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Libros de arte
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La mente en la caverna, de David Lewis-Williams (9788446041276).El arte que se creó en las profundidades de las cuevas de Europa occidental a finales del periodo glacial produce admiración y asombro a partes iguales. ¿Qué nos dicen los animales y los símbolos pintados sobre las paredes de cuevas como las de Lascaux, Chauvet y Altamira acerca de la naturaleza de la mente ancestral? ¿Cómo surgieron, por así decirlo, de la nada? La mente en la caverna ofrece la explicación más convincente de todas las que hasta ahora se han propuesto para los orígenes del arte: la respuesta se halla en la evolución de la mente humana. En sus distintos capítulos, el autor combina toda una vida de investigación antropológica con los avances en el ámbito de la neurología más recientes para mostrar cómo los Cromañones, a diferencia de los neandertales, poseían una conciencia de nivel superior y una estructura neurológica más avanzada que les permitían experimentar trances chamanísticos e intensas imágenes mentales que, con el tiempo, tuvieron la necesidad de «fijar» sobre las paredes de las cuevas. El resultado es un libro apasionante, un trabajo casi detectivesco que arroja luz sobre los misterios de nuestros primeros antepasados y sobre la naturaleza de nuestra propia conciencia y experiencia.
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Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo xvi? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.
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Cambiar el mundo, cambiar la vida'' era el mensaje utópico que el arte moderno transmitía abierta o veladamente, un mensaje que a comienzos del siglo XXI puede parecer a muchos obsoleto pero que formulado en los términos de Walter Benjamin adquiere una actualidad insospechada.A partir de ahora el lector en español dispone del texto mas completo de este ensayo de Benjamin, pues esta nueva edición recoge los principales pasajes de las diferentes versiones que resultan excedentes o divergentes respecto de la versión básica.
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Considero que mi taller es como un huerto. Por allí hay alcachofas. Por aquí, patatas. Trabajo como un hortelano. las cosas lleganlentamente. siguen su curso natural. Crecen, maduran. Hace falta injertar. Así maduran en mi espíritu. En 1958 el artista
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Un maestro de la crítica nos guía por el arte del siglo XX En las críticas aquí reunidasse dan cita diversos artistas, personajes y movimientos artísticos. J. F. Yvars prodiga sus amplios conocimientos de historia del arte y ofrece una magníficaretrospectiva del arte moderno en la que nos invitaa reflexionar sobre el hedonismo y la sensualidad en la obra de Matisse, la deformación pictórica en lade Bacon, la estética visionaria de Balthus, el genio creador de Picasso o las provocaciones de Duchamp.Además, el discurso de Yvars dialoga con pensadoresde la talla de Benjamin, Adorno o Clark. Sobre el autor y su obra:«Yvars lleva más de medio siglo descifrando la experiencia estética en palabras.»ABC «Yvars no habla solo de arte, sino que lo inserta siempre en el mundo culturalcontemporáneo.»Josep Maria Castellet, El País
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En la Sacristía Mayor de la catedral de Sevilla se conserva una obra tan extraordinaria como desconocida.Su arco de ingreso, ejecutado entre 1533 y 1535, contiene sesenta y ocho platos con alimentos cuidadosamente esculpidos en piedra, reflejo de la realidad gastronómica del momento y de un rico universo simbólico.El libro que tienen en sus manos se plantea como unaexploración que, partiendo de esta gran urbe del Renacimiento, nos permite emprender un largo viaje a través del arte y la ciencia, la alimentación y la cocina, la cultura y la espiritualidad de toda una época.
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En el tercer centenario de Kant: su estética.“Puede decirse que el problema estético no ha sido formulado con precisión hasta Kant. Los antiguos confundían lo bello con lo bueno, no distinguían en el fondo la ética y la estética. Los modernos, que antecedieron a Kant, cometieron idéntica confusión, mezclando unos la lógica con la estética y otros la estética con la moral. La visión sistemática, total, de los problemas de la filosofía fue la que permitió a Kant formular con precisión e independencia el problema estético. Esta es acaso su principal contribución a la teoría de la belleza.” Manuel García Morente (1886-1942), filósofo, traductor de las principales obras de Immanuel Kant (1724-1804), resume aquí los elementos centrales de la teoría estética kantiana.
