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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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La educación vital de David Trueba, contada por él mismo«El rito de paso entre escribir para ti mismo y publicar es parecido a saltar entre dos azoteas de edificios distintos. Suele abrumar la responsabilidad.» Una bellísima crónica de David Trueba a los veinticinco años de su primera novela. David Trueba evoca episodios de su infancia y adolescencia, a modo de retrato de la forja de un escritor, a los veinticinco años de la publicación de su debut Abierto toda la noche. Así, el lector tiene en sus manos la hermosa crónica de una educación emocional y profesional. La familia numerosa, el piso superpoblado, los días sin colegio, las primeras lecturas y películas, los primeros mitos, la catequesis fallida, la irrupción de la carne. Trueba captura una forma de aprender a estar en el mundo al mismo tiempo que muestra el tránsito entre jugar a escribir y vivir de escribir.
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La realidad de un escritor, una mirada retrospectivadel propio autor sobre la primera etapa de su trayectoria novelística y la vez un “manual” personal de escritura.
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En un momento convulso y de tiempos turbulentos, Zapruder se pregunta en Día del padre, su primer libro publicado en español, cómo se puede ser un buen padre, un buen ciudadano y un buen compañero a principios del siglo XXI. Enfrentando esperanza y desesperación, privilegios y privaciones, trata de perseguir la alegría justo al borde del precipicio y el desastre. La paternidad, una experiencia que le llegó al autor con el nacimiento de un hijo dentro del espectro autista, es el tema general de esta colección de poemas con versos cortos y un lenguaje conciso y a veces escurridizo. Sin embargo, es la angustia por un mundo que se precipita a la insensibilidad la que gobierna todo el libro, en el que Zapruder eleva el papel de la poesía pero también resiente su elevación, y su limitación para enfrentarse a la incertidumbre y la falta de conciencia actuales. Sin embargo, su creencia radical en el poder del asombro y lo sublime y su generoso sentido del humor acaban por ofrecer refugio y abrir una puerta a la esperanza.
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Adalber Salas Hernández es poeta, ensayista, traductor. Galardonado con el XXXVI Premio de Poesía Arcipreste de Hita. Ha publicado traducciones de Marguerite Duras, Antonin Artaud, Charles Wright, Mário de Andrade, Hart Crane, Pascal Quignard, Mark Strand, Lorna Goodison, Louise Glück, Yusef Komunyakaa, Anne Boyer entre otros.
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A Peter Handke, es bien sabido, le gusta caminar en soledad, recorriendo los rincones que no figuran en los mapas. Miguel Ángel Ortiz Albero rastrea los textosdel Premio Nobel de Literatura, paseando literariamente con él para desvelarnos cómo el caminar transforma el mundo en narración, en cuento. Para ello es necesario moverse en el lugar y en el tiempo oportuno, ycon la luz adecuada.
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Antología de poesía ecuatoriana que nos brinda la colección «Literatura de Ecuador». «Esta antología de poesía puede configurarse o bien a partir de la selección de poetas o bien a partir de la selección de poemas. En este caso se ha optado por la selección de poetas, procurando que la muestra escogida dé cuenta de las innovaciones estilísticas o retóricas que propone el poeta y, a la vez, de su recepción o conexión con la poesía que se escribe en nuestros días. Así pues, hemos tratado de examinar la recepción y apropiación de la poesía legada por los poetas del pasado, que permanece y se actualiza, se modifica y resuena en la poesía del presente. Esta antología, por lo tanto, atienda a esta actualización de la poesía escrita por ecuatorianos, lo que implica que su punto de partida real sea la poesía que se escribe actualmente y, en conexión con ella, la vigencia o permanencia de determinados poetas y poemas del pasado. Otro hilo conductor implícito que ha permitido configurar la antología es, desde luego, el diálogo de los poetas ecuatorianos con la poesía hispanoamericana, con la poesía española y con la poesía moderna de Occidente. Esta es una antología escrita en castellano por poetas ecuatorianos, y cubre un periodo de nueve décadas, desde 1918 hasta 2008.» Iván Carvajal
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“Dar a luz y criar, ser madre y redescubrirse como mujer”. Matronalia habla sobre la maternidad, la de la periodista y presentadora invidente Nuria del Saz. Lo hace desde el corazón y las entrañas, pero también desde la reflexión y la consciencia de quien ha sido madre por elección. Nuria comparte lo más íntimo con este libro, invitando a hombres y mujeres a ver más allá de lo evidente, a sentir y empaparse de “una vivencia que es tan humana como animal, tan física como espiritual, la maternidad”.
