». Textos definitivamente necesarios.
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Las travesías entre Europa y América permitieron alargar la reflexión del recorrido y profundizar en un documento marino que ordena recursos de atención. La navegación, el horizonte, la búsqueda despojada y el desarraigo son referencias trabajadas en la investigación previa al viaje. Estas nociones destellan en los poemas, y el análisis de la percepción emocional tiene prioridad en el desarrollo creativo donde el paisaje transatlántico tantea nuestra capacidad de ser.
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En 1972, el joven director de teatrofrancésGeorgesWerlerfue a ver a MilanKundera a Praga y a suregresoconsiguió, pese a los controles de la frontera, introducir en Francia el manuscrito de su obra de teatroJacques y su amo. Kundera la habíaescritodespués de la invasiónsoviética, cuandotodasu obra, pasada y futura, habíaquedadoborrada de las letraschecoslovacas. Jacques y su amo relata tres historias de amor que se entrecruzandurante el viaje que emprendenJacques y su amo: la del amo, la de Jacques y la de Madame de la Pommeraye, tres historias que se entremezclanpolifónicamente, donde cada una es, a suvez, variación de la otra, y juntasconforman una comedia sobre los problemasexistenciales de la pasión amorosa.
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¿Cuántos de nosotros, de ti y de mí, buscamos el refugio de las palabras antes de mecernos en brazos del descanso nocturno? ¿Cuántos de nosotros, de ti y de mí, necesitamos un pequeño consuelo, un diminuto hilo de letras concatenadas, antes de dar por finalizada la jornada? ¿Cuántos de nosotros, de ti y de mí, soñamos despiertos con encontrar ese aliento que nos permita dejarnos llevar por los sueños?Pues este diario que tienes en tus manos es ese punto de encuentro entre la madrugada y tú, entre lo que buscas y no terminas de encontrar, entre la realidad y la fantasía, entre la motivación y el desaliento, entre la búsqueda del amor y los sinsabores del desamor, entre el placer y el mustio olor.Aquí encontrarás mi duermevela, mi impertinente desasosiego por mostrarme desnudo ante ti, lectora y lector de mis entrañas conocidas.
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Si pensabas que los sabores básicos de los alimentosse reducían a cuatro estás muy equivocado y es que, en realidad, hay cinco sabores básicos, y el quinto deellos es desconocido para muchas personas. ¿Te atreves a degustarlo? Este libro reúne en forma de capítulos los cinco sabores, que bien podrían ser libros individuales, al mismo tiempo que son uno consecuencia del otro, porque las relaciones nunca se presentan aisladas, impermeables, estáticas e intactas y hay tantos dolores como sabores. De menú principal estará el enamoramiento y el duelo, para su deguste o lectura son bienvenidos todos los paladares sensibles.
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Pericles, príncipe de Tiro es la primera obra del ciclo final que culminaría con La tempestad, en el que reina el mundo de lo maravilloso propio de los libros de aventuras (romances) sobre el trasfondo de los mitos esenciales de la experiencia humana (nacimiento y muerte, amor y pérdida, sufrimiento y regeneración). El largo itinerario del protagonista confluye en la que, según T. S. Eliot, es la mejor escena de anagnórisis jamás escrita.
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Itaca arrasada
Premi Jocs Florals de Barcelona 2025“En un dels moments àlgids del llibre, amb total lucidesa i l’evidència que ha de tenir el poeta, Deusa veu els milions d’anys que té el món i els pocs milers que en té la literatura. Aquesta mateixa disparitat és la del soldat xinès que torna a casa després d’una guerra gairebé infinita i troba la seva terra arrasada. La seva Ítaca, el seu país: el poeta ja veu la fi de les coses més nobles, més belles, ha vist perir, fins i tot, el que ha estat promès i encara no ha arribat.”Del pròleg de Juma B. Barrachina.Itaca arrasada és el llibre guanyador del Jocs Florals de Barcelona 2025. Entre el mite i la contemporaneïtat, entre la frescor i l´èpica, entre Estellès i el beat, la veu poètica de Joan Deusa és a l’hora gamer, historiadora, arrauxada, filosòfica i coneixedora profunda dels clàssics.L’editora
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Cuando encuentras tu lugar en el mundo sabes que va a ser muy difícil marcharte de él. Al fin y al Cabo es un viaje interno por las luces y las sombras que habitan dentro de nosotros en algún momento de nuestra vida. Es el lugar al que vas cuando quieres sentirte en casa después de una dura mudanza. Este poemario de verso libre habla de lo mucho que duelen las rupturas temporales y de esa sensación de plenitud que te acompaña cuando encuentras tu hogar.
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