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En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, Bourriaud construye herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.Nicolas Bourriaud, el ex director del Palais de Tokyo parisino, define el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales.Las teorizaciones que recorren «Estética relacional» surgen del conocimiento profundo de la obra de los más importantes artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro responde, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de «Estética relacional» es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.
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“Si Maillol a veces se aproxima a los griegos del tiempo de Fidias no es que los comprenda por alguna elucubración intelectual, por el intermedio de un razonamiento, o que los copie, es que siente directamente como ellos, su perfección es la suya, responde a la verdad de su instinto. Es un primitivo clásico.”
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'Cuando Picasso murió leí en una revista que había hecho cuatro mil obras maestras en su vida y pensé: ''Caramba, yo puedo hacer eso en un día'''', de este modo reflexionaba Andy Warhol a propósito de Picasso en su libro ''La filosofía de Andy Warhol'', aparecido en 1975. Hacía poco que había muerto Picasso, productivo hasta el final, obsesionado hasta entrados los años 60 del siglo XX con el tema del pintor y la modelo: el artista de la tradición clásica, que se codea con los grandes maestros, que vuelve la mirada hacia ''Las Meninas'' y las multiplica, las convierte en serie, imágenes de las culturas populares que desacralizan el mundo y que fascinaron a tantos artistas desde las primeras décadas del XX. También Picasso cayó bajo el hechizo de esa cultura popular que construyó una relación diferente con la visualidad tal y como se había conocido hasta entonces. De esas culturas populares Picasso aprendía la técnica para construir una imagen en la cual la obra, el personaje, el retrato de ese personaje, la biografía misma... tienen algo de fabuloso proyecto autobiográfico que, igual que ocurre con Dalí, forma parte de una compleja y calculada maniobra que parte del artista, con su imagen siempre bajo control. Sentado ante la pantalla translúcida de Clouzot en ''Le mystère Picasso'' de 1955, Picasso pinta. Pinta y borra. Corrige y las formas se van metamorfoseando. Entonces es un gran maestro, rico y aclamado por todos, como siempre deseó ser. Pese a todo, a pesar del éxito y del cuidado a la hora de diseñar su propia imagen en el ''proyecto Picasso'', una duda última surge frente a este hombre ya mayor que aprendió casi todo del cine, del circo, del vodevil..., una posibilidad de lectura más que, como siempre ocurre con Picasso, reta a nuestra audacia.
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Estas páginas pretenden que recorras la historia de uno de los edificios más sublimes de la humanidad y que lo conozcas como si estuvieras paseando entre sus columnas y contemplando sus patios. Hemos querido acercarnos a cada uno de sus rincones y contemplarlos con capacidad de crítica. Escrito por auténticos expertos en Historia del Arte, al-Ándalus y la ciudad de Córdoba, creemos que su lectura resultará tan singular como ella misma: un espacio ecléctico que ha sabido conjugar y aunar lo diferente enriqueciéndolo. Descubre los secretos y los tesoros de una construcción singular, un ejemplo de diálogo artístico entre culturas y religiones, del que podemos aprender muchísimo hoy en día. «Este antiguo y fantástico palacio posee una magia singular, un especial poder para hacer recordar sueños y cuadros del pasado y para presentarnos desnudas realidades con las ilusiones de la memoria y de la imaginación.» Washington Irving
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El poeta José Ángel Valente y el cineasta Gonzalo Suárez, reunidos por Susana Chillida para reflexionar en torno al arte, el artista, la obra y el proceso creador. Un verso de un poema de Valente, «el gato es pájaro», les da pie para armar este diálogo en torno a «esa cuestión intangible que podemos llamar arte», que a veces, recuerdan ambos, es «una bofetada», una llamada a mirar y «ver cosas que se quedan en la sombra». En esta conversación estos dos creadores tienen de fondo a Eduardo Chillida, a quien ambos conocieron en distintos momentos de su vida y al que admiraban profundamente. Las palabras de ambos mantienen plena vigencia y nos recuerdan que, en el arte, como en todo en la vida, hay que «seguir el vuelo de los grandes».