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Eduardo Jordá nació en Palma de Mallorca en 1956. Ha publicado la novela La fiebre de Siam (1988), el volumen de relatos Orco (2000) y el libro de viajes Tánger (1993), así como dos volúmenes de diarios: Terra incognita (1997) y Canciones gitanas (2000). Tiene en prensa un libro de poemas, Ciudades de paso. Con La estación de las lluvias ganó el IV Premio Renacimiento de Poesía. La poesía de Eduardo Jordá medita sobre el paso del tiempo y la finitud humana, a la vez que evoca los lugares amados (Irlanda, Tánger, la India) y se interroga sobre los horrores del siglo XX.
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Un volumen que recoge tres de las cinco obras teatrales que José Luis Sampedro escribió entre 1950 y 1982. El teatro de José Luis Sampedro, poco conocido por sus lectores y al que los especialistas han prestado quizá menor atención, pone en escena temas que aparecen en sus obras narrativas y ensayísticas: la lucha por la libertad, la entrega solidaria y la protesta colectiva, pero sin alejarse jamás de los problemas del individuo, como el dolor, el sentimiento de la muerte y la incertidumbre de la trascendencia. La paloma de cartón es un alegato contra el telón de acero, una farsa pacifista que fue merecedora del Premio Calderón de la Barca en 1950. Un sitio para vivir es un drama sobre la angustia existencial y la toma de conciencia de una nueva realidad social, económica y ecológica en un mundo cada vez más esclavista. El nudo, inédita hasta ahora por deseo expreso del autor, es una tragicomedia grotesca que se acerca al pos realismo característico de los últimos veinticinco años de la obra narrativa de Sampedro. Todo ello va precedido por un magnífico estudio del profesor Francisco Martín Martín, especialista en la obra teatral de José Luis Sampedro. La opinión de la crítica:«Auténticos valores literarios e ideológicos propios de una pluma privilegiada.»Rafael López Izquierdo
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Corría el año 1993 cuando Eduardo Mendoza recibió la propuesta deseleccionar y presentar los volúmenes de una colección que había detitularse Maestros Modernos Hispánicos. La colección se proponíaofrecer, en veinticuatro entregas, un panorama de la prosa narrativaescrita en lengua española a uno y otro lado del Atlántico durante elagitado período que va de mediados del siglo XIX a mediados del sigloXX. Con atrevimiento y deportividad ejemplares, Eduardo Mendoza aceptóel reto. Este volumen recoge ahora las presentaciones de losveinticuatro volúmenes publicados, a las que se añaden los dos prólogos-dedicado uno a Pío Baroja y el otro a Armando Palacio Valdés- queMendoza escribió para la ocasión. El conjunto constituye una galería deautores y de títulos que combina, con resultados sorprendentementeecuánimes, los ademanes canónicos e idiosincráticos, el criteriocompartido y un gusto personal.
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LA inquietante personalidad de Arthur Rimbaud (1854-1891) ya entró desde hace muchos años, y definitivamente, en la categoría de los mitos. Su figura adolescente se vuelca desde el fondo de los tiempos contra nosotros, injuriándonos, crispado por la cólera que se revuelve en su espíritu, ofreciéndonos una imagen única de lo que el autor comprende como literatura. A los diecinueve años cambia su obra rebelde, revolucionaria y vidente por una vida aventurera. Es cuando deja de escribir, pero ya entonces era el autor que más caminos había encontrado para su expresión. Como diría Paul Claudel, Una temporada en el Infierno es la obra de un místico en estado salvaje.
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XXVIII Premio Internacional de Poesía Ciudad de Melilla. Recoge la voz de Gioconda Belli, tan personal y original como revolucionaria, tanto en la forma de abordar los temas más cercanos y particulares del individuo como de acercarse al cuerpo y sensualidad femenina. Los sentimientos femeninos son explorados de manera explícita y emotiva con inteligencia y claridad, como mujer, como madre o como amante.
