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Libros de Teatro, Poesía y Relatos
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En una carta a Joë Bousquet, Simone Weil confesaba su deseo de ser considerada una poetisa antes que una filósofa. Su obra poética, sin embargo, se reduce a un puñado de poemas, reunidos en esta edición. Los primeros, poemas de juventud, son ante todo un ejercicio formal donde prima la intención estética sobre los contenidos, aunque ya revelen las inquietudes sociales y políticas de su autora, y muestren su tendencia a trasladar una realidad liberada de toda fantasía. Los poemas últimos («Los astros», «El mar», «Necesidad» y «La puerta»), escritos en Marsella entre 1941 y 1942, elaboran las ideas que más ocuparon a Simone Weil —necesidad, obediencia, voluntad, espera—, y representan una especie de epítome de su pensamiento. Con Venecia salvada, drama incluido también en este volumen, pretendía Simone Weil recuperar el estilo de las tragedias clásicas griegas que tanto admiraba. Comenzó a escribir esta tragedia en 1940, y continuó trabajando en ella hasta su muerte, quedando la obra finalmente inconclusa. Trataba ahí de «retomar por primera vez desde Grecia la tradición de la tragedia en la que el héroe es perfecto», narrando el sufrimiento del ser humano sometido a la necesidad impenetrable, que lo impulsa a realizar actos que él mismo acaba aborreciendo, lectura también del sentido último de los actos generosos, donde el que así actúa expone su alma desnuda a toda herida
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Después de publicar Las flores del mal, de Baudelaire, y Poemas, de Verlaine, completamos con esta antología bilingüe la serie que hemos dedicado a los poetas malditos. Tal vez Rimbaud sea «el gran maldito» su vida y su obra han estado rodeadas de misterio, lo que ha agigantado su figura y es, sin duda, el poeta sobre el que más páginas se han escrito. Hemos elegido como título «El barco ebrio» porque creemos que este poema es muy representativo de la obra y la vida de Rimbaud, tan alejadas ambas de las costumbres burguesas y de sus normas paralizantes, tan deseosas de infinito y de luz. La tempestad bendijo mis desvelos marítimos. ¡Diez noches bailé, más ligero que un tapón de corcho, sobre el oleaje, al que llaman eterno embrollador de víctimas, sin añorar el necio ojo de los faros! En esta ocasión, es la pintora Alicia Martínez quien ha entablado diálogo con el poeta y, así como la obra de Rimbaud es muy rica en matices y contrastes, también lo es la interpretación plástica de los poemas y las técnicas utilizadas por la ilustradora.
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Dentro de la amplia y rica trayectoria de la parodia teatral en España La venganza de don Mendo es la obra maestra del género: Muñoz Seca supo aquilatar en ella los procedimientos característicos del disparate cómido o el astracán para ofrecernos una divertida burla del teatro más aburrido y presuntuoso de su tiempo. La obra, divertida e ingeniosa en extremo, encierra un mensaje duradero que siguen apreciando las generaciones actuales, como demuestran sus reiteradas reposiciones en los escenarios españoles.
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En José Martí confluyen el artista, el pensador y el hombre de acción, lo que ha contribuido a que su figura y su obra se hayan convertido en símbolo y en bandera objeto de variadas interpretaciones. Martí, en consonancia con su ideal político, también era un revolucionario en el arte.
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Esta es una novela que implica al lector desde la primera frase. La acción comienza con el asesinato de un miembro de la comunidad homosexual que iba a salir del armario. El caso llega a manos de Gianna Maglione, teniente de la policía de Washington y jefa de la Unidad de Crímenes del Odio, departamento encargado de los asesinatos motivados por raza, sexo o religión. Para la teniente Maglione, una mujer con raíces italianas, independiente, fuerte y con gran instinto policial, el caso le llevará hasta un desenlace laberíntico y sorprendente. Paralelamente, la periodista Mimi Patterson, reputada investigadora, tozuda y defensora de las minorías, será la encargada de narrar quién y porqué ha cometido estos asesinatos. Pero la vida de ambas se cruza en el camino de la investigación y entonces surgirá una interesante disyuntiva entre la vida privada y pública de las dos mujeres. La historia se desarrolla cronológicamente y con una fecha muy clara, ya que la persona que comete los asesinatos lo hace el mismo día del mes. Esto hará que las dos protagonistas aceleren sus instintos en busca del/la culpable antes de que vuelva a matar. La novela trata el tema de la homosexualidad, no sólo femenina, desde diferentes puntos. Estarán presentes las relaciones con la iglesia, la diversidad étnica, el matrimonio y los cambios que se han producido en la sociedad con respecto a los gays y lesbianas. También plantea la libre elección de salir o no del armario. Esta es la más importante reflexión y el mensaje que la autora quiere transmitir. La relación entre la jefa de policía y la periodista son un contrapunto al relato de los crímenes. Ambas, por su obsesión con sus trabajos, sufrirán con una relación que les hará plantearse cuáles son sus prioridades. Una novela llena de intriga y pasión.