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Una historia alternativa del Renacimiento contada por las mujeres detrás de las pinturas.Belleza, maquillaje, arte, poder: Cómo ser una mujer en el Renacimiento presenta una historia alternativa de este fascinante período contada por las mujeres detrás de las pinturas. El Renacimiento fue una época obsesionada por las apariencias: el mundo visual se pobló de desnudos de la mano de artistas como Miguel Ángel y Tiziano y emergió una vibrante escena literaria alrededor de consejos de belleza, cosméticos y adornos. Jill Burke nos lleva desde las bulliciosas plazas del mercado italiano hasta los niveles más altos de la sociedad renacentista para acercarnos a las vidas de cortesanas, artistas, actrices y escritoras que se labraron un espacio propio, así como aquellas que ganaron poder e influencia en el despiadado mundo de la corte o las que se rebelaron contra las restricciones de su época en un momento en el que las valoraciones sobre los cuerpos y el color de la piel estaban en el punto de mira debido al contexto colonial. Esta vívida exploración de la vida íntima de las mujeres renacentistas nos invita a cuestionar las ideas de tenemos sobre nuestro propio cuerpo a la vez que desentraña los orígenes de los ideales de belleza que todavía nos acompañan en la actualidad. «Nunca verás los retratos del Renacimiento de la misma manera.» Maggie O'Farrell, autora de Hamnet y El retrato de casada
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Basado en una exposición monográfica en el Museo Picasso, Málaga, sobre las distintas etapas de la carrera de la pintora española María Blanchard (1881-1932).Descubra cómo las experiencias personales de Blanchard influyeron en su obra, y como los temas del aislamiento, la melancolía y la resiliencia impregnan sus cuadros.Sea testigo de la evolución artística de Blanchard desde sus primeras obras cubistas hasta sus últimas pinturas de gran carga emocional, caracterizadas por colores llamativos.El catálogo ofrece un recorrido cronológico y temático por las diferentes etapas en la vida artística de la pintora española María Blanchard (Santander, 1881-1932). Asimismo, tiene como objetivo poner de relieve la riqueza simbólica y el carácter innovador propios de su trabajo en su corta trayectoria artística. Su consistente obra no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina artística. Pintora comprometida con su modo particular de vivir y de crear hasta el final, traspasó los límites de los estereotipos de género.El amplio repertorio de obras que dejó tras de sí, que incluye escenas de maternidades, escenas domésticas, niños o trabajadoras, refleja una sentida preocupación femenina por la vulnerabilidad de la condición humana y el poder evocador de las emociones. Estos aspectos se ven reforzados por un meticuloso dominio técnico y un vivo interés por la historia y la tradición de la pintura europea.
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Para cultivar la comprensión del planeta y de nuestros semejantes, además de viajar, tenemos el recurso de la gran literatura. Hay un mundo que conocer y en el que perderse, y si nos dejamos guiar por la curiosidad, esta puede llevarnos a un viaje interior que nos cambie a mejor. El mundo es cada vez más pequeño: todos estamos más conectados y podemos explorar el planeta de formas que a nuestros antepasados ni se les habría pasado por la mente. Y, sin embargo, pueden verse divisiones por doquier. Cunde la desconfianza y las falsedades se propagan. Viajar puede ayudarnos a contrarrestar estas tendencias, al igual que lo puede hacer leer sobre las experiencias de otras personas en otras tierras y épocas.
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Este libro presenta un extenso panorama de viajeros británicos en Sevilla desde principios del siglo XVIII hasta mediados del XIX. Personajes conocidos como el poeta Lord Byron, el artista David Roberts o el hispanófilo por excelencia, Richard Ford, aparecen junto a otras figuras identificadas aquí por primera vez, y juntos forman un grupo más variado en género, edad, clase social y ascendencia que el que había servido hasta ahora para definir la percepción británica del rico patrimonio arquitectónico sevillano. Más allá del repertorio visual de los libros de viaje de la época y sus dibujos originales, este estudio pone de relieve cartas y diarios inéditos para sustentar un catálogo que reúne las experiencias de una veintena de viajeros, dando voz a varias mujeres y a algunos hombres jóvenes cuyos itinerarios y vivencias eran prácticamente inéditos.