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Alta Provença
'La ficció anomenada realitat no existeix en aquests poemes, que vénen a ser un sol poema, el de la poesia, la mística de la poesia en la representació desrepresentada de l'ascesi cap al poema absent, autoreferencial, inassolible, on tot passa i res no és alhora que no hi passa res i tot tothora és, eternament. Metapoesia feta poesia.'' (Carles Hac Mor). El llibre d'Antoni Clapés i amb epíleg de Carles Hac Mor està format per quatre grups de poemes que porten per títol La veritat sense casa, Alta provença, Qasba, El viatger no sap i Newgrange.
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RAÚL ZURITA (Santiago de Chile, 1950) se ciñe a la gran tradición poética chilena desde la publicación de sus primeros libros Purgarorio (1979) y Anteparaíso (1982). Su obra, traducida a cerca de una decena de idiomas, es reconocida como una de las más sólidas y fascinantes de la literatura contemporánea. INRI, un canto para la permanencia y el memorial de lo que se desvanece ante un acto de crueldad. La poesía de Raúl Zurita parte de la cicatriz, de la entraña, es una guerza de impacto, una suerte de golpe solar vertido en palabras, en actos poéticos. Este desbordamiento interior, esta herida, se extiende en el poeta chileno más allá del papel, hasta las cordilleras, hasta la vastedad del cielo, como si ese sentir no cupiera en un solo cuerpo y tuviera que abrirse ilimitadamente. En el año 2020 ha sido galardonado con el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.
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Octavio Paz (Ciudad de México, 1914-1998) recibió el Premio Nobel de Literatura de 1990. Fue considerado, durante décadas, uno de los más notables poetas y ensayistas en lengua española. Con Piedra y sol -términos queridos y significativos en la cosmovisión paciana-, Luis Antonio de Villena ha pretendido trazar una antología personal y plural de su labor poética. Una obra, hito de nuestra modernidad, que se abre en la secuela de nuestro 27 y la Generación mexicana de «Contemporáneos» y que culmina en la constante búsqueda del «poema total», en un rico lenguaje de imágenes, entre la profundidad, la sorpresa y el diálogo con la tradición. Quizá, verdaderamente, Paz fuese el último cronológicamente de nuestros grandes modernos. Hondura y fulgor.
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Este texto prodigioso recorre el laberinto de la Europa finisecular de la mano de un singular flâneur. Bajo la óptica de la crisis, los intelectuales del momento levantaron un coherente y oscuro sistema de signos que constituye un fragmento ignorado y fundamental para recomponer la genealogía de la mentalidad posmoderna. Es ésta una oportunidad única para conocer los míticos pasajes de Benjamin, el infierno de Strindberg, las noches de spleen de Baudelaire, los rituales de magia de Papus y la teurgia de Eliphas Lévi, las intoxicaciones de opio de Alfred Jarry y la galería secreta de monstruos sexuales de Krafft-Ebing. El recorrido del ensayo pasa por manifestaciones literarias, artísticas o escénicas del Fin de Siglo, pero recuperando también la importancia de prácticas de la vida cotidiana como los diarios íntimos, el esoterismo, el consumo de drogas, la sexualidad, la decoración o la vestimenta. Para articular su investigación, el autor se apropia del mito clásico de Narciso como el relato modelo que explica ese momento en toda su complejidad. Todo está incluido en este fascinante viaje a través de la historia de la subjetividad contemporánea.
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José Emilio Pacheco nació en Ciudad de México, en 1939. Profesor universitario, ensayista, novelista, traductor, es -sobre todo- uno de los grandes poetas de la lengua. Algunos de sus títulos decisivos son Los elementos de la noche (1966), No me preguntes cómo pasa el tiempo (1969), Islas a la deriva (1976), Desde entonces (1980), Los trabajos del mar (1983), Ciudad de la memoria (1989), La arena errante (1999) y Siglo pasado (2000). La editorial Visor ha publicado una antología de su obra, En resumidas cuentas (2004), y próximamente aparecerá en esta misma colección un nuevo libro titulado Como la lluvia. Ha recibido, entre otros, el Premio Octavio Paz (2003), el Premio Pablo Neruda (2004), el Premio Ciudad de Granada Federico García Lorca (2005) y el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana (2009).