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Para Benjamín Prado (Madrid, 1961) la creación literaria es una dedicación casi obsesiva, y así su obra incluye igualmente libros de poemas (el último, el titulado Iceberg), relatos o artículos, que diversas novelas, biografías y ensayos. Miguel García-Posada ha señalado el entusiasmo por la poesía y la pasión vital que rezuma la obra poética de Prado, y destaca su fervor por la condición memorable del poema añadiendo: «Prado busca ante todo que su poesía sea canto, lírica, canción».
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La mezcla de lo serio y lo cómico constituye uno de los puntales característicos de la comedia española que bien supo anotar Lope de Vega en su Arte nuevo de hacer comedias. Una combinación que traspasaba los límites del drama escrito para conformar la médula de lafunción teatral desde el siglo xvi hasta el xix, donde en alternancia con la obra principal ?una obra seria? se incluían piezas breves ?obras cómicas? entre jornada y jornada. En este ensayo, el autor nos acercaa la cultura teatral peninsular desde la perspectivaburlesca. El estudio diacrónico de la parodia en laliteratura dramática española de los siglos xviii, xix y principios del xx es, pues, el objeto de análisisy estudio de este capítulo de la historia del teatroen España, cuyo compendio encontramos en el Manolo (1769), de Ramón de la Cruz, y La venganza de don Mendo (1919), de Pedro Muñoz Seca, que abren y cierran dicho ciclo. De carcajadas, complicidad con el auditorio, excelencia artística y diálogo con los clásicos ?un diálogo de broma? es de lo que trata este libro. Habla de esta forma de entender los escenarios, desde la modestia de unos textos humildes cuya única pretensión era hacer reír al espectador con lo que antes lohabía hecho llorar. Porque era ahí, en esos contrastes entre lo alto y lo bajo, en esas caricaturas del teatro grande, hipérboles llenas de bobos, simples, graciosos, pícaros, gitanos, ridículos antihéroes ?gentes siempre marginales?, donde se refugiaba una parte de la esencia misma de la tradición escénica peninsular, tan presente desde sus mismos orígenes celestinescos. Finalmente, este libro se propone como un ensayode catálogo abierto, que se acompaña de una cronología que atiende no solo a los grandes movimientos literarios de estas dos centurias, sino también a las importantes transformaciones en el sistema de producciónque sufre el espectáculo dramático en ambos siglos ysu epígono hasta las primeras décadas del xx, esto es, la fractura de los dogmas neoclásicos, la apariciónde la burguesía como público y el teatro por horas.
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En la memoria colectiva de los pueblos siempre encontramos que, de una manera o de otra, las gentes han reflejado su historia en canciones y poemas transmitidos oralmente a lo largo de los siglos. Estos textos -los romances como forma más popular- nos permiten conocer no sólo a los héroes del pasado, a los que protagonizaron los hechos más destacados, sino que también nos acercan a los sentimientos y a la vida de la gente común, expresados con una frescura que aún hoy sorprende a sus lectores. El romance, tal como nos ha llegado, es una forma literaria en la que se cruzan distintos géneros: épico-narrativo, lírico y dramático. En este volumen se recogen variadas y escogidas muestras de nuestro más tradicional romancero viejo: los amores y desdichas de don Rodrigo, los presagios de doña Alda, los trabajos del Cid o las cuitas de un prisionero.