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* El arte puede ser tan fascinante como frustrante. Una sola obra puede tener varios significados, y existen muchas formas de entenderla, interpretarla y apreciarla. * Este libro claro y accesible descompone grandes obras de arte en diez elementos sencillos para ayudarle a comprenderlas y apreciarlas mejor. * Además, le permitirá responder a algunas preguntas obvias, pero complicadas: «¿Cómo crea Yayoi Kusama la sensación de infinito en Luces resplandecientes de almas?» o «¿Por qué las capas de pintura de La noche estrellada de Van Gogh son tan gruesas?». Este libro presenta las diez características clave que le ayudarán a analizar y entender mejor el arte. Desde el color, la técnica y el tamaño hasta el lugar donde se sitúa la obra y el artista que la creó, aprenderá qué es importante y qué no lo es tanto. Ya sea estudiante, profesor o simplemente un aficionado al arte, este libro dilucidará las grandes obras de arte para conseguir que su próxima visita a un museo sea más enriquecedora.
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A través de estas páginas Sorolla se nos desvela a través de la materialidad de objetos que le acompañaron en vida. Su colección de enseres despierta varios relatos, anécdotas e historias fragmentadas. Una amena biografía del artista a través de pequeñas narraciones contadas a través de los bienes con los que Sorolla rodeó su existencia.
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¿Crees que el tatuaje japonés es solo carpas koi, dragones y flores de cerezo? ¡Pues es mucho más! Detrás de cada línea de tinta hay siglos de historia, maestros legendarios y personas que han desafiado las normas para convertir su piel en arte.En Crónicas del tatuaje japonés conocerás las historias de los artistas, visionarios y rebeldes que moldearon esta tradición. Desde maestros tatuadores que han creado escuela, como Horichiyo, el «Shakespeare del tatuaje», o el célebre Horiyoshi III, hasta personajes insólitos como el doctor que coleccionaba pieles humanas o los yakuza que usan su piel como manifiesto, este libro es un viaje por la historia oculta del irezumi.
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El museo como espejo del alma humana En los gabinetes de curiosidades del Renacimiento y en las vitrinas de los museos contemporáneos late una misma pregunta: ¿qué significa reunir, ordenar y mirar el mundo? En Museología, Adalgisa Lugli nos invita a pensar el museo no solo como un lugar donde se conservan objetos, sino como un espacio donde la humanidad se contempla a sí misma, un espejo de su deseo de comprender y dar forma a su experiencia. A través de una prosa lúcida y reflexiva, recorreremos la historia del museo desde el Renacimiento hasta el siglo XX para entender cómo esta institución, antaño cuestionada por las vanguardias, se ha convertido en uno de los centros morales y estéticos del mundo moderno: el último refugio de la diferencia y de la maravilla. Un clásico indiscutible de la museología italiana y una joya del pensamiento contemporáneo.
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Este volumen es resultado del trabajo grupal del proyecto de investigación Circulación de la imagen en la Geografía artística del mundo hispánico en la Edad Moderna (CIRIMA), y particularmente atiende dicho transitar situando a América y lo americano en el centro, tanto geográfica como temáticamente. Hemos tomado como detonante la pregunta de Keith Moxey ''¿puede la disciplina [de la Historia del arte], por ejemplo, aceptar que las apropiaciones no occidentales de estilos occidentales no son un mero atraso? ¿aceptaría que las historias subalternas no son repeticiones de las que son dominantes y que el «centro» no es simplemente imitado cuando aparece en los «márgenes»?'' (El tiempo de lo visual. La imagen en la historia, 2013). Lo que aquí se refleja son respuestas que exploran el papel del arte en América, por mucho tiempo considerado al margen, dadas por un conjunto plural de investigadores internacionales. En sus 10 capítulos se exploran diversos conceptos como circulación, apropiación, adaptación, originalidad, autenticidad, agencia o centralidad del arte en el enorme territorio americano. Con acercamientos teóricos recientes, propuestas metodológicas propias y análisis de casos puntuales, se busca ampliar las miradas, preguntarse por la recepción artística y los usos de las imágenes, poniendo en duda la ''historia del arte tradicional'' centrada en Europa y sus cánones.