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El 27 de mayo de 1901 nació, circunstancialmente en Salamanca, Pedro Garfias, quien años después sería integrante de esa otra Generación del 27, marcada por el silencio y el olvido. Compartió durante la década de los veinte el destino de un grupo literario, dividido entre la tradición y la vanguardia (su única obra en ese período, El Ala del Sur, data de 1926). Sus acordes, romances y romancillos, marcaron la salida personal al vanguardismo primero (creacionismo, dadaísmo) e inclinaron su mundo poético hacia lo emotivo. En la Guerra Civil fue nombrado comisario político, en una fuerte labor de divulgación y agitación cultural. Volvió a renacer en él la poesía directa y sencilla al contacto con aquellos héroes de ese Sur tan querido y añorado por el poeta (Garfias había vivido su niñez y juventud entre Osuna, Cabra y Écija). Más tarde tras la derrota del Ejército Republicano embarcaría en el Sinaia para continuar la dura vida de exiliado en tierras aztecas. Es muy probable que en aquel paquebote, el ex director de Horizonte revista de vanguardia que él mismo dirigió entre 1922 y 1923, llevara en su mente algunos de los textos que después recrearía en el libro, su primer poemario del destierro, Primavera en Eaton Hastings, publicado en México, en 1941. Garfias publica también en México su lírica bélica y de compromiso (Poesías de la guerra española, 1941, Elegía a la presa de Dnieprostroi y otros poemas, 1943) y acentúa su etapa metafísica, con una poesía barroca y existencial y con postura nihilista (De Soledad y otros pesares, 1948, Viejos y nuevos poemas, 1951). La gran metáfora del río oscuro, revuelto frente a la mar eterna, que ya estaba en su poemario de 1948 da título a la que será su última obra: Río de aguas amargas (1953). Tras cinco años como Secretario del Director del Departamento de Acción Social Universitaria, de la Universidad de Monterrey, en Nuevo León su único trabajo estable, el poeta arrastró una vida errante con conferencias, recitales y amigos que lo acogen por todo México, en solidaridad con su desarraigo y dolor. Pedro Garfias se convierte así en un juglar vivo en pleno siglo XX. Todo él, poesía, amistad y soledad, destino completo de literatura y vida. Murió el 9 de agosto de 1967, en Monterrey, con tierra española en su boca, por su mismo deseo. Ahora se cumple su primer centenario. Nos dejó escribió: ''Espero que dos o tres versos míos puedan permanecer después que yo muera''. El responsable de esta edición, José María Barrera López, es especialista en vanguardias literarias, tema al que ha dedicado numerosas publicaciones (ediciones críticas, reediciones de revistas y monografías). Desde 1990 es profesor de Literatura Española en la Universidad de Sevilla.
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«Amalia Bautista y José del Río nos han dado cada uno una ciudad que es la misma y es distinta. Nos han dado de ella sólo unos trozos, trozos magníficos, valiosos, perdurables. Y esos trozos juntos forman una sola ciudad que complementa, que completa más bien, la nuestra. La ciudad que nos han dado es a un tiempo desoladora y cercana, bonita e inhóspita. Los poemas tienden a una tristeza insoluble y un tristísimo desgarramiento, el que nos produce el paso de un tiempo que todo lo devora: deseos, sueños y recuerdos. Las fotos nos llevan a lugares de la ciudad en los que quedamos expuestos a un mayor desasistimiento. Son poemas y fotos modernos, son cántaros rotos también. Claro que ?pongamos que no hablo de Madrid?, diríamos parafraseando la célebre canción del juglar, que de lo que están hablando Amalia y José no es ni siquiera de sus almas, sino de la mía y de la tuya, mon semblable.» Del prólogo de ANDRÉS TRAPIELLO
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Francisco Bejarano nació en Jerez en 1945. Ha publicado los libros de poesía Transparencia indebida (Universidad de Granada, 1977), Recinto murado (Renacimiento, Sevilla, 1980), Elogio de la piedra (Cuadernos de Cera, 1981), Las tardes (Renacimiento, Sevilla, 1988) y Antología (1929-1987) (Maillot Amarillo, Granada, 1990). En prosa creativa es autor de Las estaciones y Consolación de melancólicos, ambos publicados en la editorial Pre-Textos, Valencia, en 1998 y 2000 respectivamente. Ha publicado el ensayo Manual del lector y escritor modernos (Renacimiento, Sevilla, 1999) y la recopilación de artículos costumbristas de crítica social La torre de marfil (Renacimiento, Sevilla, 1991). Por Las tardes obtuvo el Premio Nacional de la Crítica en 1989. Por sus artículos periodísticos ha recibido los premios «Julio Camba» y «José María Pemán». Está incluido en las más importantes antologías de poesía contemporánea y traducido al italiano, francés, inglés y alemán. Aparte de su labor creativa, ha sido director de las revistas literarias Fin de siglo y Contemporáneos.