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En un sencillo estuche de cartón, rojo y negro, cinco libritos, que contienen las valiosas palabras de cinco gigantes de la literatura del siglo xx. Se trata de una edición que recoge cinco escritos, en su día pronunciados como discurso, de una serie de autores ganadores del premio Nobel: William Faulkner, Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Doris Lessing y John Coetzee. Doris Lessing rememora su estancia en Zimbabwe y se lamenta de la falta de libros para los niños nativos. Gabriel García Márquez propone un viaje por la historia maldita de América Latina y hace un brindis por la poesía. John Coetzee compone una pequeña obra de ficción en forma de discurso que recuerda las mejores claves de su narrativa. El libro de William Faulkner contiene el discurso del Nobel, en que habla del esfuerzo humano, y su discurso pronunciado en el Delta Council. Mientras que Neruda, en su parlamento, habla de un viaje al sur de Chile, una experiencia que proporciona las «dosis necesarias» para la creación poética.
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Mujer que entre las sombras parpadeas sin lágrimasLa Filosofía es silencioY Crisipo reía rezándole al ángel de la sombraQue solloza y solloza y sollozaCantándole al silencioY el grito acalla los pecadosY una mujer es el poemaY un ángel la sombra.Leopoldo María Panero
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Este libro explora, mediante el análisis de algunos horizontes individuales característicos, el mundo complejo y ambiguo de la iconografía erótica, donde diversas perversiones alternan y se imbrican con enfoques irónicos y críticos, en travesía de breves relatos desarrollados en el molde clásico del soneto. Las imágenes suscitadas, verdaderamente cinematográficas y a veces espeluznantes, desembocan en la definitiva verdad del último poema, reflexión sumaria sobre el orgasmo y, a fin de cuentas, el tema del amor, columna vertebral de las páginas del texto. Y la soledad como la de aquel pajarillo solitario de san Juan de la Cruz, que ponía el pico al aire en lo más alto. Un libro duro en su exaltado misticismo erótico, sólo apto para una minoría de lectores inteligentes y expresivo de las contradicciones de nuestra época, con sus protestas de sinceridad y sus no siempre confesadas, o subliminales, regiones tenebrosas. El mal no radica en los símbolos sino en el desconocimiento de su genética y de sus virtudes catárticas.
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A lo largo de más de tres décadas, tanto los Cuadernos como los Almanaques o los Zaquizamíes han sido dedicados, en muchas ocasiones a temas monográficos: Erotismo, Jardines, El Agua, La Imprenta, el Amor, La República, Picasso, La Fotografía, El Cómic, El Tiempo, Los Heterodoxos. Y de nuevo, un largo etcétera. Con ello hemos querido conciliar los temas eternos de la poesía y el arte con la actualidad, la urgencia con la oportunidad. Pero siempre movidos por un espíritu libre y festivo: compartiendo, colaborando, discutiendo, manteniendo la amistad por encima de todo. Y aun siendo conscientes de lo efímero de unas hojas volanderas de poesía o unos Cuadernos de poemas y dibujos, nuestra apuesta colectiva sigue la máxima latina, más como deseo que como certeza, de que el tiempo pasa pero lo escrito permanece. Tempus fugit, scripta manet. El tiempo, precisamente, lo dirá. Cuadernos de Roldán es un colectivo de poetas, pintores, músicos, dibujantes, que ha venido desarrollando una actividad ininterrumpida durante treinta y tres años. Desde que el 21 de abril de 1988 se presentara el número cero, De trovos y artes de todas suertes, hasta el último Cuaderno, número 100, dedicado a Itálica y presentado esta primavera, se han editado Libros, Cuadernos, Almanaques, Zaquizamíes, Ad Libitum y Hojas de San Lorenzo. (2 de diciembre) «Cuadernos de Roldán» es un grupo de poetas andaluces, buena gente, amante de la poesía y militante convicta del culto a Baco, que no acostumbra a salir en las páginas de Cultura ni en los suplementos de los periódicos importantes. A mí, a pesar de que ya no escribo versos y de ser bastante parco en el beber, me hicieron socio del gremio, quiero decir, inquilino, que es así como nos designamos en la cofradía. José Saramago, Cuadernos de Lanzarote I (1993-1995)