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Obras maestras explicadas es para aquellos que alguna vez se hayan detenido frente a una obra de arte y hayan sentido una profunda conexión emocional, una atracción inexplicable. Es para los curiosos, los escépticos, los soñadores, para cualquiera que quiera comprender los significados ocultos y las fascinantes historias que encierran algunas de las obras más icónicas del mundo. El arte es un diálogo a través del tiempo y este libro es una invitación a una conversación atemporal.
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En FLUJO VISUAL se publican un conjunto de reflexiones, desde una perspectiva fluida y dinámica, en donde la realidad es percibida en perfecto cambio y, al mismo tiempo, ese cambio es a su vez, paradójicamente, un continuo.Valerio Rocco introduce el debate desde una perspectiva filosófico-artística atendiendo a la evolución histórica del arte, en una puja constante del creador contra los límites materiales que cada disciplina artística presenta. En esta confrontación se sitúa la reflexión que plantea Ana Marcos.Los autores aportan razonamientos que parten de lugares de reflexión diferentes. Lois Patiño interviene desde su experiencia personal como creador de imágenes en movimiento, y ello le permite pensar sobre los elementos inmateriales que ordenan e impulsan su actividad, desde un sentimiento oceánico, pero también da cuenta de aspectos muy concretos y materiales del mercado audiovisual y de sus condiciones de trabajo.Valentín Vallhonrat, por su parte, nos describe el flujo histórico de la fotografía desde su origen hasta la actual cultura de la imagen, así como la evolución que va desde los propósitos científicos iniciales de los primeros fotógrafos, la necesidad de precisión y exactitud, a la diversidad y el desarrollo proteico y biogenético de la fotografía en estos momentos. La biogénesis creadora subyace ante el reto de la mal llamada “inteligencia artificial”, pues la vida solo se genera desde la vida y el arte es fruto de seres vivos: los seres humanos.
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En este tercer volumen se narra la evolución del arte y la arquitectura durante la Edad Moderna. Dos módulos específicos se dedican el arte del Quattrocento y el Cinquecento en Italia, y un tercero estudia la difusión europea del Renacimiento. En otros tres apartados independientes se examina la arquitectura y el urbanismo, la pintura, y la escultura y las «artes menores» del Barroco y el Tococó. Por último, dos capítulos más analizan las transformaciones artísticas durante el periodo de la Ilustración y la historia del arte y la arquitectura de la Edad Moderna en Iberoamérica.
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¡Pon en orden tu vida aplicando los consejos de la gurú del orden Marie Kondo! Este estuche contiene dos de las grandes éxitos de la autora: La magia del orden y La felicidad después del orden La magia del orden. Marie Kondo, la experta en orden japonesa, te ayudará a acomodar tus espacios de una vez por todas con su sencillo método KonMari. La clave para mantener el orden exitosamente está en acomodar los objetos de tu casa, habitación, apartamento, estudio u oficina en forma correcta, manteniendo solo lo que realmente amas y limpiándolo todo a la vez. La felicidad después del orden. Esta vez, Marie Kondo presenta una guía ilustrada de su aclamado método KonMari con ilustraciones que explican paso a paso el plegado de todas las prendas desde camisetas hasta calcetines, además de dibujos de armarios y cajones perfectamente organizados.La crítica ha dicho... «Marie Kondo es una sola mujer con una única misión: limpiar el mundo habitación por habitación. Sus libros se han convertido en un fenómeno de ventas en Japón, su país natal. Su método es una actitud ante la vida, una filosofía del orden. Kondo sostiene que son muchos los efectos positivosque podemos tener en nuestras vidas gracias al orden: suerte, amor y éxito, entre otros».The Sunday Times«Un método de organización con el que no solo transformarás un espacio sino que, también, te cambiará a ti».El Mundo«Un método que se expone como un teorema: el orden en nuestras casas y espacios de trabajo constituye la basede nuestra felicidad».La Vanguardia«Un minucioso manual que te ayudará a ordenar tu hogar y crear ambientes mucho más agradables para vivir en armonía y conocernos a nosotros mismos».El Español«Si buscas soluciones para ordenar tu casa, aquí tienes el manual perfecto».ELLE
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Edición inspirada en el libro original Tomon Hyakka (Cien diseños de cosas hermosas de la capital), de 1891, conservado en el Gabinete de dibujos, estampas y fotografíasdel Museo Nacional del Prado. El Tomon Hyakka es un espléndido conjunto de diseños p
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Los antiguos escribas mayas registraron profecías y observaciones astronómicas en las páginas de libros pintados. Aunque la mayoría se perdieron por descomposición o destrucción, se sabe que sobrevivieron tres códices mayas prehispánicos cuando, en la década de 1960, un cuarto libro que difería de los demás apareció en México bajo misteriosas circunstancias. Después de cincuenta años de debate sobre su autenticidad, investigaciones recientes utilizando análisis científicos e históricos del arte de vanguardia determinaron que, El Códice Maya de México, (anteriormente conocido como Grolier Codex) es de hecho el más antiguo libro de las Américas, anterior a todos los demás, al menos doscientos años. Este volumen proporciona una introducción multifacética a la creación, descubrimiento, interpretación y autenticación científica del Códice Maya de México. Además, un facsímil a todo color y una guía página por página de la iconografía hacen que el códice sea accesible a una amplia audiencia. Los temas adicionales incluyen los usos y la importancia de los libros sagrados en Mesoamérica, el papel de la astronomía en las antiguas sociedades Mayas, y la continua relevancia del códice para las comunidades mayas contemporáneas.