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Hace más de mil años, una dama japonesa, cuyo auténtico nombre desconocemos, dejó escrito un libro autobiográfico que no llegó a titular. Todo cuanto sabemos de ella está contenido en este breve volumen, pues el resto de su obra no se ha conservado. Su autora pertenece a ese extraordinario grupo de escritoras que floreció en Japón durante el periodo Heian, entre las cuales se encuentra Murasaki Shikibu, la incomparable autora del Genji Monogatari. Escrito durante el último periodo de su vida, este sincero y original relato autobiográfico -con ochenta y nueve poemas intercalados- nos cuenta los primeros viajes que realiza esta dama con su padre hasta llegar a Kyoto, su profundo amor a la literatura y la emoción conmovedora que sintió cuando recibió por primera vez el regalo de los cincuenta libros de la historia de Genji, sus decepciones como dama de compañía de la princesa imperial, sus peregrinaciones a los santuarios budistas, sus sueños, sus cuitas... Con una prosa limpia, natural y moderna, Sarashina nos sumerge en el corazón de un mundo lejano, dominado por el culto a la belleza, una suave melancolía y un profundo sentimiento budista acerca de lo ilusorias que resultan todas las acciones humanas. Sin embargo, su delicada y poética introspección no se aísla de todo lo mundano, sino que, al mismo tiempo, nos informa de la vida cotidiana de la época a través de precisas descripciones.
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La Biblia en la literatura española, dirigida por Gregorio del Olmo Lete, investiga de manera sistemática la influencia que ha ejercido la Biblia en la historia de la literatura española, en sus diferentes épocas y autores. La obra se organiza en tres tomos, correspondientes a la Edad Media (en dos volúmenes), a la Época de Oro y a la Modernidad. Al margen de la consideración doctrinal del contenido y valor religioso de la Biblia, ésta se hizo presente desde el primer momento en el arte y la literatura. Tanto el arte religioso cristiano como las literaturas «profanas» aparecen impregnados por la presencia de los textos y los temas bíblicos. El estudio de «la Biblia como literatura», surgido en el siglo XVIII, ha dado paso actualmente al interés por el estudio del influjo de la Biblia en la literatura, a la que le ha suministrado una serie de historias, figuras y escenas que han actuado como arquetipos muy productivos, no sólo en el ámbito de la creación literaria, sino de la artística en general. Este primer tomo, dedicado a la Edad Media y coordinado por María Isabel Toro Pascua, analiza la presencia de la Biblia en la literatura medieval en dos vertientes netamente diferenciadas. Se trata, por un lado, de la Biblia como fuente de arquetipos y modelos, de argumentos e imágenes que nutrieron el imaginario de todo el mundo cristiano, que supo convertirlos en literatura. Por otro lado, la Biblia se presenta como fuente autoritativa, tanto en el aspecto filológico como en el histórico y el doctrinal. Los estudios correspondientes se distribuyen por tanto en dos volúmenes: uno que agrupa los géneros estrictamente literarios (poesía, drama, ficción) y un segundo que recoge los que definen a la Biblia como fuente de autoridad (textual, histórica y dogmático-moral).
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António Nobre (Oporto, 1869 - 1900), es el precursor del modernismo poético en lengua portuguesa y uno de los principales referentes de Fernando Pessoa, autor de uno de los poemarios más importantes de la literaturaportuguesa: Só, publicado en 1892, y hasta ahora inédito en español.