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He aquí un ensayo de crítica literaria y artística que va más allá de su propio marco, que acaba constituyendo una exploración paciente, precisa y atormentada de todo lo que sale al encuentro del hombre de hoy por el simple hecho de existir ''algo como el arte y la literatura'': descenso hacia las profundidades, aproximación a la oscuridad, experiencia de la soledad y de la muerte. Se trata de un dominio en el que todo es tenebroso e incierto, pues el artista, como Orgeo, debe descender hasta ese punto hacia el cual parecen tender el arte, el deseo, el espacio y la noche. Pero éste no es un libro dogmático, es una experiencia ampliamente desarrollada, cuya forma, movimiento y unidad son tan importantes como las afirmaciones que en él se reflejan. Blanchot analiza la obra y la experiencia de Mallarmé, Hölderlin, Rilke y Kafka, por citar sólo estos nombres, conduciendo lentamente su investigación hacia lo que él llama su ''centro'', es decir, ese centro que se va desplazando según cuáles sean la presión ejercida por el propio libro y las circunstancias de su composición. Un centro que se mueve constantemente y a la vez sigue siendo el mismo, haciéndose cada vez más central, más escondido, más incierto y más imperioso. Un centro, en fin, que convierte este libro aparentemente fragmentario en una rigurosísima meditación sobre la conducta creadora.
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Un clásico. Una de las mejores poetas en lengua inglesa de todos los tiempos. Con su lenguaje eléctrico, implacable y visionario nos sitúa ante el abismo de la muerte y sus contradicciones.En la obra de Emily Dickinson hay una modernidad tan radicalmente alejada de sus contemporáneos que sus mejores poemas parecen flechas lanzadas hacia nuestro presente, o más allá. La suya es una poesía del pensamiento, cuya valentía conduce a indagar en lo que literalmente no puede ser pensado o figurado. De ahí que el tema de la muerte, en el que se centra esta selección de poemas, sea para ella una obsesión ineludible, hasta el punto de formar el campo semántico más amplio de su variado corpus. Hay, en este libro, una Emily Dickinson bien distinta a la imagen dulcificada que de ella se ofrece en ocasiones. Está la Dickinson más oscura, nihilista a veces, silenciada o marginal en otras antologías de su obra, pero también la más atrevida, aquélla cuyo lenguaje es más eléctrico, implacable y visionario: esos ojos destinados a ver lo invisible, más allá de todas las barreras, adornos o disfraces. Los ojos de Emily Dickinson y los nuestros que leen sus palabras, tan asombrosamente lúcidas y nuevas, un siglo y medio después. RUBÉN MARTÍN
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La publicación de Azul...(1888) se convirtió en el hito fundacional de la literatura modernista, en el vigoroso cambio de rumbo en la brújula de la sensibilidad artística. Desde el enigmático título hasta la inusual estructura de la obra, compuesta por cuentos y poemas, hacen de este lírico volumen una referencia fundacional del Modernismo: renovación de los temas, ambientes lujosos, galantes y refinados, culturalismo francés, fantasía, obsesiones individuales, técnicas e imágenes impresionistas y un vocabulario exótico y expresivo.
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A la vora de l'aigua
Segons el pròleg, a càrrec d'Isidor Cònsul, ''el darrer llibre de Rosa Fabregat, A la vora de l’aigua s’insereix amb més intensitat que els anteriors en la línia que sembla més pura de la seva poesia i en el punt d’inflexió dels seus versos més segurs. Poemes que s’entretenen a resseguir espais i geografies personals, que treuen espurnes de poesia només en la densitat de la mirada i perquè, en aquest cas, acondueixen amb encert una metàfora d’aigua. L’abril de 2009, pocs mesos després de la publicació d’aquest volum, la poesia de Rosa Fabregat podrà celebrar, si vol, la festa d’aniversari dels trenta anys de vida editorial, els que hauran rodat des de la primera edició d’Estelles (1979). Nascuda el 1933 i amb el pes, doncs, de setanta-cinc anys de vida a l’espatlla, entenc que Rosa Fabregat estrena en aquestes geografies d’aigua, sobretot a ''Les ales de la nit'', una poesia centrada en un tombant de la ruta, en l’inici dels dies de la vellesa.''