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Visor. Escritos de arte y cultura, de Chus Tudelilla, reúne una selección de artículos dedicados a determinados episodios centrales en la historia reciente de la cultura y del arte en Aragón, denostados en su mayoría por su decidida vocación renovadora. Un relato en los márgenes de la cultura oficial atento a los creadores que, con sus aportaciones, lograron sobrevivir al olvido hasta convertirse en luminarias de una historia que hoy nos representa.
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L'art en joc és una col·lecció de llibres perquè els infants descobreixin l'art dels segles xx i xxi. A mesura que passem les pàgines, una obra del Centre Pompidou se'ns revela a través d'imatges, preguntes, sorpreses gràfiques, jocs... Una invitació a mirar de manera lúdica l'art actual. Com en un decorat d'òpera, David Hockney escenifica L'arribada de la primavera a Woldgate en un bosc misteriós. Al llarg de les pàgines, l'infant adopta la mirada dels animals que l'habiten: què veu la formiga amagada entre l'herba? I la guineu arraulida al sotabosc? I l'ocell que s'enfila a la capçada dels arbres?
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Publicado con motivo de la exposición Tan lejos, tan cerca. Guadalupe de México en España, celebrada en el Museo Nacional del Prado, Madrid, entre el 10 de junio y el 14 de septiembre de 2025.La imagen de la Virgen de Guadalupe se difundió masivamente entre 1650 y 1790, convirtiéndose en un símbolo religioso clave en España, Italia, Filipinas y América Latina. Se consideraba una imagen milagrosa, con su belleza y técnica sirviendo como prueba del favor divino hacia los habitantes de la Nueva España. Fue la imagen más reproducida y copiada por artistas novohispanos, asociada a la idea de un ''icono revelado''. La exposición y el catálogo que la acompaña exploran su circulación en España, el impulso del culto en la Edad Moderna, las relaciones entre la Virgen de Guadalupe de Extremadura y la mexicana, y el papel de los artistas en su difusión. Presenta unas 70 obras, la mayoría provenientes de España y México, incluyendo impresos de Madrid y Sevilla.El catálogo, que se abre con una introducción a cargo de los dos comisarios de la exposición, Jaime Cuadriello, profesor de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Paula Mues Orts, profesora del Instituto Nacional de Antropología e Historia de México, repasa el culto a esta Virgen en seis ensayos de la mano de diversos especialistas: El «icono moderno» ante la era del arte (Javier Portús), Tipología figural, construcción visual y articulación devocional (Jaime Cuadriello), La Virgen de Guadalupe, un icono entre dos orillas (Francisco Javier Pizarro Gómez y Angelika García Manso), La Virgen de Guadalupe de México y de cómo los pintores novohispanos intentaron retratarla (Paula Mues Orts y Rocío Bruquetas Galán), Agentes, dinámicas y espacios de la recepción guadalupana en España (Francisco Montes González) y La Virgen, los «señores indianos mexicanos» y el rey católico (Iván Escamilla González). El libro se cierra con una bibliografía y un índice antroponímico y de obras reproducidas.