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LEOPOLDO PANERO nació hace ahora 100 años, en 1909. Publicó en vida sólo dos libros: Escrito a cada instante y Canto personal. Su autoexigencia, y lo breve de su vida (murió en 1962), no le permitieron más. Ha sido habitual, demasiado habitual, marginarle por cuestiones que nada tienen que ver con la literatura. Esta antología pretende que sea ella, la literatura, la que ocupe el primer plano. Y eso, por una razón muy sencilla: Leopoldo Panero es uno de los mayores poetas españoles de la posguerra, y acaso del siglo XX. Esto, que podrá confirmar cualquiera que lea sus versos, debería servir para que finalmente, en efecto, se le lea, en lugar de descalificarle (por cierto, con notoria injusticia), o simplemente olvidarle. Cuando eso ocurra, cuando se lean sus versos, su emocionada y certera visión de las cosas, su hondura, su intensidad, su transparencia, no dejarán, no podrán dejar, indiferente a ningún lector de poesía que de veras lo sea. Leerle, pues, y devolverle el lugar que sin duda merece su obra espléndida, es algo no sólo justo, sino enteramente necesario para la normalidad de nuestra cultura. Ya hace demasiado tiempo que sobre la consideración puramente literaria (única que debiera contar, a estas alturas), prevalecen otras que nada tienen que ver con la literatura, y bien poco con la verdad. Ya hace demasiado tiempo, en resumen, que nos lo estamos perdiendo.
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Como afirma la propia autora, los poemas que componen este volumen son todo lo que le gustaría que permaneciese de lo que quisiera considerar una primera etapa: «Hainuwele siempre ha sido, para mí,el libro más querido y el único del que nunca me arrepentí de haber escrito. Es ésta la razón por la que aparece aquí completo y sin retoques». Compuesto en el verano de 1988, en su primera y más prolongada estancia en la India, se basa en un mito de Papúa-Nueva Guinea: Hainuwele, enamoradadel Señor de los bosques, habrá de perderse a sí misma para encontrarle, ofreciéndose en sacrificio.Para Chantal Maillard, «Hainuwele se construyó a sí misma, poema a poema, como lo hacen los personajes cuando se les deja abrirse camino en la escritura. Ella es mi álter ego más querido. Vive en mí aun cuando la pierdo. Para recuperarla, me basta con percibir el olor de los helechos en los bosques europeos o el sonido de las hojas secas, olfatear el viento del norte cuando llega a la costa cargado de olores...».Los «Otros poemas» incluidos en el volumen son una selección de poesías pertenecientes a los libros escritos en esa década de regreso a España: Poemas a mi muerte, Lógica borrosa y Conjuros. Del mismo modo que los dos últimos libros reelaboraron fragmentos de los cuadernos Filosofía en los días críticos, los cuatro poemas que cierran esta obra hacen otro tanto con Diario de Benarés. Se salvan así las fronteras de los géneros, y se destacan los enlaces invisibles, las referencias que invitan al lector a reconstruir la trama en la que un poema es apenas el fragmento de una hebra.
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A partir de una lectura de El Meridiano que ofrece las claves para comprender el texto en el que Celan expuso las líneas maestras de su «pensamiento poético», este ensayo constituye una travesía que recorre los momentos centrales de una obra tras la que se perfilan las sombras de poetas como Hölderlin, Büchner, Rilke, Char o Mallarmé y de pensadores como Heidegger, Benjamin, Adorno, Blanchot o Lévinas. José Manuel Cuesta Abad es profesor de Teoría literaria en la Universidad Autónoma de Madrid y ensayista.