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¿Y ha de morir contigo el mundo mago?... se preguntaba la voz común en boca de Machado. Y con su misma carga de estupor y portento sigue resonando el viejo ensalmo, la pregunta viva que inauguraba el prendimiento de la palabra por entre el juego grave de la niñez, hacia ese enmarañado peregrinaje de la vida. Y aquí seguimos, no se sabe cómo, entonando aún rezo y salmodia, por fidelidad al decir de las cosas, por si se dejan hablar a contradanza de su vida de mercancías, y con ellas lo que pueda ir quedando en uno de niño desmandado, señor de su pregunta y de su juego. Miguel Ángel Velasco (Mallorca, 1963) comenzó su andadura poética con Sobre el silencio y otros llantos (Madrid, 1980), al que seguirían otros libros tempranos. Premio Adonais a los 18 años, sin embargo no sería hasta mediados de los noventa cuando se reincorporase a la publicación, con El sermón del fresno (Pamiela, 1995). Desde entonces ha dado a la imprenta El dibujo de la savia (Lucina, 1998), La vida desatada (Pre-Textos, 2000), La miel salvaje (Visor, 2003), libro galardonado con el Premio Loewe, Fuego de rueda (Visor, 2006), La mirada sin dueño (Renacimiento, 2008) y Minutario del agua (Tres Fronteras, 2008).
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Clásico del siglo XX y una de las voces más rigurosas de la generación del 27, Jorge Guillén no sólo nos ha dejado una obra poética excepcional, recogida bajo el título genérico de Aire nuestro, sino una de las prosas más elegantes e incisivas, precisas y refinadas de su tiempo. En efecto, pocos lectores saben que es autor de una considerable obra crítica, que trazó semblanzas e indagó en la literatura y el arte en general con una maestría que los años han convertido en ejemplar. Con el propósito de recuperar y reunir sus textos en prosa, en su gran mayoría mal conocidos o de dificil acceso, el catedrático de literatura española de la Universidad de las Islas Baleares Francisco Díaz de Castro los ha agrupado bajo seis epígrafes que, en realidad, definen las cuestiones que han preocupado a Guillén a lo largo de su trayectoria literaria: a los dos volúmenes que se publicaron en vida del autor, Hacia «Cántico» y Lenguaje y poesía, siguen «Otros estudios literarios», Contemporáneos», «Semblazas y testimonios. Varia» y «Autoexégesis y poéticas».Todos ellos iluminan con magistral agudeza no sólo el alcance de la palabra poética, sino los temas preferidos de su propia y monumental obra poética.
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Con voz propia presenta una amplia antología comentada de la poesía que se está publicando en España en los últimos treinta años del siglo XX y primeros del XXI. Las poetas reseñadas ofrecen voces personales desde su particular visión del mundo y desde el afianzamiento de la identidad que supone ser mujer en este fin de siglo. Implica una propuesta de revisión del canon poético y el análisis de significativos datos de la producción y recepción poéticas en la España contemporánea, así como la interpretación de la poesía plural y diversa que están escribiendo las poetas actuales. Con voz propia se plantea como un interesante material para el profesorado y el alumnado, de manera que puedan subsanarse importantes silenciamientos encontrados en la difusión de las obras de las mujeres poetas, del mismo modo que es una interesante oferta de lectura para quienes deseen conocer qué cantan las poetas de ahora. María Rosal Nadales (Fernán-Núñez, Córdoba, 1961) es Doctora en Teoría de la Literatura y del Arte y Literatura Comparada por la Universidad de Granada, poeta y crítica literaria. Trabaja como profesora en el I. E. S. Francisco de los Ríos de Fernán-Núñez y dirige el Aula de Literatura y la colección de poesía Casa del Inca. Ha recibido el premio de poesía Andalucía de la Crítica por su obra Otra vez Bartleby. Académica Correspondiente de la Real Academia de Ciencias, Bellas Letras y Nobles Artes de Córdoba, ha publicado entre otros poemarios: Abuso de confianza (1990), Vuelo rasante (1996), Ruegos y preguntas (2001), Tregua (2001), La risacca del fuoco (2002), A pie de página (2002), Travelling de acompañamiento (2002), Otra vez Bartleby (2003). Entre las obras de ensayo destaca La mujer y el vino en la literatura: Historia de un desencuentro (2004). Es autora de las antologías: Doce poetas andaluzas para el siglo XXI (1004), Poetas españolas de hoy (2004), Córdoba, espacio poético (2006).