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Antonio Bonet Correa siguió con gran fascinación, casi desde sus inicios, los pasos del pintor Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948). El artista se convierte en este libro en el espejo en el que se contempla el historiador del arte. De ahí que estas páginas que les dedica a la vida y la obra del artista estén repletas de emocionantes pinceladas autobiográficas (muchas de ellas referidas a su infancia coruñesa y lucense, y a sus relaciones, en París, Madrid y Sevilla, con los creadores de su generación), y que constituyan al tiempo una suerte de testamento estético y vital de Bonet Correa. De Pérez Villalta le atraen su pasión por la Antigüedad clásica y por la mitología, su conocimiento de la historia del arte y de los tratados, su pasión por el barroco y el rococó, su vocación frustrada de arquitecto, su interés por las construcciones demóticas de la Costa del Sol y otros espacios españoles. El libro, que el autor dejó inacabado y ha sido editado por su hijo, Juan Manuel Bonet, incluye un apéndice de este último, un prólogo del propio Pérez Villalta y un epílogo de Estrella de Diego. En él se reproducen además numerosas obras del pintor y de los ''afines''. En definitiva, es un maravilloso viaje artístico de la mano de un gran maestro.
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* Bolsos, sombreros, brazaletes, diademas, cinturones, cojines, manteles, cestas, jarrones y adornos hechos con un material ecológico, natural y sostenible. * A través de instrucciones paso a paso, diagramas y patrones escritos, algo muy útil porque trabajar con rafia requiere adaptarse a una fibra más rígida y menos flexible que la lana tradicional, cree artículos elegantes, cien por cien a base de material vegetal. * Una combinación de artesanía contemporánea, estética mediterránea y sostenibilidad. Una obra que muestra un buen equilibrio entre moda y decoración: los bolsos y sombreros tienen un aire elegante y veraniego muy actual, mientras que las cestas y jarrones mantienen una línea minimalista y artesanal. Además, el enfoque ecológico conecta muy bien con tendencias contemporáneas de consumo consciente. Ideal para para tejedores de nivel intermedio que quieran explorar nuevos materiales.
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La Tauromaquia est une collection de scènes représentant divers épisodes du combat de taureaux. Goya était un aficionado consommé, et il passait une grande partie de son temps avec les toreros. Aussi était?il l’homme le plus compétent du monde pour traiter à fond la matière.
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Abocat als vasos, o a punt de ser servit de les gerres o ampolles que el contenen momentàniament, el vi fa de testimoni dels costums domèstics dels ciutadans amb alguna sensibilitat artística. Entre els objectes que caracteritzen els bodegons o les natures mortes, els artistes sovint hi han fet aparèixer el vi, ja sigui envoltat d'altres aliments o de diaris, guitarres, violins i jocs de cartes o d'escacs, ...
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Lo que percibimos no es algo dado. Máquinas fotográficas, cinematográficas, ordenadores, no son solo modos técnicos para distribuir lo sensible a domicilio, sino también objetos rituales que prescriben el límite de la experiencia en el mundo contemporáneo.El autor analiza así los modos en que se organiza el común estético occidental, y la dimensión política de este fenómeno, a través de lo que llama rituales de la percepción. Con una perspectiva latinoamericana como alternativa, traza un recorrido por el trabajo de varios artistas para mostrar los mecanismos con los cuales las artes desarticulan ese patrón estético develando formas de existir que no se dejan programar y que los devenires técnicos no pueden imaginar.