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«La poesía de Federico García Lorca se dirige a tres espacios principales: la memoria, el deseo y la perplejidad sobre el propio yo, con una intensidad tan singular como para pensar que el fin de todo arte es ''una comunicación de amor''. Era ''el fenómeno poético en carne viva'' (Dalí), ''un multiplicador de la hermosura'' (Neruda), la ''gracia'' (Guillén), pero también ''el hombre de la soledad y pasión'' (Aleixandre). Sencilla y compleja a la vez, es una poesía que encierra resonancias míticas y sensualidad inmediata, alegría y tragedia, protesta y vitalismo, música exquisita, con un poder de seducción que el tiempo no disminuye.» (Del Prólogo de Andrés Soria Olmedo)
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Los tres títulos que se incluyen en este volumen ofrecen textos muy representativos de tres facetas esenciales en la obra de este autor fundamental y controvertido, coetáneo de la Generación del 98 y nacido en España pero considerado por muchos como un escritor paraguayo: su literatura de denuncia, sus ideas estéticas y su pensamiento social. Además, estos tres escritos corresponden también a tres momentos cruciales en la evolución del proceso creativo de Rafael Barrett: De Estética fue publicado en agosto de 1905 y pertenece a la primera etapa de Barrett, cuando su transformación americana es todavía incipiente, se trata de un texto casi íntegramente europeo en su contenido y en sus referencias. Los artículos que constituyen Lo que son los yerbales se publicaron por primera vez en junio de 1908 y corresponden a los momentos más intensos de su acción agitadora, además de haberse convertido en uno de los textos fundadores de la «no ficción» latinoamericana. La cuestión social apareció en marzo de 1910, corresponde, por tanto, a su etapa más madura. Tras el único libro publicado en vida, Moralidades actuales, inmediatamente otras obras fueron editadas en Montevideo, siempre con selecciones de sus textos aparecidos en periódicos. En 1911 El dolor paraguayo (cuyo índice llegó a preparar el propio Barrett) y Cuentos breves. En 1912 cuatro libros: Al margen, Ideas y críticas, Diálogos, conversaciones y otros escritos y Mirando vivir. También empieza a ser editado en otros países de América. En España la obra de Barrett se conoció pronto. En 1919 la editorial América publica en Madrid Moralidades actuales y Cuentos breves. Luego se produce un largo vacío de casi sesenta años hasta la publicación en 1976 de Mirando vivir, una excelente selección de artículos realizada por Carlos Meneses. «Rafael Barrett fue un precursor en todos los sentidos.» Augusto Roa Bastos
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Mendigo es una muestra suficiente de la poesía de Jesús Aguado, un acercamiento al que, sin miedo a exagerar, es uno de los más verdaderos poetas de nuestro tiempo: poeta antiguo y moderno a la vez, capaz de hacernos sonreír y capaz de emocionarnos con aquella táctica antigua e infalible de los poetas: hacernos protagonistas de sus cantos. Sus náufragos, sus enamorados de lo imposible, sus heridos, son piezas de un puzzle milagroso y afirmativo. Su poesía no sólo nos refleja y nos conmueve: también, y sobre todo, nos da aliento y fuerzas para la celebración de todo lo que, por el mero hecho de ser, nos celebra (Del prólogo de Juan Bonilla). Jesús Aguado nació -casi en Sevilla- en 1961. Es autor, entre otros, de los siguientes libros de poesía: Los amores imposibles (1990), Libro de homenajes (1993), El placer de las metamorfosis (1996), El fugitivo (1998), Los poemas de Vikram Babu (2000), La gorda y otros poemas (2000 y 2ª ed. aumentada 2001) y Lo que dices de mí (2002). También es responsable de la Antología de poesía devocional de la India (1998 y 2ª ed. 2007), Kabir. Poemas breves (2001), La casa se mueve. Antología de la nueva poesía cubana (2001), Antología de poemas de las tribus de la India (2003), Rafael Pérez Estrada en la India (2004), El vecino inquietante. Segunda antología de poesía devocional de la India (2005) y Heridas (2005). También es responsable de la Antología poesía devocional de la India (1998 y 2ª de 2007), Kabir. Poemas breves (2001), La casa se mueve. Antología de la nueva poesía cubana (2001), Antología de las tribus de la India (2003), Rafael Pérez Estrada en la India (2004), El vecino inquietante. Segunda antología de poesía devocional de la India (2005) y No pasa nada. La poesía beat y oriente (2007).
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'En líneas generales, sé cómo me he convertido en escritor. Lo que no sé precisamente es por qué razón. ¿Realmente tenía necesidad de alinear palabras y frases para existir? ¿Me bastaba con ser el autor de algunos libros para ser? [...] ¿Tenía yo, pues, algo particular que decir? Pero ¿qué es lo que he dicho?...''
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