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DESDE que en 1989 publicara su primer libro, De círculo y ceniza, la obra de Piedad Bonnett (Amalfi, Colombia, 1951) ha ido conquistando a críticos y lectorescon una poesía intimista de corte emocional, vital eintelectual que la postulan hoy como una de las poetas contemporáneas más reconocidas dentro y fuera de Latinoamérica. La poesía de Piedad Bonnett es una formade resistencia, de rebelión ante el sinsentido de lavida y su irremediable final, ante el derrumbe íntimo y la deshumanización del mundo, que con su «estruendo de trenes que abandonan los rieles» camina «haciael silencio». Poesía que nace en el borde del abismo,y lo hace temblando. En el borde, Bonnett siente eltemblor del vértigo ante la incertidumbre no solo vital, sino también creativa. No obstante, en esa mismaduda, de signo metafísico, se gesta la oportunidad. En el borde nace lo ilimitado y la reflexión ante el caos, que en el poema adquiere un orden y revela una verdad.
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¿Quién. ignora cómo lo mejor, lo más noble que la humanidad puede. ofrecer, ha sido realizado por genios aislados y a pesar de los otros hombres?. Una demoníaca fuerza aniquilaba a H''lderlin por el fuego, fuego. que al propio lo salvaba. Ahí se vislumbra
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Sería. un error considerar que la poesía de R. Carver (1939 - 1988) es. un complemento a sus relatos breves. El propio Carver señaló. que su obra poética la consideraba más esencial y el medio. con el que mejor expresaba sus sentimientos. No consideraba s
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La. obra de Rafael Alberti ( Puerto de Santa María, Cadíz, 1902). ha sido comparada con la de Picasso por su intensidad y su extensión.. Dicha extensión es perceptible en la variedad de temas, formas,. estilos y tonos poéticos que están siempre presentes
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Como dijera yo en un poema antiguo: beberéis del incienso dorado de mi mierda cuando sepáis, ya tarde, en aquel demasiado en que la serpiente recorre los libros de mi cuarto, que también de tus sesos sedientos por misterio, masticará los restos del fuego la locura, el fuego sin piedad que hoy me escupe de ti, desde tu nombre joven, Míriam, el horrendo enigma que llevo y que no sé, y que llevas por costumbre atado a los zapatos del colegio y enseñas a los otros sin decir nada, sonriendo, diciéndoles: «Mira, mira, él persiguió esta sombra y dijo que era la vida».Así, este libro, como la mortífera anfisbena, es también una serpiente emplumada que habita en los desiertos, alimentándose de incautos viajeros y destilando la peste por sus dos bocas.
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LOS hermanos Machado no habían dicho aún su última palabra. Durante demasiado tiempo, considerados como enfrentados y opuestos entre sí, su obra común e indivisible, es decir, su obra dramática, había sido leída con insuficiente atención e incluso con no poco desdén. Los mismos y escasos estudiosos que la abordaban no la tenían, por lo general, en mucho. En este ensayo, Enrique Baltanás, que ya había recuperado la figura del padre, Machado y Álvarez, con la edición de sus Obras completas (2005) o, poco después, ofreciendo una atinada visión de conjunto en Los Machado. Una familia, dos siglos de cultura española (2006), nos descubre un teatro hasta ahora sepultado por un triple prejuicio ideológico, estético y filosófico. Sin seguir ninguna teoría novedosa (estructuralista, semiótica, freudiana, marxista?), sino sencillamente escuchando los textos, leyéndolos con atención, dejándoles decir lo que dicen, este teatro aflora como una de las más importantes dramaturgias españolas, si no la que más, de la primera mitad del siglo XX. Por su calado filosófico y su complejidad moral, por su penetración psicológica en la conformación de sus personajes, por su altura artística, por su mensaje inequívoco y preciso, antiguo y renovado: sólo el amor nos salva.