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Hilma af Klint pintaba como si canalizara el universo. Fascinada desde niña por la botánica y las matemáticas, comenzó su carrera pintando paisajes y retratos, pero en su interior bullían otras inquietudes: preguntas sobre el espíritu, energías invisibles, patrones demasiado vastos para el ojo humano.Su arte es inseparable de su práctica espiritual. Junto a un círculo de mujeres artistas llamado Las Cinco, celebraba sesiones de espiritismo, escuchaba voces de los ''Maestros Superiores'' y se inspiraba en la Sociedad Teosófica y en las teorías de Rudolf Steiner. Trabajó incansablemente para cartografiar las dimensiones ocultas de la vida, pintando hasta el agotamiento físico. Ya en 1906, sus lienzos mostraban geometrías radiantes de espirales y orbes, impregnadas de símbolos, letras y palabras, que se anticiparon a la posterior abstracción de Kandinsky, Malevich o Mondrian, entre otros. Sus vastos ciclos pictóricos -como las Pinturas para el templo y Los diez mayores- representaban con frecuencia dualidades: interior y exterior, lo terrenal y lo esotérico, hombre y mujer, bien y mal.Af Klint, que fue vegetariana y cuestionó la rigidez de las identidades de género, fue una adelantada a su tiempo, pero también vivió profundamente inserta en él y fue prácticamente ignorada en vida. Su prodigiosa producción permaneció oculta durante décadas, guardada bajo llave por voluntad propia. No fue hasta la década de 1980 cuando el mundo comenzó a reconocerla como una auténtica pionera del arte abstracto.Este libro se adentra en su universo visionario a través de una luminosa selección de obras y un ensayo detallado que destila su complejidad. Su universo, antes secreto, se revela así ante nuestros ojos.
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Los libros de arte son publicaciones impresas que exploran las distintas disciplinas artísticas desde una perspectiva histórica, estética y cultural. Los libros de bellas artes permiten profundizar en movimientos, técnicas y artistas fundamentales, ofreciendo una experiencia visual y reflexiva a través del formato en papel. Su cuidada edición facilita una lectura pausada y la contemplación detallada de imágenes y contenidos.
¿Qué son los libros de arte?
Los libros de arte reúnen estudios, ensayos y reproducciones que analizan obras, corrientes y contextos históricos relacionados con las artes visuales.
Definición
Incluyen contenidos sobre pintura, escultura, arquitectura, fotografía y otras disciplinas artísticas, abordadas desde enfoques académicos o divulgativos.
Valor editorial
El formato en papel permite apreciar la calidad de las reproducciones, la maquetación y el diseño, elementos esenciales en los libros de bellas artes.
Cómo elegir libros de bellas artes
Seleccionar libros de arte implica tener en cuenta la disciplina artística, el periodo histórico y el nivel de profundidad del contenido.
Criterios de selección
Es recomendable valorar si se busca un estudio general, un monográfico dedicado a un artista concreto o un análisis de un movimiento artístico específico.
- Historia del arte universal.
- Monografías sobre artistas destacados.
- Guías sobre técnicas artísticas.
- Ensayos de teoría y crítica de arte.
Tipos de libros y contenido habitual
Los libros de arte en formato papel presentan distintos enfoques editoriales y formatos.
Tipos de libros y contenido
- Catálogos de exposiciones.
- Estudios académicos y ensayos críticos.
- Libros ilustrados con reproducciones de obras.
- Manualidades y técnicas de bellas artes.
Estas publicaciones permiten comprender la evolución de las artes y su impacto cultural.
Beneficios culturales y educativos
Leer libros de bellas artes en papel favorece la educación estética y el desarrollo de la sensibilidad artística.
Apreciación estética
Los libros de arte permiten observar detalles, estilos y técnicas que enriquecen la comprensión visual.
Formación cultural
Estas obras contribuyen a contextualizar movimientos artísticos y su influencia en la sociedad.
Orientación lectora: ¿para quién son los libros de arte?
Los libros de arte están dirigidos a lectores y lectoras interesados en las artes visuales y su evolución histórica.
- Estudiantes de bellas artes e historia del arte.
- Docentes y profesionales del ámbito artístico.
- Personas interesadas en la cultura visual.
- Lectores que desean ampliar su conocimiento artístico.
Preguntas frecuentes sobre libros de arte
¿Qué incluyen los libros de arte?
Incluyen estudios históricos, ensayos críticos y reproducciones de obras relacionadas con distintas disciplinas artísticas.
¿Qué diferencia a los libros de bellas artes de otros libros culturales?
Se centran específicamente en disciplinas artísticas y suelen incluir material visual de alta calidad.
¿Cómo elegir un libro de arte adecuado?
Es recomendable considerar la disciplina artística, el enfoque del contenido y el nivel de profundidad.
¿Por qué elegir libros de arte en formato papel?
El formato en papel permite apreciar mejor las imágenes, la calidad de impresión y el diseño editorial.