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Segundo libro que publicamos del autor, un auténtico clásico de la poesía brasileña.En Plenilunio, su última entrega hasta el momento, Lêdo Ivo (Maceió, Brasil, 1924) un auténtico clásico vivo de las letras brasileñas, asume la desnudez y el despojamiento en el que sólo los verdaderos poetas son capaces de hacer brotar la palabra verdadera sin necesidad de recurrir a cuanto es poético a priori.
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Hemos reunido en un mismo libro a cuatro de los más destacados e influyentes escritores vivos contemporáneos: Paul Auster, Enrique Vila-Matas, Barry Gifford y Jean Echenoz. ¿Y sobre qué trata este libro? Sobre el placer de la impostura, el difícil arte de la imitación o la sana reinvención del «plagio». En otras palabras, sobre el escritor y su sombra: el impostor. Enrique Vila-Matas y Jean Echenoz intercambian suculentas opiniones sobre el papel de la impostura en sus respectivas obras, en una concepción cruzada de la literatura que no elude el juego, la apropiación, la autoficción, la cita… El escritor norteamericano Barry Gifford se hace pasar por el pintor alemán August Macke. En abril de 1914, los artistas Paul Klee y August Macke viajaron a Túnez y allí escribió Klee un breve diario que publicó poco después. Pero según todos los indicios, el diario de Klee no reflejó lo que verdaderamente ocurrió aquellos días, sino lo que Klee querría que hubiera ocurrido… Tras la traducción de las páginas de este diario al castellano, el lector encontrará un relato de Barry Gifford que recrea el supuesto diario de esos mismos días de August Macke (que el artista nunca escribió), en el que volvemos a leer la misma historia que nos relata Klee… con algunas diferencias significativas. Paul Auster se apropió en su día de diversos episodios de la vida de la artista francesa Sophie Calle para crear el personaje de Maria en su libro ''Leviatán''. A raíz de este hecho, Calle le propuso a Auster que repitieran el juego, pero invirtiéndolo: le propuso que creara un nuevo «personaje» al que ella misma se acomodaría durante un periodo de su vida. La creación por parte de Auster de este personaje y la crónica de la vida real de ese ser de ficción encarnado por Calle dieron lugar al libro ''Gotham Handbook. Nueva York: instrucciones de uso'', que presentamos por primera vez en castellano dentro de este volumen.
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Los cuentos de Pedro Ugarte se mueven en un terreno reconocible, cotidiano, en una tranquilizadora geografía de residencias y avenidas donde «la felicidad es un archipiélago de islas pequeñas, cuyas costas se ven azotadas por un océano oscuro y turbulento», pero basta desviar un poco la mirada, dar un solo paso en falso, para adquirir conciencia de los abismos que asoman a los lados. Con menos ironía que en anteriores libros, pero con la misma ternura clandestina, estos relatos continúan indagando en los intereses del autor: relaciones laborales, parejas sentimentales atormentadas y la disección del concepto de familia, convertida en un laboratorio literario. Con una prosa elaborada, llena de observaciones, y desenlaces que alternan la sorpresa y la incertidumbre, Un lugar mejor es un nuevo paso en una de las obras más sólidas de la narrativa breve de hoy.
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Sentimiento y creación sugiere que en el origen de la literatura, en su más profundo estrato germinal, se encuentra lo que el autor llama experiencia interior. Buena parte de las páginas de este libro están consagradas a la delimitación de ese territorio por definición ignoto pero también, por definición, vivo y actuante en la generación de las obras artísticas. Los escritores bucean en su experiencia para conquistar la forma que represente adecuadamente lo que de ella conocen. No hay, sin embargo, escritura creativa sin tradición fecundante, y por eso este ensayo dedica un espacio a escrutar esa dimensión que nos asegura que los libros son hitos en una determinada sucesión genealógica. Por otro lado, el tiempo se encarga de moldear los estratos de la experiencia humana que se proyectan sobre las obras como su más consustancial fundamento. Este libro explora ese aspecto temporal de lo literario y artístico como también lo hace con el parentesco profundo que, cabe suponer, existe en último término entre todas las artes.
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